Dopo la comicità di Carmelo Caccamo, un’esplosione di comicità dal vivo, continua, nel segno della grande qualità “Etna in Scena”, il cartellone estivo che trasforma Zafferana Etnea in un palcoscenico a cielo aperto. La “Perla dell’Etna” si conferma ancora una volta protagonista della stagione turistica e culturale siciliana, offrendo un palinsesto variegato e di alto profilo, capace di spaziare dai grandi concerti agli spettacoli teatrali, fino agli eventi culturali di approfondimento.

Protagonisti assoluti della kermesse sono l’incantevole Teatro “Falcone Borsellino” e gli spazi più suggestivi del territorio: le piazze del centro e le caratteristiche frazioni del comune etneo, pronte a regalare serate indimenticabili a un pubblico in arrivo da tutta la Sicilia e dal resto d’Italia.

Il programma si distingue per la sua natura eclettica, studiata per soddisfare ogni tipo di pubblico grazie alla presenza di nomi di spicco del panorama musicale, teatrale e artistico italiano. Un’offerta che unisce intrattenimento di qualità, valorizzazione del patrimonio naturalistico del Vulcano e promozione delle eccellenze enogastronomiche locali.

Il calendario degli eventi, che proseguirà a ritmo incalzante, prevede già una serie di appuntamenti imperdibili, con un programma che toccha vette di eccellenza:

25 e 26 luglio: K-Pop – Un weekend speciale dedicato al fenomeno globale, con esibizioni, dance cover e cultura asiatica per coinvolgere le nuove generazioni. Preparate i vostri lightsticke scaldate le corde vocali!
L‘energia travolgente dellle K-Pop trasformerà Zafferana Etnea in un vero e proprio palco da sogno! Due giorni di coreografie pazzesche, hit indimenticabili e vibrazioni uniche!

• 2 agosto: Arisa – La voce iconica e pluripremiata della musica italiana approda sotto l’Etna per una serata di grande emozione. Pronti per la voce unica di Arisa. Il 2 agosto vi aspetta a Zafferana Etnea per una serata indimenticabile tra i suoi più grandi successi.

• 4 agosto: Simona Molinari – Eleganza, jazz e pop d’autore con una delle artiste più raffinate del panorama nazionale.

• 6 agosto: Manfredi Di Liberto – Il talento siciliano del teatro, della musica e dello storytelling animerà la scena con il suo inconfondibile stile.

 L’attesa per il concerto di Noemi si prolunga solo di poco! La data del live, inizialmente in programma per il 1° Agosto, è stata riprogrammata per Lunedì 9 Settembre.

I biglietti già acquistati in precedenza resteranno validi per accedere allo spettacolo nella nuova data.

Prendete nota del nuovo appuntamento e preparatevi a vivere una serata indimenticabile al ritmo della grande musica dal vivo

 Oltre ai grandi concerti, il cartellone “Etna in Scena” dedica ampio spazio al teatro, alla letteratura e agli incontri culturali, trasformando le frazioni di Zafferana in veri e propri salotti letterari e teatrali diffusi.

Per informazioni sul programma completo, sulle date e sui luoghi degli eventi, è possibile consultare il sito istituzionale del Comune di Zafferana Etnea e i canali social ufficiali della rassegna.

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Con l’album di debutto “Segundagenie” e il singolo “Jungle Ciuri 2.0”, il tastierista degli Incognito fonde tradizione folk, elettronica e contaminazioni globali in un personalissimo manifesto sonoro

C’è un filo che unisce la Sicilia a Londra. Su questo binario geografico ed emotivo si sviluppa l’universo musicale di Chicco Allotta, pianista, compositore e tastierista della band britannica Incognito. Attivo dal 1987, dopo aver suonato in eventi come il Concerto del Primo Maggio a Roma e in festival e club internazionali, Allotta realizza il suo primo progetto solista con la band The Groovers: “Segundagenie” (etichetta TRP Music). Il disco, composto da sei tracce, ridefinisce i confini del Nu-Jazz, intrecciando Jazz-Fusion, Drum&Bass, Funk e World Music. Lo accompagnano Massimiliano Laganà al basso, Luca Barbato alla batteria e Luca Meneghello alla chitarra. Il singolo che apre il progetto è “Jungle Ciuri 2.0”, nato da una jam session in studio, che decostruisce un simbolo folk della tradizione siciliana trasformandolo in un canto di protesta

Il senso profondo del progetto “Segundagenie” è un titolo enigmatico, e l’album nasce da un’idea rimasta nel cassetto per anni: cosa rappresenta davvero questo lavoro per te oggi? È più un punto di arrivo o una nuova partenza, soprattutto alla luce del tuo percorso tra Sicilia e Londra?

Segundagenie per me significa seconda versione, quindi è un punto di partenza, un altro.

Identità e trasformazione culturale. Nel disco fondi tradizione siciliana, elettronica londinese, Nu-jazz ed Etano: in che modo questa contaminazione musicale riflette la tua identità personale e artistica, segnata anche dall’esperienza migratoria ?

Tutto si fonde e si trasforma, credo la musica parli da sè.

Riscrivere la tradizione Con Jungle Ciuri 2.0 trasformi un simbolo popolare come Ciuri Ciuri in un brano ironico e introspettivo, quanto è importante per te mettere in discussione la tradizione, e che ruolo ha la musica nel raccontare le contraddizioni della sua terra?

