Alla premiazione con la madrina Anna Mazzamauro, gli interventi di Maurizio Merli e Paolo Giuntarelli.
Nel messaggio di Federico Mollicone il riconoscimento a un Premio capace di unire qualità artistica e sensibilità sociale

Roma, 24 ottobre 2026 – Il valore del cinema come strumento di inclusione, conoscenza e partecipazione è stato al centro della cerimonia della XVI edizione del Sorriso Diverso Roma Award, svoltasi ieri alla Libreria Auditorium Notebook, nell’ambito delle Risonanze della Festa del Cinema di Roma. L’evento ha visto la partecipazione  della madrina Anna Mazzamauro, del presidente del Premio Diego Righini e della direttrice artistica Paola Tassone.

A sottolineare il legame tra cinema, istituzioni e impegno sociale sono stati gli interventi di Maurizio Merli, vicepresidente Ita.C.A. – Associazione Italiana Cinema e Audiovisivo, che riunisce produttori indipendenti ed è promotrice della nuova legge sul cinema, la cui approvazione è prevista per il prossimo 3 novembre, e di Paolo Giuntarelli, direttore della Direzione regionale Affari della Presidenza, Turismo, Cinema, Audiovisivo e Sport della Regione Lazio. Due contributi significativi per una manifestazione che promuove il linguaggio audiovisivo come spazio di confronto sui diritti, sulle fragilità e sul valore delle differenze.

Alla manifestazione è stato indirizzato anche il messaggio di Federico Mollicone, presidente della VII Commissione permanente della Camera dei deputati, che ha richiamato la funzione pubblica e pedagogica della cultura, esprimendo attenzione e apprezzamento per le iniziative capaci di coniugare qualità artistica e sensibilità sociale. “Iniziative di questo spessore, che impreziosiscono la Festa del Cinema di Roma, dimostrano come il linguaggio cinematografico sappia farsi motore di un cambiamento profondo”, ha scritto Mollicone nel saluto rivolto agli organizzatori, alla giuria e ai partecipanti.

A ricevere il riconoscimento al Miglior Film Italiano è stato Dove batte il cuore di Francesco Patierno, mentre il premio al Miglior Film Straniero è andato a The Secret Reading Club of Kabul di Shakiba Adil ed Elina Hirvonen. Il Premio Under 35 è stato assegnato a The State of Us di Jake Harvey e Ollie Gardner; una menzione speciale è andata a Un altro giorno insieme di Alessandro Guida. Quattro opere che, attraverso storie e linguaggi diversi, raccontano la libertà, la forza dei legami e il diritto al futuro.

Il Sorriso Diverso Roma Award è promosso dall’Università Cerca Lavoro, presieduta da Ilaria Battistelli, e realizzato in collaborazione con Dream On, con il contributo del Ministero della Cultura e della Regione Lazio, il patrocinio di Rai per la Sostenibilità ESG e la partecipazione di Rai Pubblica Utilità in qualità di media partner.

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Alessandro Guida (menzione speciale) e Paolo Giuntarelli

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Una terra si impara ad amarla anche attraverso le storie che la raccontano. Storie capaci di restituirne la bellezza e le contraddizioni, di conservarne la memoria e di parlare a chi ne costruirà il futuro. Da questa prospettiva prende forma «L’ultimo Cunto», il cortometraggio scritto e interpretato da Tony Sperandeo, che unisce la valorizzazione della cultura siciliana a un messaggio antimafia rivolto soprattutto alle nuove generazioni.

Presentata dal Teatro Parioli Costanzo di Roma insieme all’Associazione Le Ombre di Platone, l’opera sarà proiettata in concorso il 28 novembre a Gravina di Catania, nell’ambito del festival “Via dei Corti”.

Il titolo introduce già un legame con l’identità dell’isola. In siciliano, cuntu significa racconto; il cunto è anche un’arte della narrazione orale, nella quale il narratore coinvolge il pubblico attraverso la voce, il ritmo e i gesti. In «L’ultimo Cunto» si può dunque leggere un richiamo al racconto come strumento di trasmissione della memoria siciliana.

L ‘obiettivo centrale del film è scardinare gli stereotipi criminali per sostituire, nell’immaginario collettivo,   il concetto e la sottocultura di “Cosa Nostra” con l’ appartenenza  e la tutela della propria  “Terranostra”.

La proiezione si inserisce nella nuova edizione di “Via dei Corti – Festival Indipendente di Cinema Breve”, in programma dal 26 al 29 novembre 2026 all’Auditorium Angelo Musco di Gravina di Catania.

La manifestazione, promossa dalle associazioni Gravina Arte e No_Name con il coinvolgimento del Comune, accoglie opere italiane e internazionali e riserva spazio anche ai cortometraggi realizzati dagli studenti.

Per «L’ultimo Cunto», la tappa al Festival di Gravina rappresenta il punto di partenza di un’ampia iniziativa civile ed educativa a lungo termine. Il progetto prevede infatti un percorso itinerante negli istituti scolastici siciliani.  

La visione di “L’ultimo Cunto”  potrà offrire un’occasione per discutere di identità, pregiudizi e impegno civile, lasciando spazio alle domande degli studenti e al loro modo di vivere e immaginare l’isola.

