ROMA, Un’atmosfera vibrante, intrisa di eleganza, creatività e altissima maestria artigianale, ha animato il cuore pulsante di Via Margutta in occasione dell’esclusivo evento “Creatività & Made in Italy per la Notte Bianca di Via Margutta”. Il progetto, inserito nella prestigiosa kermesse del “Fuori Sala” nell’ambito della XXIV edizione di Alice nella Città (sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma), ha trovato la sua perfetta cornice in una location d’eccezione a Spazio Margutta.

Lo showroom, situato nella celebre via romana storicamente legata all’arte, si conferma un hub culturale e commerciale di riferimento per la promozione del vero Made in Italy. Sotto la guida strategica di Grazia Marino e Antonio Falanga, lo spazio si consolida come un fondamentale trampolino di lancio per i designer emergenti e, al contempo, come una vetrina d’élite per i brand consolidati che puntano a un posizionamento di prestigio nel mercato dell’alto artigianato e della moda d’autore.

Gaia Caramazza

Gli ospiti hanno potuto vivere un viaggio sensoriale tra tessuti preziosi, gioielli scultura, borse luxury e arte contemporanea grazie a una serie di live experience dal vivo, dove i designer di Spazio Margutta hanno svelato i segreti delle loro creazioni uniche: Gaia Italian Handmade Jewellery: La designer Gaia Caramazza ha incantato il pubblico modellando dal vivo i suoi gioielli attraverso l’antica e affascinante tecnica della cera persa;

Giovanna Gattuso

Giovanna Gattuso: L’artista ha presentato il progetto poliedrico “Divine”, sintesi perfetta della sua espressività come cantante, compositrice e illustratrice, esponendo acquerelli e riproduzioni di raffinata sensibilità pittorica;

Luisa Negro

Luisa Negro Jewels: Ha mostrato la genesi delle sue creazioni nate da una tecnica esclusiva che fonde la magia del vetro di Murano con la lucentezza dell’argento;

Lilli Spina Couture

Lilli Spina Couture: Grandi consensi per gli outfit sartoriali del brand, sogni da indossare realizzati rigorosamente a mano con tessuti d’alta moda e ricami preziosi;

LFLY Bags

LFLY di Laura Franceschelli: Riflettori puntati sul marchio emergente della pelletteria di lusso; le sue borse, fatte a mano con pellami finissimi, si distinguono per dettagli metallici identitari e audaci accostamenti cromatici.;

JAJO madeinitaly

JAJO madeinitaly: Il brand fondato dal designer Rosario ha conquistato i presenti con la sua visione contemporanea, un perfetto punto d’incontro tra sartorialità italiana e urbanwear d’avanguardia per uomo e donna.

L’appuntamento ha richiamato un selezionatissimo pubblico di personalità del grande schermo, del giornalismo e del fashion system. Tra i numerosi ospiti, a catalizzare l’attenzione dei fotografi è stata la splendida attrice Claudia Gerini.

da sx: Gaia Caramazza,Luisa Negro,Claudia Gerini, Laura Franceschelli

L’attrice tra le più ammirate del cinema italiano è stata inoltre protagonista, insieme al collega Marco Bonini, di un emozionante momento culturale: una sessione di letture intense tratte dal libro «Se ami qualcuno dillo», andata in scena nella suggestiva e confinante cornice della Richard Saltoun Gallery, a testimonianza del legame indissolubile che unisce la moda, la letteratura e la settima arte.

Photocover da sinistra:

L'articolo Alta Moda, Cinema e Artigianato d’Autore: Il Successo di “Creatività & Made in Italy” a Spazio Margutta per la Notte Bianca proviene da lafrecciaweb.it.

Lo straordinario è ogni giorno.

Da venerdì 23 a domenica 25 ottobre 2026 Morfosis, brand romano di Prêt-à-Couture fondato da Alessandra Cappiello, presenta la collezione Autunno Inverno 2026/27 nella Coffee House di Palazzo Colonna, Piazza SS. Apostoli, 67 Roma. Ospite della presentazione è Parco 1923, con le sue essenze ispirate alla natura del Parco Nazionale d’Abruzzo, Lazio e Molise. Vorremmo accogliere le donne Morfosis come si accolgono le ospiti in una casa abitata da cose scelte nel tempo e amate. Abiti, dettagli, profumi. Un luogo nel quale entrare, soffermarsi, provare, lasciarsi sorprendere.

La collezione

Un guardaroba aperto, da mescolare. Capi spalla, giacche crop e bomber accanto a pantaloni, camicie e gonne. Jacquard a telaio, velluti mille righe, lane da cappotto e pelle danno struttura; sete, foulard di lana e mohair danno movimento. Grandi fiori, arabeschi, disegni cachemire, passamanerie e ricami: l’ornamento sottratto alla nostalgia e portato nel presente. La palette va dalla terracotta all’aragosta, dal cognac al burgundy, si accende nei viola e nei fucsia, fino al verde che sfuma nell’indaco. Accanto, una capsule dedicata al nero. Bottoni unici e vintage, produzioni limitate, molti pezzi unici, tutto Made in Italy. «Io non mi vesto per essere riconosciuta. Mi vesto per riconoscermi.» — Alessandra Cappiello, fondatrice e designer di Morfosis.

La collezione Autunno Inverno 2026/27 nasce a Roma dall’incontro di forme, materie e memorie diverse, che costruiscono un guardaroba aperto, fatto per essere interpretato. Capi spalla, giacche crop e bomber dialogano con pantaloni, camicie e gonne. I total look si scompongono e si ricompongono. I tessuti strutturati – jacquard a telaio, velluti mille righe, lane da cappotto e pelle, danno carattere, tenuta e profondità ai modelli. Sete, foulard di lana e mohair rispondono con movimento e morbidezza. Le trame sono generose, le finiture curate. Ci sono grandi fiori, arabeschi, motivi cashmere e paesaggi ornamentali, e accanto a loro segni grafici piu asciutti. Passamanerie e ricami diventano un omaggio all’ornamento, con leggerezza. Bottoni unici e vintage, finiture sartoriali, dettagli e decori rendono ogni creazione diversa. Sono elementi che appartengono alla memoria, sottratti alla nostalgia e portati nel presente: basta un volume, una proporzione, un abbinamento inatteso perché un’eleganza di altri tempi acquisti un attitudine decisamente contemporanea. Le produzioni sono limitate e molti capi sono pezzi unici: non come esercizio di esclusività, ma come conseguenza di un modo di lavorare che sceglie l’individualità, ricerca al posto della ripetizione. Ogni capo è Made in Italy, espressione di un sapere sartoriale che appartiene da sempre all’identità di Morfosis che crede nella bellezza che dura e nel rifiuto dell’omologazione. Nell’abito come forma di espressione personale, che non definisce una donna, ma le lascia la libertà di raccontarsi a modo suo. AI 26/27 è un guardaroba da mescolare, trasformare e fare proprio, ogni giorno.

L’ospite: Parco 1923

Una presenza scelta per affinità personale prima ancora che progettuale: le essenze di Parco 1923 abitano già il quotidiano di Alessandra Cappiello. Per i tre giorni della presentazione, accompagnano le ospiti con un’esperienza sensoriale pensata per questo incontro. Inoltre per le tre giornate di esposizioni le ospiti potranno ricevere dei consigli di trucco personalizzati dalla make up artist Simona Augieri.

