Ad inaugurare la serata sono stati Alessandro Onorato, Assessore ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, e Roberta Angelilli, Vicepresidente della Regione Lazio e Assessore allo Sviluppo Economico, Commercio, Artigianato, Industria e Internazionalizzazione, che hanno ribadito il comune impegno delle istituzioni nel sostenere il comparto moda quale settore strategico per lo sviluppo economico, culturale e internazionale del territorio.

Per l’occasione Michele Miglionico ha presentato la collezione autunno-inverno 2026/2027 che reinterpreta il fascino degli anni Ottanta attraverso una visione contemporanea, dove eleganza, carattere e femminilità convivono in perfetto equilibrio.

Le silhouette si distinguono per giacche dalla costruzione sartoriale impeccabile, spalle definite e linee essenziali che scolpiscono la figura, abbinate a gonne corte che donano dinamismo e sensualità. I volumi iconici del decennio vengono alleggeriti e reinterpretati con un linguaggio moderno, dando vita a una collezione sofisticata, raffinata e senza tempo.

La palette cromatica alterna tonalità intense e luminose dai dettagli ricercati che impreziosiscono ogni creazione, Una collezione che racconta una donna sicura di sé, elegante, audace e capace di affermare la propria personalità attraverso uno stile deciso e impeccabile.

Una collezione che celebra il glamour degli anni Ottanta trasformandolo in un linguaggio di Alta Moda contemporanea.

Ad introdurre la sfilata è stata una suggestiva performance di danza contemporanea firmata dalla coreografa Tonia Laterza per il Centro Danza Metamorfosi, diretto da Michela Consolo.

La coreografia nasce dall’immaginario senza tempo delle ballerine di Edgar Degas, reinterpretato attraverso una scrittura contemporanea. Gli abiti bianchi delle giovani danzatrici evocano grazia e delicatezza del balletto classico, mentre il movimento contemporaneo rompe gli schemi tradizionali dando vita a una ricerca di libertà, autenticità ed espressività.

Nella scenografica terrazza del Pincio, la danza ha dialogato con l’Alta Moda in un raffinato intreccio di emozioni, dove il corpo è diventato parte integrante della narrazione stilistica, amplificandone la forza espressiva. Un momento di intensa suggestione artistica che ha reso la sfilata un’esperienza immersiva, capace di fondere moda, arte e movimento in un’unica visione estetica.

Accanto a Michele Miglionico hanno presentato le proprie collezioni alcuni tra i più autorevoli protagonisti dell’Alta Moda italiana: Franco Ciambella, Giada Curti, Nino Lettieri, Antonio Martino, Sabrina Persechino, Jamal Taslaq e Gian Paolo Zuccarello, confermando ENSEMBLE come uno degli appuntamenti più prestigiosi dedicati alla creatività e all’eccellenza sartoriale italiana.

Michele Miglionico conferma ancora una volta la propria identità creativa, fondata sulla valorizzazione dell’eccellenza sartoriale italiana e sulla capacità di reinterpretare i codici dell’eleganza con sensibilità contemporanea, contribuendo a rafforzare il prestigio dell’Alta Moda italiana nel panorama internazionale.

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Dal 26 giugno al 15 novembre 2026 presso i Musei Capitolini,  Centrale Montemartini un Viaggio dentro un mito: quando Roma divenne capitale mondiale della moda. Tra cinema, stile, immaginario, la mostra fotografica e multimediale presentata da Archivio Luce Cinecittà: i grandi stilisti, i marchi immortali, i divi dello schermo e dell’haute couture. In 150 fotografie, filmati e abiti originali, un’esplosione di creatività che ancora oggi influenza il pianeta

Roma, 25 giugno 2026 – L’età contemporanea ha reso possibile un’esperienza inedita per il pubblico: assistere alla nascita di nuovi miti. Una grande mostra a Roma offre ora l’occasione di rivivere uno di questi momenti in cui storia, documento e leggenda si uniscono: l’epoca in cui la Capitale d’Italia divenne la Capitale della moda e centro di riferimento per il cinema, la televisione e il gusto. È il racconto di come si è affermato in tutto il mondo un marchio originale e inimitabile che, da allora, porta il nome di “Made in Italy”.

Ospitata ai Musei Capitolini, Centrale Montemartini dal 26 giugno al 15 novembre 2026, la mostra fotografica, multimediale e di capolavori sartoriali Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale fa rivivere una stagione di esplosione di idee, nomi, marchi, creatività, industria, un portato di beni materiali e immateriali, un “big bang” dell’immaginario della moda che riverbera ancora oggi il suo successo, il fascino, la magia delle sue forme. L’iniziativa, organizzata da Archivio Luce Cinecittà con il Ministero della Cultura, e curata da Fabiana Giacomotti, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Servizi museali: Zètema Progetto Cultura.

La mostra rappresenta il “secondo capitolo” dell’esposizione Moda in Luce 1925–1955. Alle origini del Made in Italy, ospitata presso il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti a Firenze. La mostra romana, interamente nuova per opere, allestimento e temi, prosegue il racconto di un mito, nel passaggio alla sua consacrazione ed esplosione.