Tony Sperandeo, il cinema e il legame con la Sicilia

Autore e interprete del corto, Tony Sperandeo è nato a Palermo e ha attraversato alcune delle opere più conosciute del cinema italiano dedicate alla realtà siciliana. La sua filmografia comprende titoli come Mery per sempre, Ragazzi fuori, La scorta e I cento passi.

Per l’interpretazione di Gaetano Badalamenti in I cento passi, diretto da Marco Tullio Giordana e dedicato alla storia di Peppino Impastato, ha vinto nel 2001 il David di Donatello come miglior attore non protagonista.

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Tre mandate di chiave separano Sonia dal mondo.

È il marito a chiuderla in casa, lo stesso uomo che decide quando può telefonare alla madre, quali abiti deve indossare e che cosa può scrivere nel suo diario. È fatta anche di questi gesti la violenza raccontata in “Oltre il riflesso”, il cortometraggio scritto, diretto e interpretato da Elvira Gigante, con Vittorio Aliotta.

Presentato in prima assoluta il 16 ottobre al The Cineclub di Roma, in occasione della XXI Festa del Cinema, il film è stato al centro di un incontro moderato dal giornalista messinese Marco Bonardelli. Un confronto che ha permesso di approfondire le scelte della regista e una storia nella quale la sopraffazione arriva a occupare ogni spazio della vita domestica.

Da sx: Vittorio Aliotta, Marco Bonardelli, Elvira Gigante

Il controllo dentro la normalità domestica

Sonia ha quarantanove anni e vive da vent’anni una relazione che ha progressivamente cancellato il suo rapporto con l’esterno e con se stessa. Il marito Giacomo, docente universitario di sociologia, esercita su di lei un controllo assoluto. Telefonare alla madre, scegliere un vestito, uscire per fare la spesa: tutto dipende dalla sua volontà.

Anche la scrittura viene piegata alla sorveglianza. Giacomo obbliga Sonia a tenere un diario che legge e controlla; lei vi annota soltanto ciò che può compiacerlo. Persino quello spazio, tradizionalmente riservato ai pensieri più personali, le viene sottratto.

«La protagonista vive all’interno di una sopraffazione psicologica che le porta ad avere una vita dettata da un’altra persona», ha osservato Aliotta durante l’incontro.

In un mondo iperconnesso, nel quale comunicare sembra sempre possibile, Sonia vive una distanza radicale dagli altri. La sua storia mostra quanto possa diventare difficile chiedere aiuto quando la manipolazione e la paura hanno progressivamente indebolito la fiducia in se stessi, i legami e la capacità di scegliere.

Il racconto si concentra nell’arco di una giornata, ricostruita attraverso il presente e i frammenti delle ore appena trascorse. Una telefonata intercettata da Sonia incrina definitivamente l’immagine del marito e porta la tensione accumulata negli anni a un punto di non ritorno.

La casa, le chiavi, lo specchio

La casa domina il racconto. Gli ambienti sempre in penombra, il corridoio, le porte chiuse restituiscono una sensazione di soffocamento. Si avverte l’assenza di uno spazio nel quale Sonia possa sentirsi libera, anche solo per un momento.

La fotografia di Monica De Sanctis accompagna questa clausura con movimenti lenti, inquadrature ampie e contrasti di luce. La durata dei piani costringe a restare dentro le stanze, a condividere attese e silenzi. La matrice teatrale del progetto si riconosce nel peso dato ai corpi e alle loro distanze: anche il modo in cui marito e moglie occupano lo spazio racconta il loro rapporto.

Gli oggetti contribuiscono a rendere tangibile la prigionia. Il rumore delle tre mandate chiude ogni possibilità di contatto con l’esterno.  L’impossibilità di comunicare e Il diario controllato mostrano come Giacomo sorvegli tanto le relazioni quanto l’intimità della moglie.

Lo specchio introduce il tema della perdita di sé. All’inizio non restituisce l’immagine di Sonia: un’assenza che esprime il suo annullamento. «Lei non vede più se stessa in quel riflesso», ha spiegato Gigante. Il titolo riguarda anche Giacomo, la cui figura pubblica nasconde ciò che accade tra le mura domestiche.

Il titolo suggerisce anche una direzione dello sguardo: oltre l’immagine rassicurante della coppia, oltre la rispettabilità sociale, dentro ciò che resta nascosto tra le mura domestiche. È lì che il film pone la sua domanda più urgente: quanto siamo capaci di riconoscere la violenza quando assume la forma delle abitudini quotidiane?

In quelle stanze c’è però una pianta, alla quale Sonia dedica le proprie cure. «Volevo che ci fosse qualcosa di vivo a tenere compagnia a Sonia all’interno della casa, perché lei chiaramente è sola, è sempre sola», ha raccontato la regista. In questo piccolo legame si riconosce il bisogno della protagonista di dare affetto e sentirsi ancora parte della vita.

Da “Rubata” a “Oltre il riflesso”

Il progetto nasce dal monologo teatrale “Rubata” di Vittorio Aliotta, proposto a Gigante perché lo interpretasse. Durante la lettura, l’attrice comincia però a immaginare scene, luoghi e situazioni che la portano verso il cinema. Prende forma così la storia di Sonia, liberamente ispirata al testo originario.

Alcuni particolari, come il cellulare sottratto e tenuto segregato, provengono da racconti ascoltati direttamente da donne che hanno subito forme di controllo. Sono dettagli che danno concretezza alla vicenda e la avvicinano a esperienze reali.