Morfosis

Brand romano di Prêt-à-Couture Made in Italy fondato da Alessandra Cappiello. Capi unici e numerati, produzione responsabile e su richiesta, un team femminile che mette al centro le relazioni umane.

IG:  Morfosis_it

www.morfosis.it

Photo credits: @Studio_Daido

Stylist: @alessandramariamanzi

Parco 1923

PARCO1923 è un brand di profumeria nato tra i boschi millenari delle montagne d’Abruzzo, terra di parchi naturali e patrimonio botanico unico. L’essenza stessa del marchio affonda le sue radici nella flora spontanea che cresce in questi ambienti incontaminati: fiori rari, piante selvatiche e sentori di foresta diventano la fonte d’ispirazione per fragranze che trasformano la natura in un linguaggio olfattivo universale.

PRESENTAZIONE MORFOSIS AI 26/27

Venerdì 23 · sabato 24 · domenica 25 ottobre 2026 ore 11.00 — 19.00

Coffee House di Palazzo Colonna

Piazza SS. Apostoli 67, II piano — Roma

L'articolo Morfosis presenta la collezione Autunno Inverno 2026/27 a Palazzo Colonna proviene da lafrecciaweb.it.

Women for Women against Violence lancia i B ICONIC Camomilla Fashion Award

Milano, 26 settembre 2026 – Una standing ovation ha accompagnato il debutto di Antonietta Tuccillo alla Milano Fashion Week, trasformando in un’emozione collettiva il sogno che aveva custodito per anni. Alle Officine del Volo, nell’ambito di B ICONIC, Antonietta ha presentato la sua Crochet Couture, una collezione di pezzi unici interamente realizzati a mano durante gli anni delle terapie per un carcinoma ovarico maligno di alto grado, oggi cronicizzato.

Per anni, durante le interminabili ore delle cure oncologiche, Antonietta ha lavorato all’uncinetto affidando a fili e colori la voglia di continuare a progettare il futuro. Ad accompagnarla, un desiderio rimasto a lungo nel cassetto: vedere un giorno quegli abiti sotto le luci della Milano Fashion Week. Quel giorno è arrivato e, al termine della sfilata, il pubblico si è alzato in piedi per lei.

A salire in scena non è stata la malattia, ma ciò che Antonietta ha saputo costruire mentre la attraversava. Una manualità ritrovata è diventata ricerca, stile, femminilità e, soprattutto, possibilità di continuare a guardare avanti.

Tutto comincia quasi per istinto con un vecchio uncinetto e una piccola famiglia di orsetti. Arrivano poi abiti, capispalla, costumi, cappelli e creazioni da sposa. Quello che lei stessa definisce il suo “compagno di viaggio” accompagna un percorso nel quale un’antica arte artigianale assume progressivamente un’identità personale e contemporanea.

In passerella sfilano donne e uomini con le creazioni di Antonietta, impreziosite dai gioielli del Maestro Michele Affidato, storico partner di Women for Women against Violence. Tra i capi più rappresentativi anche l’“abito della voglia di vivere”, nato dopo la diagnosi e durante il percorso terapeutico: non una creazione realizzata a posteriori per rappresentare una rinascita, ma il frutto di un tempo nel quale Antonietta cercava, punto dopo punto, una nuova direzione.

A intuire che quel lavoro potesse uscire dalla dimensione privata è Donatella Gimigliano, ideatrice e produttrice di Women for Women against Violence, format che unisce in un racconto di vita due grandi emergenze femminili, la violenza di genere e il tumore al seno, e Presidente dell’Associazione Consorzio Umanitas, che sceglie di accompagnare Antonietta verso un traguardo che fino a quel momento sembrava lontanissimo.

«Quando ho conosciuto Antonietta ho incontrato certamente una donna con un vissuto straordinario, ma ho visto soprattutto un talento che non poteva continuare a rimanere chiuso in un armadio – sottolinea Gimigliano –. Quegli abiti sono nati nelle ore più difficili, eppure parlano di bellezza e di futuro. Abbiamo deciso di provare a realizzare ciò che desiderava da anni e vederla arrivare alla Milano Fashion Week restituisce perfettamente il senso del nostro impegno: non limitarci a raccontare le donne, ma cercare, quando possiamo, di incidere concretamente sulle loro vite».

A rendere possibile il debutto milanese è l’incontro con B ICONIC, ideato da Giulio Di Sabato, Simone Ruggeri e Mitch Mihic e prodotto da Caremoli & Ruggeri. Per la sua terza edizione la manifestazione sceglie Women for Women against Violence come Official Social Impact Partner, aprendo una collaborazione che porta anche nel mondo della moda i temi dell’inclusione, della responsabilità sociale e dell’attenzione alle fragilità femminili.

Tania La Gatta

A condurre gli eventi della giornata sono il conduttore radiofonico Claudio Guerrini, affiancato da Tania La Gatta, testimonial di Women for Women, che per l’occasione indossa l’“Abito Camomilla”, realizzato da Antonietta e ispirato al fiore simbolo della kermesse. Madrina dell’iniziativa è Ludmilla Voronkina Bozzetti.

La consegna del premio B Iconic a Antonietta Tuccillo.

Accanto ad Antonietta anche Filomena Lamberti, Fanny Cristina Campion, Francesca Svanera e Nicolò Maja con i nonni Giulio e Ines, volti e testimonianze che hanno incrociato il cammino di Women for Women, insieme al regista Antonio Centomani, all’executive manager Ornella Baudo e alla coordinatrice milanese dell’Associazione Patrizia Gaeta.

Nascono i B ICONIC Camomilla Fashion Award

L’appuntamento milanese apre anche un nuovo capitolo della collaborazione tra B ICONIC e Women for Women against Violence con la nascita dei B ICONIC Camomilla Fashion Award, declinazione del riconoscimento realizzato dallo storico partner Michele Affidato, destinata a personalità capaci di coniugare eccellenza professionale, responsabilità sociale e attenzione alle donne.

La consegna del premio B  Iconic a Maria Elena Viola direttrice di Donna Moderna

A ricevere il riconoscimento Maria Elena Viola, Direttrice di Donna Moderna, per l’attenzione costante ai temi che incidono sulla vita e sui diritti delle donne e per aver saputo coniugare informazione e responsabilità sociale. Un omaggio alla donna e alla giornalista per il contributo offerto nel mettere in discussione stereotipi, rompere silenzi e creare consapevolezza.

Il B ICONIC Camomilla Fashion Award viene inoltre conferito a Leo Mel, per una testimonianza maschile di particolare

premiazione leo Mel da Nicolò Maja

valore nel contrasto alla violenza di genere. Di fronte all’uomo che perseguitava e minacciava sua sorella e la sua famiglia, Leo ha scelto di proteggerli e, quando è stato a sua volta aggredito, ha deciso consapevolmente di non reagire all’aggressione, affidandosi alla giustizia e alle Forze dell’Ordine. Il suo gesto porta con sé un messaggio preciso: questa battaglia non può essere affidata soltanto alle donne, ma richiede anche la voce, la responsabilità e l’esempio degli uomini.

