Nel cuore di Roma la Galleria del Cardinale Colonna si trasforma in un atlante visivo. La settecentesca dimora nobiliare celebra il quarto anno della sua rinnovata gestione. A presentare la sfilata la  giornalista di moda e costume,  Elena Parmegiani, Direttore Eventi della Galleria e Direttore della Coffee House di Palazzo Colonna.

Vittorio Camaiani interpreta in chiave couture la geografia del mondo.  La collezione Spring/Summer 2026, Senza confini e’ un racconto stratificato, dove ogni uscita diventa simbolo di un continente, ogni tessuto lingua.

In un tempo storico dominato da conflitti e disparità,Vittorio Camaiani   propone il tessuto come continuità, come elemento che tiene insieme culture, estetiche, simboli. «Il mio sogno è quello di unire il mondo con un tessuto», afferma lo stilista.I diversi continenti vengono raccontati omaggiando i tratti salienti dell’estetica delle varie culture attraverso le linee degli abiti, i diversi colori,  riportandoci anche alla grande passione per il tema del viaggio che ha spesso influenzato le collezioni di Camaiani.

La figura che attraversa la collezione è una donna concreta  ma al contempo elegante e sofisticata, che viaggia «intorno al mondo» dal giorno alla sera, in un caleidoscopio di colori e tessuti ricercati.

L’Oceania si esprime in una tavolozza vibrante – viola, verde, giallo – e in volumi morbidi che si aprono su chiffon e lino, tra suggestioni pittoriche e leggerezze fluide. L’America prende forma nel denim, nelle cromie della bandiera, in costruzioni disinvolte tra bermuda, tute, camicie serrate in vita da foulard.

L’Africa emerge attraverso materia e tono: sahariane, cotoni batik, organze, una gamma che oscilla tra terra e ocra.

Con la parte dedicata all’Asia, giacche con colli alla coreana, cinte e
alamari che contrastano con capi a tinta unita. E ancora fantasie floreali ed astratte su cotone e lino nei toni del rosa antico, del viola e dei verdi, dischi di paglia a
colore realizzati da Jommi Demetrio nascondono lo sguardo per un
Oriente sussurrato ed elegante.

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L’Europa chiude il percorso con un rigore quasi cinematografico: bianco e nero,  interrotto da un tocco di rosso che rimanda alla passione dello stilista per la moda, silhouette maschili,  soprabiti in doppio di seta, cravatte “suggerite” giacche doppiopetto
con bermuda che definiscono una figura essenziale,  in uno stile classico ed eterno che allude a quello della nostra storia artistica che ne è la vera testimonianza. 

La sera scivola su georgette, crêpe de chine e faille in seta: classici abiti lunghi e tute  raccolgono elementi della parte giorno:  una tuta in crepe nera con profili bianco in contrasto è abbinata ad un
effetto felpa balloon con cappuccio in organza a pois.

Nel parterre  la principessa Jeanne Colonna, il principe Ascanio Colonna, le attrici Elisabetta Pellini, Agnese Catalani, Giorgia Fiori, Carla Cogliandro, l’influencer Kate Cavaliere, lo scultore Andrea Borga in esposizione
nella galleria con delle suggestive sculture in acciaio, gli artisti Anfissa Vassè, Ilian Rachov, l’attore Simone Pieroni, i pittori Amedeo Brogli e Mauro Russo, l’ambasciatrice d’Italia in Ghana Laura Ranalli,le nobildonne Daniela Memmo,
Leontina Pallavicino, Maria Consiglio Visco Marigliano, i socialitè Jolanda Gurreri, Andrea Ripa di Meana. A complimentarsi con Camaiani anche l’art manager  Michele Crocitto e le designers Giuliana Civello e Petrana Colesanti.

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Ph. Maurizio Fabrizi, Giancarlo Fiori

Photocover: Carla Cogliandro, Kate Cavaliere, Elena Parmegiani, Vittorio Camaiani, Elisabetta Pellini, ph. Maurizio Fabrizi (1)

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Ideato da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta e realizzato in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, il progetto si inserisce nel calendario ufficiale della Giornata Nazionale del Made in Italy, istituita dal Ministero delle Imprese e del Made in Italy.

Grazia Marino e Antonio Falanga

Patrocinato dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dell’Associazione Internazionale Via Margutta, il “Margutta Creative District” nasce con l’obiettivo di valorizzare e promuovere il talento, la manifattura e l’ingegno italiano attraverso formule espositive innovative, capaci di coniugare tradizione e contemporaneità. Cuore pulsante dell’edizione 2026 sarà il potenziamento del dialogo tra brand e artigiani, intento ad esaltare l’identità di ciascun protagonista.

Anche in questa edizione si celebra la scelta strategica e fortemente simbolica di collocare i brand e gli artigiani all’interno delle storiche gallerie di Via Margutta. Non semplici spazi espositivi, ma autentici luoghi di cultura e ispirazione, che da sempre rappresentano un punto di riferimento per artisti, creativi a livello internazionale. Questa decisione amplifica il valore dell’iniziativa, trasformando ogni esposizione in un’esperienza immersiva, capace di raccontare storie, processi e visioni.

Elenco dei Brand, artigiani e delle Gallerie di Via Margutta protagoniste al MCD 2026

I Brand CNA: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

I brand di Spazio Margutta: Emilio Schuberth, Gaia ItalianHandmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty, Arredo’.

Le Gallerie di Via Margutta, che ospitano nei propri spazi i vari brand e artigiani del MCD: Gioielleria Fratelli Petochi, Il Margutta veggy food & art, Margutta Design, Sergio Nesci, L Marine Group, Galleria La Nuvola, Sesto Senso Art Gallery, HENRYTIMI roma, Spazio Margutta, Galleria d’Arte Marchetti, Margutta Home e Serra.

