Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montodoro riportano in scena le canzoni italiane che hanno segnato la memoria collettiva di più generazioni

Ieri sera ho avuto la fortuna di assistere a uno spettacolo da pelle d’oca, che sa di memoria  e di casa: “Gli indimenticabili” al Teatro Golden. Ho avuto la sensazione di entrare in sala con la mia giornata addosso (pensieri, corse, rumori) e di uscirne un po’ più leggera, come quando una canzone ti rimette in ordine senza chiederti permesso. Canzoni suonate dal vivo, contributi multimediali, storie e aneddoti che si intrecciano come pagine di un diario: un viaggio musicale capace di farci ritrovare, tutti, nello stesso ritornello.

Perché i cantautori fanno questo: prendono la realtà, la impastano con le parole e la restituiscono in musica. E in scena questa forza si sente tutta: la scuola genovese con il suo mare e i suoi ultimi, la scuola romana con le sue strade e le sue confessioni a mezza voce, e poi quelle voci che non invecchiano mai perché parlano di cose che non passano: l’amore che resta, quello che scappa, la libertà e le scelte sbagliate.

Sul palco Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montedoro non “ripetono” semplicemente dei grandi successi: li attraversano. I tre protagonisti sono eccezionali. I brani li fanno respirare nel presente, con un equilibrio bello tra ironia e delicatezza, tra racconto e interpretazione. E così l’omaggio diventa un abbraccio a nomi che hanno segnato generazioni: Domenico Modugno, Lucio Dalla, Gino Paoli, Franco Califano, Antonello Venditti, Vasco Rossi, Francesco Guccini: è riconoscersi, ancora una volta, dentro parole che sembrano scritte per noi anche se le abbiamo ascoltate mille volte.

E poi c’è la parte visiva: immagini, filmati, interviste, frammenti che arrivano come lampi e aprono una finestra su un’epoca, su un volto, su un dettaglio dimenticato. A volte basta un fotogramma, una frase detta piano, un accordo che parte al momento giusto… e ti ritrovi con un nodo in gola e un sorriso che arriva prima di te.

La cosa più bella è vedere come queste canzoni creino una piccola comunità, anche solo per un’ora: qualcuno canticchia, qualcuno resta in silenzio, qualcuno si guarda intorno come per dire “anche tu la sai, vero?”. E lì capisci che certi brani non appartengono a un’età precisa: appartengono ai momenti. A quando ci siamo innamorati, a quando ci siamo rialzati, a quando avevamo bisogno di una frase che ci facesse compagnia.

“Gli indimenticabili” è un tributo alle canzoni italiane che abbracciano intere generazioni: quelle che ti hanno cresciuto, quelle che ti hanno salvato in silenzio, quelle che ti riportano immediatamente dalla stessa parte di chi ami.

Se vi va di emozionarvi sul serio, portate qualcuno a cui volete bene: vi ritroverete a ridere, a cantare sottovoce e, senza accorgervene, a fare spazio dentro. E uscirete con una canzone in testa e qualcuno nel cuore: “sempre e per sempre dalla stessa parte mi troverai”.

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“Scava, gratta, ingoia e scappa”: una filastrocca scura e irresistibile che introduce lo spettatore in un microcosmo spietato, dove ogni creatura combatte per un posto nel mondo.

Blatte, api, farfalle, zanzare e ragni sono costretti ad accettare un destino minuscolo, fatto di urti improvvisi e di sopravvivenza a ore: chi vive un solo giorno spesso non riesce nemmeno ad arrivare a un fine settimana.

Tra tutte, il destino delle api emerge come il più amaro e crudele: una parabola che, senza didascalismi, fa risuonare in controluce anche le fragilità del nostro vivere.

Il mondo è guardato “da sotto”: dagli insetti che osservano laddove gli umani hanno fallito. Quando tutto sembra crollare, resta solo l’ostinato concerto dei grilli, testardo e necessario.

Potenza e diversità creano un forte impatto emotivo, con un’originalità che non cerca scorciatoie. I dialetti italiani, insieme a contaminazioni francesi e spagnole, regalano sorrisi e aprono inattesi momenti di riflessione.

Ne nasce una tessitura di poesia e magia, elegante e precisa, sostenuta dall’Orchestra Multietnica di Arezzo diretta da Enrico Fink: musica e parole si inseguono e si tengono, senza mai perdere leggerezza.

Amanda Sandrelli è scevra da sovrastrutture: libera, incurante del giudizio, sorprende per la totale disponibilità al gioco scenico. Una presenza che merita un plauso.