Non volevo trasformare nulla, era una jam session fortunata tra amici, scherzavamo su un groove reggae in minore, io ero di pessimo umore e i ragazzi suonando mi sfidarono a inventarmi qualcosa, sono partito a razzo col ritornello di ciuri ciuri con note diverse e ritmo diverso, per poi letteralmente svuotare la mia mente di tutto quello che sentivo, in quel momento. Quanto sia importante lo diranno gli ascoltatori, che credo sentano la mia autoironia, bel lontana dal voler trasformare tradizioni.

Complessità musicale VS Emozione, brani come Mezzu Tempo in 13 o Father an Son mostrano una certa complessitàritmica e armonica: come riesci a bilanciare questa ricerca tecnica con l’urgenza emotiva e comunicativa della musica ?

Sono attratto dall’imprevedibilità, mi piace un sacco groovare, accompagnare , perdermi nel senso ipnotico dei groove che stiamo suonando, ma lo sghiribizzo, il groove non regolare, cambiare atmosfere più che ricerca tecnica, un po’ come cercare per radio frequenze, o andare nei negozi di dischi fino agli anni 90, ti prendevi un’ora e ti ascoltavi di tutto. E poi tornavi lì e ancora.

Il ritorno e la restituzione dal vivo, portare queste canzoni, nate a Londra, di nuovo in Sicilia: che significato ha per te questo ritorno? una riconciliazione, una restituzione o un nuovo dialogo con il pubblico di casa?

Non tutte le tracce dell’album sono nate a Londra , Jungle Ciuri 2.0 , Mezzutempo in 13 e Trapani Maybe sono nate in Sicilia. Ho sempre mantenuto buoni rapporti, niente da riconciliare, sono emigrato perché per fare cosa faccio dovevo andare in un posto enorme con migliaia di spazi e posti dove la musica è un elemento importante. Punto. Il pubblico di casa mi conosce, sono un musicista attivo dal 1987, mi è venuto infatti molto naturale suonare per la presentazione del mio nuovo progetto sia a Trapani che a Trecastagni,CT.

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È appena uscito, ma già fa parlare “Johnny”, per l’etichetta Red&Blue, distribuito da Ada Music Italy. “Johnny” è il titolo del nuovo singolo di Er Pablo, un artista che sta ridefinendo i confini dell’hip-hop romano contemporaneo. Pablo Deleuse, in arte Er Pablo, non è il classico rapper: la sua formazione affonda le radici nel teatro e nella regia, elementi che trasforma in musica attraverso una scrittura fortemente visiva e cinematografica.

Con “Johnny”, l’artista ci trascina in un viaggio introspettivo dove il tempo non è un concetto astratto, ma un pirata che salpa per non tornare. Il brano nasce da una suggestione colta — lo studio de “La Mer” di Debussy — e si sviluppa su un tappeto sonoro organico, dove gli strumenti suonati dal vivo sostituiscono la freddezza dei campionamenti digitali. Accompagnato dal suono del produttore Violea e da una presenza vocale femminile eterea, Er Pablo ci regala un pezzo che è insieme duro e melodico, una “mappa del tesoro” lasciata aperta all’interpretazione di ogni ascoltatore. E ci parla di “Johnny”, un brano che esplora l’incessante scorrere del tempo attraverso la metafora del pirata.

Com’è nata l’esigenza di personificare un concetto così astratto in una figura leggendaria come quella del pirata e quanto c’è di personale in questo senso di “mancato ritorno”?

“La scrittura di un testo per me è composta da più elementi. Ovviamente il mio vissuto personale incide molto sul come e cosa scrivo, ‘Johnny’ è l’esempio perfetto. Ho ritrovato nel pirata Johnny molti elementi della mia vita e senza dubbio è una figura che sento molto vicina. Più che un mancato ritorno a me preme molto il lasciar andare, che credo sia una costante della vita di molti. Esplorare una figura come quella di Johnny e legarla con più concetti su cui rifletto fa sì che un mio testo abbia più significati”.

Hai dichiarato che la genesi del brano è legata al tuo studio de “La Mer” di Debussy. Come sei riuscito a far dialogare l’impressionismo classico francese con le metriche veloci e incisive del tuo rapping? Qual è il punto d’incontro tra questi due mondi apparentemente così distanti?

“Io credo che la musica non abbia alcun tipo di limite, e credo anche che l’essere umano per sua natura abbia bisogno di limiti. I generi musicali sono una nostra decisione, ma questo non vuol dire che nella realtà sia così. Non riesco a vedere questa distanza tra il mondo orchestrale e quello del rap, sicuramente hanno immaginari molto diversi, ma alla fine hanno lo stesso scopo, ovvero comunicare qualcosa. Lo studio di Debussy è stato fondamentale per trovare una prima idea del brano, ma dentro di me e dentro le mie orecchie ci sono anni di rap, e dunque è inevitabile che per me risulti facile vedere una strofa rap con sotto un’orchestra. Il punto d’incontro secondo me è facile e scontato. Entrambe sono musiche.”

Nella struttura sonora di “Johnny” la voce femminile gioca un ruolo fondamentale per l’emotività del pezzo. Ci puoi raccontare come è nata questa collaborazione e in che modo, secondo te, la melodia femminile riesce a completare il messaggio che volevi trasmettere con le tue rime?

