Grazia Marino e Antonio Falanga

 Roma / New York – Il fashion system internazionale ridisegna i suoi confini con un’alleanza strategica destinata a tracciare nuove rotte commerciali e creative. Spazio Margutta, l’esclusivo hub di scouting e comunicazione nel cuore storico di Roma fondato da Grazia Marino e Antonio Falanga, annuncia il gemellaggio ufficiale con Deliver Your Style, la dinamica realtà newyorkese d’impronta globale fondata da Patrizia Calvio.

La partnership nasce con una mission chiara e ambiziosa: proporre, sviluppare e condividere una nuova strategia di comunicazione e commerciale rivolta a stilisti affermati, brand emergenti e nuovi creativi del panorama italiano e americano. Un’opportunità concreta di internazionalizzazione che consentirà ai designer delle due sponde dell’Oceano di espandere il proprio raggio d’azione in mercati globali altamente competitivi.

 Il cuore pulsante dell’operazione si svilupperà nei rispettivi showroom di Roma e New York, pronti a trasformarsi in incubatori di tendenze interconnessi. Nelle due location saranno presenti varie capsule collection dedicate all’alta moda, al prêt-à-porter d’autore, alla gioielleria offrendo ai brand una visibilità d’élite.

 “Questo gemellaggio rappresenta un ponte culturale e commerciale fondamentale in un momento di profonda evoluzione del fashion system,” affermano gli organizzatori.

Grazia Marino, Co-founder di Spazio Margutta,

Grazia Marino

dichiara: “La moda oggi non può più limitarsi a presidiare un solo territorio; ha bisogno di contaminazione, audacia e visibilità transatlantica. Questo gemellaggio nasce per dare una risposta concreta ai designer che vogliono esportare la propria identità in mercati competitivi. Uniamo l’anima artigianale e il prestigio di Roma all’energia cosmopolita di New York per creare una vetrina permanente e senza precedenti.”

Grazia Marino e Patrizia Calvio

Patrizia Calvio, Founder di Deliver Your Style, conclude: “Deliver Your Style ha da sempre nel suo DNA la ricerca di uno stile unico e d’impatto. Collaborare con Spazio Margutta ci permette di creare una sinergia straordinaria: portiamo l’eccellenza e il lusso contemporaneo direttamente sulla scena di New York, offrendo allo stesso tempo ai creativi americani una porta d’accesso privilegiata nel cuore dell’Europa. È l’inizio di una nuova era per lo scouting indipendente.”

 Antonio Falanga, Co-founder di Spazio Margutta, sottolinea: “Con questo accordo istituzionalizziamo un corridoio preferenziale per la creatività d’eccellenza. Il nostro obiettivo è fare scouting mirato, selezionando talenti capaci di dialogare con un pubblico globale. Non faremo solo promozione: struttureremo eventi ad alto impatto mediatico e strategie di retail innovative per trasformare il talento puro in successo commerciale tangibile e misurabile.”

 Non solo business e retail, ma anche grande spettacolo e pubbliche relazioni. L’intento del gemellaggio è infatti anche quello di dare vita a un calendario di eventi di moda esclusivi che si alterneranno tra Roma e New York. Sfilate, presentazioni e fashion happening saranno ideati per amplificare mediaticamente la partnership, catalizzando l’attenzione di stampa specializzata, influencer, opinion leader e addetti ai lavori dei due Paesi.

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Una vita vissuta tra le passerelle dei più grandi stilisti internazionali e i set cinematografici di mezza Europa e degli Stati Uniti. La storia di Luca Ribezzo è quella di un percorso artistico e umano straordinario che affonda le radici in oltre vent’anni di esperienza nel cuore pulsante della moda, lavorando fianco a fianco con icone come Valentino, Dolce & Gabbana, Gianfranco Ferré, Versace e Armani, per poi evolversi in una carriera di attore ricca di oltre quarantacinque crediti su IMDb.

​Da Parigi a Tel Aviv, da New York a Londra, fino alle recenti produzioni tra Stati Uniti, Italia e Spagna, l’attore e modello Luca Ribezzo ha saputo reinventarsi con tenacia, talento e una profonda dedizione allo studio, lavorando con registi del calibro di Til Schweiger e al fianco di stelle internazionali come Matt Dillon e Nick Nolte.

In questa intervista, ci illustra le tappe fondamentali di questa metamorfosi artistica, svelando anche il lato più intimo e riservato di un professionista che ha fatto della sensibilità e dell’autenticità la sua cifra distintiva, superando le sfide legate alla timidezza e ai circuiti patinati del mondo dello spettacolo.

Lei ha vissuto e lavorato per oltre vent’anni nel gotha della moda mondiale, accanto a leggende dello stile come Valentino, Versace e Armani. Qual è stato il momento esatto in cui ha capito che quel mondo prestigioso non le bastava più e che la vera chiamata arrivava dal set e dalla recitazione?

 Non c’è stato un momento preciso in cui ho capito che il mondo della moda non mi bastava più, perché la recitazione è sempre stata dentro di me. Fin da bambino, mi divertivo a interpretare personaggi e, alle scuole medie, il corso di teatro era il momento che aspettavo con più entusiasmo. Mi piaceva stare sul palco e raccontare storie.

Dopo il diploma ho lavorato come animatore turistico nei villaggi vacanze. La parte che amavo di più erano gli spettacoli serali: prepararli, provare e poi esibirmi davanti a centinaia di persone. Ogni volta che salivo sul palco sentivo che quello era il posto in cui riuscivo davvero a esprimermi.

A un certo punto, ho deciso di trasformare quella passione in qualcosa di concreto. Mi sono iscritto a una scuola di teatro professionale e, una volta terminato il percorso, sono partito per Londra. È lì che ho iniziato la mia gavetta e ho avuto le prime opportunità come attore professionista.

Non dimenticherò mai la prima volta davanti a una telecamera. Nel momento in cui ho interpretato un personaggio completamente diverso da me, ho capito la forza di questo mestiere. Quando la telecamera si accende e quella luce rossa si illumina, entri in un’altra vita. Ti ritrovi a vivere emozioni, relazioni e situazioni che non ti appartengono, ma che in quel momento diventano incredibilmente vere.