A consegnargli il premio è Nicolò Maja, sopravvissuto alla strage di Samarate. Due vicende profondamente diverse che si incontrano su un terreno comune: l’amore per la propria famiglia e l’istinto di proteggere le persone che si amano. Leo ha potuto intervenire in difesa dei suoi cari; Nicolò ha conosciuto invece il dolore terribile dell’impotenza, quello di non aver potuto proteggere sua madre e sua sorella dalla furia omicida del padre.

Per Antonietta, Milano non rappresenta un punto d’arrivo. La malattia e le cure appartengono ancora al suo presente, ma non ne occupano più tutto l’orizzonte. Accanto agli stessi fili che accompagnano da anni le ore delle terapie, oggi ci sono una collezione, il debutto alla Milano Fashion Week e nuovi progetti da immaginare. 

photocover: MILANO FASHION WEEK – ANTONIETTA TUCCILLO E LA SUA CREAZIONE  “VOGLIA DI VIVERE”

L'articolo STANDING OVATION PER ANTONIETTA TUCCILLO – ALLA MILANO FASHION WEEK IL CROCHET NATO DURANTE LE TERAPIE DIVENTA MODA proviene da lafrecciaweb.it.

Le collezioni Autunno-Inverno 2026/27 rendono omaggio alle grandi icone femminili della storia, da Giovanna d’Arco a Rosa Parks, Frida Kahlo e Oriana Fallaci, in una sfilata dedicata all’unicità e al savoir-faire italiano

Roma fa da cornice a un incontro tra moda, storia e artigianato. Nella Terrazza dei Paesaggi e nella Coffee House di Palazzo Colonna, Luluredgrove e LMP Accessori hanno presentato insieme le collezioni Autunno-Inverno 2026/27, ispirate ad alcune delle figure femminili che hanno segnato la storia con il loro coraggio, le loro idee e il loro talento.

Per il palazzo nobiliare romano si è trattato di una prima volta: la monumentale terrazza ha infatti accolto una lunga passerella, trasformandosi per una sera in uno spazio dedicato all’alta moda e all’artigianato.

Tra gli ospiti erano presenti le principesse Jeanne Colonna, Laurentia Colonna, Isabella Orsini de Ligne-La Trémoïlle e Victoria Rebecca Romanoff, il granduca George Mikhailovich Romanov e il principe Guglielmo Giovanelli Marconi.

Nel parterre anche volti noti del cinema e dello spettacolo, tra cui Jane Alexander, Lidia Vitale, Milena Miconi, Fanny Cadeo, Caterina Gramaglia, Alessia Fabiani e la cantante Giò Di Sarno.

La sfilata, diretta da Daniela Palese Acampora, è stata presentata dalla giornalista Elena Parmegiani, direttore eventi della location.

A caratterizzare la collezione è soprattutto il riferimento a donne che hanno saputo rompere schemi e convenzioni. Le nuove proposte prendono spunto da Giovanna d’Arco, Rosa Parks, Simone de Beauvoir, Frida Kahlo, Marie Curie, Coco Chanel e Oriana Fallaci, della quale ricorre il ventesimo anniversario della scomparsa.Una scelta che rafforza il richiamo a personalità femminili capaci di incidere nella politica, nell’arte, nella letteratura e nella scienza.

Le loro storie entrano negli abiti attraverso linee, volumi e dettagli. Ai capispalla più strutturati si alternano creazioni morbide e fluide, in un continuo contrasto tra forza e femminilità.

Tra le interpreti della passerella anche Valentina Bivona, giovane attrice della fiction “I Cesaroni”, e l’ex Miss Roma Beatrice Mazzoni.

Il progetto di Luluredgrove e LMP Accessori punta soprattutto sul valore del lavoro artigianale e sulla personalizzazione, in netta controtendenza rispetto a una moda sempre più standardizzata e alla produzione in serie.

Ogni capo nasce da un campionario stagionale, ma viene poi adattato alle scelte della cliente, che può intervenire sul modello, sulla vestibilità, sul peso della seta e sulle stampe.

I tessuti, tra cui la seta tripla A stampata ad alta risoluzione a Como, arrivano nei laboratori in piccoli lotti già destinati alla singola cliente. Da lì inizia la lavorazione su misura, affidata a sarte specializzate che operano in piccoli laboratori del Centro Italia.

È un progetto costruito interamente intorno al lavoro femminile, con l’obiettivo di valorizzare non solo la creatività, ma anche l’imprenditorialità e il sapere artigianale.

Tra i capi più rappresentativi della collezione compare un cappotto militare da equitazione in cachemire e seta ispirato a Giovanna d’Arco. A Rosa Parks è dedicato invece un abito doppiopetto al ginocchio in seta crêpe stretch, mentre il rigore intellettuale di Simone de Beauvoir viene richiamato da un tailleur maschile in lana merino stretch con giacca strutturata.

Frida Kahlo rivive invece nei colori più accesi, nelle gonne ampie, nelle camicie con collo a U e nelle stampe vivaci.

Grande attenzione anche alla scelta dei materiali, con sete pregiate, lane merino ultrafini e cachemire provenienti da importanti produttori tessili italiani e inglesi.

A completare i look sono gli accessori della linea LMP firmati da Petrana Colesanti: cinture, borse e bracciali-gladiatore in pelle e Swarovski pensati per accompagnare e valorizzare gli abiti.

Le creazioni Luluredgrove portano invece la firma della stilista italo-neozelandese Giuliana Civello, che dopo un’esperienza a New York con Catherine Malandrino ha fondato il brand ICOT, showroom multimarca rivolto al mercato americano, per poi dare vita a Roma, nel 2016, a Luluredgrove.

Credits:
Make up and hair: Simona Augieri
photo: Claudia Frijio

L'articolo Moda: a Palazzo Colonna Luluredgrove e LMP Accessori celebrano le donne che hanno fatto la storia proviene da lafrecciaweb.it.

Grazia Marino e Antonio Falanga

 Roma / New York – Il fashion system internazionale ridisegna i suoi confini con un’alleanza strategica destinata a tracciare nuove rotte commerciali e creative. Spazio Margutta, l’esclusivo hub di scouting e comunicazione nel cuore storico di Roma fondato da Grazia Marino e Antonio Falanga, annuncia il gemellaggio ufficiale con Deliver Your Style, la dinamica realtà newyorkese d’impronta globale fondata da Patrizia Calvio.

La partnership nasce con una mission chiara e ambiziosa: proporre, sviluppare e condividere una nuova strategia di comunicazione e commerciale rivolta a stilisti affermati, brand emergenti e nuovi creativi del panorama italiano e americano. Un’opportunità concreta di internazionalizzazione che consentirà ai designer delle due sponde dell’Oceano di espandere il proprio raggio d’azione in mercati globali altamente competitivi.

 Il cuore pulsante dell’operazione si svilupperà nei rispettivi showroom di Roma e New York, pronti a trasformarsi in incubatori di tendenze interconnessi. Nelle due location saranno presenti varie capsule collection dedicate all’alta moda, al prêt-à-porter d’autore, alla gioielleria offrendo ai brand una visibilità d’élite.

 “Questo gemellaggio rappresenta un ponte culturale e commerciale fondamentale in un momento di profonda evoluzione del fashion system,” affermano gli organizzatori.