Inizialmente il film si intitolava “Piccoli passi”, un riferimento alle minime conquiste quotidiane della protagonista. Durante la lavorazione, la centralità dello specchio e dell’identità ha suggerito il titolo definitivo.

Prodotto da Gigarò Production, con distribuzione Prem1ere Film, il corto segue “Follower #1”, di cui Gigante aveva firmato la co-regia con Alessandro Montone. Qui è regista, autrice e protagonista; per Aliotta, attore, autore e regista teatrale, si tratta invece del debutto cinematografico.

La lavorazione presenta anche una particolarità tecnica: il film è stato girato interamente con iPhone 17 Pro Max, montato su supporti e carrello. Il montaggio di Iole Ionno ricostruisce gradualmente la giornata, usando il corridoio come passaggio tra presente e passato. Le musiche originali sono di Cristiano Sacchi.

Quello che resta della violenza

La regia sceglie di non mostrare direttamente le scene di violenza fisica domestica. A farne sentire il peso sono i comportamenti, le imposizioni e il modo in cui Sonia ha imparato a vivere sotto sorveglianza.

Il finale affronta le conseguenze di questa lunga sopraffazione. Gigante ne chiarisce il senso: «Volevo raccontare la violenza domestica senza trasformare il finale in una forma di giustizia fai da te». Durante l’incontro ha ribadito: «La violenza lascia sempre tracce di violenza sulla persona che la riceve».

 È su queste tracce che il film invita a soffermarsi. Sulla difficoltà di ritrovare se stessi dopo anni di isolamento, sulle ferite che condizionano le scelte, sul bisogno di un aiuto che interrompa la solitudine. Le tre mandate risuonano anche per questo: dietro quella porta c’è una donna alla quale, giorno dopo giorno, è stata tolta la possibilità di decidere della propria vita.

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Il Premio dedicato al cinema che affronta le disuguaglianze, dà voce alle fragilità e promuove una cultura dell’inclusione.  Anna Mazzamauro madrina della premiazione, venerdì 23 ottobre, alle ore 16.00, alla Libreria Auditorium Notebook

Roma, 8 ottobre 2026 – Sono quindici i film in nomination per la XVI edizione del ‘Sorriso Diverso Roma Award’, dedicata al cinema che affronta le disuguaglianze, dà voce alle fragilità e promuove una cultura dell’inclusione. Anna Mazzamauro sarà la madrina della premiazione, in programma venerdì 23 ottobre, alle ore 16.00, alla Libreria Auditorium Notebook, nell’ambito della Festa del Cinema di Roma.

Tredici opere dal programma della Festa e due da Alice nella città compongono una selezione che mette a confronto autori, Paesi e sensibilità differenti. A unirle è l’attenzione alla dimensione umana e sociale delle storie, alle condizioni di chi vive ai margini e alle possibilità di cambiamento individuale e collettivo.

“Mi sono complimentato con la direttrice Paola Malanga per una selezione che porta a Roma culture e realtà sociali di tutto il mondo. Attraverso il cinema, la Festa rende la città un luogo di incontro e confronto, restituendo all’espressione “Roma caput mundi” un significato vivo e attuale”, dichiara il presidente del Premio Diego Righini.

 Volto amatissimo del cinema italiano, Anna Mazzamauro è protagonista di una lunga carriera tra teatro, cinema e televisione. Indimenticabile signorina Silvani nella saga di Fantozzi, ha affiancato alla comicità interpretazioni drammatiche e un’intensa attività sul palcoscenico. La sua ironia pungente e la sua personalità anticonformista ne fanno una delle interpreti più originali dello spettacolo.

Tra le nomination figurano cinque titoli del Concorso Progressive Cinema: Congo Boy di Rafiki Fariala, Eurotrash di Frauke Finsterwalder, Thit-Thee Khu (Fruit Gathering) di Aung Phyoe, Skejtanjeto ne e za devojčinja (Skateboarding Is Not for Girls) di Dina Duma e Uļa (Ulya) di Viesturs Kairišs.

Concorrono inoltre Caro mondo crudele di Niccolò Falsetti e Il profilo dell’altra di Francesco Bruni. Sono in nomination anche L’ultimo abbraccio “Chi come me” di Michele Mally, L’incontro di Fabrizio Galatea, Nowruz – Nuovo giorno di Francesco Cannavà, The Secret Reading Club of Kabul di Shakiba Adil ed Elina Hirvonen e La stanza degli altri di Enrico Maisto. Completa la selezione dei tredici titoli della Festa Ben’Imana di Marie-Clémentine Dusabejambo, presentato nella sezione Best of 2026.

Da Alice nella città, nella sezione Panorama Italia – Proiezioni Speciali, concorrono Dove batte il cuore di Francesco Patierno e Un altro giorno insieme di Alessandro Guida.

Ad assegnare i riconoscimenti al Miglior Film Italiano e al Miglior Film Straniero sarà una giuria di esperti presieduta dal critico cinematografico Catello Masullo e composta da Paola Dei, Massimo Nardin, Rossella Pozza, Paola Dalla Torre, Franco Mariotti, Alessandro Occhipinti, Antonio Castaldo, Armando Lostaglio, Alberto Pierini, Michela Manente, Manuele Ferrari Angelo Comneno e Francesca Gallifuoco.