“La voce femminile è il tassello che regge l’intera piramide. Avendo una musica tendenzialmente morbida ed una voce principale dura ed incisiva, la voce femminile deve giostrarsi tra queste due sensazioni, cercando di cucire tutto insieme. Se analizziamo il brano nel dettaglio notiamo che l’inizio presenta dei vocalizzi molto morbidi, che troviamo a tratti anche nella prima strofa, nel ritornello la situazione cambia, la voce femminile diventa incisiva e coprotagonista. Per sottolineare il suo ruolo viene divisa in più linee sovrapposte, una morbida, una piena a livello canoro ed infine una di sottofondo che fa da pedale per le altre due. Grazie a questi passaggi il brano ha una evoluzione continua che si sviluppa attorno al rap. Anche se la linea guida viene tratteggiata dalla voce femminile, che deve – appunto -legare tutto.”

Essendo tu stesso il regista del videoclip, hai curato un’estetica che gioca sul contrasto tra staticità e dinamismo. Come si riflette la tua formazione nella recitazione e nel cinema sulla tua scrittura musicale? Ti consideri un artista che scrive per “immagini”?

“Assolutamente sì, le immagini sono protagoniste della mia penna e direi della mia vita stessa. Mi succede molto spesso di immaginare un’immagine specifica, la regia e la fotografia sono il risultato di questa mia caratteristica. La recitazione e il teatro mi hanno insegnato ad interpretare parole ed emozioni, quando scrivo tengo sempre bene a mente lo studio emotivo che ho iniziato dentro al teatro.”

Partendo dalla “vecchia scuola” romana (come Primo Brown e i Colle der Fomento) sei approdato a un rap strumentale ricco di pianoforte, chitarra e batteria suonati dal vivo. In un’epoca dominata da suoni digitali e campionamenti, quanto è importante per te mantenere questa “magia” sonora autentica insieme al produttore del suono Violea?

“Personalmente amo gli strumenti per una questione emotiva. La musica è un mezzo di comunicazione e attraverso gli strumenti e i musicisti è capace di trasmettere emozioni diverse. Non odio i synth o i campionatori, anzi li reputo eccezionali in quello che possono fare, ma purtroppo non esiste apparecchio elettronico che può entrare in contatto con la musica a livello emotivo, un computer non ha emozioni. Per questo amo gli strumenti, hanno storie da raccontare e vissuti totalmente diversi, proprio come chi li suona. Questa unione crea l’arte, che è esattamente quello che voglio sentire io”.

Hai spesso affermato che la cosa più importante per te è l’interpretazione che gli altri danno alle tue parole. C’è un messaggio o una sensazione particolare che speri il pubblico colga ascoltando “Johnny”, o preferisci che il brano rimanga una “mappa” aperta in cui ognuno può trovare il proprio tesoro?

“Il termine mappa è sicuramente quello più appropriato. Essendo l’italiano una lingua molto complessa e ampia, le stesse parole possono avere significati diversi e permette a ogni singola persona di dare un’interpretazione propria. Più che un messaggio o una sensazione io spero di far riflettere l’ascoltatore, di farlo interrogare sulle mie parole così da fargli costruire la sua mappa del tesoro. La parte più bella è ovviamente scoprire le interpretazioni diverse dalla tua, così puoi cercare le strade degli altri dentro di te.”

BIOGRAFIA 

Pablo Deleuse, in arte “Er Pablo”, è un cantautore romano esponente della nuova scena hip-hop. Il suo percorso artistico affonda le radici nella recitazione ma, ancora giovanissimo, scopre una viscerale passione per la musica, traendo ispirazione dal rap romano della “vecchia scuola” e dallo studio dei testi di pilastri come Primo Brown, i Villa Ada Posse e i Colle der Fomento.

Inizia a scrivere i suoi primi brani a soli 11 anni, influenzato dagli autori che ancora oggi studia costantemente. All’età di 16 anni, affascinato dalla musica suonata dal vivo, intraprende da autodidatta lo studio di diversi strumenti: chitarra, pianoforte e batteria. Questo amore per la strumentazione lo porta ad approfondire vari generi, trovando la propria dimensione ideale nel rap strumentale.

Ascoltando i suoi ultimi lavori — Veterano, Fumo e Malditesta e Johnny — emerge immediatamente una sonorità ricca di strumenti suonati dal vivo, che accompagnano testi profondi e specchio della sua realtà quotidiana. Crescendo sia anagraficamente che artisticamente, Er Pablo si spinge sempre più verso la sperimentazione di nuove sonorità, abbinandole a liriche capaci di trasmettere sensazioni diverse a ogni singolo ascoltatore. È proprio questa versatilità a rendere il suo pubblico estremamente eterogeneo per età e genere, come lui stesso ricorda spesso nelle interviste: “La cosa più importante per me è l’interpretazione delle mie parole; sono davvero curioso di sapere cosa le persone vedono nei miei testi”.

Per l’artista, il fine ultimo della musica è una comunicazione che apra mondi immaginativi diversi, permettendo a chiunque di trovare un significato unico e personale nelle sue rime. Nonostante un animo incline alla solitudine, Er Pablo ama la dimensione collaborativa: per la comunicazione si avvale del supporto del team Red&Blue, mentre per la creazione della “magia” sonora si affida al produttore Violea, il cui sound — ora morbido, ora più rock — contribuisce a rendere ogni produzione autentica e originale.

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Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina emergente con formazione in canto jazz maturata tra Italia e Germania. Il suo stile pop-elettronico anticonvenzionale e aperto alla sperimentazione, fonde classica, jazz ed elettronica in un connubio tra antico e moderno che riflette la sua personalità. É qui che la ricerca sonora e l’urgenza comunicativa coincidono.