Grazia Marino, Co-founder di Spazio Margutta,

Grazia Marino

dichiara: “La moda oggi non può più limitarsi a presidiare un solo territorio; ha bisogno di contaminazione, audacia e visibilità transatlantica. Questo gemellaggio nasce per dare una risposta concreta ai designer che vogliono esportare la propria identità in mercati competitivi. Uniamo l’anima artigianale e il prestigio di Roma all’energia cosmopolita di New York per creare una vetrina permanente e senza precedenti.”

Grazia Marino e Patrizia Calvio

Patrizia Calvio, Founder di Deliver Your Style, conclude: “Deliver Your Style ha da sempre nel suo DNA la ricerca di uno stile unico e d’impatto. Collaborare con Spazio Margutta ci permette di creare una sinergia straordinaria: portiamo l’eccellenza e il lusso contemporaneo direttamente sulla scena di New York, offrendo allo stesso tempo ai creativi americani una porta d’accesso privilegiata nel cuore dell’Europa. È l’inizio di una nuova era per lo scouting indipendente.”

 Antonio Falanga, Co-founder di Spazio Margutta, sottolinea: “Con questo accordo istituzionalizziamo un corridoio preferenziale per la creatività d’eccellenza. Il nostro obiettivo è fare scouting mirato, selezionando talenti capaci di dialogare con un pubblico globale. Non faremo solo promozione: struttureremo eventi ad alto impatto mediatico e strategie di retail innovative per trasformare il talento puro in successo commerciale tangibile e misurabile.”

 Non solo business e retail, ma anche grande spettacolo e pubbliche relazioni. L’intento del gemellaggio è infatti anche quello di dare vita a un calendario di eventi di moda esclusivi che si alterneranno tra Roma e New York. Sfilate, presentazioni e fashion happening saranno ideati per amplificare mediaticamente la partnership, catalizzando l’attenzione di stampa specializzata, influencer, opinion leader e addetti ai lavori dei due Paesi.

L'articolo ROMA – NEW YORK, UN GEMELLAGGIO ALL’INSEGNA DELLO STILE: “SPAZIO MARGUTTA” INCONTRA “DELIVER YOUR STYLE” proviene da lafrecciaweb.it.

Una vita vissuta tra le passerelle dei più grandi stilisti internazionali e i set cinematografici di mezza Europa e degli Stati Uniti. La storia di Luca Ribezzo è quella di un percorso artistico e umano straordinario che affonda le radici in oltre vent’anni di esperienza nel cuore pulsante della moda, lavorando fianco a fianco con icone come Valentino, Dolce & Gabbana, Gianfranco Ferré, Versace e Armani, per poi evolversi in una carriera di attore ricca di oltre quarantacinque crediti su IMDb.

​Da Parigi a Tel Aviv, da New York a Londra, fino alle recenti produzioni tra Stati Uniti, Italia e Spagna, l’attore e modello Luca Ribezzo ha saputo reinventarsi con tenacia, talento e una profonda dedizione allo studio, lavorando con registi del calibro di Til Schweiger e al fianco di stelle internazionali come Matt Dillon e Nick Nolte.

In questa intervista, ci illustra le tappe fondamentali di questa metamorfosi artistica, svelando anche il lato più intimo e riservato di un professionista che ha fatto della sensibilità e dell’autenticità la sua cifra distintiva, superando le sfide legate alla timidezza e ai circuiti patinati del mondo dello spettacolo.

Lei ha vissuto e lavorato per oltre vent’anni nel gotha della moda mondiale, accanto a leggende dello stile come Valentino, Versace e Armani. Qual è stato il momento esatto in cui ha capito che quel mondo prestigioso non le bastava più e che la vera chiamata arrivava dal set e dalla recitazione?

 Non c’è stato un momento preciso in cui ho capito che il mondo della moda non mi bastava più, perché la recitazione è sempre stata dentro di me. Fin da bambino, mi divertivo a interpretare personaggi e, alle scuole medie, il corso di teatro era il momento che aspettavo con più entusiasmo. Mi piaceva stare sul palco e raccontare storie.

Dopo il diploma ho lavorato come animatore turistico nei villaggi vacanze. La parte che amavo di più erano gli spettacoli serali: prepararli, provare e poi esibirmi davanti a centinaia di persone. Ogni volta che salivo sul palco sentivo che quello era il posto in cui riuscivo davvero a esprimermi.

A un certo punto, ho deciso di trasformare quella passione in qualcosa di concreto. Mi sono iscritto a una scuola di teatro professionale e, una volta terminato il percorso, sono partito per Londra. È lì che ho iniziato la mia gavetta e ho avuto le prime opportunità come attore professionista.

Non dimenticherò mai la prima volta davanti a una telecamera. Nel momento in cui ho interpretato un personaggio completamente diverso da me, ho capito la forza di questo mestiere. Quando la telecamera si accende e quella luce rossa si illumina, entri in un’altra vita. Ti ritrovi a vivere emozioni, relazioni e situazioni che non ti appartengono, ma che in quel momento diventano incredibilmente vere.

Per me recitare significa proprio questo: entrare nel personaggio fino in fondo, attraverso la voce, il corpo, gli sguardi, le emozioni e ogni piccolo dettaglio. È un lavoro che mi permette di raccontare storie, ma anche di conoscere meglio me stesso.

La moda mi ha dato tantissimo: mi ha fatto viaggiare, crescere e conoscere persone straordinarie. Sarò sempre grato a questo settore, per tutto quello che mi ha insegnato. Ma è nella recitazione che ho trovato il modo più autentico di esprimermi. È lì che ho capito di essere esattamente dove volevo essere.

Da New York a Londra, passando per l’incontro formativo con l’insegnante scozzese-americano Michael E. Rodgers a Milano: quanto è stato difficile ricominciare da zero e costruire la credibilità necessaria per entrare in produzioni internazionali come quelle della Warner Bros o il film “Head Full of Honey” con Nick Nolte e Matt Dillon?

 Spesso il mondo dello spettacolo e i circuiti mondani premiano l’estro, l’apparire e la costante esposizione mediatica.

 Quanto pensa che la sua bellezza, unita a un carattere timido e a una forte riservatezza, l’abbia in realtà penalizzato nel corso della sua carriera?

 Paradossalmente, arrivare dal mondo della moda all’inizio mi ha penalizzato. C’è ancora il pregiudizio che una persona considerata “bella” non possa essere anche un vero attore. E, diciamolo, spesso si pensa che in un cast non ci possano essere troppi “bellocci”. Inoltre, l’aspetto fisico rischia di diventare un’etichetta: vieni associato a determinate tipologie di personaggi e questo può limitare le opportunità di dimostrare quanto puoi essere versatile come interprete.

Più che timido, mi considero una persona molto riservata. E questa mia riservatezza non rispecchia lo stereotipo dell’uomo che spesso viene associato al mondo della moda o dello spettacolo. Paradossalmente, la parte del mio lavoro che mi piace meno è proprio quella che molti sognano: apparire. Partecipare a première, eventi e red carpet fa parte del mestiere, ma non è ciò che mi rappresenta di più. Mi sento molto più a mio agio quando posso raccontare una storia attraverso un personaggio, piuttosto che quando devo essere semplicemente sotto i riflettori.