Le gallerie diventeranno così veri e propri Atelier contemporanei, dove il pubblico potrà entrare in contatto diretto con i protagonisti del Made in Italy, scoprendo da vicino l’eccellenza dei materiali, la cura del dettaglio e l’unicità delle lavorazioni artigianali. Un percorso diffuso che valorizza il tessuto urbano e culturale di Via Margutta, restituendole il ruolo di crocevia internazionale della creatività.

I Talk del Margutta Creative District

Ad arricchire ulteriormente il programma, nei tre giorni di esposizione sono previsti importanti talk e momenti di approfondimento dedicati al valore dell’artigianato italiano e alla storia dell’Alta Moda, con particolare attenzione al periodo iconico della Dolce Vita.

Il primo talk, in programma al Margutta Home il giorno 14 aprile p.v. alle ore 17.00 e promosso dalla CNA avrà come titolo “Made in Italy: “Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”. I protagonisti saranno: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, che si terrà sempre al Margutta Home il giorno 15 aprile p.v. alle ore 18.00 dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 vedrà come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

Le Experience Live degli artigiani a Spazio Margutta

Inoltre, nella giornata del 15 aprile, Spazio Margutta ospiterà esclusive experience dal vivo: designer e artigiani daranno vita a vere e proprie performance creative, lavorando in tempo reale davanti al pubblico. Un’opportunità straordinaria per osservare da vicino i processi produttivi, comprendere il valore del saper fare e vivere un’esperienza autentica che celebra la manualità, la ricerca e l’identità del lavoro artigianale contemporaneo.

Con il “Margutta Creative District” si rinnova l’impegno a sostenere e raccontare il Made in Italy attraverso linguaggi contemporanei e contesti di alto profilo. Un hub dinamico ricco di incontri, scambi e valorizzazione, capace di generare nuove opportunità per i brand e gli artigiani coinvolti, rafforzando al contempo l’immagine di Roma come capitale dell’arte, del design e dell’innovazione.

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Sabato 11 aprile alle ore 15.00 si terrà la performance “Imperfettamente Unica”- un momento intimo in cui la collezione prenderà vita attraverso una sfilata tra gli ospiti.

Dal 10 al 12 aprile sarà disponibile a Palazzo Colonna una selezione esclusiva di pezzi unici in limited edition.

Lunedì 13 aprile la presentazione proseguirà presso CS1 Studio, via Raffaello Stern 1 dalle ore 15,00 alle 21,00.

Un linguaggio di leggerezza, relazioni e libertà compositiva. La collezione PE26 di Morfosis nasce come un dialogo tra elementi diversi: tessuti, epoche, suggestioni. Un linguaggio fatto di contaminazioni, dove i rimandi al passato vengono rielaborati in una visione contemporanea, libera e personale. I materiali diventano protagonisti di una nuova esperienza sensoriale. Chiffon e georgette di seta, impalpabili e in movimento, si affiancano a shantung e taffettà, più strutturati e luminosi, creando contrasti raffinati. Il lino, mescolato a bambù e cotone, introduce una naturalezza evoluta, fresca e sofisticata. Tutti i tessuti sono selezionati con rigore, certificati, espressione di una qualità autentica e consapevole. La collezione è pensata per essere vissuta attraverso il mix: abbinamenti senza limiti che generano relazioni inattese, eleganti, mai prevedibili. Ogni capo dialoga con gli altri in un sistema aperto, permettendo a ogni donna di costruire il proprio equilibrio tra leggerezza e struttura, tra memoria e contemporaneità. Dettagli e decori arricchiscono ogni creazione: bottoni unici e vintage, finiture sartoriali, lavorazioni che raccontano una storia.

Nulla è standardizzato, ogni elemento contribuisce a rendere il capo irripetibile. Le produzioni sono limitate, spesso pezzi unici. Non per esclusività ostentata, ma per preservare il valore dell’autenticità. Indossare Morfosis significa scegliere qualcosa che non può essere replicato, un’estensione della propria identità. In questa collezione, vestirsi diventa un atto creativo: un gioco colto e spontaneo, dove la raffinatezza nasce dalla libertà di combinare.

Non perfette, ma uniche. Tutto rigorosamente prodotto nella continuità con l’artigianato, la manualità e la preziosità di una volta secondo gli standard europei, con attenzione alla sostenibilità e confezionato in laboratori artigianali italiani in un approccio severamente Limited Edition. Il trucco e l’hairstyling della performance sarà curato dalla make up artist Simona Augieri.

Styling @alessandramariamanzi ph. @studio_daido

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La Sala della Protomoteca del Campidoglio si accende, e per una sera Roma torna a raccontarsi attraverso ciò che le appartiene da sempre: la misura dell’eleganza. La terza edizione di Roma Couture costruisce una narrazione precisa, stratificata, dove l’Alta Moda italiana diventa linguaggio e identità.

Ideata da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotta da Spazio Margutta e patrocinata dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, la manifestazione rivendica un obiettivo netto: riportare Roma al centro del sistema moda, non come memoria, ma come presenza attiva e riconoscibile nel panorama internazionale.

“Crediamo fortemente nel valore della moda a Roma – afferma l’Assessore Alessandro Onorato – che negli ultimi quattro anni è tornata centrale nello scenario italiano e internazionale. La città custodisce una tradizione artigianale d’eccellenza ultracentenaria, conosciuta in tutto il mondo: valorizzarla è un dovere”.