È da poco uscito il singolo “Sexting” scritto a due mani con la cantautrice fiorentina Jilhara e prodotto da Roden per l’etichetta Pluma Dischi/Irma Records.
Con questo brano che fonde R&B ed elettronica, le due artiste indagano la fragilità delle relazioni digitali, l’amore immaginato in cui desideri e sentimenti rimangono sospesi tra attesa e illusione, intrappolati nella distanza.

Abbiamo avuto il piacere di incontrare Elena Romano per farci raccontare qualcosa del suo percorso artistico e dei suoi progetti.

Elena, tu sei cresciuta in un ambiente jazz d’eccellenza, studiando sia in Italia che in Germania. Come ha influenzato questo background la tua musica e il tuo approccio alla composizione?
È stato fondamentale perché mi ha permesso di dare forma a quello che avevo in testa ancora prima di esplorarlo davvero. Il jazz mi ha insegnato che ogni dettaglio e ogni suono hanno un significato preciso. Mi piace il pop quando riesce ad avere più sfumature e profondità.

La tua musica si muove costantemente tra il tradizionale e il futuristico. Come descriveresti il tuo stile e come si è evoluto nel tempo?
Sono partita dal soul, poi il jazz è diventato il motore di tutto quello che è venuto dopo. L’improvvisazione e il jazz sono un’estensione di quello che c’era prima e hanno influenzato tutto ciò che è arrivato dopo nella mia scrittura.

Quando scrivi e componi che cosa o chi ti rende particolarmente ispirata? Hai degli step specifici che ti avvicinano alla fase creativa?
Di solito ciò che mi spinge all’atto creativo sono pulsioni sensoriali, anche molto semplici, come un suono o un odore. Spesso parto dalle mie esperienze personali e in particolare da persone e affetti significativi della mia vita.

Come è nata la collaborazione con Jilhara? Cosa vi ha spinte a lavorare insieme al brano “Sexting”?
Ci siamo conosciute durante il nostro percorso di studi e la collaborazione è nata qualche anno dopo come evoluzione naturale di un’amicizia molto forte. Eravamo già in sintonia, quindi è stato naturale unire i nostri mondi musicali diversi ma complementari.

In questo brano, si descrive lo schermo come uno “spazio fragile”. Ci spiegheresti il perché di questa metafora?
Lo schermo è uno spazio fragile perché è allo stesso tempo un luogo di connessione e di distanza. Può avvicinare le persone ma anche allontanarle, perché tutto passa attraverso un filtro che rende le emozioni immediate ma anche instabili.

Progetti in cantiere?
Sto lavorando al mio primo disco e spero di potervelo far ascoltare presto. Con Jilhara sì, abbiamo già parlato di una possibile futura collaborazione, quindi chissà cosa potrà succedere.

Biografia
Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina con una formazione nel canto jazz e diverse esperienze artistiche maturate tra l’Italia e la Germania. Il suo stile si colloca in un ambito “pop-elettronico”, caratterizzato da un approccio fuori dagli schemi e aperto a continue sperimentazioni.
La sua musica ingloba generi diversi — dalla classica al jazz fino all’elettronica — dando vita a un affascinante contrasto tra antico e moderno, ravvisabile anche nell’estetica dell’artista.
Il suo percorso accademico è d’eccellenza: dopo il diploma presso la Siena Jazz University, completa gli studi all’Università di Musica e Danza di Colonia (HFMT) e al Conservatorio Girolamo Frescobaldi di Ferrara, dove ottiene il diploma di secondo grado in canto jazz.
Tra le collaborazioni di rilievo spicca quella per l’album “Arie” di Ferruccio Spinetti, registrato nel 2022 con il celebre batterista statunitense Jeff Ballard.
Tra il 2024 e il 2025, Elena lavora all’EP “Lorena” insieme al fratello e compositore Lorenzo. Il progetto solista si concretizza in una fusione unica dove la canzone tradizionale italiana si unisce a sonorità elettroniche, creando una narrazione avvincente fatta di emozioni e racconti introspettivi.

Negli anni Elena Romano ha collezionato importanti traguardi e riconoscimenti. Il suo percorso inizia a distinguersi già nel 2021, quando vince il premio per la migliore composizione al concorso Bianca d’Aponte con il brano “Il Sole (cattivi pensieri)”. Successivamente, nel 2024, partecipa al Rock Contest di Controradio aggiudicandosi il Premio Ernesto De Pascale per la miglior canzone con testo in italiano grazie al brano “Sogno”, oltre a ricevere una menzione speciale da parte di MITA Academy per la coerenza audio-visiva del suo progetto. La sua ascesa prosegue nel 2025 con la selezione tra i 150 semifinalisti di 1M NEXT per il Concerto del Primo Maggio a Roma, fino ad arrivare al 2026, che la vede tra i finalisti di MArteLive Connect.
L’evoluzione musicale di Elena rivela una personalità eclettica e versatile che trova la sua sintesi perfetta nel recente EP “Lorena”. A febbraio 2026 compare nel disco dell’artista Hachiko nella traccia “90MILA”.

Il brano “Sexting” di Elena Romano e Jilhara è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming.

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Ad accompagnare il brano c’è un videoclip (https://www.youtube.com/watch?v=YB0PadIVxIw) che attraversa Bologna in modo originale e dinamico. Protagonista una giovane ciclista che percorre le strade del capoluogo emiliano in mountain bike. Tra portici, piazze e scorci urbani, il video restituisce un’immagine contemporanea della città, sospesa tra tradizione e cambiamento. Una scelta visiva che rafforza il messaggio della canzone: Bologna non è solo una cartolina, ma un luogo vissuto ogni giorno.