Nel mio percorso hanno avuto un ruolo fondamentale lo studio, la lettura e la disciplina. Sono aspetti che oggi fanno parte del mio modo di vivere questo lavoro. Credo che la credibilità di un attore si costruisca ogni giorno, con un approfondimento continuo. Bisogna nutrirsi costantemente del mondo che ci circonda: osservare le persone, ascoltarle, guardare film, visitare musei, leggere, vivere. Tutto può diventare una fonte di ispirazione. E poi c’è lo studio del personaggio, che per me è una ricerca continua: ogni ruolo apre nuove domande e nuove possibilità, e credo che non si finisca mai davvero di esplorare.

Naturalmente l’esperienza sul campo è fondamentale, ma serve anche un pizzico di fortuna: quella di incontrare attori e registi generosi, disposti a condividere ciò che hanno imparato. Io ho avuto la fortuna di vivere questi incontri e ne sono profondamente grato. Ho scoperto che i grandi professionisti sono spesso anche le persone più umili e disponibili, e da loro ho imparato tantissimo, non solo dal punto di vista tecnico, ma anche umano.

Vissuto a lungo dall’altro lato dell’obiettivo tra moda e set, lei ha per anni anche coltivato una grande passione per la fotografia. In che modo, questo sguardo artistico e visivo influenza il suo lavoro di attore e il suo modo di interpretare le inquadrature?

 Ho sempre avuto una grande passione per la fotografia, in particolare per il ritratto. Mi piace fotografare le persone, soprattutto quelle che hanno un vissuto importante. Per questo cerco spesso volti anziani: ogni ruga, ogni sguardo racconta una storia. Mi affascina provare a cogliere, attraverso un’immagine, tutto quello che una persona ha vissuto. In fondo è una ricerca molto simile a quella che faccio quando interpreto un personaggio: andare oltre la superficie e cercare ciò che c’è dietro.

Anche la bellezza, nel mio lavoro, è un tema particolare. Sicuramente può essere un vantaggio, ma a volte può trasformarsi anche in un limite. Spesso l’aspetto fisico porta a essere identificati con determinati ruoli e non tutti hanno il tempo o la voglia di andare oltre un volto per scoprire cosa un attore possa realmente esprimere. Io, però, ho avuto la fortuna di incontrare registi, soprattutto stranieri, che hanno guardato oltre l’apparenza e mi hanno affidato personaggi diversi da quelli che ci si sarebbe aspettati. Sono esperienze che mi hanno fatto crescere tantissimo, sia dal punto di vista professionale che umano, perché mi hanno dato la possibilità di dimostrare la mia versatilità.

Come dicevo, più che timido mi definirei una persona riservata. È una caratteristica che mi porto dietro fin da piccolo e che deriva anche dall’educazione che ho ricevuto. Per questo non mi sento particolarmente a mio agio nelle situazioni in cui bisogna apparire a tutti i costi, come cene, première o eventi mondani. Fanno parte del mio lavoro e, quando si tratta di sostenere un film o un progetto a cui tengo, sono felice di esserci, di promuoverlo e di raccontare il mio personaggio. Ma, se devo scegliere, preferisco sempre stare davanti a una telecamera nei panni di qualcun altro, piuttosto che davanti ai fotografi nei panni di me stesso. È sul set che mi sento davvero nel posto giusto.

Nel 2024 lei ha interpretato un ruolo da protagonista, nei panni di un villain italo-americano, in un film statunitense girato a Venezia. Che tipo di preparazione richiede calarsi nei panni di un “cattivo” all’interno di una produzione hollywoodiana ambientata in una delle città più iconiche del mondo?

 Devo dire che sono proprio questi i ruoli che mi affascinano di più, perché mi permettono di uscire completamente da me stesso e di entrare in realtà lontane dalla mia vita quotidiana. Sono personaggi che, per fortuna, nella vita reale difficilmente incontrerei, ed è proprio questa distanza che rende il lavoro ancora più interessante.

Quando interpreto un ruolo cerco sempre di costruirlo andando oltre la superficie, cercando di capire cosa si nasconde dietro le sue azioni e i suoi comportamenti. Mi piace trovare dentro di me uno stato d’animo, un’emozione, qualcosa di autentico che possa dare profondità al personaggio e permettere al pubblico di entrare in relazione con lui.

Anche quando interpreto personaggi più oscuri o negativi, cerco sempre di lasciare intravedere una sfumatura diversa: una fragilità, una vena di malinconia o magari un pizzico di ironia. Credo che siano proprio queste contraddizioni a rendere un personaggio più umano e interessante. E forse questa è anche una parte di me che riesco a portare nel lavoro.

Girare a Venezia è stata un’esperienza davvero emozionante. È una città unica, iconica, affascinante e allo stesso tempo misteriosa, con un’atmosfera che sembra già raccontare una storia. È un vero set a cielo aperto: ogni angolo ha qualcosa da comunicare. È stato un privilegio lavorarci e sicuramente un’esperienza che mi piacerebbe ripetere.

 Parliamo adesso del cinema spagnolo e dei Suoi progetti futuri: il regista Mario Pagano ha creduto fortemente in lei affidandole il ruolo di protagonista in un imminente film spagnolo in uscita nel 2027, nonostante lei fosse ancora un volto nuovo per quel mercato.

Negli ultimi tempi, mi sto appassionando molto al cinema e alla televisione spagnola. Guardando alcune serie su Netflix mi sono reso conto di quanto siano cresciute in qualità e di quante produzioni internazionali importanti vengano realizzate in Spagna. È un paese che sta creando progetti molto interessanti e mi piacerebbe vivere un’esperienza lì, anche per capire se ci possano essere opportunità per attori italiani in un mercato così stimolante.

Non smetterò mai di ringraziare il regista Mario Pagano, perché ha creduto in me fin dall’inizio, anche se non ero un nome conosciuto nell’ambiente cinematografico spagnolo. Durante tutto il percorso mi ha accompagnato con grande attenzione: dalle prove sul set, dove mi ha guidato passo dopo passo, fino alla costruzione del personaggio, aiutandomi a riscoprire sensazioni ed emozioni che forse non avevo ancora esplorato.

La difficoltà della lingua non mi ha mai fermato. Anzi, è diventata parte della sfida e Mario, parlando anche italiano, mi ha sostenuto in ogni momento, permettendomi di affrontare il lavoro con serenità. È stata un’esperienza davvero intensa e arricchente.

Devo ammettere che, quando ho ricevuto la sceneggiatura, inizialmente ho avuto qualche perplessità. Poi, rileggendola più volte e grazie al confronto continuo con il regista, sono riuscito a entrare completamente nel personaggio e nel suo mondo emotivo.

Mario è stato un regista molto protettivo e rispettoso, capace di accompagnarmi dentro questo ruolo con grande sensibilità. Mi ha dato la possibilità di esplorare una gamma molto ampia di emozioni, anche grazie a un set composto da colleghi straordinari e da persone accoglienti e professionali.

Credo che abbia avuto anche molto coraggio nel realizzare questo progetto, perché ha scelto di raccontare qualcosa di intimo e profondo. La soddisfazione più grande è stata vedere la sua felicità quando il film è stato completato: la sua emozione è diventata anche la mia.