IL CONTESTO

All’inizio degli anni Cinquanta l’Italia sta cambiando alla velocità della luce e sta entrando nel boom e nella modernità. Corre su nuove infrastrutture, autostrade, mezzi. Su professioni nuove, e nuovi abiti sociali. Due campi in particolare segnano visibilmente questo sisma storico: la moda e il cinema. Roma ne è il grande vivace contenitore e contenuto.

A Roma si trova Cinecittà, la città del cinema che, dopo l’epocale rivoluzione del Neorealismo italiano, si sta trasformando nella “Hollywood sul Tevere”: la città dove le major statunitensi e lo star system trovano la sede distaccata del sogno americano. Il risultato è prorompente: quella italiana diventerà la cinematografia con il maggior numero di premi Oscar vinti, dopo gli Stati Uniti.

Nella moda avviene qualcosa di analogo. Un mondo di sartorie, di piccole botteghe, di atelier, che ha studiato alla scuola di Parigi e sui tavoli di ricamo e libri d’arte italiana, si trova proiettato sulla vetta di passerelle, riviste e clienti del mondo, in America, Europa, Russia, Giappone. L’haute couture dagli anni Cinquanta, e fino a noi, deve conoscere tra le sue lingue quella del Made in Italy.

Da Roma, l’Italia riesce in due miracoli inattesi: dimostra che a Cinecittà si possono fare film come in America e che l’haute couture può sfilare per via Veneto. È un viaggio lungo, che l’esposizione alla Centrale Montemartini mostra al vivo.

LA MOSTRA

 Protagonista di Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale è il patrimonio di memoria, fotografie, filmati dell’Archivio storico Luce. Fondamento della conoscenza del XX secolo italiano ed europeo, bene tutelato dell’Unesco, l’Archivio Luce rappresenta una ricchissima fonte di testimonianze sulla moda e lo spettacolo. Il Luce immortala la moda nel momento in cui Roma ne diventa riferimento, tra gli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. Una stagione straordinaria in cui la sinergia tra moda, cinema, industria e creatività ha permesso all’Italia di esercitare un profondo influsso culturale a livello internazionale, ridefinendo i canoni del gusto e dello stile.

Il percorso espositivo immerge i visitatori dentro 150 fotografie d’epoca, per la gran parte del Luce, cinque postazioni video con filmati spesso rari e fino a oggi non disponibili al pubblico, oggetti, documenti, tessuti e 27 abiti originali, e nella maggior parte inediti, creati da nomi leggendari come Valentino Garavani, Karl Lagerfeld per Fendi, Federico Forquet, Sorelle Fontana, Giovanna Caracciolo-Carosa, Valentina Visconti, Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni e ancora Roberto Capucci, Maria Antonelli, Patrick de Barentzen, Renato Balestra, André Laug, Emilio Federico Schuberth, Gabriellasport, Antonio De Luca, Angelo Litrico, Domenico e Agostino Caraceni, Pino Lancetti, Laura Biagiotti.

Opere d’arte di grande valore storico ed estetico, provenienti dagli archivi delle maison, incluse Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, sartorie cinematografiche storiche come Farani, musei quali il Boncompagni Ludovisi, da cui proviene anche un sontuoso completo da sera appartenuto a Franca Bettoja, che dialoga con capi coevi indossati da nomi quali Silvana Mangano, e ancora il CIAC-Centro internazionale Arti e Costume di Venezia. Rilevante il prestito della più importante collezione privata italiana, di proprietà di un protagonista del cinema italiano, Massimo Cantini Parrini, costumista di fama internazionale, più volte candidato al premio Oscar e vincitore di innumerevoli premi, che mostra l’estensione di un talento costruito sulla conoscenza profonda della storia dell’arte e del costume.

Organizzato nello stile e nei colori come un’elegante sartoria romana degli anni Cinquanta e Sessanta, il progetto dell’architetto Dario Dalla Lana si conclude in una sala-biblioteca che presenta una selezione di preziosi campionari tessili di proprietà degli archivi di Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, oltre a volumi e riviste rare, di proprietà della curatrice, studiosa del costume e dell’editoria di moda dai suoi albori. Impreziosiscono il percorso inviti, memorabilia e un album amicorum, appartenuto ad Angelo Litrico, che include disegni e dediche dei più importanti sarti e artisti dell’epoca, da Emilio Pucci a Valentino e Novella Parigini.

Un viaggio multimediale e fisico nell’immaginario, tra storia, stile, costume, società e sogno, una macchina del tempo che ci trasporta nel mito: quando Roma e l’Italia hanno spiegato al mondo come vestire, e come vivere.

Le immagini raccontano sfilate, atelier, reportages, interviste, jet-set, lavoro e glamour, artigianato e arte. A fianco, il cinema che fa di Roma un tempio, e fornisce alla moda sogno e corpi. Quelli di: Sophia Loren, Audrey Hepburn, Liz Taylor, Lucia Bosè, Kirk Douglas, Charlton Heston, Sean Connery, Elsa Martinelli, Anita Ekberg, Anna

Anita Ekberg alla prima del film ‘La Dolce vita’, Roma, 1960

Magnani, Ingrid Bergman, Gabriele Ferzetti, Rod Steiger.