 Presieduto da Diego Righini, con la direzione artistica di Paola Tassone, il Premio è promosso dall’Università Cerca Lavoro, presieduta da Ilaria Battistelli, ente promotore anche del Festival Internazionale della Cinematografia Sociale Tulipani di Seta Nera, ed è realizzato in collaborazione con Dream On.

La manifestazione gode del contributo del Ministero della Cultura e del patrocinio di Rai per la Sostenibilità ESG, con Rai Pubblica Utilità in qualità di media partner.

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Foto credits Anna Mazzamauro: ©FabrizioVinti

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La violenza di genere narrata da una prospettiva inedita al centro dell’incontro-dibattito “Oltre il riflesso – Diario di una dipendenza affettiva”, anteprima dell’omonimo cortometraggio scritto, diretto e interpretato dall’attrice Elvira Gigante. L’evento, moderato dal giornalista Marco Bonardelli, si svolgerà il 16 ottobre (ore 18.00) presso il The Cineclub di Roma, in occasione della ventunesima Festa del Cinema.

Dopo aver affrontato i rischi dei social network nel precedente lavoro “Follower #1”, in concorso all’ultima edizione del festival “Tulipani di Seta Nera”, con “Oltre il riflesso” l’attrice e regista romana racconta per immagini una delle più grandi emergenze sociali del nostro tempo lanciando messaggi significativi anche sui rischi di una reazione agita in solitudine, senza l’aiuto di agenzie preposte all’aiuto e al sostegno. E fa sentire forte l’urgenza di un cambiamento di prospettiva nel considerare che anche chi accetta passivamente la violenza vive un disagio interno da considerare con attenzione.

 Realizzato da Gigarò Production con distribuzione Prem1ere Film, liberamente ispirato al monologo teatrale “Rubata” di Vittorio Aliotta, il film vede Gigante nei panni di Sonia, quarantanovenne che conduce una vita apparentemente ordinata accanto a Giacomo (interpretato dallo stesso Aliotta), docente universitario di sociologia. Dietro la normalità domestica si nasconde però un sistema di controllo coercitivo fatto di divieti, rituali, chiavi, silenzi e concessioni: persino telefonare alla madre, scegliere un vestito o uscire per fare la spesa dipendono dalla volontà del marito.

Tra presente e frammenti della giornata appena trascorsa, la casa rivela progressivamente la propria natura di prigione. Quando Sonia intercetta una telefonata che incrina definitivamente l’immagine di Giacomo, la tensione accumulata per anni raggiunge un punto di non ritorno.

“Oltre il Riflesso” racconta ciò che la violenza lascia dietro di sé: non una semplice liberazione, ma vuoti, ferite e conseguenze destinate a restare.

L’evento è promosso e organizzato da Suggestioni Press.

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Torino, lunedì 5 ottobre 2026 – Sarà Francesca Archibugi a presiedere la Giuria della Sezione Lungometraggi del 44° Torino Film Festival, in programma dal 24 novembre al 2 dicembre 2026. Regista e sceneggiatrice tra le figure più autorevoli del cinema italiano contemporaneo, Francesca Archibugi porta al Torino Film Festival uno sguardo capace di coniugare sensibilità autoriale e profonda capacità di osservazione della società. Il suo cinema ha saputo raccontare con particolare intensità le relazioni familiari, i passaggi generazionali, le fragilità e le contraddizioni della vita quotidiana, alternando commedia e dramma con una cifra personale e inconfondibile.

Dopo il suo esordio alla regia nel 1988 con Mignon è partita, Francesca Archibugi ha costruito una filmografia ricca e coerente, che le ha portato diversi riconoscimenti, tra cui tre David di Donatello, quattro Nastri d’argento, un Globo d’oro e un Premio Flaiano. Tra i suoi titoli più significativi figurano Verso sera (1990), Il grande cocomero (1993), Con gli occhi chiusi (1994), L’albero delle pere (1998), Lezioni di volo (2007), Questione di cuore (2009), Il nome del figlio (2015), Gli sdraiati (2017), Vivere (2019), Il colibrì (2022) e il più recente Illusione (2025).

Giulio Base, Direttore artistico del Torino Film Festival, ha dichiarato: «Francesca Archibugi è un’autrice che ammiro profondamente per la sensibilità, l’intelligenza e l’indipendenza con cui ha costruito il proprio percorso. Era già una presenza luminosa quando le donne dietro la macchina da presa erano ancora pochissime e continua oggi a sostenere con generosità il talento delle sue colleghe. Averla come presidente di giuria del Torino Film Festival è una grande gioia: sono certo che saprà riconoscere il talento, accogliere l’imprevisto e dare ascolto alle voci più originali del cinema contemporaneo».

Il Torino Film Festival è realizzato dal Museo Nazionale del Cinema di Torino e si svolge con il contributo del Ministero della Cultura – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Regione Piemonte, Città di Torino, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT.

  Photo credit: Enrico De Luigi

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UN PONTE TRA TERRITORIO E INTERNAZIONALITÀ

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NAZA, perché vederlo e farlo vedere

Non per uscire dalla sala tutti con la stessa opinione. Ma per domandarci che cosa accade quando un essere umano diventa un dato, un obiettivo, una probabilità e la tecnologia aumenta la distanza dalle conseguenze delle nostre decisioni.