In tale contesto, Roma Couture si configura come un momento di sintesi tra tradizione artigianale e innovazione creativa, favorendo il dialogo tra maison storiche, realtà emergenti e operatori della filiera moda e dell’alta gioielleria, riportando Roma al centro dell’attenzione mediatica e culturale, attraverso una manifestazione strutturata che pone in primo piano il patrimonio sartoriale della città e delle storiche maison romane, ma anche sulle eccellenze provenienti dalle diverse regioni d’Italia, promuovendo la ricchezza e la varietà del Made in Italy. “Roma Couture nasce con l’intento di restituire alla città il ruolo che le spetta nella scena della moda internazionale,” dichiarano gli organizzatori. “Roma è storia, eleganza e savoir-faire: elementi che, oggi più che mai, meritano di essere raccontati e valorizzati su scala globale.” Roma Couture intende confermarsi quindi come un appuntamento imperdibile per addetti ai lavori, stampa e appassionati, contribuendo a consolidare l’immagine di Roma come capitale dell’eleganza e dell’Alta Moda Italiana. Tre i quadri moda di Alta Moda e uno di Alta Gioielleria presentati in passerella.

Affascinata dalle culture orientali, la stilista Azzurra Di Lorenzo presenta per la Primavera Estate 2026 la sua
collezione di alta moda intitolata: “TOCCHI D’ORIENTE” . Questa capsule collection, composta da abiti da sposa e
gran gala, trae ispirazione dalla delicata eleganza della cultura orientale. Con un approccio rispettoso e misurato, la
designer si ispira e riprende accenni dal mondo orientale, fondendoli con la cultura occidentale. Gli abiti si distinguono
per i sofisticati richiami al mondo dell’Estremo Oriente, caratterizzati da tagli minimali con linee chic, da tessuti pregiaticome seta, broccati, georgette e duchesse, arricchiti da ricami di perle e pietre. La palette cromatica dominante,
incentrata sul blu e sui bianchi, evoca i colori delle porcellane cinesi, spesso impreziosite dalla figura mitologica del
drago, emblema della millenaria e straordinaria civiltà del Fiume Giallo. Elementi distintivi della cultura cinese,
coreana e giapponese, quali fiori, frange, colletti, ventagli, kimono dalle decorazioni opulente, ombrellini di bambù,
completano e riaffermano l’ispirazione di questa collezione.
Luisa Negro, designer di gioielli dalla profonda sensibilità estetica, firma collezioni nate da un rigoroso percorso
formativo tra le eccellenze italiane. Dalla specializzazione in Arti Vetrarie a Bolzano alle collaborazioni con i maestri di
Murano, fino al perfezionamento presso la scuola Metallo Nobile di Firenze, la sua identità si forgia nel cuore delle
botteghe orafe fiorentine. Oggi, questa competenza si evolve nella Collezione “Origins”, dove argento e vetro di
Murano dialogano in un equilibrio continuo. Le creazioni sono sculture organiche che fondono street style, arte e
suggestioni dei suoi viaggi in un linguaggio unico. Ogni pezzo è frutto di un processo manuale complesso, pensato per
chi cerca un oggetto capace di evocare mondi lontani. Dall’ ncontro tra tradizione e ricerca nascono opere che celebrano
l’unicità di chi le indossa: piccoli universi materici dove il fuoco e il respiro del vetro donano profondità eterna alla
forma, trasformando il metallo in una traccia viva della natura.

Il giovane stilista calabrese Elio Guido (classe 2001) presenta la sua prima collezione couture: “Forever”. Creazioni che
oltrepassano la passerella: un linguaggio che si fa essenza, visione, presenza. È il tentativo – audace – di trattenere
l’eterno nel gesto effimero dell’abito. La sua anima più profonda si rivela in un dialogo serrato con la poetica di Luigi
Pirandello, dove l’identità si frantuma, si moltiplica, si nasconde dietro le maschere, che nella collezione si
materializzano come elementi scenici e concettuali e si traducono in copricapi in grado di catturare lo sguardo. “Uno,
nessuno e centomila” – non è solo letteratura, ma diagnosi del contemporaneo, denuncia di un’industria che si riflette
nella propria superficie senza mai toccare la sostanza. Il nero consente di esaltare contrasti di forma e luce. E in questo
buio grafico, emergono volumi monumentali e trasparenze leggere, ricami preziosi, pizzi, paillettes. In questa
dimensione, si inseriscono un omaggio al maestro dell’eleganza Valentino Garavani e un tributo alle donne che abitano
la vita dello stilista.
Nella cornice di Roma, tra reperti antichi e silenzi carichi di storia, rivive l’eredità di Emilio Schuberth maestro di un’eleganza senza tempo, reinterpretata da Elena Perrella, art director della maison. Le sue linee, un tempo simbolo della rinascita dell’Alta Moda italiana, tornano a sfilare come echi preziosi, mentre una nuova visione prende forma. È un dialogo sottile: da una parte la disciplina, la struttura, il sogno costruito punto dopo punto; dall’altra, il fluire contemporaneo, libero, quasi lunare, di una couture che si reinventa. Tessuti e volumi, ricami e trasparenze, trasformano ogni abito in una narrazione sospesa tra passato e futuro. Così nasce un nuovo ciclo: non una rottura, ma una continuità viva. La storia non resta immobile, respira, si trasforma, e  torna in passerella a sfilare, più attuale che mai.

A completare la magia, la presentazione delle fragranze Emilio Schuberth:
Schu, Taffetas e Coquillage, trasformeranno l’aria in pura emozione. Questi profumi sono un inno alla bellezza e
all’armonia, un invito a sostituire il ricordo della distruzione con la rinascita, sprigionando arte, eleganza e poesia in
ogni respiro.