Dopo il raffinato incontro artistico con Fabio Concato in “Automobilisti” – impreziosito dalla partecipazione attoriale di Gioele Dix – e la pubblicazione della title track “È così”, che ha segnato l’uscita dell’ultimo album di inediti a fine 2025, STRAGÀ prosegue il suo percorso con un brano profondamente personale e al tempo stesso universale. BELLA BOLOGNA, scritto e composto dallo stesso FEDERICO STRAGÀ, è una canzone che racconta una città attraverso lo sguardo disincantato di chi la vive ogni giorno. Non è un inno celebrativo, ma un ritratto autentico, sospeso tra amore e disillusione.

«Sono cresciuto con il mito di Bologna – racconta l’artista – una città che immaginavo come simbolo di libertà, cultura e divertimento. Vivendoci, ho scoperto una realtà più complessa, fatta di contrasti: da un lato la bellezza, le opportunità, l’atmosfera unica; dall’altro un senso di disordine e una libertà che a volte sembra sconfinare nell’inciviltà».

La canzone nasce proprio da questa tensione emotiva: un equilibrio fragile tra fascino e fatica, tra appartenenza e distanza. STRAGÀ osserva Bologna con occhi maturi, mettendo in luce dinamiche quotidiane e contraddizioni urbane che molti riconosceranno: il vivere collettivo, il rispetto degli spazi comuni, il rapporto tra libertà e responsabilità. Nel racconto emergono anche riferimenti importanti alla tradizione musicale della città, da Lucio Dalla a Luca Carboni, artisti che hanno saputo coglierne l’anima più autentica.

«Ho capito perché Carboni ha scritto “Primavera” – spiega il cantautore – ma anche perché parlava di una città “senza pietà”. Bologna è entrambe le cose».

BELLA BOLOGNA è quindi un brano che unisce ironia e riflessione, memoria e presente, esperienze personali e osservazione sociale. Un viaggio emotivo che parte da Bologna ma parla a tutte le città, e a chi le abita. Con la partecipazione straordinaria di GIANNI MORANDI, simbolo vivente della città, il singolo acquista un valore ancora più significativo: un dialogo tra generazioni e sensibilità diverse, unite da un legame profondo con Bologna. Non una cartolina perfetta, ma un racconto sincero. Perché, come suggerisce FEDERICO STRAGÀ, la vera bellezza sta anche nelle contraddizioni.

BIO

Federico Stragà (Belluno, 10 luglio 1972), bolognese d’adozione, si avvicina alla musica a sedici anni. Si afferma nel 1997 all’Accademia di Sanremo e debutta al Festival di Sanremo 1998 tra le Nuove Proposte con “Siamo noi”. Il successo arriva nel 2000 con “L’astronauta”, seguito dall’album “Click here” (2001) e dalla vittoria a Un disco per l’estate (2002). Nel 2003 è tra i Big di Sanremo con “Volere volare” insieme ad Anna Tatangelo. Nel 2008 rende omaggio a Frank Sinatra con un progetto swing che segna una svolta artistica, portandolo al Bologna Jazz Festival e al Premio alla Voce (Leggio d’Oro, 2013).

Nel 2013, il passaggio significativo da interprete a cantautore: Federico Stragà scrive testo e musica di ogni sua canzone, mettendo a nudo emozioni e storie profondamente vissute. Dopo “Guardare fuori” (2018), torna nel 2025 con “È così”, album della maturità, con le partecipazioni di Fabio Concato e Gianni Morandi, accolto con entusiasmo da pubblico e critica.

www.straga.net

IG: https://www.instagram.com/federicostraga/

YT: https://www.youtube.com/channel/UCQD8wY9tcV90WWsAN82bNBw

FB: https://www.facebook.com/federicostrag/

Label: Alman Music – Alberto Mantovani – info@almanmusic.com

Web: Greta Tossani – office@almanmusic.com

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Si apre con un calendario fitto di appuntamenti la stagione primaverile della compositrice Ada Gentile, protagonista di una serie di esecuzioni e presenze istituzionali in Italia e all’estero

Dopo il successo del concerto del 19 marzo a Sofia, dove il Duo Alterno ha eseguito La giornata di Betty Boop presso l’Accademia di Musica, prosegue il fitto calendario di impegni della compositrice Ada Gentile, tra Italia ed Europa.

Il percorso continua ad Alessandria, nell’ambito della rassegna “Scamo” del Conservatorio Vivaldi, con quattro appuntamenti che restituiscono la varietà della sua scrittura: Quick Moments (24 aprile), con Bishal Nigra al flauto e Simone Sgariboldi alla chitarra; Perviolinosolo (7 maggio), interpretato da Enrico Lucchetti; Un suono lontano (26 maggio), affidato a un ensemble locale; e La giornata di Betty Boop (17 giugno), proposta dal duo Alessandro Premoli e Lucia Caballero.

Accanto all’attività compositiva, Gentile sarà a Grosseto il 2 e 3 maggio in qualità di Presidente della Giuria Internazionale della prima edizione del Concorso di Composizione “Pinuccia Marzocchi”, consolidando il proprio ruolo anche sul piano istituzionale.

Il calendario si estende fino al 14 maggio, quando alla Florianka Concert Hall di Cracovia il Metropolis Piano Quartet eseguirà Serene ombre nell’ambito del Krakow International Festival of Composers.