Per me recitare significa proprio questo: entrare nel personaggio fino in fondo, attraverso la voce, il corpo, gli sguardi, le emozioni e ogni piccolo dettaglio. È un lavoro che mi permette di raccontare storie, ma anche di conoscere meglio me stesso.

La moda mi ha dato tantissimo: mi ha fatto viaggiare, crescere e conoscere persone straordinarie. Sarò sempre grato a questo settore, per tutto quello che mi ha insegnato. Ma è nella recitazione che ho trovato il modo più autentico di esprimermi. È lì che ho capito di essere esattamente dove volevo essere.

Da New York a Londra, passando per l’incontro formativo con l’insegnante scozzese-americano Michael E. Rodgers a Milano: quanto è stato difficile ricominciare da zero e costruire la credibilità necessaria per entrare in produzioni internazionali come quelle della Warner Bros o il film “Head Full of Honey” con Nick Nolte e Matt Dillon?

 Spesso il mondo dello spettacolo e i circuiti mondani premiano l’estro, l’apparire e la costante esposizione mediatica.

 Quanto pensa che la sua bellezza, unita a un carattere timido e a una forte riservatezza, l’abbia in realtà penalizzato nel corso della sua carriera?

 Paradossalmente, arrivare dal mondo della moda all’inizio mi ha penalizzato. C’è ancora il pregiudizio che una persona considerata “bella” non possa essere anche un vero attore. E, diciamolo, spesso si pensa che in un cast non ci possano essere troppi “bellocci”. Inoltre, l’aspetto fisico rischia di diventare un’etichetta: vieni associato a determinate tipologie di personaggi e questo può limitare le opportunità di dimostrare quanto puoi essere versatile come interprete.

Più che timido, mi considero una persona molto riservata. E questa mia riservatezza non rispecchia lo stereotipo dell’uomo che spesso viene associato al mondo della moda o dello spettacolo. Paradossalmente, la parte del mio lavoro che mi piace meno è proprio quella che molti sognano: apparire. Partecipare a première, eventi e red carpet fa parte del mestiere, ma non è ciò che mi rappresenta di più. Mi sento molto più a mio agio quando posso raccontare una storia attraverso un personaggio, piuttosto che quando devo essere semplicemente sotto i riflettori.

Nel mio percorso hanno avuto un ruolo fondamentale lo studio, la lettura e la disciplina. Sono aspetti che oggi fanno parte del mio modo di vivere questo lavoro. Credo che la credibilità di un attore si costruisca ogni giorno, con un approfondimento continuo. Bisogna nutrirsi costantemente del mondo che ci circonda: osservare le persone, ascoltarle, guardare film, visitare musei, leggere, vivere. Tutto può diventare una fonte di ispirazione. E poi c’è lo studio del personaggio, che per me è una ricerca continua: ogni ruolo apre nuove domande e nuove possibilità, e credo che non si finisca mai davvero di esplorare.

Naturalmente l’esperienza sul campo è fondamentale, ma serve anche un pizzico di fortuna: quella di incontrare attori e registi generosi, disposti a condividere ciò che hanno imparato. Io ho avuto la fortuna di vivere questi incontri e ne sono profondamente grato. Ho scoperto che i grandi professionisti sono spesso anche le persone più umili e disponibili, e da loro ho imparato tantissimo, non solo dal punto di vista tecnico, ma anche umano.

Vissuto a lungo dall’altro lato dell’obiettivo tra moda e set, lei ha per anni anche coltivato una grande passione per la fotografia. In che modo, questo sguardo artistico e visivo influenza il suo lavoro di attore e il suo modo di interpretare le inquadrature?

 Ho sempre avuto una grande passione per la fotografia, in particolare per il ritratto. Mi piace fotografare le persone, soprattutto quelle che hanno un vissuto importante. Per questo cerco spesso volti anziani: ogni ruga, ogni sguardo racconta una storia. Mi affascina provare a cogliere, attraverso un’immagine, tutto quello che una persona ha vissuto. In fondo è una ricerca molto simile a quella che faccio quando interpreto un personaggio: andare oltre la superficie e cercare ciò che c’è dietro.

Anche la bellezza, nel mio lavoro, è un tema particolare. Sicuramente può essere un vantaggio, ma a volte può trasformarsi anche in un limite. Spesso l’aspetto fisico porta a essere identificati con determinati ruoli e non tutti hanno il tempo o la voglia di andare oltre un volto per scoprire cosa un attore possa realmente esprimere. Io, però, ho avuto la fortuna di incontrare registi, soprattutto stranieri, che hanno guardato oltre l’apparenza e mi hanno affidato personaggi diversi da quelli che ci si sarebbe aspettati. Sono esperienze che mi hanno fatto crescere tantissimo, sia dal punto di vista professionale che umano, perché mi hanno dato la possibilità di dimostrare la mia versatilità.

Come dicevo, più che timido mi definirei una persona riservata. È una caratteristica che mi porto dietro fin da piccolo e che deriva anche dall’educazione che ho ricevuto. Per questo non mi sento particolarmente a mio agio nelle situazioni in cui bisogna apparire a tutti i costi, come cene, première o eventi mondani. Fanno parte del mio lavoro e, quando si tratta di sostenere un film o un progetto a cui tengo, sono felice di esserci, di promuoverlo e di raccontare il mio personaggio. Ma, se devo scegliere, preferisco sempre stare davanti a una telecamera nei panni di qualcun altro, piuttosto che davanti ai fotografi nei panni di me stesso. È sul set che mi sento davvero nel posto giusto.

Nel 2024 lei ha interpretato un ruolo da protagonista, nei panni di un villain italo-americano, in un film statunitense girato a Venezia. Che tipo di preparazione richiede calarsi nei panni di un “cattivo” all’interno di una produzione hollywoodiana ambientata in una delle città più iconiche del mondo?

 Devo dire che sono proprio questi i ruoli che mi affascinano di più, perché mi permettono di uscire completamente da me stesso e di entrare in realtà lontane dalla mia vita quotidiana. Sono personaggi che, per fortuna, nella vita reale difficilmente incontrerei, ed è proprio questa distanza che rende il lavoro ancora più interessante.