 Ci sono i momenti fondativi. La prima sfilata di Valentino, anno di grazia 1959. Il matrimonio di Tyrone Power e Linda Christian, del 1949, atto ufficiale di nascita della “dolce vita”, lei in abito Sorelle Fontana, lo sposo in Caraceni. Gattinoni reinventa lo stile impero per il film Guerra e pace con la musa perfetta Audrey Hepburn, e accoglie nel suo atelier perfino le due più grandi attrici del tempo (se non di sempre) in competizione drammatica per Roberto Rossellini: Anna Magnani e Ingrid Bergman. E fissa il corpo “a cuore” di Anita Ekberg, nella scena di seduzione più iconica della storia del cinema, il bagno nella Fontana di Trevi de La dolce vita. Angelo Litrico veste la Guerra Fredda, creando gli abiti sia per Nikita Krusciov sia per Dwight Eisenhower. Federico Forquet dà al mondo l’abito toga e il pijama palazzo di Galitzine. Lucia Bosè, la Miss Italia che ha battuto sul podio “la Lollo” e Silvana Mangano, è la musa di Sarli, e incarna le inquietudini del capolavoro di Antonioni, Cronaca di un amore (per la critica, il primo film della modernità cinematografica), e le speranze de Le ragazze di Piazza di Spagna. Ci sono le grandi première cinematografiche, tra tutte al Fiamma la prima de La dolce vita di Fellini, 1960, da cui il paese si vide trasformato. Compaiono i “teddy boys”, prima crepa dell’insoddisfazione giovane che deflagrerà nel Sessantotto. Ma la moda italiana aveva già fatto la sua rivoluzione. Ha preso la sacralità dell’Alta Moda di Parigi, e l’ha portata a donne, e uomini, che stavano cambiando. Ha reso l’abito più mobile, dinamico, liberando il movimento dei corpi. Ha vestito persone che si aprivano al mondo, al lavoro, ad altre aspirazioni. Linee meno rigide, più fresche – ma perfette – significavano un nuovo accesso alla modernità. La donna, che fosse una regina Savoia o Windsor, diva dello schermo o futura aspirante professionista, non era più un quadro glorioso a due dimensioni, ma un corpo di fascino e pensiero. Così per l’uomo. L’Alta Moda restava alta, ma non più irraggiungibile, era un cielo cui a tutti, anche solo vedendolo in un film, era permesso aspirare.

E con intelligenza i grandi sarti, oramai divenuti per nome stilisti, accolsero anche la sfida del prêt-à-porter, di una moda che vada incontro al giorno, al quotidiano, che contempla il pratico senza perdere lo stile.

Sullo sfondo, ma protagonista sempre, Roma e i suoi luoghi. La città eterna che sa adattarsi al tempo. Ogni luogo diventa passerella, scena per geometrie nuove su spazi antichi come il marmo.

In questo scenario già molto ricco, due aree tematiche presentano approfondimenti particolari. La storia della Snia-Viscosa, epopea romana del tessuto artificiale. Storia industriale, di fabbriche, chimica, lavoratrici, che nella mostra vive di documenti d’archivio rari, uno spaccato di rilevanza sociale e politica.

La seconda approfondisce la figura di Palma Bucarelli, storica critica e direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna, che tesse un nesso strettissimo tra moda e arte, incarnando un modello insuperabile di eleganza, stile e rigore intellettuale.

Valentino Garavani con una modella nel backstage della sua prima sfilata

E arte sono questi abiti. Da un capo imperdibile come l’abito Fiesta di Valentino, dalla sua prima sfilata del 1959, il modello 77 che per la prima volta sfoggiò il rosso divenuto bandiera dell’imperatore della moda. O il pijama palazzo di Galitzine, del 1963, segno indelebile di cinema indosso a Claudia Cardinale ne La pantera rosa di Blake Edwards. Ancora di Galitzine la avveniristica tuta di tessuto spalmato effetto pelle presentata a Capri nel 1967, o l’abito da cocktail del 1953 delle Sorelle Fontana. L’iconico abito corto di Andrè Laug del 1968 e, sempre del 1968, quello da sera di Capucci, arte da portare come tante sue creazioni. Il genio di Karl Lagerfeld nel completo soprabito e gonna per Fendi del 1973. L’abito da sera dipinto di Schuberth del 1952 di floreale compostezza, e quello scenografico di Lancetti del 1975, mentre Litrico e Caraceni fissano per l’uomo un segno che a settant’anni di distanza fa ancora scuola e nessuna piega.

Un movimento di idee e di puro artigianato che si racconta sia a chi ha vissuto quell’epoca, sia agli appassionati di moda, design e storia del gusto. Ma la mostra si rivolge anche, e soprattutto, alle nuove generazioni che guardano con interesse alle tendenze contemporanee e alle nuove professioni del fashion, dal design alla consulenza d’immagine. È a loro che parla questa storia della moda a Roma. Una straordinaria eredità creativa che continua a influenzare il gusto e le passerelle contemporanee, dimostrando l’assoluta attualità di una stagione che non ha mai smesso di ispirare.