Paolo Giovannucci, talentuoso, guida con abile maestria nel carnevale degli insetti, tenendo il filo tra ironia e tenerezza.

Piacevoli anche le performance canore, che amplificano l’incanto e danno respiro alla narrazione.

Uscendo dal teatro, il canto di una cicala, la tela di un ragno in casa o una zanzara dispettosa che ronza assumono un significato diverso: piccoli segni che, d’ora in poi, evocheranno questa bellissima opera in cui versi e melodie si intrecciano senza sosta. @Riproduzione  riservata.

Dal 9 al 12 aprile 2026 (h 21.00, domenica 12 h 17.30)
TEATRO VITTORIA – ATTORI & TECNICI Piazza S. Maria Liberatrice 10, Roma (Testaccio)
Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598
Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it
Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.
Comunicazione: uffstampa@teatrovittoria.it
Responsabile Ufficio Stampa: Teresa Bartoli 348.7932811 – ter.bartoli@gmail.com
Biglietti (prevendita inclusa):
– intero: platea € 27, galleria € 21
– ridotto (under 35/over 65/cral): platea € 20, galleria € 17
– ridotto under 18: platea € 13, galleria € 11

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L’anima in pace, il film diretto da Ciro Formisano, conquista il Premio della Giuria alla seconda edizione dell’Hokkaido Film Festival in Giappone distinguendosi tra oltre 1500 titoli selezionati e risultando l’unico film non solo italiano, ma europeo in concorso.

A ritirare il prestigioso riconoscimento è stata la protagonista Livia Antonelli, visibilmente commossa.

Dopo aver intrapreso un lungo viaggio internazionale, L’anima in pace si conferma come una delle opere indipendenti italiane più apprezzate degli ultimi anni. Presentato in anteprima all’Ortigia Film Festival e uscito in alcune sale italiane nel gennaio 2024, il film ha poi viaggiato tra Brasile, India, IFFI Goa e sei festival francesi, vincendo anche il premio come Miglior Film al Villammare Film Festival e al Fano Film Festival.

Il film racconta la storia di Dora, una giovane rider che vive in una periferia romana difficile e marginale. Durante il periodo della pandemia, Dora si muove incessantemente tra le strade della città consegnando la spesa a domicilio, ma per sopravvivere è costretta anche a spacciare droga, cercando di far fronte a una situazione familiare complessa e dolorosa. Sua madre Lia, interpretata da Donatella Finocchiaro, è una donna fragile e irresponsabile, segnata da scelte sbagliate e da una vita disordinata, alla quale i servizi sociali hanno sottratto i figli più piccoli. Dora, schiacciata da un peso più grande della sua età, si assume il ruolo di adulta e lotta con determinazione per riottenere l’affidamento dei fratellini, spinta da un profondo senso di responsabilità e da un amore istintivo e viscerale.

Il film si presenta come uno spaccato di pura autenticità, capace di restituire con crudezza e delicatezza allo stesso tempo il ritratto di una realtà spesso invisibile. È una storia di tenacia, di resistenza quotidiana e di desiderio di riscatto, in cui la protagonista cerca ostinatamente un varco di luce per concedersi, anche solo per un istante, la possibilità di essere felice. La macchina da presa segue Dora senza giudicarla, accompagnandola in un percorso fatto di cadute, scelte difficili e piccoli atti di coraggio che assumono un valore enorme.

Quando la sorte ti è avversa e tutto intorno sembra remare contro, il film suggerisce che non bisogna mollare. Anche immersa in cattive compagnie e circondata da influenze negative, Dora conserva una natura pura e una bontà profonda: un’anima gentile che, nonostante tutto, riesce a emergere. È proprio questa forza interiore a prendere il sopravvento, gridando con determinazione che una speranza esiste sempre, anche nei contesti più duri e disperati, e che la possibilità di un futuro diverso può nascere proprio dai luoghi e dalle vite che sembrano non averne più.

Accanto a Livia Antonelli e Donatella Finocchiaro, il film vede la partecipazione di Lorenzo Adorni, Daniela Poggi, Cinzia Susino e altri interpreti.

“È la prima volta che un mio film arriva in Giappone,” ha dichiarato il regista Ciro Formisano. “Per me era già un grande traguardo essere stato selezionato, ma L’anima in pace è un film che conquista tutti con la sua semplicità, pur essendo un piccolo film, ma di grande forza e potenza narrativa.”