Quando interpreto un ruolo cerco sempre di costruirlo andando oltre la superficie, cercando di capire cosa si nasconde dietro le sue azioni e i suoi comportamenti. Mi piace trovare dentro di me uno stato d’animo, un’emozione, qualcosa di autentico che possa dare profondità al personaggio e permettere al pubblico di entrare in relazione con lui.

Anche quando interpreto personaggi più oscuri o negativi, cerco sempre di lasciare intravedere una sfumatura diversa: una fragilità, una vena di malinconia o magari un pizzico di ironia. Credo che siano proprio queste contraddizioni a rendere un personaggio più umano e interessante. E forse questa è anche una parte di me che riesco a portare nel lavoro.

Girare a Venezia è stata un’esperienza davvero emozionante. È una città unica, iconica, affascinante e allo stesso tempo misteriosa, con un’atmosfera che sembra già raccontare una storia. È un vero set a cielo aperto: ogni angolo ha qualcosa da comunicare. È stato un privilegio lavorarci e sicuramente un’esperienza che mi piacerebbe ripetere.

 Parliamo adesso del cinema spagnolo e dei Suoi progetti futuri: il regista Mario Pagano ha creduto fortemente in lei affidandole il ruolo di protagonista in un imminente film spagnolo in uscita nel 2027, nonostante lei fosse ancora un volto nuovo per quel mercato.

Negli ultimi tempi, mi sto appassionando molto al cinema e alla televisione spagnola. Guardando alcune serie su Netflix mi sono reso conto di quanto siano cresciute in qualità e di quante produzioni internazionali importanti vengano realizzate in Spagna. È un paese che sta creando progetti molto interessanti e mi piacerebbe vivere un’esperienza lì, anche per capire se ci possano essere opportunità per attori italiani in un mercato così stimolante.

Non smetterò mai di ringraziare il regista Mario Pagano, perché ha creduto in me fin dall’inizio, anche se non ero un nome conosciuto nell’ambiente cinematografico spagnolo. Durante tutto il percorso mi ha accompagnato con grande attenzione: dalle prove sul set, dove mi ha guidato passo dopo passo, fino alla costruzione del personaggio, aiutandomi a riscoprire sensazioni ed emozioni che forse non avevo ancora esplorato.

La difficoltà della lingua non mi ha mai fermato. Anzi, è diventata parte della sfida e Mario, parlando anche italiano, mi ha sostenuto in ogni momento, permettendomi di affrontare il lavoro con serenità. È stata un’esperienza davvero intensa e arricchente.

Devo ammettere che, quando ho ricevuto la sceneggiatura, inizialmente ho avuto qualche perplessità. Poi, rileggendola più volte e grazie al confronto continuo con il regista, sono riuscito a entrare completamente nel personaggio e nel suo mondo emotivo.

Mario è stato un regista molto protettivo e rispettoso, capace di accompagnarmi dentro questo ruolo con grande sensibilità. Mi ha dato la possibilità di esplorare una gamma molto ampia di emozioni, anche grazie a un set composto da colleghi straordinari e da persone accoglienti e professionali.

Credo che abbia avuto anche molto coraggio nel realizzare questo progetto, perché ha scelto di raccontare qualcosa di intimo e profondo. La soddisfazione più grande è stata vedere la sua felicità quando il film è stato completato: la sua emozione è diventata anche la mia.

È un film che considero un viaggio alla scoperta delle diverse sfumature dell’amore, ma soprattutto dell’animo umano. Sono molto soddisfatto del risultato finale e spero che il pubblico possa lasciarsi trasportare dalla storia con leggerezza, ma anche uscirne con qualche riflessione in più su sé stesso e sui temi che il film affronta.

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Ad inaugurare la serata sono stati Alessandro Onorato, Assessore ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, e Roberta Angelilli, Vicepresidente della Regione Lazio e Assessore allo Sviluppo Economico, Commercio, Artigianato, Industria e Internazionalizzazione, che hanno ribadito il comune impegno delle istituzioni nel sostenere il comparto moda quale settore strategico per lo sviluppo economico, culturale e internazionale del territorio.

Per l’occasione Michele Miglionico ha presentato la collezione autunno-inverno 2026/2027 che reinterpreta il fascino degli anni Ottanta attraverso una visione contemporanea, dove eleganza, carattere e femminilità convivono in perfetto equilibrio.

Le silhouette si distinguono per giacche dalla costruzione sartoriale impeccabile, spalle definite e linee essenziali che scolpiscono la figura, abbinate a gonne corte che donano dinamismo e sensualità. I volumi iconici del decennio vengono alleggeriti e reinterpretati con un linguaggio moderno, dando vita a una collezione sofisticata, raffinata e senza tempo.

La palette cromatica alterna tonalità intense e luminose dai dettagli ricercati che impreziosiscono ogni creazione, Una collezione che racconta una donna sicura di sé, elegante, audace e capace di affermare la propria personalità attraverso uno stile deciso e impeccabile.

Una collezione che celebra il glamour degli anni Ottanta trasformandolo in un linguaggio di Alta Moda contemporanea.

Ad introdurre la sfilata è stata una suggestiva performance di danza contemporanea firmata dalla coreografa Tonia Laterza per il Centro Danza Metamorfosi, diretto da Michela Consolo.

La coreografia nasce dall’immaginario senza tempo delle ballerine di Edgar Degas, reinterpretato attraverso una scrittura contemporanea. Gli abiti bianchi delle giovani danzatrici evocano grazia e delicatezza del balletto classico, mentre il movimento contemporaneo rompe gli schemi tradizionali dando vita a una ricerca di libertà, autenticità ed espressività.

Nella scenografica terrazza del Pincio, la danza ha dialogato con l’Alta Moda in un raffinato intreccio di emozioni, dove il corpo è diventato parte integrante della narrazione stilistica, amplificandone la forza espressiva. Un momento di intensa suggestione artistica che ha reso la sfilata un’esperienza immersiva, capace di fondere moda, arte e movimento in un’unica visione estetica.