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La tracklist del CD prevede sei brani originali figli della creatività compositiva di Diouf e Ranieri. “Yon Yi” è un disco fortemente orientato verso l’afro-jazz grazie all’incontro tra Francesco Ranieri e Papis Diouf. Il progetto nasce dalla fusione di due loro repertori e mondi sonori paralleli che hanno trovato una comunanza di idee stilistiche specialmente in termini di linguaggio e ritmo, dove colore e spiritualità rappresentano due elementi di straordinaria importanza. Grazie anche al fulgido talento di Giuseppe Sacchi e Valerio Vantaggio, il mood di “Yon Yi” è improntato fra groove afro e divagazioni jazz fusion, con marcate influenze riconducibili alla musica cubana, al funk e alla tradizione africana in senso ampio. In buona sostanza, si tratta di un lavoro il cui obiettivo principale è quello di dare voce a una musica ricca di vitalità comunicativa, radicata nel ritmo e nella memoria. Ma, allo stesso tempo, proiettata verso una visione contemporanea dell’afro-jazz.

Papis Diouf e Francesco Ranieri descrivono così le caratteristiche del loro album: «Le nostre composizioni raccontano il nostro dialogo artistico, in cui esperienze e sensibilità differenti si fondono in una voce musicale unica. Strade che si intrecciano, strade che si uniscono, strade che raggiungono eldoradi lontani».

Biografia Papis Diouf

Chitarrista e compositore eclettico, che si lascia sempre guidare da felici intuizioni estemporanee, dall’estro del momento, profondamente legato alla propria tradizione musicale, Papis Diouf è un musicista senegalese che ha condiviso la scena con svariati e importantissimi artisti del suo Paese come Fallou Dienge Alioune Mbaye Nder, soprattutto in tour internazionali. Oltre a essere presente in gran parte della discografia di alcuni fra i cantanti senegalesi più rappresentativi. Proveniente dalla cultura Sérèr, in Italia, Diouf ha arricchito il suo stile introducendo elementi della musica occidentale, ma senza mai rinunciare alle sue radici stilistiche.

Biografia Francesco Ranieri

Bassista e compositore poliedrico, che nutre un grande interesse per le sonorità etniche e tipicamente world music, Francesco Ranieri è un musicista costantemente alimentato da una viva curiosità stilistica. Grazie alle sue doti, nell’arco della sua carriera, stringe significative collaborazioni con numerosi artisti di caratura internazionale come Roy “Mr. Symarip” Ellis, Bixas Liberateur, Ras Leon, David J. Hoffman, Anthony John e tanti altri ancora.

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Roma Il tempo non viene misurato, ma attraversato.  È questa la sensazione che ha accompagnato il pubblico  martedì 27 gennaio alle ore 18 al Centro Studi Americani, nella sede di Palazzo Mattei di Giove, dove parole, musica e gesti teatrali hanno dato forma a  “Nella distensione del tempo” davanti a una platea composta soprattutto da giovani, numerosa e partecipe.

Il progetto, ideato dallo scrittore e compositore Achille Fulfaro e curato e promosso da Fulgior srls, nasce come un format che unisce letteratura, musica e teatro in un’unica esperienza narrativa. Al centro ci sono i cinque libri dell’autore, pubblicati tra il 2007 e il 2024, messi in dialogo con le sue canzoni attraverso letture teatrali, performance musicali e immagini. A legarle è il tema del Tempo, esplorato come memoria, ritorno, trasformazione. Un tempo che sembra lineare ma che, di libro in libro e di canzone in canzone, finisce per curvarsi, diventando circolare, interiore, umano. Lo spettatore viene portato per mano in un mondo fatto di frammenti di memoria, di ricordi,  un viaggio epico nei sentimenti e emozioni  dove i simboli- la nave, il mare,   rimandano  a  Ulisse. Un viaggio antropologico alla ricerca della conoscenza, l’andare e ritornare, tra incontri, ombre, speranze, tradimenti, inganni e illusioni.  Viene cucito così pezzo per pezzo, tra musica e parole, il viaggio omerico dell’uomo moderno attraverso l’evoluzione scandita dal tempo, nella  trasformazione, nel cambiamento.  Pezzi di un puzzle che rimandano all’esistenza umana,  in un “nostos” che si fa mito. Al centro del tempo, le emozioni: la paura, le illusioni, il buio, la luce, la rinascita.

Le letture teatrali, affidate agli attori Paola Bongiorno e Paolo Pellegrini Wilfinger, sono tratte dai cinque volumi di Fulfaro: All’alba, lo Stretto, Itaca d’inganno, Un’altra vita, Nella distensione del tempo e Sotto stelle scadenti.

Le canzoni proposte durante la serata appartengono all’album Nella distensione del tempo, primo lavoro cantautoriale di Fulfaro, pubblicato nel dicembre 2025. Otto brani nati da un lavoro collettivo che ha coinvolto Luca Carocci agli arrangiamenti, Josè Ramon Caraballo ai fiati e alle percussioni, Manuel Magrini al pianoforte e la Cirrone Band alle chitarre elettriche.Masterizzatore dell’album  e tecnico del suono della serata Paolo De Stefani.

Attraverso parole, musica e immagini, il pubblico è stato accompagnato in un percorso di riflessione sull’evoluzione dell’individuo nel corso della propria esistenza. Il cambiamento, suggerisce Fulfaro, non è sempre un andare avanti: può essere anche un tornare indietro, una deviazione, una scelta diversa. Un’idea che richiama la dialettica hegeliana di tesi, antitesi e sintesi, dove solo mettendosi in discussione è possibile arrivare a una comprensione più profonda di sé e del mondo.