C’è un dato che, da solo, racconta qualcosa. NAZA era arrivato nelle sale italiane come evento di tre giorni, dal 28 al 30 settembre. Nei primi due giorni ha superato 1,09 milioni di euro di incasso e 146 mila spettatori, conquistando il primo posto al box office italiano. La programmazione è stata quindi prolungata oltre la finestra inizialmente prevista. ^{[1] [2]}

Per un documentario di questo tipo non è un risultato ordinario.

Ma forse la domanda interessante non è quanti lo stanno guardando.

È perché dovremmo guardarlo.

E, ancora di più, perché potrebbe avere senso non limitarsi a vederlo individualmente, ma farlo diventare occasione di confronto nelle scuole, nelle comunità, nei gruppi, nei luoghi di formazione e nelle famiglie.

Non perché NAZA contenga tutta la verità sulla guerra di Gaza.

Non la contiene.

Nessun documentario di ottanta minuti potrebbe farlo.

Ma perché ci costringe a osservare qualcosa che rischia di rimanere invisibile: il modo in cui una persona può progressivamente scomparire dietro una procedura.

Ventiquattro voci dall’interno

NAZA è diretto dagli israeliani Yuval Abraham e Rachel Szor, due dei quattro autori di No Other Land, il documentario vincitore dell’Oscar nel 2025. Presentato in concorso alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia 2026, NAZA ha ricevuto il Premio Speciale della Giuria. ^[3]

Il film è costruito attorno alle testimonianze di 24 appartenenti o ex appartenenti all’apparato militare e di intelligence israeliano. Le loro identità sono protette e le conversazioni sono state filmate prevalentemente di notte sui tetti di Tel Aviv. ^[4]

Il titolo stesso contiene già una parte della questione.

“NAZA” richiama un acronimo militare utilizzato per indicare il cosiddetto danno collaterale, cioè anche il numero di civili che si prevede possano essere uccisi durante un attacco. ^[3]

Quando la persona diventa un dato

La guerra ha sempre avuto bisogno di distanza.

Distanza fisica dal nemico. Distanza psicologica. Distanza linguistica.

Non diciamo più necessariamente uomo, donna, bambino.

Diciamo obiettivo. Target. Danno collaterale. Probabilità. Soglia accettabile.

NAZA aggiunge a questa distanza una dimensione che riguarda profondamente il nostro tempo: la tecnologia.

Le testimonianze raccolte nel documentario descrivono sistemi di sorveglianza, elaborazione dei dati e strumenti basati anche sull’intelligenza artificiale impiegati nel processo di individuazione dei possibili obiettivi. Il film sviluppa precedenti inchieste pubblicate da The Guardian, +972 Magazine e Local Call. ^{[3] [4]}

Ed è forse qui che il film incontra una questione che va ben oltre questo conflitto.

La tecnologia può consentirci di vedere più lontano, elaborare più informazioni, individuare più velocemente qualcosa o qualcuno.

Ma può anche aumentare la distanza tra l’azione e la percezione delle sue conseguenze.

Un essere umano osservato attraverso uno schermo può diventare un punto.

Un’abitazione una coordinata.

Una famiglia una probabilità statistica.

Non è la tecnologia, da sola, a prendere necessariamente la decisione. Ma la tecnologia può modificare il modo in cui l’essere umano percepisce ciò su cui sta decidendo.

Ed è una domanda che non riguarda soltanto gli eserciti.

Riguarda la società digitale che stiamo costruendo.

Il problema del “piccolo ingranaggio”

C’è un altro elemento che il documentario porta in primo piano: la frammentazione della responsabilità.

Qualcuno raccoglie informazioni.

Qualcun altro sviluppa o utilizza un sistema.

Un altro individua l’obiettivo.

Un altro ancora autorizza.

Qualcun altro esegue.

Ogni persona può vedere soltanto una parte del processo.

È facile sentirsi un piccolo ingranaggio.

“Il mio compito era tecnico.”

“Non ero io a decidere.”

“Mi occupavo soltanto di quella parte.”

Eppure una catena di decisioni rimane fatta di persone.

È forse una delle questioni più inquietanti poste da NAZA: quanto sia possibile partecipare a un sistema senza percepirsi pienamente responsabili del risultato prodotto da quel sistema.

Ma un documentario non è un tribunale

Proprio perché le accuse e le testimonianze contenute nel film sono estremamente gravi, NAZA deve essere guardato anche con gli strumenti del giornalismo.

Le 24 fonti sono anonime. Lo spettatore non può quindi verificarne direttamente identità, ruolo e grado di conoscenza dei singoli fatti raccontati.

L’esercito israeliano ha respinto le accuse formulate nel film e ha contestato, tra gli altri aspetti, proprio l’uso delle testimonianze anonime, sostenendo che dall’esterno non sia possibile verificarne identità, incarichi e coinvolgimento nei fatti descritti. ^[5]

The Guardian, produttore del documentario e testata che ha partecipato alle precedenti inchieste sulle quali il film si basa, ha invece affermato che le testimonianze delle fonti confidenziali sono state verificate nell’ambito di oltre tre anni di lavoro giornalistico. ^[6]

Guardare NAZA non richiede di cancellare tutto questo.