Accanto a Michele Miglionico hanno presentato le proprie collezioni alcuni tra i più autorevoli protagonisti dell’Alta Moda italiana: Franco Ciambella, Giada Curti, Nino Lettieri, Antonio Martino, Sabrina Persechino, Jamal Taslaq e Gian Paolo Zuccarello, confermando ENSEMBLE come uno degli appuntamenti più prestigiosi dedicati alla creatività e all’eccellenza sartoriale italiana.

Michele Miglionico conferma ancora una volta la propria identità creativa, fondata sulla valorizzazione dell’eccellenza sartoriale italiana e sulla capacità di reinterpretare i codici dell’eleganza con sensibilità contemporanea, contribuendo a rafforzare il prestigio dell’Alta Moda italiana nel panorama internazionale.

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Dal 26 giugno al 15 novembre 2026 presso i Musei Capitolini,  Centrale Montemartini un Viaggio dentro un mito: quando Roma divenne capitale mondiale della moda. Tra cinema, stile, immaginario, la mostra fotografica e multimediale presentata da Archivio Luce Cinecittà: i grandi stilisti, i marchi immortali, i divi dello schermo e dell’haute couture. In 150 fotografie, filmati e abiti originali, un’esplosione di creatività che ancora oggi influenza il pianeta

Roma, 25 giugno 2026 – L’età contemporanea ha reso possibile un’esperienza inedita per il pubblico: assistere alla nascita di nuovi miti. Una grande mostra a Roma offre ora l’occasione di rivivere uno di questi momenti in cui storia, documento e leggenda si uniscono: l’epoca in cui la Capitale d’Italia divenne la Capitale della moda e centro di riferimento per il cinema, la televisione e il gusto. È il racconto di come si è affermato in tutto il mondo un marchio originale e inimitabile che, da allora, porta il nome di “Made in Italy”.

Ospitata ai Musei Capitolini, Centrale Montemartini dal 26 giugno al 15 novembre 2026, la mostra fotografica, multimediale e di capolavori sartoriali Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale fa rivivere una stagione di esplosione di idee, nomi, marchi, creatività, industria, un portato di beni materiali e immateriali, un “big bang” dell’immaginario della moda che riverbera ancora oggi il suo successo, il fascino, la magia delle sue forme. L’iniziativa, organizzata da Archivio Luce Cinecittà con il Ministero della Cultura, e curata da Fabiana Giacomotti, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Servizi museali: Zètema Progetto Cultura.

La mostra rappresenta il “secondo capitolo” dell’esposizione Moda in Luce 1925–1955. Alle origini del Made in Italy, ospitata presso il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti a Firenze. La mostra romana, interamente nuova per opere, allestimento e temi, prosegue il racconto di un mito, nel passaggio alla sua consacrazione ed esplosione.

IL CONTESTO

All’inizio degli anni Cinquanta l’Italia sta cambiando alla velocità della luce e sta entrando nel boom e nella modernità. Corre su nuove infrastrutture, autostrade, mezzi. Su professioni nuove, e nuovi abiti sociali. Due campi in particolare segnano visibilmente questo sisma storico: la moda e il cinema. Roma ne è il grande vivace contenitore e contenuto.

A Roma si trova Cinecittà, la città del cinema che, dopo l’epocale rivoluzione del Neorealismo italiano, si sta trasformando nella “Hollywood sul Tevere”: la città dove le major statunitensi e lo star system trovano la sede distaccata del sogno americano. Il risultato è prorompente: quella italiana diventerà la cinematografia con il maggior numero di premi Oscar vinti, dopo gli Stati Uniti.

Nella moda avviene qualcosa di analogo. Un mondo di sartorie, di piccole botteghe, di atelier, che ha studiato alla scuola di Parigi e sui tavoli di ricamo e libri d’arte italiana, si trova proiettato sulla vetta di passerelle, riviste e clienti del mondo, in America, Europa, Russia, Giappone. L’haute couture dagli anni Cinquanta, e fino a noi, deve conoscere tra le sue lingue quella del Made in Italy.

Da Roma, l’Italia riesce in due miracoli inattesi: dimostra che a Cinecittà si possono fare film come in America e che l’haute couture può sfilare per via Veneto. È un viaggio lungo, che l’esposizione alla Centrale Montemartini mostra al vivo.

LA MOSTRA

 Protagonista di Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale è il patrimonio di memoria, fotografie, filmati dell’Archivio storico Luce. Fondamento della conoscenza del XX secolo italiano ed europeo, bene tutelato dell’Unesco, l’Archivio Luce rappresenta una ricchissima fonte di testimonianze sulla moda e lo spettacolo. Il Luce immortala la moda nel momento in cui Roma ne diventa riferimento, tra gli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. Una stagione straordinaria in cui la sinergia tra moda, cinema, industria e creatività ha permesso all’Italia di esercitare un profondo influsso culturale a livello internazionale, ridefinendo i canoni del gusto e dello stile.

Il percorso espositivo immerge i visitatori dentro 150 fotografie d’epoca, per la gran parte del Luce, cinque postazioni video con filmati spesso rari e fino a oggi non disponibili al pubblico, oggetti, documenti, tessuti e 27 abiti originali, e nella maggior parte inediti, creati da nomi leggendari come Valentino Garavani, Karl Lagerfeld per Fendi, Federico Forquet, Sorelle Fontana, Giovanna Caracciolo-Carosa, Valentina Visconti, Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni e ancora Roberto Capucci, Maria Antonelli, Patrick de Barentzen, Renato Balestra, André Laug, Emilio Federico Schuberth, Gabriellasport, Antonio De Luca, Angelo Litrico, Domenico e Agostino Caraceni, Pino Lancetti, Laura Biagiotti.

Opere d’arte di grande valore storico ed estetico, provenienti dagli archivi delle maison, incluse Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, sartorie cinematografiche storiche come Farani, musei quali il Boncompagni Ludovisi, da cui proviene anche un sontuoso completo da sera appartenuto a Franca Bettoja, che dialoga con capi coevi indossati da nomi quali Silvana Mangano, e ancora il CIAC-Centro internazionale Arti e Costume di Venezia. Rilevante il prestito della più importante collezione privata italiana, di proprietà di un protagonista del cinema italiano, Massimo Cantini Parrini, costumista di fama internazionale, più volte candidato al premio Oscar e vincitore di innumerevoli premi, che mostra l’estensione di un talento costruito sulla conoscenza profonda della storia dell’arte e del costume.