È un film che considero un viaggio alla scoperta delle diverse sfumature dell’amore, ma soprattutto dell’animo umano. Sono molto soddisfatto del risultato finale e spero che il pubblico possa lasciarsi trasportare dalla storia con leggerezza, ma anche uscirne con qualche riflessione in più su sé stesso e sui temi che il film affronta.

L'articolo Moda a Hollywood: viaggio e rinascita. Luca Ribezzo si racconta tra set internazionali, timidezza e grandi sfide d’attore proviene da lafrecciaweb.it.

Ad inaugurare la serata sono stati Alessandro Onorato, Assessore ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, e Roberta Angelilli, Vicepresidente della Regione Lazio e Assessore allo Sviluppo Economico, Commercio, Artigianato, Industria e Internazionalizzazione, che hanno ribadito il comune impegno delle istituzioni nel sostenere il comparto moda quale settore strategico per lo sviluppo economico, culturale e internazionale del territorio.

Per l’occasione Michele Miglionico ha presentato la collezione autunno-inverno 2026/2027 che reinterpreta il fascino degli anni Ottanta attraverso una visione contemporanea, dove eleganza, carattere e femminilità convivono in perfetto equilibrio.

Le silhouette si distinguono per giacche dalla costruzione sartoriale impeccabile, spalle definite e linee essenziali che scolpiscono la figura, abbinate a gonne corte che donano dinamismo e sensualità. I volumi iconici del decennio vengono alleggeriti e reinterpretati con un linguaggio moderno, dando vita a una collezione sofisticata, raffinata e senza tempo.

La palette cromatica alterna tonalità intense e luminose dai dettagli ricercati che impreziosiscono ogni creazione, Una collezione che racconta una donna sicura di sé, elegante, audace e capace di affermare la propria personalità attraverso uno stile deciso e impeccabile.

Una collezione che celebra il glamour degli anni Ottanta trasformandolo in un linguaggio di Alta Moda contemporanea.

Ad introdurre la sfilata è stata una suggestiva performance di danza contemporanea firmata dalla coreografa Tonia Laterza per il Centro Danza Metamorfosi, diretto da Michela Consolo.

La coreografia nasce dall’immaginario senza tempo delle ballerine di Edgar Degas, reinterpretato attraverso una scrittura contemporanea. Gli abiti bianchi delle giovani danzatrici evocano grazia e delicatezza del balletto classico, mentre il movimento contemporaneo rompe gli schemi tradizionali dando vita a una ricerca di libertà, autenticità ed espressività.

Nella scenografica terrazza del Pincio, la danza ha dialogato con l’Alta Moda in un raffinato intreccio di emozioni, dove il corpo è diventato parte integrante della narrazione stilistica, amplificandone la forza espressiva. Un momento di intensa suggestione artistica che ha reso la sfilata un’esperienza immersiva, capace di fondere moda, arte e movimento in un’unica visione estetica.

Accanto a Michele Miglionico hanno presentato le proprie collezioni alcuni tra i più autorevoli protagonisti dell’Alta Moda italiana: Franco Ciambella, Giada Curti, Nino Lettieri, Antonio Martino, Sabrina Persechino, Jamal Taslaq e Gian Paolo Zuccarello, confermando ENSEMBLE come uno degli appuntamenti più prestigiosi dedicati alla creatività e all’eccellenza sartoriale italiana.

Michele Miglionico conferma ancora una volta la propria identità creativa, fondata sulla valorizzazione dell’eccellenza sartoriale italiana e sulla capacità di reinterpretare i codici dell’eleganza con sensibilità contemporanea, contribuendo a rafforzare il prestigio dell’Alta Moda italiana nel panorama internazionale.

L'articolo Michele Miglionico protagonista di “ENSEMBLE” Evento alla Terrazza del Pincio – Roma proviene da lafrecciaweb.it.

Dal 26 giugno al 15 novembre 2026 presso i Musei Capitolini,  Centrale Montemartini un Viaggio dentro un mito: quando Roma divenne capitale mondiale della moda. Tra cinema, stile, immaginario, la mostra fotografica e multimediale presentata da Archivio Luce Cinecittà: i grandi stilisti, i marchi immortali, i divi dello schermo e dell’haute couture. In 150 fotografie, filmati e abiti originali, un’esplosione di creatività che ancora oggi influenza il pianeta

Roma, 25 giugno 2026 – L’età contemporanea ha reso possibile un’esperienza inedita per il pubblico: assistere alla nascita di nuovi miti. Una grande mostra a Roma offre ora l’occasione di rivivere uno di questi momenti in cui storia, documento e leggenda si uniscono: l’epoca in cui la Capitale d’Italia divenne la Capitale della moda e centro di riferimento per il cinema, la televisione e il gusto. È il racconto di come si è affermato in tutto il mondo un marchio originale e inimitabile che, da allora, porta il nome di “Made in Italy”.

Ospitata ai Musei Capitolini, Centrale Montemartini dal 26 giugno al 15 novembre 2026, la mostra fotografica, multimediale e di capolavori sartoriali Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale fa rivivere una stagione di esplosione di idee, nomi, marchi, creatività, industria, un portato di beni materiali e immateriali, un “big bang” dell’immaginario della moda che riverbera ancora oggi il suo successo, il fascino, la magia delle sue forme. L’iniziativa, organizzata da Archivio Luce Cinecittà con il Ministero della Cultura, e curata da Fabiana Giacomotti, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Servizi museali: Zètema Progetto Cultura.

La mostra rappresenta il “secondo capitolo” dell’esposizione Moda in Luce 1925–1955. Alle origini del Made in Italy, ospitata presso il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti a Firenze. La mostra romana, interamente nuova per opere, allestimento e temi, prosegue il racconto di un mito, nel passaggio alla sua consacrazione ed esplosione.

IL CONTESTO

All’inizio degli anni Cinquanta l’Italia sta cambiando alla velocità della luce e sta entrando nel boom e nella modernità. Corre su nuove infrastrutture, autostrade, mezzi. Su professioni nuove, e nuovi abiti sociali. Due campi in particolare segnano visibilmente questo sisma storico: la moda e il cinema. Roma ne è il grande vivace contenitore e contenuto.

A Roma si trova Cinecittà, la città del cinema che, dopo l’epocale rivoluzione del Neorealismo italiano, si sta trasformando nella “Hollywood sul Tevere”: la città dove le major statunitensi e lo star system trovano la sede distaccata del sogno americano. Il risultato è prorompente: quella italiana diventerà la cinematografia con il maggior numero di premi Oscar vinti, dopo gli Stati Uniti.

Nella moda avviene qualcosa di analogo. Un mondo di sartorie, di piccole botteghe, di atelier, che ha studiato alla scuola di Parigi e sui tavoli di ricamo e libri d’arte italiana, si trova proiettato sulla vetta di passerelle, riviste e clienti del mondo, in America, Europa, Russia, Giappone. L’haute couture dagli anni Cinquanta, e fino a noi, deve conoscere tra le sue lingue quella del Made in Italy.

Da Roma, l’Italia riesce in due miracoli inattesi: dimostra che a Cinecittà si possono fare film come in America e che l’haute couture può sfilare per via Veneto. È un viaggio lungo, che l’esposizione alla Centrale Montemartini mostra al vivo.