Partner dell’evento:
Miamo è un progetto che nasce da una visione della Dott.ssa Elena Aceto Di Capriglia che intende promuovere la

Cinzia Malvini e il Partner MIAMO by Elena Aceto Di Capriglia

scienza dermocosmetica al servizio reale delle persone. “In questi 20 anni, che abbiamo celebrato con orgoglio” – ha spiegato Elena Aceto di Capriglia- ” ho avuto il privilegio di contribuire alla crescita di un’azienda fondata su ricerca, efficacia e innovazione. La mission di Medspa è sempre stata chiara: costruire percorsi di cura consapevoli, credibili e duraturi. Farne parte significa ogni giorno trasformare competenza e passione in valore, accompagnando le persone verso una bellezza autentica, che nasce dalla conoscenza e dalla cura.

L’ Associazione Asterion ets è attenta al governo dei mutamenti culturali e sociali dei nostri tempi, accompagna i
processi di cambiamento culturale con un approccio olistico, multiculturale e inclusivo. La sua attività principale è la
realizzazione di progetti culturali volti a contribuire e offrire supporto alle idee che vengono di volta in volta condivise
con i suoi partner. Istituzioni pubbliche, altre Associazioni no profit, Università, Imprese, Enti locali. Ciascun progetto
rientra in una delle diverse aree di intervento previste dalla sua mission: Ricerca Sociale, Educazione, Istruzione, Salute,
Arte e Beni Culturali, Internazionalizzazione e Cooperazione. L’ Associazione Asterion ets opera con finalità civiche,
solidaristiche e di utilità sociale realizzando eventi diffusi di informazione e di formazione per la promozione dei
progetti che vengono realizzati.

Cinzia Malvini e il Partner Asterion ETS

Marcello-Montalbano-Ambasciata-della-Gioia

Marcello Montalbano affermato coiffeur operante nel cuore di Roma, ha il suo atelier situato in una delle zone più
eleganti della città, a pochi passi da Piazza di Spagna. Nei quaranta anni circa di carriera nel settore dell’hair styling, ha costruito la propria reputazione grazie a una visione della bellezza che va oltre l’estetica, puntando su un approccio
personalizzato e attento alle esigenze di ogni cliente. Dopo esperienze professionali anche all’estero, in particolare a
Londra, Montalbano ha sviluppato uno stile distintivo che unisce tecnica, creatività e sensibilità artistica, collaborando
anche con il mondo della moda e delle sfilate nelle quali ha avuto il privilegio di pettinare: Katleen Turner, Valeria
Mazza, Cindy Crawford, Ivana Trump, Marina Ripa di Meana e Catherine Spaak.

Ambasciata della Gioia è una realtà nazionale dell’hair fashion che interpreta la bellezza come espressione autentica
della persona. Attraverso una rete di oltre 70 saloni in Italia, diffonde una cultura del Bellessere che unisce competenza
tecnica, sensibilità estetica e centralità dell’ascolto. Il cuore di questa filosofia è AscoltoArmoCromia, il metodo
esclusivo che integra ascolto, tecnica e armonia del colore per valorizzare la luminosità naturale e l’identità di ogni
volto. Un approccio distintivo che trasforma l’esperienza beauty in un percorso su misura, dove estetica e benessere si
incontrano. In occasione dell’alta moda romana, il collettivo artistico di Ambasciata della Gioia firma con orgoglio
l’hairstyling della sfilata, portando in passerella una visione della bellezza contemporanea, consapevole ed elegante.

Raffaele Squillace Noto Beauty Designer, cultore del Fashion Beauty, da molti anni punto di riferimento di importanti
brand cosmetic luxury, Maison di Alta Moda nazionali ed internazionali, Celebrity e magazine di settore.  Considerato oggi un’eccellenza del made in Italy sempre attento alla formazione, innovazione e sperimentazione del Beauty System internazionale per la divulgazione dell’arte della bellezza nel mondo.

LiveOn, full service di servizi audio, video, luci, multimedia e allestimenti in grado di offrire la più alta professionalità
per la riuscita di ogni tipo di evento. Tra le principali realtà del settore produce e pianifica meeting e congressi sia in
Italia che all’estero, offre un servizio completo per la progettazione e realizzazione di spettacoli, convention,
manifestazioni ed eventi di moda.

Da sinistra: Raffaele Squillace – Sergio Valente – Marcello Montalbano

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di Annalisa Crupi

Bruxelles ha ufficialmente staccato la spina all’era dell’opacità. Con la direttiva appena approvata, il settore dell’alto di gamma subisce uno scossone senza precedenti: entra in vigore l’obbligo del Passaporto Digitale (DPP) per ogni manufatto tessile immesso sul mercato UE con un prezzo di listino superiore ai 500 euro. Non è più un vezzo etico, ma un protocollo rigido di conformità.

Il provvedimento impone una mappatura capillare e ispettiva. Ogni etichetta diventa un database accessibile via smartphone che demolisce il concetto di “marketing dell’apparenza”. I dati obbligatori in chiaro includono la geolocalizzazione della filiera (chi ha tagliato, chi ha cucito, chi ha rifinito), il calcolo del prelievo idrico per chilogrammo di fibra e l’indice di riciclabilità post-consumo. In sostanza, l’Europa impone la fine del “Fast Fashion di facciata”: quel sistema dove brand dai margini altissimi utilizzano metodologie produttive sovrapponibili alle catene di massa.