Organizzato nello stile e nei colori come un’elegante sartoria romana degli anni Cinquanta e Sessanta, il progetto dell’architetto Dario Dalla Lana si conclude in una sala-biblioteca che presenta una selezione di preziosi campionari tessili di proprietà degli archivi di Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, oltre a volumi e riviste rare, di proprietà della curatrice, studiosa del costume e dell’editoria di moda dai suoi albori. Impreziosiscono il percorso inviti, memorabilia e un album amicorum, appartenuto ad Angelo Litrico, che include disegni e dediche dei più importanti sarti e artisti dell’epoca, da Emilio Pucci a Valentino e Novella Parigini.

Un viaggio multimediale e fisico nell’immaginario, tra storia, stile, costume, società e sogno, una macchina del tempo che ci trasporta nel mito: quando Roma e l’Italia hanno spiegato al mondo come vestire, e come vivere.

Le immagini raccontano sfilate, atelier, reportages, interviste, jet-set, lavoro e glamour, artigianato e arte. A fianco, il cinema che fa di Roma un tempio, e fornisce alla moda sogno e corpi. Quelli di: Sophia Loren, Audrey Hepburn, Liz Taylor, Lucia Bosè, Kirk Douglas, Charlton Heston, Sean Connery, Elsa Martinelli, Anita Ekberg, Anna

Anita Ekberg alla prima del film ‘La Dolce vita’, Roma, 1960

Magnani, Ingrid Bergman, Gabriele Ferzetti, Rod Steiger.

 Ci sono i momenti fondativi. La prima sfilata di Valentino, anno di grazia 1959. Il matrimonio di Tyrone Power e Linda Christian, del 1949, atto ufficiale di nascita della “dolce vita”, lei in abito Sorelle Fontana, lo sposo in Caraceni. Gattinoni reinventa lo stile impero per il film Guerra e pace con la musa perfetta Audrey Hepburn, e accoglie nel suo atelier perfino le due più grandi attrici del tempo (se non di sempre) in competizione drammatica per Roberto Rossellini: Anna Magnani e Ingrid Bergman. E fissa il corpo “a cuore” di Anita Ekberg, nella scena di seduzione più iconica della storia del cinema, il bagno nella Fontana di Trevi de La dolce vita. Angelo Litrico veste la Guerra Fredda, creando gli abiti sia per Nikita Krusciov sia per Dwight Eisenhower. Federico Forquet dà al mondo l’abito toga e il pijama palazzo di Galitzine. Lucia Bosè, la Miss Italia che ha battuto sul podio “la Lollo” e Silvana Mangano, è la musa di Sarli, e incarna le inquietudini del capolavoro di Antonioni, Cronaca di un amore (per la critica, il primo film della modernità cinematografica), e le speranze de Le ragazze di Piazza di Spagna. Ci sono le grandi première cinematografiche, tra tutte al Fiamma la prima de La dolce vita di Fellini, 1960, da cui il paese si vide trasformato. Compaiono i “teddy boys”, prima crepa dell’insoddisfazione giovane che deflagrerà nel Sessantotto. Ma la moda italiana aveva già fatto la sua rivoluzione. Ha preso la sacralità dell’Alta Moda di Parigi, e l’ha portata a donne, e uomini, che stavano cambiando. Ha reso l’abito più mobile, dinamico, liberando il movimento dei corpi. Ha vestito persone che si aprivano al mondo, al lavoro, ad altre aspirazioni. Linee meno rigide, più fresche – ma perfette – significavano un nuovo accesso alla modernità. La donna, che fosse una regina Savoia o Windsor, diva dello schermo o futura aspirante professionista, non era più un quadro glorioso a due dimensioni, ma un corpo di fascino e pensiero. Così per l’uomo. L’Alta Moda restava alta, ma non più irraggiungibile, era un cielo cui a tutti, anche solo vedendolo in un film, era permesso aspirare.

E con intelligenza i grandi sarti, oramai divenuti per nome stilisti, accolsero anche la sfida del prêt-à-porter, di una moda che vada incontro al giorno, al quotidiano, che contempla il pratico senza perdere lo stile.

Sullo sfondo, ma protagonista sempre, Roma e i suoi luoghi. La città eterna che sa adattarsi al tempo. Ogni luogo diventa passerella, scena per geometrie nuove su spazi antichi come il marmo.

In questo scenario già molto ricco, due aree tematiche presentano approfondimenti particolari. La storia della Snia-Viscosa, epopea romana del tessuto artificiale. Storia industriale, di fabbriche, chimica, lavoratrici, che nella mostra vive di documenti d’archivio rari, uno spaccato di rilevanza sociale e politica.

La seconda approfondisce la figura di Palma Bucarelli, storica critica e direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna, che tesse un nesso strettissimo tra moda e arte, incarnando un modello insuperabile di eleganza, stile e rigore intellettuale.

Valentino Garavani con una modella nel backstage della sua prima sfilata

E arte sono questi abiti. Da un capo imperdibile come l’abito Fiesta di Valentino, dalla sua prima sfilata del 1959, il modello 77 che per la prima volta sfoggiò il rosso divenuto bandiera dell’imperatore della moda. O il pijama palazzo di Galitzine, del 1963, segno indelebile di cinema indosso a Claudia Cardinale ne La pantera rosa di Blake Edwards. Ancora di Galitzine la avveniristica tuta di tessuto spalmato effetto pelle presentata a Capri nel 1967, o l’abito da cocktail del 1953 delle Sorelle Fontana. L’iconico abito corto di Andrè Laug del 1968 e, sempre del 1968, quello da sera di Capucci, arte da portare come tante sue creazioni. Il genio di Karl Lagerfeld nel completo soprabito e gonna per Fendi del 1973. L’abito da sera dipinto di Schuberth del 1952 di floreale compostezza, e quello scenografico di Lancetti del 1975, mentre Litrico e Caraceni fissano per l’uomo un segno che a settant’anni di distanza fa ancora scuola e nessuna piega.