Accompagna Moda in Luce 1955-1975. Roma fra glamour e innovazione industriale il catalogo, edito da Silvana Editoriale, a cura di Fabiana Giacomotti.

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Luisa Negro a Spazio Margutta

Luisa Negro Jewels: Il brand si distingue per una ricerca estetica che fonde contemporaneità e tradizione orafa. Ogni gioiello è una scultura da indossare, nata da un’attenta selezione di materiali nobili come l’argento e il vetro di murano. La nuova collezione presentata ha incantato il pubblico per la pulizia delle linee e la capacità di trasmettere una forte personalità, pensata per una donna che ama distinguersi con dettagli unici e mai banali.

Laura Franceschelli a Spazio Margutta

LFLY di Laura Franceschelli: Marchio emergente nel panorama della pelletteria di lusso, LFLY unisce la funzionalità quotidiana a un design geometrico e sofisticato.
Le borse della stilista Laura Franceschelli, realizzate rigorosamente a mano con pellami di altissima qualità, si caratterizzano per dettagli metallici identitari e accostamenti cromatici audaci, celebrando una femminilità moderna, dinamica e cosmopolita.
A valorizzare e rendere dinamica l’esposizione sono state due splendide modelle che, muovendosi tra gli ospiti, hanno indossato i gioielli e le borse dei due brand. Questa scelta coreografica ha permesso ai presenti di ammirare dal vivo la perfetta sinergia tra gli accessori, la vestibilità delle creazioni e la luce dei materiali, trasformando l’evento in una vera e propria performance di stile.

Il Fashion Party si è rivelato un importante momento di networking e condivisione, confermando come la sinergia tra design del gioiello e arte della pelletteria possa dare vita a percorsi di stile inediti e vincenti, organizzato in una delle location più suggestive del panorama romano.

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Il progetto, ideato e promosso dal giovanissimo fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha trasformato il Campidoglio in uno spazio di dialogo tra alta moda, sostenibilità e valorizzazione delle differenze, riunendo brand, associazioni e ospiti del mondo creativo e sociale

In Campidoglio, domenica 17 maggio, l’Haute Couture ha incontrato il tema dell’inclusione sociale in una serata in cui moda, artigianalità e sostenibilità si sono intrecciate per raccontare il valore dell’identità in tutte le sue forme.

Tra eleganza sartoriale, ricerca estetica e attenzione alla dimensione umana, il fashion designer italo-algerino Dalil Douache ha presentato la prima edizione di “Trame d’Identità. La bellezza non ha una sola forma”, progetto nato con l’obiettivo di valorizzare una bellezza autentica, svincolata dagli stereotipi e fondata su unicità, inclusione e consapevolezza.

L’iniziativa, ospitata nella Sala della Protomoteca, ha riunito brand, designer e realtà associative che hanno trasformato il Campidoglio in uno spazio simbolico di incontro, dialogo e rinascita. Già annunciata la seconda edizione, prevista a Roma nel maggio 2027, con l’intenzione di consolidare “Trame d’Identità” come appuntamento stabile nel calendario culturale della Capitale, coinvolgendo ogni anno nuovi protagonisti del mondo creativo e sociale.

Per il 2026, inoltre, sono in programma una serie di iniziative internazionali che porteranno Dalil Douache oltre oceano, con l’obiettivo di promuovere nel mondo l’incontro tra heritage italiano e radici algerine attraverso una visione di lusso consapevole e identitario, espressa anche nella sua ultima collezione “Soul Couture”: un racconto sartoriale fatto di trasparenze, tessuti broccati, voile, gemme e silhouette fluide.

Alla serata hanno preso parte l’associazione Modelli Si Nasce Autism Onlus e Maria Cristina Masi che, con i saluti istituzionali, ha inaugurato ufficialmente l’evento. Special guest della manifestazione l’attrice e modella Giorgia Fiori.

In passerella si sono alternate le creazioni di Anjoy, brand fondato nel 2024 dalla stilista torinese di origini brasiliane Joyce Canova; Mery Blue con le sue luxury bags artigianali; Camilla Milano, marchio sartoriale dalle radici campane; Marina Corazziari, jewelry designer di fama internazionale; Edran, con una collezione ispirata all’estetica dark; e Gabriella Romeo, che ha proposto abiti sartoriali capaci di fondere eleganza romana e suggestioni mediorientali.

“Le collezioni presentate sono state un tributo alle infinite sfumature della bellezza: autentica, imperfetta, libera da schemi e definizioni. Ogni abito ha raccontato una storia fatta di identità, coraggio, artigianalità e visione. Sono consapevole e orgoglioso che questo evento sia andato oltre ciò che è moda, proponendosi come un vero e proprio manifesto umano e culturale. Un messaggio di pace, convivenza e speranza. Un invito a riconoscere valore nelle differenze e a trasformarle in forza creativa”, ha dichiarato l’ideatore del progetto, Dalil Douache.