Per le aziende del distretto siciliano e per i grandi player della moda, la sfida si sposta sulla sostanza. Non basterà più la narrazione del “Made in Italy” generico; serviranno prove digitali del rispetto dei parametri salariali e ambientali lungo tutta la catena del livello di qualità. Se il livello di qualità di un abito risiede esclusivamente nel logo, il mercato lo saprà in tempo reale. Il lusso torna a essere una questione di evidenze oggettive, lasciando l’estetica pura come semplice accessorio di una verità certificata.

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Foto di Pexels da Pixabay

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Freschezza, Natura e l’Arte della Sensazione
Una collezione radicata nell’artigianalità e nel rinnovamento.
Galleria del Cardinale Colonna accoglie un nuovo capitolo creativo firmato LULUREDGROVE, dove la moda diventa
esperienza sensoriale e racconto della natura. La collezione Spring/Summer 2026, intitolata “The Art of Freshness and
Renewal” celebra la freschezza, il contatto con gli elementi naturali e il profondo legame tra l’essere umano e l’ambiente.
Ispirata dalla vitalità del mondo naturale e da una crescente consapevolezza ambientale, la collezione propone una
riflessione poetica sul cambiamento climatico e sull’urgenza di preservare gli ecosistemi più fragili, dalle foreste pluviali
tropicali ai fondali marini.
Un dialogo tra corpo, tessuto e natura
Al centro della collezione vi è un approccio consapevole allo stile e al benessere. Tessuti naturali e traspiranti — tra cui
pregiate sete triple A, fibre leggere e materiali di origine naturale selezionati per la loro qualità e purezza — definiscono
capi pensati per muoversi in armonia con chi li indossa.
Le silhouette sono morbide ma espressive: abiti che accarezzano il corpo, sovrapposizioni leggere e proporzioni
contemporanee trasformano la vestibilità in un’esperienza tattile e sensoriale. Ogni capo crea una connessione autentica
tra corpo, abito e ambiente.
Artigianalità e autenticità
Sostenibilità e artigianalità guidano ogni dettaglio della collezione. Il recupero di tecniche manuali e pratiche ancestrali
restituisce centralità al gesto artigianale, valorizzando lavorazioni realizzate a mano tutte in Italia che donano unicità e
carattere a ogni creazione.
Questa attenzione al tocco umano risponde al desiderio contemporaneo di autenticità e individualità, trasformando ogni
capo in un pezzo irripetibile.
Ispirazioni dal mondo naturale
La natura diventa protagonista della narrazione estetica della collezione. Pesci, stelle marine e fondali marini dialogano
con motivi botanici che reinterpretano le forme organiche del mondo vegetale.
Accanto a questi elementi emergono suggestioni folkloriche ispirate a periodi storici di prosperità culturale, creando un
intreccio visivo tra tradizione e contemporaneità.
I classici del guardaroba vengono rielaborati attraverso nuove proporzioni e styling moderni: maglieria cropped, layering
leggeri e combinazioni stratificate trasformano capi familiari in nuove dichiarazioni di stile.
Il capo iconico: il “denim” in seta
Tra gli elementi più originali della collezione emerge una ricerca tessile che rappresenta una vera firma stilistica della
maison: la reinterpretazione del denim attraverso la stampa su seta, una sperimentazione che Luluredgrove sviluppa e
arricchisce da oltre dieci anni. Un raffinato trompe-l’œil riproduce l’estetica del jeans su pregiate sete Triple A e georgette
di seta, trasformando un materiale simbolo dello stile casual in una proposta di lusso sorprendentemente leggera e
sofisticata.
Da questa lavorazione nasce una vera e propria famiglia di capi che reinterpreta il guardaroba denim in chiave couture:
giubbini, bermuda, gilet, camicie, gonne e pantaloni, tutti realizzati in seta stampata effetto jeans.
Il risultato è un equilibrio inatteso tra l’iconografia del denim e la fluidità luminosa della seta, dando vita a creazioni che
uniscono comfort, eleganza e sperimentazione tessile, perfettamente in sintonia con lo spirito della collezione “The Art of
Freshness and Renewal”.

LULUREDGROVE
SPRING – SUMMER 2026
Il dettaglio giocoso
Una dimensione ludica attraversa la collezione tra elementi grafici inattesi. Un motivo distintivo sostituisce i tradizionali
pois con piccole palline di gelato, simbolo di freschezza, leggerezza e piacere sensoriale.
Un dettaglio ironico e raffinato che invita a riscoprire la moda come esperienza capace di coinvolgere vista, tatto e
immaginazione.
LMP: accessori di luce e colore
A completare la collezione, gli accessori firmati LMP di Petrana Colesanti, che per la Primavera/Estate 2026 interpretano
lo spirito di freschezza e vitalità cromatica della sfilata. La palette spazia dal fucsia e arancione fino alle sfumature di
viola, blu e avio, evocando l’energia luminosa dell’estate.
Interamente Made in Italy e realizzata su misura, la collezione propone accessori in pelle di alta qualità impreziositi da
ricami eseguiti a mano con pietre luminose di prima scelta, cuciti su pellami morbidi e ricercati.
Tra le novità spiccano borse in pelle e rafia, arricchite da motivi decorativi ispirati alla frutta, al mondo marino e ai colori
dell’estate, mentre accanto alle nuove proposte tornano anche i classici del brand: bracciali, collane e cinture sottili
reinterpretati nelle cromie stagionali, insieme a due cinture alte stile corsetto in rafia e pelle.
Ogni creazione è personalizzabile nella scelta di pietre, pellami e disegni ricamati, rendendo ogni accessorio un pezzo
unico e contribuendo a completare l’universo estetico della collezione “The Art of Freshness and Renewal”.
Nota sul brand
LULUREDGROVE esplora il dialogo tra heritage, natura e contemporaneità. Ogni collezione nasce come un racconto
visivo e sensoriale in cui tessuti pregiati, lavorazioni artigianali e ricerca stilistica si fondono per esprimere una nuova
idea di eleganza consapevole realizzata su misura anche nella stampa dei tessuti.
La sfilata
La collezione Spring/Summer 2026 “The Art of Freshness and Renewal” è  statapresentata il 16 marzo alle ore 18:30 nella
suggestiva Galleria del Cardinale Colonna, uno degli spazi storici più affascinanti del centro di Roma.
In contrasto con la magnificenza barocca della location, la sfilata si aprirà con “Dopamine”, performance del beatboxer
internazionale Wing, tra i più celebri al mondo. Il ritmo contemporaneo e ipnotico della sua performance introdurrà il
pubblico in un viaggio sensoriale tra musica, moda e movimento.
A conclusione della serata, Giuliana Civello, designer del brand, insieme a Lulu Redgrove, Petrana Colesanti, accessory
designer, Daniela Palese Acampora, regista della sfilata ed Elena Parmegiani direttore della Galleria del Cardinale
Colonna e della Coffee House Palazzo Colonna, hanno accolto gli ospiti per un brindisi celebrativo, condividendo
l’atmosfera conviviale e creativa che accompagna la presentazione della collezione.