Un movimento di idee e di puro artigianato che si racconta sia a chi ha vissuto quell’epoca, sia agli appassionati di moda, design e storia del gusto. Ma la mostra si rivolge anche, e soprattutto, alle nuove generazioni che guardano con interesse alle tendenze contemporanee e alle nuove professioni del fashion, dal design alla consulenza d’immagine. È a loro che parla questa storia della moda a Roma. Una straordinaria eredità creativa che continua a influenzare il gusto e le passerelle contemporanee, dimostrando l’assoluta attualità di una stagione che non ha mai smesso di ispirare.

Accompagna Moda in Luce 1955-1975. Roma fra glamour e innovazione industriale il catalogo, edito da Silvana Editoriale, a cura di Fabiana Giacomotti.

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Luisa Negro a Spazio Margutta

Luisa Negro Jewels: Il brand si distingue per una ricerca estetica che fonde contemporaneità e tradizione orafa. Ogni gioiello è una scultura da indossare, nata da un’attenta selezione di materiali nobili come l’argento e il vetro di murano. La nuova collezione presentata ha incantato il pubblico per la pulizia delle linee e la capacità di trasmettere una forte personalità, pensata per una donna che ama distinguersi con dettagli unici e mai banali.

Laura Franceschelli a Spazio Margutta

LFLY di Laura Franceschelli: Marchio emergente nel panorama della pelletteria di lusso, LFLY unisce la funzionalità quotidiana a un design geometrico e sofisticato.
Le borse della stilista Laura Franceschelli, realizzate rigorosamente a mano con pellami di altissima qualità, si caratterizzano per dettagli metallici identitari e accostamenti cromatici audaci, celebrando una femminilità moderna, dinamica e cosmopolita.
A valorizzare e rendere dinamica l’esposizione sono state due splendide modelle che, muovendosi tra gli ospiti, hanno indossato i gioielli e le borse dei due brand. Questa scelta coreografica ha permesso ai presenti di ammirare dal vivo la perfetta sinergia tra gli accessori, la vestibilità delle creazioni e la luce dei materiali, trasformando l’evento in una vera e propria performance di stile.

Il Fashion Party si è rivelato un importante momento di networking e condivisione, confermando come la sinergia tra design del gioiello e arte della pelletteria possa dare vita a percorsi di stile inediti e vincenti, organizzato in una delle location più suggestive del panorama romano.

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Il progetto, ideato e promosso dal giovanissimo fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha trasformato il Campidoglio in uno spazio di dialogo tra alta moda, sostenibilità e valorizzazione delle differenze, riunendo brand, associazioni e ospiti del mondo creativo e sociale

In Campidoglio, domenica 17 maggio, l’Haute Couture ha incontrato il tema dell’inclusione sociale in una serata in cui moda, artigianalità e sostenibilità si sono intrecciate per raccontare il valore dell’identità in tutte le sue forme.

Tra eleganza sartoriale, ricerca estetica e attenzione alla dimensione umana, il fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha presentato la prima edizione di “Trame d’Identità. La bellezza non ha una sola forma”, progetto nato con l’obiettivo di valorizzare una bellezza autentica, svincolata dagli stereotipi e fondata su unicità, inclusione e consapevolezza.

L’iniziativa, ospitata nella Sala della Protomoteca, ha riunito brand, designer e realtà associative che hanno trasformato il Campidoglio in uno spazio simbolico di incontro, dialogo e rinascita. Già annunciata la seconda edizione, prevista a Roma nel maggio 2027, con l’intenzione di consolidare “Trame d’Identità” come appuntamento stabile nel calendario culturale della Capitale, coinvolgendo ogni anno nuovi protagonisti del mondo creativo e sociale.

Per il 2026, inoltre, sono in programma una serie di iniziative internazionali che porteranno Dalil Douache oltre oceano, con l’obiettivo di promuovere nel mondo l’incontro tra heritage italiano e radici algerine attraverso una visione di lusso consapevole e identitario, espressa anche nella sua ultima collezione “Soul Couture”: un racconto sartoriale fatto di trasparenze, tessuti broccati, voile, gemme e silhouette fluide.

Alla serata hanno preso parte l’associazione Modelli Si Nasce Autism Onlus e Maria Cristina Masi che, con i saluti istituzionali, ha inaugurato ufficialmente l’evento. Special guest della manifestazione l’attrice e modella Giorgia Fiori.

In passerella si sono alternate le creazioni di Anjoy, brand fondato nel 2024 dalla stilista torinese di origini brasiliane Joyce Canova; Mery Blue con le sue luxury bags artigianali; Camilla Milano, marchio sartoriale dalle radici campane; Marina Corazziari, jewelry designer di fama internazionale; Edran, con una collezione ispirata all’estetica dark; e Gabriella Romeo, che ha proposto abiti sartoriali capaci di fondere eleganza romana e suggestioni mediorientali.

“Le collezioni presentate sono state un tributo alle infinite sfumature della bellezza: autentica, imperfetta, libera da schemi e definizioni. Ogni abito ha raccontato una storia fatta di identità, coraggio, artigianalità e visione. Sono consapevole e orgoglioso che questo evento sia andato oltre ciò che è moda, proponendosi come un vero e proprio manifesto umano e culturale. Un messaggio di pace, convivenza e speranza. Un invito a riconoscere valore nelle differenze e a trasformarle in forza creativa”, ha dichiarato l’ideatore del progetto, Dalil Douache.

Dopo anni complessi per il settore creativo e relazionale, il ritorno alla condivisione e alla dimensione dal vivo ha assunto un significato ancora più profondo: trasformare la fragilità in possibilità, facendo della moda non soltanto un linguaggio estetico, ma anche uno strumento di inclusione e partecipazione.

In una Roma simbolica e senza tempo, il Campidoglio si è così trasformato nel palcoscenico di un’esperienza collettiva in cui la moda ha assunto il valore di linguaggio universale capace di unire identità, culture e sensibilità differenti.

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L’iniziativa ideata da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta, realizzata in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, Patrocinata dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dall’Associazione Internazionale Via Margutta, anche quest’anno si è imposta come contenitore per la valorizzazione  e la promozione del talento e dell’ingegno italiano.