Dopo anni complessi per il settore creativo e relazionale, il ritorno alla condivisione e alla dimensione dal vivo ha assunto un significato ancora più profondo: trasformare la fragilità in possibilità, facendo della moda non soltanto un linguaggio estetico, ma anche uno strumento di inclusione e partecipazione.

In una Roma simbolica e senza tempo, il Campidoglio si è così trasformato nel palcoscenico di un’esperienza collettiva in cui la moda ha assunto il valore di linguaggio universale capace di unire identità, culture e sensibilità differenti.

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L’iniziativa ideata da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta, realizzata in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, Patrocinata dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dall’Associazione Internazionale Via Margutta, anche quest’anno si è imposta come contenitore per la valorizzazione  e la promozione del talento e dell’ingegno italiano.

La celebre strada romana, resa immortale dal fascino cinematografico di Vacanze Romane, si è trasformata ancora una volta in un palcoscenico diffuso di arte, design e artigianato d’eccellenza. L’idea vincente di esporre le creazioni di brand e artigiani all’interno delle vetrine delle gallerie, ha saputo conquistare visitatori e addetti ai lavori, creando un dialogo suggestivo tra tradizione e innovazione.

Experience live a Spazio Margutta

Otto le realtà creative promosse da CNA provenienti da diverse regioni d’Italia: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

Sei invece i brand di Spazio Margutta che hanno presentato le loro ultime creazioni: Emilio Schuberth, Gaia Italian Handmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty e Arredo’.

Emilio Schuberth

JaJo madeinitalty

Elio Guido

Azzurra Di Lorenzo

Gaia Caramazza

Arredo’

Particolarmente apprezzate le “Experience Live” ospitate presso Spazio Margutta, che hanno offerto al pubblico l’opportunità di vivere in prima persona il processo creativo, entrando in contatto diretto con artisti e artigiani e valorizzando il saper fare italiano.

Grande interesse anche per i due talk organizzati presso Margutta Home, momenti di confronto e approfondimento che hanno visto protagonisti esperti del settore, contribuendo ad arricchire il dibattito sui temi del Made in Italy, tra identità, sostenibilità e nuove prospettive di sviluppo.

Il primo talk, promosso dalla CNA dal titolo “Made in Italy: Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”, ha visto come protagonisti: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 ha visto come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

L’edizione 2026 si conferma dunque come un appuntamento di riferimento, capace di coniugare contenuti di qualità, promozione territoriale e valorizzazione delle eccellenze italiane, rafforzando il ruolo del Margutta Creative District come hub culturale e creativo nel cuore della Capitale.

Un successo che testimonia la vitalità e l’attrattività del Made in Italy, sempre più protagonista sulla scena nazionale e internazionale.

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Nel cuore di Roma la Galleria del Cardinale Colonna si trasforma in un atlante visivo. La settecentesca dimora nobiliare celebra il quarto anno della sua rinnovata gestione. A presentare la sfilata la  giornalista di moda e costume,  Elena Parmegiani, Direttore Eventi della Galleria e Direttore della Coffee House di Palazzo Colonna.

Vittorio Camaiani interpreta in chiave couture la geografia del mondo.  La collezione Spring/Summer 2026, Senza confini e’ un racconto stratificato, dove ogni uscita diventa simbolo di un continente, ogni tessuto lingua.

In un tempo storico dominato da conflitti e disparità,Vittorio Camaiani   propone il tessuto come continuità, come elemento che tiene insieme culture, estetiche, simboli. «Il mio sogno è quello di unire il mondo con un tessuto», afferma lo stilista.I diversi continenti vengono raccontati omaggiando i tratti salienti dell’estetica delle varie culture attraverso le linee degli abiti, i diversi colori,  riportandoci anche alla grande passione per il tema del viaggio che ha spesso influenzato le collezioni di Camaiani.

La figura che attraversa la collezione è una donna concreta  ma al contempo elegante e sofisticata, che viaggia «intorno al mondo» dal giorno alla sera, in un caleidoscopio di colori e tessuti ricercati.

L’Oceania si esprime in una tavolozza vibrante – viola, verde, giallo – e in volumi morbidi che si aprono su chiffon e lino, tra suggestioni pittoriche e leggerezze fluide. L’America prende forma nel denim, nelle cromie della bandiera, in costruzioni disinvolte tra bermuda, tute, camicie serrate in vita da foulard.

L’Africa emerge attraverso materia e tono: sahariane, cotoni batik, organze, una gamma che oscilla tra terra e ocra.

Con la parte dedicata all’Asia, giacche con colli alla coreana, cinte e
alamari che contrastano con capi a tinta unita. E ancora fantasie floreali ed astratte su cotone e lino nei toni del rosa antico, del viola e dei verdi, dischi di paglia a
colore realizzati da Jommi Demetrio nascondono lo sguardo per un
Oriente sussurrato ed elegante.

.

L’Europa chiude il percorso con un rigore quasi cinematografico: bianco e nero,  interrotto da un tocco di rosso che rimanda alla passione dello stilista per la moda, silhouette maschili,  soprabiti in doppio di seta, cravatte “suggerite” giacche doppiopetto
con bermuda che definiscono una figura essenziale,  in uno stile classico ed eterno che allude a quello della nostra storia artistica che ne è la vera testimonianza. 