E raccontare il 7 ottobre non rende meno necessario interrogarsi su ciò che è accaduto dopo.

Le due realtà possono essere guardate contemporaneamente.

È forse proprio questo uno dei compiti più difficili del giornalismo e della coscienza: non avere bisogno di cancellare il dolore dell’uno per riconoscere quello dell’altro.

Perché allora farlo vedere?

Non per dire a qualcuno che cosa deve pensare di Israele.

Non per costruire un’altra tifoseria.

Non per sostituire una propaganda con un’altra.

E neppure per trasformare un film in una sentenza.

Lo farei vedere per fermarci davanti ad alcune domande.

• Che cosa accade quando il linguaggio rende più sopportabile ciò che nella realtà sarebbe insopportabile?
• Che cosa cambia quando una persona diventa un numero?
• Che cosa succede quando una procedura distribuisce la responsabilità fino quasi a farla scomparire?
• Uno schermo modifica il nostro rapporto con le conseguenze delle nostre azioni?
• La distanza tecnologica modifica anche la nostra responsabilità morale?

Sono interrogativi che NAZA porta dentro una guerra, ma che appartengono anche al mondo nel quale viviamo.

Vederlo insieme

Forse è questa la ragione più interessante per far vedere un documentario come NAZA.

Non organizzare semplicemente una proiezione.

Organizzare una conversazione dopo la proiezione.

In una scuola, per esempio, non chiederei ai ragazzi: “Chi ha ragione?”.

Chiederei piuttosto:

E poi aggiungerei una seconda domanda:

A quel punto Gaza non sarebbe più soltanto qualcosa che accade a migliaia di chilometri da noi.

La domanda arriverebbe molto più vicino.

Perché la disumanizzazione non comincia necessariamente con una bomba.

Può cominciare molto prima.

Comincia ogni volta che dell’altro resta soltanto una categoria.

Un profilo.

Un numero.

Un nemico.

Un dato.

Uscire dalla sala senza una risposta

Forse un buon documentario non dovrebbe consegnarci una risposta pronta.

Dovrebbe renderci più difficile continuare a utilizzare quelle che avevamo prima.

È possibile uscire da NAZA contestando alcune sue scelte.

È possibile domandarsi che cosa manchi.

È possibile cercare altre fonti, ascoltare altre testimonianze e verificare le accuse che presenta.

Anzi, dovremmo farlo.

Ma rimane una domanda dalla quale è più difficile sottrarsi:

Non riguarda soltanto Israele.

Non riguarda soltanto Gaza.

Non riguarda soltanto la guerra.

Riguarda ogni sistema nel quale tecnologia, linguaggio e distanza rischiano di separarci dalle conseguenze delle nostre azioni.

Per questo NAZA può diventare qualcosa di più di un film da vedere.

Può diventare una domanda da abitare insieme.

E forse il modo più serio di farlo vedere non è dire agli altri quale conclusione devono trarne.

È restare, dopo che lo schermo diventa nero, abbastanza a lungo da ascoltare quello che quella domanda provoca in ciascuno di noi.

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Una vita vissuta tra le passerelle dei più grandi stilisti internazionali e i set cinematografici di mezza Europa e degli Stati Uniti. La storia di Luca Ribezzo è quella di un percorso artistico e umano straordinario che affonda le radici in oltre vent’anni di esperienza nel cuore pulsante della moda, lavorando fianco a fianco con icone come Valentino, Dolce & Gabbana, Gianfranco Ferré, Versace e Armani, per poi evolversi in una carriera di attore ricca di oltre quarantacinque crediti su IMDb.

​Da Parigi a Tel Aviv, da New York a Londra, fino alle recenti produzioni tra Stati Uniti, Italia e Spagna, l’attore e modello Luca Ribezzo ha saputo reinventarsi con tenacia, talento e una profonda dedizione allo studio, lavorando con registi del calibro di Til Schweiger e al fianco di stelle internazionali come Matt Dillon e Nick Nolte.

In questa intervista, ci illustra le tappe fondamentali di questa metamorfosi artistica, svelando anche il lato più intimo e riservato di un professionista che ha fatto della sensibilità e dell’autenticità la sua cifra distintiva, superando le sfide legate alla timidezza e ai circuiti patinati del mondo dello spettacolo.

Lei ha vissuto e lavorato per oltre vent’anni nel gotha della moda mondiale, accanto a leggende dello stile come Valentino, Versace e Armani. Qual è stato il momento esatto in cui ha capito che quel mondo prestigioso non le bastava più e che la vera chiamata arrivava dal set e dalla recitazione?

 Non c’è stato un momento preciso in cui ho capito che il mondo della moda non mi bastava più, perché la recitazione è sempre stata dentro di me. Fin da bambino, mi divertivo a interpretare personaggi e, alle scuole medie, il corso di teatro era il momento che aspettavo con più entusiasmo. Mi piaceva stare sul palco e raccontare storie.

Dopo il diploma ho lavorato come animatore turistico nei villaggi vacanze. La parte che amavo di più erano gli spettacoli serali: prepararli, provare e poi esibirmi davanti a centinaia di persone. Ogni volta che salivo sul palco sentivo che quello era il posto in cui riuscivo davvero a esprimermi.