La celebre strada romana, resa immortale dal fascino cinematografico di Vacanze Romane, si è trasformata ancora una volta in un palcoscenico diffuso di arte, design e artigianato d’eccellenza. L’idea vincente di esporre le creazioni di brand e artigiani all’interno delle vetrine delle gallerie, ha saputo conquistare visitatori e addetti ai lavori, creando un dialogo suggestivo tra tradizione e innovazione.

Experience live a Spazio Margutta

Otto le realtà creative promosse da CNA provenienti da diverse regioni d’Italia: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

Sei invece i brand di Spazio Margutta che hanno presentato le loro ultime creazioni: Emilio Schuberth, Gaia Italian Handmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty e Arredo’.

Emilio Schuberth

JaJo madeinitalty

Elio Guido

Azzurra Di Lorenzo

Gaia Caramazza

Arredo’

Particolarmente apprezzate le “Experience Live” ospitate presso Spazio Margutta, che hanno offerto al pubblico l’opportunità di vivere in prima persona il processo creativo, entrando in contatto diretto con artisti e artigiani e valorizzando il saper fare italiano.

Grande interesse anche per i due talk organizzati presso Margutta Home, momenti di confronto e approfondimento che hanno visto protagonisti esperti del settore, contribuendo ad arricchire il dibattito sui temi del Made in Italy, tra identità, sostenibilità e nuove prospettive di sviluppo.

Il primo talk, promosso dalla CNA dal titolo “Made in Italy: Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”, ha visto come protagonisti: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 ha visto come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

L’edizione 2026 si conferma dunque come un appuntamento di riferimento, capace di coniugare contenuti di qualità, promozione territoriale e valorizzazione delle eccellenze italiane, rafforzando il ruolo del Margutta Creative District come hub culturale e creativo nel cuore della Capitale.

Un successo che testimonia la vitalità e l’attrattività del Made in Italy, sempre più protagonista sulla scena nazionale e internazionale.

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Nel cuore di Roma la Galleria del Cardinale Colonna si trasforma in un atlante visivo. La settecentesca dimora nobiliare celebra il quarto anno della sua rinnovata gestione. A presentare la sfilata la  giornalista di moda e costume,  Elena Parmegiani, Direttore Eventi della Galleria e Direttore della Coffee House di Palazzo Colonna.

Vittorio Camaiani interpreta in chiave couture la geografia del mondo.  La collezione Spring/Summer 2026, Senza confini e’ un racconto stratificato, dove ogni uscita diventa simbolo di un continente, ogni tessuto lingua.

In un tempo storico dominato da conflitti e disparità,Vittorio Camaiani   propone il tessuto come continuità, come elemento che tiene insieme culture, estetiche, simboli. «Il mio sogno è quello di unire il mondo con un tessuto», afferma lo stilista.I diversi continenti vengono raccontati omaggiando i tratti salienti dell’estetica delle varie culture attraverso le linee degli abiti, i diversi colori,  riportandoci anche alla grande passione per il tema del viaggio che ha spesso influenzato le collezioni di Camaiani.

La figura che attraversa la collezione è una donna concreta  ma al contempo elegante e sofisticata, che viaggia «intorno al mondo» dal giorno alla sera, in un caleidoscopio di colori e tessuti ricercati.

L’Oceania si esprime in una tavolozza vibrante – viola, verde, giallo – e in volumi morbidi che si aprono su chiffon e lino, tra suggestioni pittoriche e leggerezze fluide. L’America prende forma nel denim, nelle cromie della bandiera, in costruzioni disinvolte tra bermuda, tute, camicie serrate in vita da foulard.

L’Africa emerge attraverso materia e tono: sahariane, cotoni batik, organze, una gamma che oscilla tra terra e ocra.

Con la parte dedicata all’Asia, giacche con colli alla coreana, cinte e
alamari che contrastano con capi a tinta unita. E ancora fantasie floreali ed astratte su cotone e lino nei toni del rosa antico, del viola e dei verdi, dischi di paglia a
colore realizzati da Jommi Demetrio nascondono lo sguardo per un
Oriente sussurrato ed elegante.

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L’Europa chiude il percorso con un rigore quasi cinematografico: bianco e nero,  interrotto da un tocco di rosso che rimanda alla passione dello stilista per la moda, silhouette maschili,  soprabiti in doppio di seta, cravatte “suggerite” giacche doppiopetto
con bermuda che definiscono una figura essenziale,  in uno stile classico ed eterno che allude a quello della nostra storia artistica che ne è la vera testimonianza. 

La sera scivola su georgette, crêpe de chine e faille in seta: classici abiti lunghi e tute  raccolgono elementi della parte giorno:  una tuta in crepe nera con profili bianco in contrasto è abbinata ad un
effetto felpa balloon con cappuccio in organza a pois.

Nel parterre  la principessa Jeanne Colonna, il principe Ascanio Colonna, le attrici Elisabetta Pellini, Agnese Catalani, Giorgia Fiori, Carla Cogliandro, l’influencer Kate Cavaliere, lo scultore Andrea Borga in esposizione
nella galleria con delle suggestive sculture in acciaio, gli artisti Anfissa Vassè, Ilian Rachov, l’attore Simone Pieroni, i pittori Amedeo Brogli e Mauro Russo, l’ambasciatrice d’Italia in Ghana Laura Ranalli,le nobildonne Daniela Memmo,
Leontina Pallavicino, Maria Consiglio Visco Marigliano, i socialitè Jolanda Gurreri, Andrea Ripa di Meana. A complimentarsi con Camaiani anche l’art manager  Michele Crocitto e le designers Giuliana Civello e Petrana Colesanti.

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Ph. Maurizio Fabrizi, Giancarlo Fiori

Photocover: Carla Cogliandro, Kate Cavaliere, Elena Parmegiani, Vittorio Camaiani, Elisabetta Pellini, ph. Maurizio Fabrizi (1)

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Ideato da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta e realizzato in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, il progetto si inserisce nel calendario ufficiale della Giornata Nazionale del Made in Italy, istituita dal Ministero delle Imprese e del Made in Italy.