La sera scivola su georgette, crêpe de chine e faille in seta: classici abiti lunghi e tute  raccolgono elementi della parte giorno:  una tuta in crepe nera con profili bianco in contrasto è abbinata ad un
effetto felpa balloon con cappuccio in organza a pois.

Nel parterre  la principessa Jeanne Colonna, il principe Ascanio Colonna, le attrici Elisabetta Pellini, Agnese Catalani, Giorgia Fiori, Carla Cogliandro, l’influencer Kate Cavaliere, lo scultore Andrea Borga in esposizione
nella galleria con delle suggestive sculture in acciaio, gli artisti Anfissa Vassè, Ilian Rachov, l’attore Simone Pieroni, i pittori Amedeo Brogli e Mauro Russo, l’ambasciatrice d’Italia in Ghana Laura Ranalli,le nobildonne Daniela Memmo,
Leontina Pallavicino, Maria Consiglio Visco Marigliano, i socialitè Jolanda Gurreri, Andrea Ripa di Meana. A complimentarsi con Camaiani anche l’art manager  Michele Crocitto e le designers Giuliana Civello e Petrana Colesanti.

@riproduzione riservata

Ph. Maurizio Fabrizi, Giancarlo Fiori

Photocover: Carla Cogliandro, Kate Cavaliere, Elena Parmegiani, Vittorio Camaiani, Elisabetta Pellini, ph. Maurizio Fabrizi (1)

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Ideato da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta e realizzato in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, il progetto si inserisce nel calendario ufficiale della Giornata Nazionale del Made in Italy, istituita dal Ministero delle Imprese e del Made in Italy.

Grazia Marino e Antonio Falanga

Patrocinato dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dell’Associazione Internazionale Via Margutta, il “Margutta Creative District” nasce con l’obiettivo di valorizzare e promuovere il talento, la manifattura e l’ingegno italiano attraverso formule espositive innovative, capaci di coniugare tradizione e contemporaneità. Cuore pulsante dell’edizione 2026 sarà il potenziamento del dialogo tra brand e artigiani, intento ad esaltare l’identità di ciascun protagonista.

Anche in questa edizione si celebra la scelta strategica e fortemente simbolica di collocare i brand e gli artigiani all’interno delle storiche gallerie di Via Margutta. Non semplici spazi espositivi, ma autentici luoghi di cultura e ispirazione, che da sempre rappresentano un punto di riferimento per artisti, creativi a livello internazionale. Questa decisione amplifica il valore dell’iniziativa, trasformando ogni esposizione in un’esperienza immersiva, capace di raccontare storie, processi e visioni.

Elenco dei Brand, artigiani e delle Gallerie di Via Margutta protagoniste al MCD 2026

I Brand CNA: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

I brand di Spazio Margutta: Emilio Schuberth, Gaia ItalianHandmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty, Arredo’.

Le Gallerie di Via Margutta, che ospitano nei propri spazi i vari brand e artigiani del MCD: Gioielleria Fratelli Petochi, Il Margutta veggy food & art, Margutta Design, Sergio Nesci, L Marine Group, Galleria La Nuvola, Sesto Senso Art Gallery, HENRYTIMI roma, Spazio Margutta, Galleria d’Arte Marchetti, Margutta Home e Serra.

Le gallerie diventeranno così veri e propri Atelier contemporanei, dove il pubblico potrà entrare in contatto diretto con i protagonisti del Made in Italy, scoprendo da vicino l’eccellenza dei materiali, la cura del dettaglio e l’unicità delle lavorazioni artigianali. Un percorso diffuso che valorizza il tessuto urbano e culturale di Via Margutta, restituendole il ruolo di crocevia internazionale della creatività.

I Talk del Margutta Creative District

Ad arricchire ulteriormente il programma, nei tre giorni di esposizione sono previsti importanti talk e momenti di approfondimento dedicati al valore dell’artigianato italiano e alla storia dell’Alta Moda, con particolare attenzione al periodo iconico della Dolce Vita.

Il primo talk, in programma al Margutta Home il giorno 14 aprile p.v. alle ore 17.00 e promosso dalla CNA avrà come titolo “Made in Italy: “Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”. I protagonisti saranno: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, che si terrà sempre al Margutta Home il giorno 15 aprile p.v. alle ore 18.00 dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 vedrà come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

Le Experience Live degli artigiani a Spazio Margutta

Inoltre, nella giornata del 15 aprile, Spazio Margutta ospiterà esclusive experience dal vivo: designer e artigiani daranno vita a vere e proprie performance creative, lavorando in tempo reale davanti al pubblico. Un’opportunità straordinaria per osservare da vicino i processi produttivi, comprendere il valore del saper fare e vivere un’esperienza autentica che celebra la manualità, la ricerca e l’identità del lavoro artigianale contemporaneo.