Daniela Palese Acampora, modella, Giuliana Civello, Elena Parmegiani, Petrana Colesanti, modella ph. Carlo Tracci

Tra gli ospiti attesi personalità del mondo dello spettacolo, della cultura e del lifestyle internazionale, insieme a
influencer, giornalisti e protagonisti della scena social come la principessa Jeanne Colonna, la principessa Isabella Orsini
de Ligne – LaTremoille, i principi Ascanio Colonna e Guglielmo Giovanelli, le attrici Milena Miconi e Fanny Cadeo, le
giornaliste e conduttrici televisive Valentina Bisti, Benedetta Rinaldi e Monica Marangoni, la ex Miss Word Italy 2021
Claudia Motta, la scrittrice Elisabetta Darida, e poi Esther Crimi e Olimpia Marini Clarelli, anche loro con abiti della
stilista.
Ph. Credits: Claudia Frijio

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Anton Giulio Grande stilista e Presidente della Calabria Film Commission riceve il Premio Best Womenswear Designer nella suggestiva Villa Borromeo in occasione della Milano Fashion Week.

E’ un ulteriore riconoscimento per il fashion designer di haute couture che fin da sempre si distingue per il suo talento nel celebrare la femminilità e la sensualità nelle sue collezioni. In passerella Anton Giulio Grande ha mostrato la collezione intitolata “L’Oriente di Anton Giulio Grande”.

Le creazioni sono ispirate alla magia e al mistero dell’Oriente, terra di fascino e sensualità. La collezione si contraddistingue per dei ricami mirabolanti e opulenti e fiori stilizzati.

Le tecniche decorative naturali sono riprese dalle reminiscenze dei Paesi Asiatici e si caratterizzano da una raffinata maestria artigianale con un suo simbolico di colori e di motivi e un’attenzione meticolosa del dettaglio.

I tessuti utilizzati sono tulle e raso di seta sui quali si arrampicano attraverso fili d’oro e d’argento i motivi della natura con significati filosofici.

La palette cromatica vira dai colori naturali: bianco, nude, silver, champagne ai colori intensi bronzo, oro, ebano, bordò, nero fino ai viola. I ricami uniscono maestria e tecnica della narrazione culturale orientale.

Anton Giulio Grande concepisce il ricamo come una forma d’arte fortemente radicata nella cultura e simbologia asiatica. Completano i look dei particolari cerchietti realizzati con vari tipi di piume e voluminosi boleri, cappe e stole di piume.

Ph. Credits: Gennaro Piscopo Immagini

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Maria Sole Stancampiano

Valentino Garavani è morto il 19 gennaio 2026 a Roma. La notizia è stata comunicata dalla Fondazione Valentino Garavani e da Giancarlo Giammetti in una nota che ha richiamato la sobrietà che ha contraddistinto tutta la sua esistenza. Si è spento nella sua residenza romana, aveva 93 anni. Il mondo della moda ha salutato uno dei suoi grandi maestri.

Valentino Garavani nasce l’11 maggio 1932 a Voghera, in provincia di Pavia. Fin da giovane coltiva una passione per la moda e il design, studiando a Milano e poi a Parigi presso la Chambre Syndicale de la Couture. Negli anni Cinquanta comincia la sua carriera come assistente in importanti case di moda parigine, tra cui Jean Dessès e Guy Laroche, dove apprende l’arte della haute couture e sviluppa la sua sensibilità per la proporzione, le linee e l’eleganza femminile.

Nel 1959, insieme a Giancarlo Giammetti, apre a Roma la propria maison, dando vita a una visione di moda che coniuga raffinatezza italiana e respiro internazionale, e che presto conquisterà il jet set di tutto il mondo.

Il ruolo di Valentino nella storia della moda ha oltrepassato la soglia dell’abito per entrare nella simbologia del linguaggio visivo. La sua visione si è consolidata su linee pure, proporzioni studiate e un rispetto profondo della figura femminile. Per lui, l’eleganza era cultura e tradizione. Ripeteva che la moda sostiene con grazia chi la indossa, che il vero lusso è lo stile che attraversa il tempo.

Le sue parole restano testimonianza di una visione che privilegiava la classicità alla fuga delle tendenze. Il rosso Valentino, intenso e luminoso, è diventato simbolo immediato della sua estetica e della sua capacità di imprimere un carattere forte alle sue creazioni.