Il film è disponibile in Italia su Prime Video.

@riproduzione riservata

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Questa commedia apre una finestra sul mondo caotico e spassoso di una compagnia teatrale sull’orlo del collasso creativo. Attori imprevedibili e a tratti improbabili, tecnici stravaganti e un regista disperato si muovono tra prove disastrose, tentativi di ordine e un debutto che incombe come una minaccia imminente.

A rendere questo spettacolo un autentico caso teatrale è anche la sua straordinaria continuità nel tempo: un vero e proprio cavallo di battaglia della Compagnia Attori & Tecnici che nel 2026 raggiungerà il traguardo, rarissimo per il teatro italiano, dei 43 anni dal debutto. In oltre quattro decenni nulla è stato snaturato: la regia e l’adattamento di Attilio Corsini sono rimasti intatti, così come la scenografia e i costumi originali. Una fedeltà assoluta alla forma iniziale che non ha mai spento la vitalità dello spettacolo, capace anzi di rinnovarsi sera dopo sera grazie all’energia degli interpreti e a un meccanismo comico che continua a funzionare con sorprendente freschezza, conquistando generazioni di spettatori.

Suddivisa in tre atti magistralmente orchestrati, la piecè trascina lo spettatore in un crescendo di situazioni paradossali. Nel primo atto assistiamo alle ultime, convulse prove sul palcoscenico; nel secondo varchiamo la soglia del dietro le quinte, dove la rappresentazione procede nel caos più totale; nel terzo, infine, il sipario si apre su una messinscena che mescola improvvisazione e una comicità fuori controllo. Porte che sbattono al millimetro, scale e finestre che diventano ingranaggi fondamentali dell’azione danno vita a un meccanismo comico tanto complesso quanto irresistibile.

Tutti gli attori offrono una prova straordinaria: memoria impeccabile, concentrazione granitica e una resistenza fisica sorprendente rendono il ritmo serrato e coinvolgente dall’inizio alla fine. Rumori fuori scena si rivela così una matrioska di equivoci, incidenti e gag che trasforma ogni scena in un vortice di risate contagiose.

Chiara David incanta con la sua interpretazione deliziosamente svampita: in scena è una presenza brillante e un po’ fuori dal mondo, capace di dare al suo personaggio una spontaneità irresistibile.

Un’esperienza teatrale unica, brillante e travolgente.
Non lasciarti sfuggire questo viaggio nel cuore pulsante della comicità: lo spettacolo ti aspetta alTeatro Vittoria fino all’11 febbraio 2026.

di Michael Frayn

traduzione di Filippo Ottoni

con

(in ordine di apparizione)

Sabrina Pellegrino, Carlo Lizzani, Stefano Messina,

Chiara David, Virginia Bonacini, Stefano Dilauro,

Chiara Bonome, Simone Balletti e un attore da definire

regia originale di Attilio Corsini

ripresa teatrale di Viviana Toniolo

scene Bruno Garofalo – musiche Arturo Annecchino

Produzione Attori & Tecnici

Fino  al 1° febbraio 2026 (h 21.00, domenica 18, 25 e 1° h 17.30

Biglietti (prevendita inclusa):

TEATRO VITTORIA – ATTORI & TECNICI Piazza S. Maria Liberatrice 10, Roma (Testaccio)

Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598

Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it

Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.

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La felicità è una conquista riservata agli audaci, a chi sa cogliere l’imprevisto e lasciarsi sorprendere dalla vita. Fino all’11 gennaio 2026 la commedia di Ramon Madaula con Alessandro Benvenuti e Marina Massironi.  Tra ironia, scintille e verità.

Lo spettacolo mette in scena il confronto tra due mondi apparentemente inconciliabili: da un lato, uno specialista dello sviluppo personale, ex musicista, ponderato e dedito alla ricerca della felicità attraverso il controllo delle proprie emozioni; dall’altro, una fotografa professionista, donna segnata dal tradimento, nevrotica e sarcastica, che cerca nelle sue foto la scintilla della verità.

Il loro incontro è uno scontro di visioni: ottimismo contro cinismo, pensiero positivo contro giudizi severi e pessimismo. I dialoghi sono conflittuali, densi di ostilità e incompatibilità, ma proprio da questa tensione nasce la domanda centrale: come si fa ad accettare la verità? Il pensiero può davvero aiutarci a veicolare ciò che ci accade?