LA MOSTRA

 Protagonista di Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale è il patrimonio di memoria, fotografie, filmati dell’Archivio storico Luce. Fondamento della conoscenza del XX secolo italiano ed europeo, bene tutelato dell’Unesco, l’Archivio Luce rappresenta una ricchissima fonte di testimonianze sulla moda e lo spettacolo. Il Luce immortala la moda nel momento in cui Roma ne diventa riferimento, tra gli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. Una stagione straordinaria in cui la sinergia tra moda, cinema, industria e creatività ha permesso all’Italia di esercitare un profondo influsso culturale a livello internazionale, ridefinendo i canoni del gusto e dello stile.

Il percorso espositivo immerge i visitatori dentro 150 fotografie d’epoca, per la gran parte del Luce, cinque postazioni video con filmati spesso rari e fino a oggi non disponibili al pubblico, oggetti, documenti, tessuti e 27 abiti originali, e nella maggior parte inediti, creati da nomi leggendari come Valentino Garavani, Karl Lagerfeld per Fendi, Federico Forquet, Sorelle Fontana, Giovanna Caracciolo-Carosa, Valentina Visconti, Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni e ancora Roberto Capucci, Maria Antonelli, Patrick de Barentzen, Renato Balestra, André Laug, Emilio Federico Schuberth, Gabriellasport, Antonio De Luca, Angelo Litrico, Domenico e Agostino Caraceni, Pino Lancetti, Laura Biagiotti.

Opere d’arte di grande valore storico ed estetico, provenienti dagli archivi delle maison, incluse Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, sartorie cinematografiche storiche come Farani, musei quali il Boncompagni Ludovisi, da cui proviene anche un sontuoso completo da sera appartenuto a Franca Bettoja, che dialoga con capi coevi indossati da nomi quali Silvana Mangano, e ancora il CIAC-Centro internazionale Arti e Costume di Venezia. Rilevante il prestito della più importante collezione privata italiana, di proprietà di un protagonista del cinema italiano, Massimo Cantini Parrini, costumista di fama internazionale, più volte candidato al premio Oscar e vincitore di innumerevoli premi, che mostra l’estensione di un talento costruito sulla conoscenza profonda della storia dell’arte e del costume.

Organizzato nello stile e nei colori come un’elegante sartoria romana degli anni Cinquanta e Sessanta, il progetto dell’architetto Dario Dalla Lana si conclude in una sala-biblioteca che presenta una selezione di preziosi campionari tessili di proprietà degli archivi di Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, oltre a volumi e riviste rare, di proprietà della curatrice, studiosa del costume e dell’editoria di moda dai suoi albori. Impreziosiscono il percorso inviti, memorabilia e un album amicorum, appartenuto ad Angelo Litrico, che include disegni e dediche dei più importanti sarti e artisti dell’epoca, da Emilio Pucci a Valentino e Novella Parigini.

Un viaggio multimediale e fisico nell’immaginario, tra storia, stile, costume, società e sogno, una macchina del tempo che ci trasporta nel mito: quando Roma e l’Italia hanno spiegato al mondo come vestire, e come vivere.

Le immagini raccontano sfilate, atelier, reportages, interviste, jet-set, lavoro e glamour, artigianato e arte. A fianco, il cinema che fa di Roma un tempio, e fornisce alla moda sogno e corpi. Quelli di: Sophia Loren, Audrey Hepburn, Liz Taylor, Lucia Bosè, Kirk Douglas, Charlton Heston, Sean Connery, Elsa Martinelli, Anita Ekberg, Anna

Anita Ekberg alla prima del film ‘La Dolce vita’, Roma, 1960

Magnani, Ingrid Bergman, Gabriele Ferzetti, Rod Steiger.

 Ci sono i momenti fondativi. La prima sfilata di Valentino, anno di grazia 1959. Il matrimonio di Tyrone Power e Linda Christian, del 1949, atto ufficiale di nascita della “dolce vita”, lei in abito Sorelle Fontana, lo sposo in Caraceni. Gattinoni reinventa lo stile impero per il film Guerra e pace con la musa perfetta Audrey Hepburn, e accoglie nel suo atelier perfino le due più grandi attrici del tempo (se non di sempre) in competizione drammatica per Roberto Rossellini: Anna Magnani e Ingrid Bergman. E fissa il corpo “a cuore” di Anita Ekberg, nella scena di seduzione più iconica della storia del cinema, il bagno nella Fontana di Trevi de La dolce vita. Angelo Litrico veste la Guerra Fredda, creando gli abiti sia per Nikita Krusciov sia per Dwight Eisenhower. Federico Forquet dà al mondo l’abito toga e il pijama palazzo di Galitzine. Lucia Bosè, la Miss Italia che ha battuto sul podio “la Lollo” e Silvana Mangano, è la musa di Sarli, e incarna le inquietudini del capolavoro di Antonioni, Cronaca di un amore (per la critica, il primo film della modernità cinematografica), e le speranze de Le ragazze di Piazza di Spagna. Ci sono le grandi première cinematografiche, tra tutte al Fiamma la prima de La dolce vita di Fellini, 1960, da cui il paese si vide trasformato. Compaiono i “teddy boys”, prima crepa dell’insoddisfazione giovane che deflagrerà nel Sessantotto. Ma la moda italiana aveva già fatto la sua rivoluzione. Ha preso la sacralità dell’Alta Moda di Parigi, e l’ha portata a donne, e uomini, che stavano cambiando. Ha reso l’abito più mobile, dinamico, liberando il movimento dei corpi. Ha vestito persone che si aprivano al mondo, al lavoro, ad altre aspirazioni. Linee meno rigide, più fresche – ma perfette – significavano un nuovo accesso alla modernità. La donna, che fosse una regina Savoia o Windsor, diva dello schermo o futura aspirante professionista, non era più un quadro glorioso a due dimensioni, ma un corpo di fascino e pensiero. Così per l’uomo. L’Alta Moda restava alta, ma non più irraggiungibile, era un cielo cui a tutti, anche solo vedendolo in un film, era permesso aspirare.

E con intelligenza i grandi sarti, oramai divenuti per nome stilisti, accolsero anche la sfida del prêt-à-porter, di una moda che vada incontro al giorno, al quotidiano, che contempla il pratico senza perdere lo stile.

Sullo sfondo, ma protagonista sempre, Roma e i suoi luoghi. La città eterna che sa adattarsi al tempo. Ogni luogo diventa passerella, scena per geometrie nuove su spazi antichi come il marmo.

In questo scenario già molto ricco, due aree tematiche presentano approfondimenti particolari. La storia della Snia-Viscosa, epopea romana del tessuto artificiale. Storia industriale, di fabbriche, chimica, lavoratrici, che nella mostra vive di documenti d’archivio rari, uno spaccato di rilevanza sociale e politica.

La seconda approfondisce la figura di Palma Bucarelli, storica critica e direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna, che tesse un nesso strettissimo tra moda e arte, incarnando un modello insuperabile di eleganza, stile e rigore intellettuale.