A un certo punto, ho deciso di trasformare quella passione in qualcosa di concreto. Mi sono iscritto a una scuola di teatro professionale e, una volta terminato il percorso, sono partito per Londra. È lì che ho iniziato la mia gavetta e ho avuto le prime opportunità come attore professionista.

Non dimenticherò mai la prima volta davanti a una telecamera. Nel momento in cui ho interpretato un personaggio completamente diverso da me, ho capito la forza di questo mestiere. Quando la telecamera si accende e quella luce rossa si illumina, entri in un’altra vita. Ti ritrovi a vivere emozioni, relazioni e situazioni che non ti appartengono, ma che in quel momento diventano incredibilmente vere.

Per me recitare significa proprio questo: entrare nel personaggio fino in fondo, attraverso la voce, il corpo, gli sguardi, le emozioni e ogni piccolo dettaglio. È un lavoro che mi permette di raccontare storie, ma anche di conoscere meglio me stesso.

La moda mi ha dato tantissimo: mi ha fatto viaggiare, crescere e conoscere persone straordinarie. Sarò sempre grato a questo settore, per tutto quello che mi ha insegnato. Ma è nella recitazione che ho trovato il modo più autentico di esprimermi. È lì che ho capito di essere esattamente dove volevo essere.

Da New York a Londra, passando per l’incontro formativo con l’insegnante scozzese-americano Michael E. Rodgers a Milano: quanto è stato difficile ricominciare da zero e costruire la credibilità necessaria per entrare in produzioni internazionali come quelle della Warner Bros o il film “Head Full of Honey” con Nick Nolte e Matt Dillon?

 Spesso il mondo dello spettacolo e i circuiti mondani premiano l’estro, l’apparire e la costante esposizione mediatica.

 Quanto pensa che la sua bellezza, unita a un carattere timido e a una forte riservatezza, l’abbia in realtà penalizzato nel corso della sua carriera?

 Paradossalmente, arrivare dal mondo della moda all’inizio mi ha penalizzato. C’è ancora il pregiudizio che una persona considerata “bella” non possa essere anche un vero attore. E, diciamolo, spesso si pensa che in un cast non ci possano essere troppi “bellocci”. Inoltre, l’aspetto fisico rischia di diventare un’etichetta: vieni associato a determinate tipologie di personaggi e questo può limitare le opportunità di dimostrare quanto puoi essere versatile come interprete.

Più che timido, mi considero una persona molto riservata. E questa mia riservatezza non rispecchia lo stereotipo dell’uomo che spesso viene associato al mondo della moda o dello spettacolo. Paradossalmente, la parte del mio lavoro che mi piace meno è proprio quella che molti sognano: apparire. Partecipare a première, eventi e red carpet fa parte del mestiere, ma non è ciò che mi rappresenta di più. Mi sento molto più a mio agio quando posso raccontare una storia attraverso un personaggio, piuttosto che quando devo essere semplicemente sotto i riflettori.

Nel mio percorso hanno avuto un ruolo fondamentale lo studio, la lettura e la disciplina. Sono aspetti che oggi fanno parte del mio modo di vivere questo lavoro. Credo che la credibilità di un attore si costruisca ogni giorno, con un approfondimento continuo. Bisogna nutrirsi costantemente del mondo che ci circonda: osservare le persone, ascoltarle, guardare film, visitare musei, leggere, vivere. Tutto può diventare una fonte di ispirazione. E poi c’è lo studio del personaggio, che per me è una ricerca continua: ogni ruolo apre nuove domande e nuove possibilità, e credo che non si finisca mai davvero di esplorare.

Naturalmente l’esperienza sul campo è fondamentale, ma serve anche un pizzico di fortuna: quella di incontrare attori e registi generosi, disposti a condividere ciò che hanno imparato. Io ho avuto la fortuna di vivere questi incontri e ne sono profondamente grato. Ho scoperto che i grandi professionisti sono spesso anche le persone più umili e disponibili, e da loro ho imparato tantissimo, non solo dal punto di vista tecnico, ma anche umano.

Vissuto a lungo dall’altro lato dell’obiettivo tra moda e set, lei ha per anni anche coltivato una grande passione per la fotografia. In che modo, questo sguardo artistico e visivo influenza il suo lavoro di attore e il suo modo di interpretare le inquadrature?

 Ho sempre avuto una grande passione per la fotografia, in particolare per il ritratto. Mi piace fotografare le persone, soprattutto quelle che hanno un vissuto importante. Per questo cerco spesso volti anziani: ogni ruga, ogni sguardo racconta una storia. Mi affascina provare a cogliere, attraverso un’immagine, tutto quello che una persona ha vissuto. In fondo è una ricerca molto simile a quella che faccio quando interpreto un personaggio: andare oltre la superficie e cercare ciò che c’è dietro.

Anche la bellezza, nel mio lavoro, è un tema particolare. Sicuramente può essere un vantaggio, ma a volte può trasformarsi anche in un limite. Spesso l’aspetto fisico porta a essere identificati con determinati ruoli e non tutti hanno il tempo o la voglia di andare oltre un volto per scoprire cosa un attore possa realmente esprimere. Io, però, ho avuto la fortuna di incontrare registi, soprattutto stranieri, che hanno guardato oltre l’apparenza e mi hanno affidato personaggi diversi da quelli che ci si sarebbe aspettati. Sono esperienze che mi hanno fatto crescere tantissimo, sia dal punto di vista professionale che umano, perché mi hanno dato la possibilità di dimostrare la mia versatilità.