La pièce si sviluppa come una sfida reciproca: lui cerca l’alchimia per ottenere il risultato, lei non lo asseconda, e per entrambi la relazione diventa un’occasione di crescita e di apprendimento. La metafora della “tigre dentro di noi” rappresenta la lotta contro le avversità e la necessità di domare le proprie pulsioni per non perdere il controllo. La felicità è una conquista riservata agli audaci, a chi sa cogliere l’imprevisto e lasciarsi sorprendere dalla vita. 

Il colpo di scena finale, in cui dalla diversità scocca la scintilla che rende i due complici e felici, ribalta ogni previsione e celebra la bellezza dell’inatteso. 

Lo spettacolo convince per la profondità dei temi trattati e per la capacità di alternare momenti di ironia tagliente a riflessioni esistenziali. Un viaggio emotivo che invita lo spettatore a interrogarsi sul senso della felicità e sull’accettazione della verità.

Domare la tigre significa imparare a gestire le proprie emozioni, a non lasciarsi sopraffare dalla rabbia, dalla paura o dall’ansia, ma anche a riconoscere e accettare la propria parte più autentica e selvaggia. È una lotta quotidiana contro le avversità e le difficoltà della vita, che richiede coraggio, consapevolezza e disciplina.  La tigre, quindi, non è solo un nemico da sconfiggere, ma una parte di noi da conoscere, rispettare e, in qualche modo, integrare nel proprio percorso di crescita personale.

La regia di Alessandro Benvenuti si distingue per maestria, così come la sua interpretazione, intensa e convincente.

Marina Massironi brilla per carisma e precisione, incarnando il suo personaggio in modo impeccabile. 

La scenografia, ridotta all’essenziale, si rivela sorprendentemente funzionale: grazie a un sapiente utilizzo delle luci e a un semplice sgabello, i protagonisti sono riusciti a domare la tigre e a conquistare l’entusiasmo del pubblico.

Dal 30 dicembre 2025 all’11 gennaio 2026

h21.00 nei giorni: 30 dicembre e 2, 3, 8, 9, 10 gennaio – h17.30 nei giorni: 1, 4, 6 e 11 gennaio– h17.00 nel giorno: 7 gennaio

Il 31 dicembre h 21.15: spettacolo di Capodanno + brindisi con la compagnia

TEATRO VITTORIA – ATTORI & TECNICI Piazza S. Maria Liberatrice 10, Roma (Testaccio)

Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598

Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it

Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.

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La scena si apre con due agenti della polizia impegnati in un’operazione sotto copertura: il loro obiettivo è incastrare due suore sospettate di truffa, grazie alla collaborazione di una Commercialista, la Dottoressa Martini, che fungerà da esca. Questo incipit, tipico del poliziesco, viene subito sovvertito: il rigore dell’indagine lascia immediatamente spazio al caos, che si impadronisce della narrazione e trasforma la tensione investigativa in una girandola di comicità.

Gli equivoci si moltiplicano, le identità si confondono, le azioni dei personaggi diventano sempre più assurde e imprevedibili. La storia si arricchisce di dettagli farseschi: disturbi come narcolessia e ninfomania, sordità improvvise, porte comunicanti che si aprono e si chiudono al momento sbagliato, armadi e bagni che diventano nascondigli o luoghi di colpi di scena. Questi elementi scenici non sono solo accessori, ma veri e propri strumenti per la costruzione di gag visive e per mantenere un ritmo narrativo serrato. La scenografia, con i suoi spazi comunicanti e i suoi oggetti “complici”, moltiplica le possibilità di equivoco e contribuisce a creare un’atmosfera di costante instabilità e ilarità.

Un ruolo chiave è affidato al Questore, figura invisibile che incarna il deus ex machina: può intervenire a sciogliere la matassa narrativa, ma spesso finisce per complicarla ulteriormente. I personaggi, così, diventano quasi pedine di un gioco più grande, in balia di forze che sfuggono al loro controllo. 

Il ribaltamento delle aspettative è il cuore della commedia degli equivoci, un genere che trova le sue radici nella tradizione teatrale italiana e che si nutre proprio della perdita di controllo e della confusione crescente. La risata nasce dal vedere i personaggi, spesso autoritari o sicuri di sé, perdere progressivamente il controllo della situazione e diventare vittime delle proprie trappole.

Il cast di questa commedia si distingue per una coesione rara: ogni attore è perfettamente calato nel proprio ruolo, contribuendo a creare un meccanismo scenico che funziona come un ingranaggio ben oliato. I movimenti sono precisi, le battute si incastrano con naturalezza e il ritmo non subisce mai rallentamenti. 