Le sfilate più celebri di Valentino hanno rappresentato tappe fondamentali della narrazione sartoriale del Novecento e oltre. La collezione Bianca del 1968 presentata a Palazzo Pitti consacrò il suo talento sulla scena internazionale. Negli anni Settanta e Ottanta le passerelle romane trasformarono l’haute couture in rito raffinato, accolto dal jet set mondiale. La presentazione al Metropolitan Museum of Art di New York nel 1982 segnò una consacrazione culturale, mentre le sfilate parigine degli anni Novanta consolidarono il suo dialogo con l’Europa colta. L’ultima passerella, nel 2007 al Musée Rodin, fu un saluto profondamente toccante, accolto da una standing ovation che unì generazioni di creativi e appassionati.

La maison Valentino, fondata a Roma alla fine degli anni Cinquanta, ha incarnato questa visione. La sua struttura ha mantenuto un’identità profondamente italiana pur aprendo un dialogo con il resto del mondo. Le presentazioni nella capitale, le passerelle parigine e la presenza nelle metropoli americane e asiatiche hanno consolidato una presenza fondata sulla continuità e sull’eccellenza.

Atelier e atelieriste, tessuti preziosi e dettagli sartoriali hanno reso la maison un punto di riferimento per l’alta società internazionale.

Il rapporto di Valentino con l’estero è stato profondo. In Francia, l’haute couture lo accolse nelle regole della forma e della proporzione. Negli Stati Uniti le sue creazioni diventarono simbolo di eleganza su red carpet e cerimoniali istituzionali. In Asia il nome Valentino si consolidò come riferimento del lusso.

Le reazioni alla sua morte hanno confermato un affetto cosmopolita: figure del mondo della moda e dello spettacolo internazionale hanno ricordato Valentino come maestro e genio dell’eleganza.
Donatella Versace, stilista tra le più influenti al mondo, ha scritto: «Abbiamo perso un vero maestro, sarà sempre ricordato per la sua arte. I miei pensieri vanno a Giancarlo, che in tutti questi anni non è mai andato via. Valentino non sarà mai dimenticato».
Cindy Crawford, supermodella e icona internazionale del fashion system, ha dichiarato: «Ho il cuore spezzato dalla notizia della scomparsa di Valentino Garavani. È stato un vero maestro del suo mestiere, e sarò sempre grata per gli anni in cui ho avuto il privilegio di lavorare a stretto contatto con lui».
Claudia Schiffer, tra le supermodelle più celebri della scena mondiale, ha ricordato Valentino come «una vera leggenda, vivrà per sempre attraverso il marchio che ha creato, incarnazione di eleganza e glamour senza tempo».
Gwyneth Paltrow, attrice di fama internazionale e musa di numerosi red carpet, ha affermato che la scomparsa di Valentino «sembra la fine di un’era», ricordando la gioia di conoscere l’uomo oltre il ruolo di stilista.
Coco Rocha, modella canadese di respiro globale, ha ricordato Valentino come presenza «calda e generosa» che ha plasmato la moda con eleganza, disciplina e bellezza, sottolineando che la sua eredità vive attraverso i valori che ha trasmesso al suo lavoro.
Altre attrici e personalità dello spettacolo, come Jennifer Aniston, Nicole Kidman e Anne Hathaway, hanno spesso indossato i suoi abiti sui red carpet internazionali, consolidando il legame tra Valentino e le dive hollywoodiane. Queste testimonianze confermano quanto ampio e personale fosse il rapporto di Valentino con il mondo dello spettacolo e delle arti, così come la stima che lo circondava a livello mondiale.
In Italia, il cordoglio è giunto dai vertici della politica e della cultura, che lo hanno definito figura centrale nel portare il Made in Italy nel mondo con prestigio e identità.

La vita privata dello stilista rifletteva lo stesso stile che animava le sue creazioni. Abitava a Roma nel palazzo di Piazza Mignanelli, luogo emblematico della sua identità professionale e personale. Trascorreva lunghi periodi nel castello di Wideville vicino a Parigi, immerso nella bellezza del paesaggio, e considerava New York un punto fermo della propria vita all’estero.
Con la sua scomparsa si chiude un’epoca della moda intesa come arte, cultura e rigore sartoriale. La sua eredità continua a vivere nelle forme, nei colori e nelle proporzioni, ricordandoci che l’eleganza attraversa il tempo con armonia.

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In occasione di Pitti Immagine Uomo 109, KEELING presenta una selezione della collezione Autunno Inverno 2026/27, anticipando una stagione che segna un passaggio fondamentale nella storia del brand: accanto alla proposta uomo, debutta ufficialmente la prima collezione donna FW 2026, ampliando il racconto di un’estetica coerente, essenziale e profondamente legata alla natura.

Dal 13 al 16 gennaio 2026, KEELING sarà presente a Firenze presso il Padiglione Cavaniglia – Dynamic Attitude, Stand 7, portando in scena una visione dell’outerwear contemporaneo che unisce performance tecnica, sensibilità materica e responsabilità ambientale.

“Keeling wear the nature”: la tavola rotonda al Pitti Uomo
Momento centrale della presenza del brand al Pitti sarà la tavola rotonda in programma martedì 14 gennaio 2026 alle ore 11:15, nella Sala della Scherma, dal titolo:
“Keeling wear the nature. La responsabilità come materia prima, lo stile e il colore come linguaggio”
Un confronto aperto sul futuro del fashion system, moderato da Cinzia Malvini, che vedrà la partecipazione di:
Andrea Galluzzo (KEELING)
Raffaello Napoleone (Pitti Immagine)
Massimiliano Giornetti (Polimoda)
Matteo Minà (giornalista e docente di moda)
Eva Desiderio (critico di moda)

Un dialogo che pone al centro il valore della responsabilità come fondamento creativo, la funzione come atto culturale e il colore come strumento narrativo.