Come dicevo, più che timido mi definirei una persona riservata. È una caratteristica che mi porto dietro fin da piccolo e che deriva anche dall’educazione che ho ricevuto. Per questo non mi sento particolarmente a mio agio nelle situazioni in cui bisogna apparire a tutti i costi, come cene, première o eventi mondani. Fanno parte del mio lavoro e, quando si tratta di sostenere un film o un progetto a cui tengo, sono felice di esserci, di promuoverlo e di raccontare il mio personaggio. Ma, se devo scegliere, preferisco sempre stare davanti a una telecamera nei panni di qualcun altro, piuttosto che davanti ai fotografi nei panni di me stesso. È sul set che mi sento davvero nel posto giusto.

Nel 2024 lei ha interpretato un ruolo da protagonista, nei panni di un villain italo-americano, in un film statunitense girato a Venezia. Che tipo di preparazione richiede calarsi nei panni di un “cattivo” all’interno di una produzione hollywoodiana ambientata in una delle città più iconiche del mondo?

 Devo dire che sono proprio questi i ruoli che mi affascinano di più, perché mi permettono di uscire completamente da me stesso e di entrare in realtà lontane dalla mia vita quotidiana. Sono personaggi che, per fortuna, nella vita reale difficilmente incontrerei, ed è proprio questa distanza che rende il lavoro ancora più interessante.

Quando interpreto un ruolo cerco sempre di costruirlo andando oltre la superficie, cercando di capire cosa si nasconde dietro le sue azioni e i suoi comportamenti. Mi piace trovare dentro di me uno stato d’animo, un’emozione, qualcosa di autentico che possa dare profondità al personaggio e permettere al pubblico di entrare in relazione con lui.

Anche quando interpreto personaggi più oscuri o negativi, cerco sempre di lasciare intravedere una sfumatura diversa: una fragilità, una vena di malinconia o magari un pizzico di ironia. Credo che siano proprio queste contraddizioni a rendere un personaggio più umano e interessante. E forse questa è anche una parte di me che riesco a portare nel lavoro.

Girare a Venezia è stata un’esperienza davvero emozionante. È una città unica, iconica, affascinante e allo stesso tempo misteriosa, con un’atmosfera che sembra già raccontare una storia. È un vero set a cielo aperto: ogni angolo ha qualcosa da comunicare. È stato un privilegio lavorarci e sicuramente un’esperienza che mi piacerebbe ripetere.

 Parliamo adesso del cinema spagnolo e dei Suoi progetti futuri: il regista Mario Pagano ha creduto fortemente in lei affidandole il ruolo di protagonista in un imminente film spagnolo in uscita nel 2027, nonostante lei fosse ancora un volto nuovo per quel mercato.

Negli ultimi tempi, mi sto appassionando molto al cinema e alla televisione spagnola. Guardando alcune serie su Netflix mi sono reso conto di quanto siano cresciute in qualità e di quante produzioni internazionali importanti vengano realizzate in Spagna. È un paese che sta creando progetti molto interessanti e mi piacerebbe vivere un’esperienza lì, anche per capire se ci possano essere opportunità per attori italiani in un mercato così stimolante.

Non smetterò mai di ringraziare il regista Mario Pagano, perché ha creduto in me fin dall’inizio, anche se non ero un nome conosciuto nell’ambiente cinematografico spagnolo. Durante tutto il percorso mi ha accompagnato con grande attenzione: dalle prove sul set, dove mi ha guidato passo dopo passo, fino alla costruzione del personaggio, aiutandomi a riscoprire sensazioni ed emozioni che forse non avevo ancora esplorato.

La difficoltà della lingua non mi ha mai fermato. Anzi, è diventata parte della sfida e Mario, parlando anche italiano, mi ha sostenuto in ogni momento, permettendomi di affrontare il lavoro con serenità. È stata un’esperienza davvero intensa e arricchente.

Devo ammettere che, quando ho ricevuto la sceneggiatura, inizialmente ho avuto qualche perplessità. Poi, rileggendola più volte e grazie al confronto continuo con il regista, sono riuscito a entrare completamente nel personaggio e nel suo mondo emotivo.

Mario è stato un regista molto protettivo e rispettoso, capace di accompagnarmi dentro questo ruolo con grande sensibilità. Mi ha dato la possibilità di esplorare una gamma molto ampia di emozioni, anche grazie a un set composto da colleghi straordinari e da persone accoglienti e professionali.

Credo che abbia avuto anche molto coraggio nel realizzare questo progetto, perché ha scelto di raccontare qualcosa di intimo e profondo. La soddisfazione più grande è stata vedere la sua felicità quando il film è stato completato: la sua emozione è diventata anche la mia.

È un film che considero un viaggio alla scoperta delle diverse sfumature dell’amore, ma soprattutto dell’animo umano. Sono molto soddisfatto del risultato finale e spero che il pubblico possa lasciarsi trasportare dalla storia con leggerezza, ma anche uscirne con qualche riflessione in più su sé stesso e sui temi che il film affronta.

L'articolo Moda a Hollywood: viaggio e rinascita. Luca Ribezzo si racconta tra set internazionali, timidezza e grandi sfide d’attore proviene da lafrecciaweb.it.