La credibilità degli attori non si limita alla recitazione individuale, ma si manifesta soprattutto nella capacità di interagire, di ascoltarsi e di sostenersi a vicenda. Ogni gesto, ogni sguardo, ogni cambio di tono contribuisce a costruire una dinamica di gruppo che coinvolge lo spettatore e lo trascina all’interno della storia. Il pubblico percepisce questa armonia e ne viene conquistato, sentendosi parte di un gioco teatrale che non si rompe mai, nemmeno nei momenti di maggiore caos narrativo.

In questo contesto, Alessandra Mortelliti spicca per intensità e carisma nel ruolo della Dottoressa Martini. L’attrice riesce a inebriare, incantare e affascinare il pubblico con una presenza scenica magnetica e una padronanza del personaggio che merita un grande plauso. 

Andrea Verdicchio, che interpreta l’Agente De Luca, dimostra una notevole capacità di adattamento, riuscendo a modulare la propria energia in base alle esigenze della scena e alle interazioni con gli altri attori. La sua interpretazione regala allo spettatore momenti di vero teatro, dove la bravura tecnica si fonde con la spontaneità e la passione.

INFORMAZIONI GENERALI

Teatro de’ Servi

Via del Mortaro, 22 | 00187 Roma

Per informazioni e biglietti:

tel. 06.6795130 | info@teatroservi.it

Orario spettacoli

da martedì a venerdì ore 21

sabato ore 17.30 e ore 21

domenica ore 17.30

Biglietti 25€

Speciale 31 dicembre 2025

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Formula Happy Hour – €50

Ore 19.30 Aperitivo in teatro + ore 20 spettacolo (termine evento ore 21.30)

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Formula Bollicine – 60€

Sold-out

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Nel 1977 Emma e Jerry si incontrano in un pub dopo due anni senza vedersi. L’atmosfera è carica di imbarazzo e difficoltà, e i due iniziano a ricordare il passato. Sono stati amanti, ma la situazione si complica quando entra in scena Robert, il marito di Emma e miglior amico di Jerry. Da questo momento, la narrazione si svolge a ritroso, dall’epilogo fino all’origine, come se si riavvolgesse un vecchio nastro che porta lo spettatore indietro fino al 1968, prima che la relazione tra Emma e Jerry abbia inizio.

Quella che sembra la storia semplice e lineare di un triangolo amoroso si rivela invece molto più complessa: il susseguirsi degli eventi lascia spazio alla profondità psicologica dei tre protagonisti, tutti accomunati da un segreto difficile da sostenere.

È un capolavoro sul tema dell’infedeltà, che mette in evidenza come i matrimoni borghesi siano spesso costruiti su fondamenta fragili di convenzioni sociali, portando i coniugi a una progressiva estraneità e a rapporti privi di profondità. L’amante, più che per passione, viene cercato per sfuggire alla noia. L’uso dell’alcol diventa un modo per anestetizzare il senso di colpa e il disagio esistenziale. In questo contesto, nessuno può definirsi realmente vittima: tutti sono coinvolti in una rete di tradimenti e autoinganni, spinti dalla paura della solitudine o dal bisogno di dimenticare. Alla fine, ciò che rimane è un senso diffuso di amarezza e la consapevolezza che il tradimento più grande è quello verso se stessi.

Tutti lo sanno. Il mondo stesso lo sa. Lo sa. Ma nessuno saprà mai, perché appartiene a un altro mondo” è con queste parole che Jerry si dichiara a Emma con forza e desiderio, esprimendo il confine sottile di un sentimento intimo tra la dimensione pubblica e quella privata dell’esistenza.

Questa messa in scena sottolinea pertanto una profonda verità: ogni essere umano custodisce un nucleo di segreti e sentimenti che nessuno potrà mai conoscere davvero.

Giorgia Floridi è una splendida Emma che padroneggia e illumina con eleganza la scena.

L'articolo Tradimenti. Al Teatro Petrolini di Roma va in scena il capolavoro di Pinter: il viaggio inverso di un tradimento proviene da lafrecciaweb.it.

Nell’elegante atmosfera di una casa degli anni trenta, la protagonista Beatrice è travolta dalla gelosia e sospetta che il marito la tradisca. Spinta da questi timori, arriva a denunciarlo alle autorità.
Tuttavia, Beatrice non considera le ripercussioni che questa decisione avrà anche su Ciampa, il loro fidato collaboratore e marito della presunta amante, che finirà per essere oggetto di scherno da parte dell’intera comunità, salvo che non sia lo stesso Ciampa, con astuzia, a trovare una soluzione.