The Brittany Wetlands Men & Women Collection FW26/27

Un tributo alla forza silenziosa dell’inverno
Per l’Autunno Inverno 2026/27, KEELING presenta “The Brittany Wetlands Men & Women Collection”, una collezione ispirata ai paesaggi essenziali e selvaggi delle zone umide della Bretagna. Terre sospese tra acqua e cielo, modellate dal vento e dalla marea, avvolte da una luce lattiginosa che restituisce all’inverno una bellezza intima, austera e magnetica.
È un racconto che prende forma attraverso capi progettati per abitare il freddo con consapevolezza, trasformando il rigore climatico in occasione di equilibrio tra protezione, comfort ed eleganza contemporanea.

Design e silhouette
Le linee avvolgenti seguono il ritmo lento delle maree, mentre i volumi più strutturati evocano la solidità delle scogliere bretoni. La collezione, pensata in modo organico per uomo e donna, interpreta l’inverno con un linguaggio sofisticato ma funzionale, rimanendo fedele al DNA essenziale del brand.
Nella proposta femminile, KEELING rilegge l’ispirazione militare e outdoor attraverso fit più morbidi e proporzioni studiate, capaci di valorizzare la silhouette senza rinunciare alla pulizia formale e alla funzionalità tecnica che definiscono il marchio.

Materiali e innovazione
La materia è protagonista di questa evoluzione. La collezione introduce:
Un nuovo nylon ad alte prestazioni, interamente in poliammide, che garantisce maggiore resistenza, protezione e durabilità
Cotoni più pesanti e gabardine felpate, capaci di offrire struttura e comfort naturale
Maglieria 100% lana, che sostituisce il tradizionale misto lana–cotone, assicurando calore pieno e leggerezza sulla pelle
Le imbottiture diventano più corpose e avvolgenti, progettate per trattenere il calore senza appesantire la silhouette, mentre le costruzioni ergonomiche e i dettagli funzionali ispirati al mondo militare e outdoor accompagnano il movimento con naturalezza.

La palette cromatica
Il racconto visivo della collezione si sviluppa attraverso una palette che riflette la Bretagna invernale:
Grigi minerali, come rocce levigate dal vento
Verdi profondi, ispirati ai muschi delle paludi
Blu intensi, evocativi di oceani in tempesta
Tonalità sabbiose e marroni bruciati, che richiamano le terre esposte alle maree
Sfumature lattiginose, delicate come la foschia del mattino
Una gamma cromatica coerente tra uomo e donna, declinata con sensibilità diversa a seconda dei materiali e dei volumi.

Focus sui capi: funzionalità e carattere
Tra i capi chiave presentati al Pitti Uomo spiccano:

PANJULAWA S – Canadian Parka Polypad Jacket (120 g)
Un parka essenziale e contemporaneo, realizzato in tessuto tecnico poli-nylon e imbottito con 120 grammi di ovatta sintetica. Il design classico del parka canadese, con retro allungato e cappuccio integrato, incontra dettagli puliti, zip a doppio cursore e tasche laterali invisibili. La tintura in capo dona sfumature uniche, destinate a evolversi nel tempo, rendendo ogni capo irripetibile.

TAKUTEA M – Hunter Parka Jacket (80 g)
Ispirato alle giacche da caccia vintage, TAKUTEA M reinterpreta il heritage outdoor in chiave urbana. Realizzato in cotone canvas marino tinto in capo e imbottito con 80 grammi di ovatta tecnica, offre un equilibrio ideale tra calore e libertà di movimento. Tasche multiple, coulisse interna e polsini in maglia ne rafforzano la vocazione funzionale, mentre le leggere irregolarità cromatiche raccontano l’autenticità del processo produttivo.
Responsabilità come principio fondante
Nonostante la complessità tecnica e l’evoluzione dei materiali, la sostenibilità resta un valore irrinunciabile per KEELING.

Le fibre privilegiano naturalità e durata, mentre i processi di tintura sono ottimizzati per ridurre consumi e impatto ambientale. Ogni scelta produttiva riflette l’impegno del brand verso un modo di vestire consapevole, rispettoso degli ecosistemi e pensato per durare nel tempo.
The Brittany Wetlands Men & Women Collection rappresenta un equilibrio maturo tra estetica e funzione, protezione e armonia, calore e leggerezza. Una collezione pensata per chi vive l’inverno come una stagione da abitare pienamente, con intensità, movimento e autenticità.
KEELING – Wear the nature. Grow the future.

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Il volume “Io che nasco immaginaria”. Dalla Firenze ribelle, dove nasce all’inizio degli anni Settanta con la griffe “You Tarzan me Jane”, alla Milano degli Anni Ottanta, fino al successo della sua iconica collezione La Petite Robe, di abiti stretch eleganti ma pratici per viaggiare perché ripiegabili in una bustina, che hanno conquistato le passerelle di New York e l’America. “Io che nasco immaginaria”, autobiografia di più di cinquant’anni di moda di Chiara Boni, curata dalla giornalista Daniela Fedi, è un racconto appassionato di una storia di forza, amicizia e coraggio, dedicata a tutte le donne che sanno essere solidali tra loro. Un viaggio intimo e potente tra moda, passioni e crescita femminile. Un’emozionante scalata nella montagna di ricordi della stilista che si snoda parallelamente al racconto di un’Italia che cresce e cambia nelle vicissitudini politiche, negli scontri generazionali, nella trasformazione dei costumi.

photocover: Chiara Boni e Elena Parmegiani

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