Grazia Marino e Antonio Falanga

Patrocinato dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dell’Associazione Internazionale Via Margutta, il “Margutta Creative District” nasce con l’obiettivo di valorizzare e promuovere il talento, la manifattura e l’ingegno italiano attraverso formule espositive innovative, capaci di coniugare tradizione e contemporaneità. Cuore pulsante dell’edizione 2026 sarà il potenziamento del dialogo tra brand e artigiani, intento ad esaltare l’identità di ciascun protagonista.

Anche in questa edizione si celebra la scelta strategica e fortemente simbolica di collocare i brand e gli artigiani all’interno delle storiche gallerie di Via Margutta. Non semplici spazi espositivi, ma autentici luoghi di cultura e ispirazione, che da sempre rappresentano un punto di riferimento per artisti, creativi a livello internazionale. Questa decisione amplifica il valore dell’iniziativa, trasformando ogni esposizione in un’esperienza immersiva, capace di raccontare storie, processi e visioni.

Elenco dei Brand, artigiani e delle Gallerie di Via Margutta protagoniste al MCD 2026

I Brand CNA: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

I brand di Spazio Margutta: Emilio Schuberth, Gaia ItalianHandmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty, Arredo’.

Le Gallerie di Via Margutta, che ospitano nei propri spazi i vari brand e artigiani del MCD: Gioielleria Fratelli Petochi, Il Margutta veggy food & art, Margutta Design, Sergio Nesci, L Marine Group, Galleria La Nuvola, Sesto Senso Art Gallery, HENRYTIMI roma, Spazio Margutta, Galleria d’Arte Marchetti, Margutta Home e Serra.

Le gallerie diventeranno così veri e propri Atelier contemporanei, dove il pubblico potrà entrare in contatto diretto con i protagonisti del Made in Italy, scoprendo da vicino l’eccellenza dei materiali, la cura del dettaglio e l’unicità delle lavorazioni artigianali. Un percorso diffuso che valorizza il tessuto urbano e culturale di Via Margutta, restituendole il ruolo di crocevia internazionale della creatività.

I Talk del Margutta Creative District

Ad arricchire ulteriormente il programma, nei tre giorni di esposizione sono previsti importanti talk e momenti di approfondimento dedicati al valore dell’artigianato italiano e alla storia dell’Alta Moda, con particolare attenzione al periodo iconico della Dolce Vita.

Il primo talk, in programma al Margutta Home il giorno 14 aprile p.v. alle ore 17.00 e promosso dalla CNA avrà come titolo “Made in Italy: “Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”. I protagonisti saranno: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, che si terrà sempre al Margutta Home il giorno 15 aprile p.v. alle ore 18.00 dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 vedrà come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

Le Experience Live degli artigiani a Spazio Margutta

Inoltre, nella giornata del 15 aprile, Spazio Margutta ospiterà esclusive experience dal vivo: designer e artigiani daranno vita a vere e proprie performance creative, lavorando in tempo reale davanti al pubblico. Un’opportunità straordinaria per osservare da vicino i processi produttivi, comprendere il valore del saper fare e vivere un’esperienza autentica che celebra la manualità, la ricerca e l’identità del lavoro artigianale contemporaneo.

Con il “Margutta Creative District” si rinnova l’impegno a sostenere e raccontare il Made in Italy attraverso linguaggi contemporanei e contesti di alto profilo. Un hub dinamico ricco di incontri, scambi e valorizzazione, capace di generare nuove opportunità per i brand e gli artigiani coinvolti, rafforzando al contempo l’immagine di Roma come capitale dell’arte, del design e dell’innovazione.

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Sabato 11 aprile alle ore 15.00 si terrà la performance “Imperfettamente Unica”- un momento intimo in cui la collezione prenderà vita attraverso una sfilata tra gli ospiti.

Dal 10 al 12 aprile sarà disponibile a Palazzo Colonna una selezione esclusiva di pezzi unici in limited edition.

Lunedì 13 aprile la presentazione proseguirà presso CS1 Studio, via Raffaello Stern 1 dalle ore 15,00 alle 21,00.

Un linguaggio di leggerezza, relazioni e libertà compositiva. La collezione PE26 di Morfosis nasce come un dialogo tra elementi diversi: tessuti, epoche, suggestioni. Un linguaggio fatto di contaminazioni, dove i rimandi al passato vengono rielaborati in una visione contemporanea, libera e personale. I materiali diventano protagonisti di una nuova esperienza sensoriale. Chiffon e georgette di seta, impalpabili e in movimento, si affiancano a shantung e taffettà, più strutturati e luminosi, creando contrasti raffinati. Il lino, mescolato a bambù e cotone, introduce una naturalezza evoluta, fresca e sofisticata. Tutti i tessuti sono selezionati con rigore, certificati, espressione di una qualità autentica e consapevole. La collezione è pensata per essere vissuta attraverso il mix: abbinamenti senza limiti che generano relazioni inattese, eleganti, mai prevedibili. Ogni capo dialoga con gli altri in un sistema aperto, permettendo a ogni donna di costruire il proprio equilibrio tra leggerezza e struttura, tra memoria e contemporaneità. Dettagli e decori arricchiscono ogni creazione: bottoni unici e vintage, finiture sartoriali, lavorazioni che raccontano una storia.

Nulla è standardizzato, ogni elemento contribuisce a rendere il capo irripetibile. Le produzioni sono limitate, spesso pezzi unici. Non per esclusività ostentata, ma per preservare il valore dell’autenticità. Indossare Morfosis significa scegliere qualcosa che non può essere replicato, un’estensione della propria identità. In questa collezione, vestirsi diventa un atto creativo: un gioco colto e spontaneo, dove la raffinatezza nasce dalla libertà di combinare.

Non perfette, ma uniche. Tutto rigorosamente prodotto nella continuità con l’artigianato, la manualità e la preziosità di una volta secondo gli standard europei, con attenzione alla sostenibilità e confezionato in laboratori artigianali italiani in un approccio severamente Limited Edition. Il trucco e l’hairstyling della performance sarà curato dalla make up artist Simona Augieri.

Styling @alessandramariamanzi ph. @studio_daido

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