L’essere donna implica spesso una sottile capacità di influenzare le azioni degli uomini, guidandoli verso ciò che desideriamo senza che loro ne siano consapevoli, ma spesso la rabbia, l’ira, la collera e l’indignazione offuscano e non lasciano spazio a preziosi consigli e alle buone intenzioni.

Ci si interroga se sia davvero indispensabile esporsi pubblicamente o denunciare situazioni difficili per sentirsi finalmente liberi e sollevati da un peso interiore che possa minare la propria reputazione. La domanda nasce dal desiderio di capire se la libertà personale passi necessariamente attraverso atti di coraggio visibili agli altri, oppure se possa essere raggiunta anche attraverso percorsi più intimi e riservati. 

Vivere costantemente preoccupati del giudizio altrui può diventare un ostacolo insormontabile alla serenità. Se ci lasciassimo condizionare da ogni parola o opinione della gente, rischieremmo di perdere la nostra autenticità e la capacità di vivere pienamente la nostra vita, rinunciando ai nostri desideri e alle nostre scelte.

Tutto questo è magistralmente rappresentato dalla regia attenta e minuziosa di Michele La Ginestra.

La rappresentazione spicca grazie a un adattamento vivace, ironico e originale che attraverso la romanità regala allo spettatore una nota di colore.

Sergio Zecca è un protagonista formidabile che  coinvolge profondamente il pubblico grazie alla sua capacità di trasmettere una vasta gamma di emozioni. 

Molto bravi e affiatati tutti gli altri interpreti; Maria Teresa Pascale nel ruolo della Saracena è autentica e lascia il segno, stimolando riflessioni e suscitando empatia negli spettatori.

Entro il 30 novembre questo spettacolo va assolutamente visto!

Photocover e Immagini dal sito www.teatro sette.it

@riproduzione riservata

L'articolo Er Beretto Coi Sonarelli. Al Teatro Sette va in scena una azzeccatissima rielaborazione in romanesco de “Il Berretto a sonagli” di Luigi Pirandello proviene da lafrecciaweb.it.

È la storia d’amore di Riccardo e Marina, un rapporto profondo e intenso che viene scandito attraverso le “pietre miliari” del loro viaggio insieme: il giorno del matrimonio, la nascita dei figli, il successo professionale, le infedeltà, le gioie e le difficoltà familiari. Questi eventi mostrano come il legame si modifichi, si rafforzi o si incrini, restando però sempre il filo conduttore della loro esistenza.

Il sentimento tra Riccardo e Marina viene rappresentato attraverso l’ambientazione unica della camera da letto, il talamo che diventa il simbolo della loro intimità, delle loro complicità e delle loro crisi. Un viaggio complesso e autentico, fatto di quotidianità, sogni, difficoltà in un processo di profonda trasformazione.

Riccardo è un marito patriarcale e narcisista ma allo stesso tempo devoto e amorevole. “Bisogna avere il coraggio di buttare via le illusioni, meglio una vita più breve ma felice” è la frase che colpisce al cuore e all’anima di Marina, una moglie centrata, forte ma estremamente fragile.

Il testo alterna momenti di leggerezza e ironia a passaggi di grande intensità emotiva. Le risate e i dolori, le speranze e le delusioni si intrecciano, restituendo la complessità di una relazione reale, fatta di alti e bassi, di momenti di vicinanza e di distanza.

Interessante e poetica la presenza delle vallette di scena, due splendide danzatrici eleganti e suggestive che scandiscono, con le loro coreografie, il passare del tempo. Come due farfalle guidano gli spettatori facendoli entrare nella magia di questa storia d’amore: dalla nascita, allo sviluppo, attraverso il declino per poi chiudere con la rinascita. Un vero omaggio alle Serve di Jean Genet, una celebrazione e un tributo alla sua portata artistica e al suo impatto sul mondo del teatro.
Riccardo Polizzy Carbonelli e Marina Lorenzi, oltre ad essere una splendida coppia nella vita, sono due interpreti talentuosi e straordinari sulla scena, entrambi con la grande capacità di creare una profonda tensione drammatica attraverso il volto, il gesto e la voce.

L'articolo Un letto per due. Al Teatro Golden con la commedia di Tato Russo per la regia di Livio Galassi va in scena la vera essenza del teatro proviene da lafrecciaweb.it.