Con il “Margutta Creative District” si rinnova l’impegno a sostenere e raccontare il Made in Italy attraverso linguaggi contemporanei e contesti di alto profilo. Un hub dinamico ricco di incontri, scambi e valorizzazione, capace di generare nuove opportunità per i brand e gli artigiani coinvolti, rafforzando al contempo l’immagine di Roma come capitale dell’arte, del design e dell’innovazione.

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Sabato 11 aprile alle ore 15.00 si terrà la performance “Imperfettamente Unica”- un momento intimo in cui la collezione prenderà vita attraverso una sfilata tra gli ospiti.

Dal 10 al 12 aprile sarà disponibile a Palazzo Colonna una selezione esclusiva di pezzi unici in limited edition.

Lunedì 13 aprile la presentazione proseguirà presso CS1 Studio, via Raffaello Stern 1 dalle ore 15,00 alle 21,00.

Un linguaggio di leggerezza, relazioni e libertà compositiva. La collezione PE26 di Morfosis nasce come un dialogo tra elementi diversi: tessuti, epoche, suggestioni. Un linguaggio fatto di contaminazioni, dove i rimandi al passato vengono rielaborati in una visione contemporanea, libera e personale. I materiali diventano protagonisti di una nuova esperienza sensoriale. Chiffon e georgette di seta, impalpabili e in movimento, si affiancano a shantung e taffettà, più strutturati e luminosi, creando contrasti raffinati. Il lino, mescolato a bambù e cotone, introduce una naturalezza evoluta, fresca e sofisticata. Tutti i tessuti sono selezionati con rigore, certificati, espressione di una qualità autentica e consapevole. La collezione è pensata per essere vissuta attraverso il mix: abbinamenti senza limiti che generano relazioni inattese, eleganti, mai prevedibili. Ogni capo dialoga con gli altri in un sistema aperto, permettendo a ogni donna di costruire il proprio equilibrio tra leggerezza e struttura, tra memoria e contemporaneità. Dettagli e decori arricchiscono ogni creazione: bottoni unici e vintage, finiture sartoriali, lavorazioni che raccontano una storia.

Nulla è standardizzato, ogni elemento contribuisce a rendere il capo irripetibile. Le produzioni sono limitate, spesso pezzi unici. Non per esclusività ostentata, ma per preservare il valore dell’autenticità. Indossare Morfosis significa scegliere qualcosa che non può essere replicato, un’estensione della propria identità. In questa collezione, vestirsi diventa un atto creativo: un gioco colto e spontaneo, dove la raffinatezza nasce dalla libertà di combinare.

Non perfette, ma uniche. Tutto rigorosamente prodotto nella continuità con l’artigianato, la manualità e la preziosità di una volta secondo gli standard europei, con attenzione alla sostenibilità e confezionato in laboratori artigianali italiani in un approccio severamente Limited Edition. Il trucco e l’hairstyling della performance sarà curato dalla make up artist Simona Augieri.

Styling @alessandramariamanzi ph. @studio_daido

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La Sala della Protomoteca del Campidoglio si accende, e per una sera Roma torna a raccontarsi attraverso ciò che le appartiene da sempre: la misura dell’eleganza. La terza edizione di Roma Couture costruisce una narrazione precisa, stratificata, dove l’Alta Moda italiana diventa linguaggio e identità.

Ideata da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotta da Spazio Margutta e patrocinata dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, la manifestazione rivendica un obiettivo netto: riportare Roma al centro del sistema moda, non come memoria, ma come presenza attiva e riconoscibile nel panorama internazionale.

“Crediamo fortemente nel valore della moda a Roma – afferma l’Assessore Alessandro Onorato – che negli ultimi quattro anni è tornata centrale nello scenario italiano e internazionale. La città custodisce una tradizione artigianale d’eccellenza ultracentenaria, conosciuta in tutto il mondo: valorizzarla è un dovere”.

In tale contesto, Roma Couture si configura come un momento di sintesi tra tradizione artigianale e innovazione creativa, favorendo il dialogo tra maison storiche, realtà emergenti e operatori della filiera moda e dell’alta gioielleria, riportando Roma al centro dell’attenzione mediatica e culturale, attraverso una manifestazione strutturata che pone in primo piano il patrimonio sartoriale della città e delle storiche maison romane, ma anche sulle eccellenze provenienti dalle diverse regioni d’Italia, promuovendo la ricchezza e la varietà del Made in Italy. “Roma Couture nasce con l’intento di restituire alla città il ruolo che le spetta nella scena della moda internazionale,” dichiarano gli organizzatori. “Roma è storia, eleganza e savoir-faire: elementi che, oggi più che mai, meritano di essere raccontati e valorizzati su scala globale.” Roma Couture intende confermarsi quindi come un appuntamento imperdibile per addetti ai lavori, stampa e appassionati, contribuendo a consolidare l’immagine di Roma come capitale dell’eleganza e dell’Alta Moda Italiana. Tre i quadri moda di Alta Moda e uno di Alta Gioielleria presentati in passerella.