Valentino Garavani con una modella nel backstage della sua prima sfilata

E arte sono questi abiti. Da un capo imperdibile come l’abito Fiesta di Valentino, dalla sua prima sfilata del 1959, il modello 77 che per la prima volta sfoggiò il rosso divenuto bandiera dell’imperatore della moda. O il pijama palazzo di Galitzine, del 1963, segno indelebile di cinema indosso a Claudia Cardinale ne La pantera rosa di Blake Edwards. Ancora di Galitzine la avveniristica tuta di tessuto spalmato effetto pelle presentata a Capri nel 1967, o l’abito da cocktail del 1953 delle Sorelle Fontana. L’iconico abito corto di Andrè Laug del 1968 e, sempre del 1968, quello da sera di Capucci, arte da portare come tante sue creazioni. Il genio di Karl Lagerfeld nel completo soprabito e gonna per Fendi del 1973. L’abito da sera dipinto di Schuberth del 1952 di floreale compostezza, e quello scenografico di Lancetti del 1975, mentre Litrico e Caraceni fissano per l’uomo un segno che a settant’anni di distanza fa ancora scuola e nessuna piega.

Un movimento di idee e di puro artigianato che si racconta sia a chi ha vissuto quell’epoca, sia agli appassionati di moda, design e storia del gusto. Ma la mostra si rivolge anche, e soprattutto, alle nuove generazioni che guardano con interesse alle tendenze contemporanee e alle nuove professioni del fashion, dal design alla consulenza d’immagine. È a loro che parla questa storia della moda a Roma. Una straordinaria eredità creativa che continua a influenzare il gusto e le passerelle contemporanee, dimostrando l’assoluta attualità di una stagione che non ha mai smesso di ispirare.

Accompagna Moda in Luce 1955-1975. Roma fra glamour e innovazione industriale il catalogo, edito da Silvana Editoriale, a cura di Fabiana Giacomotti.

L'articolo MODA IN LUCE 1955-1975: ROMA FRA GLAMOUR E INNOVAZIONE INDUSTRIALE proviene da lafrecciaweb.it.

Luisa Negro a Spazio Margutta

Luisa Negro Jewels: Il brand si distingue per una ricerca estetica che fonde contemporaneità e tradizione orafa. Ogni gioiello è una scultura da indossare, nata da un’attenta selezione di materiali nobili come l’argento e il vetro di murano. La nuova collezione presentata ha incantato il pubblico per la pulizia delle linee e la capacità di trasmettere una forte personalità, pensata per una donna che ama distinguersi con dettagli unici e mai banali.

Laura Franceschelli a Spazio Margutta

LFLY di Laura Franceschelli: Marchio emergente nel panorama della pelletteria di lusso, LFLY unisce la funzionalità quotidiana a un design geometrico e sofisticato.
Le borse della stilista Laura Franceschelli, realizzate rigorosamente a mano con pellami di altissima qualità, si caratterizzano per dettagli metallici identitari e accostamenti cromatici audaci, celebrando una femminilità moderna, dinamica e cosmopolita.
A valorizzare e rendere dinamica l’esposizione sono state due splendide modelle che, muovendosi tra gli ospiti, hanno indossato i gioielli e le borse dei due brand. Questa scelta coreografica ha permesso ai presenti di ammirare dal vivo la perfetta sinergia tra gli accessori, la vestibilità delle creazioni e la luce dei materiali, trasformando l’evento in una vera e propria performance di stile.

Il Fashion Party si è rivelato un importante momento di networking e condivisione, confermando come la sinergia tra design del gioiello e arte della pelletteria possa dare vita a percorsi di stile inediti e vincenti, organizzato in una delle location più suggestive del panorama romano.

L'articolo Le creazioni di Luisa Negro Jewels e le borse di LFLY by Laura Franceschelli a Spazio Margutta proviene da lafrecciaweb.it.

Il progetto, ideato e promosso dal giovanissimo fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha trasformato il Campidoglio in uno spazio di dialogo tra alta moda, sostenibilità e valorizzazione delle differenze, riunendo brand, associazioni e ospiti del mondo creativo e sociale

In Campidoglio, domenica 17 maggio, l’Haute Couture ha incontrato il tema dell’inclusione sociale in una serata in cui moda, artigianalità e sostenibilità si sono intrecciate per raccontare il valore dell’identità in tutte le sue forme.

Tra eleganza sartoriale, ricerca estetica e attenzione alla dimensione umana, il fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha presentato la prima edizione di “Trame d’Identità. La bellezza non ha una sola forma”, progetto nato con l’obiettivo di valorizzare una bellezza autentica, svincolata dagli stereotipi e fondata su unicità, inclusione e consapevolezza.

L’iniziativa, ospitata nella Sala della Protomoteca, ha riunito brand, designer e realtà associative che hanno trasformato il Campidoglio in uno spazio simbolico di incontro, dialogo e rinascita. Già annunciata la seconda edizione, prevista a Roma nel maggio 2027, con l’intenzione di consolidare “Trame d’Identità” come appuntamento stabile nel calendario culturale della Capitale, coinvolgendo ogni anno nuovi protagonisti del mondo creativo e sociale.

Per il 2026, inoltre, sono in programma una serie di iniziative internazionali che porteranno Dalil Douache oltre oceano, con l’obiettivo di promuovere nel mondo l’incontro tra heritage italiano e radici algerine attraverso una visione di lusso consapevole e identitario, espressa anche nella sua ultima collezione “Soul Couture”: un racconto sartoriale fatto di trasparenze, tessuti broccati, voile, gemme e silhouette fluide.

Alla serata hanno preso parte l’associazione Modelli Si Nasce Autism Onlus e Maria Cristina Masi che, con i saluti istituzionali, ha inaugurato ufficialmente l’evento. Special guest della manifestazione l’attrice e modella Giorgia Fiori.

In passerella si sono alternate le creazioni di Anjoy, brand fondato nel 2024 dalla stilista torinese di origini brasiliane Joyce Canova; Mery Blue con le sue luxury bags artigianali; Camilla Milano, marchio sartoriale dalle radici campane; Marina Corazziari, jewelry designer di fama internazionale; Edran, con una collezione ispirata all’estetica dark; e Gabriella Romeo, che ha proposto abiti sartoriali capaci di fondere eleganza romana e suggestioni mediorientali.

“Le collezioni presentate sono state un tributo alle infinite sfumature della bellezza: autentica, imperfetta, libera da schemi e definizioni. Ogni abito ha raccontato una storia fatta di identità, coraggio, artigianalità e visione. Sono consapevole e orgoglioso che questo evento sia andato oltre ciò che è moda, proponendosi come un vero e proprio manifesto umano e culturale. Un messaggio di pace, convivenza e speranza. Un invito a riconoscere valore nelle differenze e a trasformarle in forza creativa”, ha dichiarato l’ideatore del progetto, Dalil Douache.

Dopo anni complessi per il settore creativo e relazionale, il ritorno alla condivisione e alla dimensione dal vivo ha assunto un significato ancora più profondo: trasformare la fragilità in possibilità, facendo della moda non soltanto un linguaggio estetico, ma anche uno strumento di inclusione e partecipazione.

In una Roma simbolica e senza tempo, il Campidoglio si è così trasformato nel palcoscenico di un’esperienza collettiva in cui la moda ha assunto il valore di linguaggio universale capace di unire identità, culture e sensibilità differenti.

L'articolo Inclusione, unicità, couture: a Roma in passerella la 1° edizione dell’evento-sfilata “Trame d’Identità proviene da lafrecciaweb.it.