Lo stile dei testi e la cura musicale richiamano la  grande tradizione della canzone d’autore italiana, da Ivano Fossati a Francesco De Gregori fino a Franco Battiato, collocando Achille Fulfaro nel panorama della musica indipendente contemporanea. Le prime quattro tracce dell’album ruotano attorno al viaggio e alla memoria, con un mare quasi omerico sullo sfondo; le successive affrontano il tempo come trasformazione e come possibilità di una nuova consapevolezza.

L’idea di coniugare libri e canzoni in un unico progetto affonda le sue radici in un’esperienza precedente e decisiva: When Mediterranean meets the Gulf, evento organizzato nel 2018 dallo stesso Fulfaro con il patrocinio delle Ambasciate di Abu Dhabi e del Kuwait al quale hanno partecipato alcuni artisti della scena musicale italiana come Antonio Di Martino, Angelo Trabace, Nicolò Carnesi, Margherita Vicario, Fabrizio Cammarata, Lucio Corsi, Cirrone Band, Manuel Magrini e Luca Carocci.

Nella distensione del tempo è anche il risultato di un lavoro profondamente condiviso. L’organizzazione dell’evento ha coinvolto l’intera famiglia di Fulfaro: Laura Giordano e i figli Matilde, Martina, Francesco e Leonardo. Laura ha curato l’intera comunicazione del progetto e la realizzazione delle  copertine dei libri,  Oliver Hearn all’oboe e nell’organizzazione, Francesco Fulfaro al basso e Laodice Perri alle percussioni. Paola Bongiorno, attrice e regista, ha curato il videoclip ufficiale della canzone Itaca,  girato a Catona di Reggio Calabria sullo Stretto,  protagonisti  Paolo Pellegrini Wilfinger e  il piccolo Leonardo.

Una famiglia che lavora insieme come una squadra, unita dalla fiducia reciproca e dal desiderio di costruire qualcosa in cui crede. Un messaggio positivo che parla a tutte le famiglie e al  valore del fare insieme. @riproduzione riservata 

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Camilla Cazzola — in arte Camillacosì – nata a Bologna nel 1998,— ha trovato nella musica il suo canale d’elezione fin dalla tenera età. Quella che era nata come una semplice inclinazione infantile per il canto e la poesia si è trasformata, durante gli anni del liceo, in un progetto artistico strutturato: un porto sicuro dove l’autenticità e la trasparenza diventano il cardine della sua narrazione.

Dopo anni di studio privato del canto, ha perfezionato la sua penna seguendo un corso di alta formazione nel cantautorato sotto la guida di Bungaro, un’esperienza che ne ha cristallizzato l’identità artistica.

La musica ha rappresentato lo strumento per superare il silenzio, trasformando i momenti di fragilità in una potente risorsa creativa.

Il suo bagaglio musicale è un mosaico eterogeneo. Se da un lato affonda le radici nella grande scuola italiana (Dalla, Battisti, Mina e Brunori Sas), dall’altro guarda all’estero con ammirazione per icone come Adele, Billie Eilish, i Beatles e Nina Simone, fino a spaziare verso il jazz di Keith Jarrett e il rock di Foo Fighters e U2.

L’obiettivo di Camillacosì è arrivare al cuore di un pubblico universale. Attraverso le sue canzoni, punta a creare una connessione empatica con l’ascoltatore, offrendo una prospettiva sul mondo fatta di speranze, vulnerabilità condivise e una sincera ricerca di conforto.

1. “Bluer Sky è uno dei primi pezzi che ho scritto all’inizio del mio percorso, da cui, in un certo senso, prende forma il mio progetto e che ha segnato l’inizio della mia evoluzione successiva. Riccardo ha avuto un ruolo centrale nella realizzazione del brano” vuoi raccontarci la tua evoluzione?

‘Bluer Sky’ è stato uno dei primi tasselli messi giù, un punto cruciale che mi ha consentito di vedermi a tutto tondo e di iniziare a comprendere ciò che più mi rappresenta, che è proprio questo tratto sincero che da lì porto avanti e che evolve con me, consentendomi di scoprirmi meglio ogni giorno. La mia musica tiene traccia dei miei cambiamenti e sta quindi, negli anni, crescendo con me. Presto vedrete delinearsi in maniera chiara il tutto.

2. Come nasce la “tua” musica?

Mi avvicino dalla musica da bambina, cantando e scrivendo testi per esprimere la mia interiorità. Il mio progetto artistico prende forma nel a partire dagli ultimi anni del liceo e si consolida nel tempo, diventando uno spazio autentico in cui raccontarmi senza filtri, con coraggio e sincerità. La musica è diventata lo strumento che mi ha permesso di rompere il silenzio e di esprimere tutto ciò che custodivo dentro, trasformando la vulnerabilità in forza creativa. Il percorso di scrittura e cantautorato con Bungaro è stato infine un elemento chiave nella definizione della mia identità musicale, andando a spogliare dei filtri residui e valorizzando al meglio la mia creatività in ogni sua forma.

3. Chi è Camillacosì?

Camillacosì è una cantautrice bolognese che si racconta con estrema sincerità nella sua musica, mettendo alla luce un mondo in cui gli alti e i bassi sono entrambi protagonisti, dove la rabbia incontra e si scontra con la leggerezza, dove c’è spazio per ogni favola che le venga in mente.

4. Un brano a cui sei particolarmente legata

‘Bridge over Troubled Water’ di Simon & Garfunkel. Ho il ricordo di quando da piccola mi nascondevo sotto al tavolo a casa di mio padre a Poppi e lo ascoltavo suonare la chitarra in terrazza. ‘Bridge over Troubled Water’ era uno degli unici pezzi che cantava anche, a bassa voce. E’ un ricordo che custodisco con grande affetto.

5. Camillacosì e la musica di ieri e di oggi: hai un genere preferito? Perché?

A livello di ascolto, essendo sempre stato molto variegato, non saprei davvero individuare un genere preferito, lo ricerco in funzione di come mi sento, del mio umore e dell’energia o delicatezza che mi serve in quel momento: non potrei vivere senza un Dala, Battisti, Brunori, ma nemmeno senza l’energia di Dave Grohl, di David Bowie, le parole di Bono, di Elton John, di Simon and Garfunkel, o ancora la voce di Nina Simone, di Lauryn Hill ecc.

A livello di scrittura assecondo invece la forma che spontaneamente assumono le mie idee quando le trasformo in musica, o la direzione in cui porta la mia vocalità, quindi soul, pop, musicalità francesi.

6. Donne in “musica”… il tuo punto di vista sul panorama moderno.

Credo che dal pop al rap, dall’indie all’elettronica, artiste come Elisa, Madame, Levante, Emma Nolde, Caterina Barbieri mostrino quanto la scena musicale femminile sia ormai variegata e coraggiosa. La loro presenza è ormai centrale e determinante nella definizione del suono contemporaneo.

7. Lancia un messaggio ai nostri lettori.

Forse, riprendendo le parole di ‘Bluer Sky’, in un mondo che corre veloce ogni tanto è necessario dedicarsi degli istanti di calma, per rallentare, per volersi bene, per ricaricarsi ed essere sicuri della direzione presa, per guardarsi intorno e apprezzare quanto si è già fatto, quanti ostacoli si sono già superati, per essere felici e soddisfatti anche oggi, che magari si è in viaggio e ancora all’orizzonte non si intravede l’arrivo.

La sua cifra stilistica è caratterizzata da un bilinguismo fluido: Camilla si muove con naturalezza tra l’italiano e l’inglese, scegliendo l’idioma che meglio sposa la metrica e l’impatto emotivo della composizione. Per lei, comporre non è solo un mestiere, ma una necessità vitale, un modo per dare forma sonora alla propria interiorità e tradurre i sentimenti in immagini vivide.

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Dopo il successo al Museo del Teatro alla Scala  che ne ha ospitato l’ultima esecuzione,  il Museo del Novecento  ospita martedì 2 dicembre alle ore 17,00 nella Sala Fontana, il melologo “Antonia Pozzi” con musiche originali di Rossella Spinosa su testo della poetessa Antonetta Carrabs.

Il testo di Antonetta Carrabs dà voce alla poetessa Antonia Pozzi, attraverso una germinazione vibrante di penombre, silenzi, dolore ed esilio, di figure e luoghi cari ad Antonia in cui la poetessa riesce sempre a sorprendersi e a custodire l’incanto di una bellezza fatta di cose semplici e di natura. Un proscenio di delicatezza e di nostalgie dove si incontrano le sue ferite e le sue intimità che sanno di epifanie e sofferenze, intrise di quel desiderio di infinito, di attesa e di riconciliazione che caratterizzeranno la sua breve vita. Le musiche originali di Rossella Spinosa, compositrice e pianista, sono state composte sul testo, dando vita a un melologo denso e che la critica ha accolto con grande entusiasmo e calore. Un omaggio alla grande poetessa milanese, figlia di Roberto Pozzi, importante avvocato, e della contessa Lina Cavagna Sangiuliani, nipote di Tommaso Grossi; Antonia scrive le prime poesie ancora adolescente. Studia nel Regio Liceo – Ginnasio Alessandro Manzoni di Milano per poi iscriversi alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università degli Studi di Milano. Dal diario e dalle sue lettere si evincono i molteplici interessi culturali, dalla fotografia, alle lunghe escursioni in bicicletta, dalla progettazione di un romanzo storico sulla Lombardia, allo studio delle lingue (tedesco, francese e inglese). Viaggia, oltre che in Italia, in Francia, Austria, Germania e Inghilterra, ma il suo luogo prediletto è la settecentesca villa di famiglia, a Pasturo, ai piedi delle Grigne, nella provincia di Lecco, dove si trova la sua biblioteca e dove studia, scrive a contatto con la natura solitaria e severa della montagna. La grande italianista Maria Corti, che la conobbe all’università, disse che «il suo spirito faceva pensare a quelle piante di montagna che possono espandersi solo ai margini dei crepacci, sull’orlo degli abissi. Era un ipersensibile, dalla dolce angoscia creativa, ma insieme una donna dal carattere forte e con una bella intelligenza filosofica; fu forse preda innocente di una paranoica censura paterna su vita e poesie. Senza dubbio fu in crisi con il chiuso ambiente religioso familiare. La terra lombarda amatissima, la natura di piante e fiumi la consolava certo più dei suoi simili». A soli ventisei anni si tolse la vita; nel suo biglietto di addio ai genitori parlò di «disperazione mortale»; la famiglia negò la circostanza «scandalosa» del suicidio, attribuendo la morte a polmonite. Il testamento della Pozzi fu distrutto dal padre, che manipolò anche le sue poesie, scritte su quaderni e allora ancora tutte inedite.

Prenotazione obbligatoria: c.inaugurazionim900@comune.milano.it

Contatti e info: c.inaugurazionim900@comune.milano.it

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