Affascinata dalle culture orientali, la stilista Azzurra Di Lorenzo presenta per la Primavera Estate 2026 la sua
collezione di alta moda intitolata: “TOCCHI D’ORIENTE” . Questa capsule collection, composta da abiti da sposa e
gran gala, trae ispirazione dalla delicata eleganza della cultura orientale. Con un approccio rispettoso e misurato, la
designer si ispira e riprende accenni dal mondo orientale, fondendoli con la cultura occidentale. Gli abiti si distinguono
per i sofisticati richiami al mondo dell’Estremo Oriente, caratterizzati da tagli minimali con linee chic, da tessuti pregiaticome seta, broccati, georgette e duchesse, arricchiti da ricami di perle e pietre. La palette cromatica dominante,
incentrata sul blu e sui bianchi, evoca i colori delle porcellane cinesi, spesso impreziosite dalla figura mitologica del
drago, emblema della millenaria e straordinaria civiltà del Fiume Giallo. Elementi distintivi della cultura cinese,
coreana e giapponese, quali fiori, frange, colletti, ventagli, kimono dalle decorazioni opulente, ombrellini di bambù,
completano e riaffermano l’ispirazione di questa collezione.
Luisa Negro, designer di gioielli dalla profonda sensibilità estetica, firma collezioni nate da un rigoroso percorso
formativo tra le eccellenze italiane. Dalla specializzazione in Arti Vetrarie a Bolzano alle collaborazioni con i maestri di
Murano, fino al perfezionamento presso la scuola Metallo Nobile di Firenze, la sua identità si forgia nel cuore delle
botteghe orafe fiorentine. Oggi, questa competenza si evolve nella Collezione “Origins”, dove argento e vetro di
Murano dialogano in un equilibrio continuo. Le creazioni sono sculture organiche che fondono street style, arte e
suggestioni dei suoi viaggi in un linguaggio unico. Ogni pezzo è frutto di un processo manuale complesso, pensato per
chi cerca un oggetto capace di evocare mondi lontani. Dall’ ncontro tra tradizione e ricerca nascono opere che celebrano
l’unicità di chi le indossa: piccoli universi materici dove il fuoco e il respiro del vetro donano profondità eterna alla
forma, trasformando il metallo in una traccia viva della natura.

Il giovane stilista calabrese Elio Guido (classe 2001) presenta la sua prima collezione couture: “Forever”. Creazioni che
oltrepassano la passerella: un linguaggio che si fa essenza, visione, presenza. È il tentativo – audace – di trattenere
l’eterno nel gesto effimero dell’abito. La sua anima più profonda si rivela in un dialogo serrato con la poetica di Luigi
Pirandello, dove l’identità si frantuma, si moltiplica, si nasconde dietro le maschere, che nella collezione si
materializzano come elementi scenici e concettuali e si traducono in copricapi in grado di catturare lo sguardo. “Uno,
nessuno e centomila” – non è solo letteratura, ma diagnosi del contemporaneo, denuncia di un’industria che si riflette
nella propria superficie senza mai toccare la sostanza. Il nero consente di esaltare contrasti di forma e luce. E in questo
buio grafico, emergono volumi monumentali e trasparenze leggere, ricami preziosi, pizzi, paillettes. In questa
dimensione, si inseriscono un omaggio al maestro dell’eleganza Valentino Garavani e un tributo alle donne che abitano
la vita dello stilista.
Nella cornice di Roma, tra reperti antichi e silenzi carichi di storia, rivive l’eredità di Emilio Schuberth maestro di un’eleganza senza tempo, reinterpretata da Elena Perrella, art director della maison. Le sue linee, un tempo simbolo della rinascita dell’Alta Moda italiana, tornano a sfilare come echi preziosi, mentre una nuova visione prende forma. È un dialogo sottile: da una parte la disciplina, la struttura, il sogno costruito punto dopo punto; dall’altra, il fluire contemporaneo, libero, quasi lunare, di una couture che si reinventa. Tessuti e volumi, ricami e trasparenze, trasformano ogni abito in una narrazione sospesa tra passato e futuro. Così nasce un nuovo ciclo: non una rottura, ma una continuità viva. La storia non resta immobile, respira, si trasforma, e  torna in passerella a sfilare, più attuale che mai.

A completare la magia, la presentazione delle fragranze Emilio Schuberth:
Schu, Taffetas e Coquillage, trasformeranno l’aria in pura emozione. Questi profumi sono un inno alla bellezza e
all’armonia, un invito a sostituire il ricordo della distruzione con la rinascita, sprigionando arte, eleganza e poesia in
ogni respiro.

Partner dell’evento:
Miamo è un progetto che nasce da una visione della Dott.ssa Elena Aceto Di Capriglia che intende promuovere la

Cinzia Malvini e il Partner MIAMO by Elena Aceto Di Capriglia

scienza dermocosmetica al servizio reale delle persone. “In questi 20 anni, che abbiamo celebrato con orgoglio” – ha spiegato Elena Aceto di Capriglia- ” ho avuto il privilegio di contribuire alla crescita di un’azienda fondata su ricerca, efficacia e innovazione. La mission di Medspa è sempre stata chiara: costruire percorsi di cura consapevoli, credibili e duraturi. Farne parte significa ogni giorno trasformare competenza e passione in valore, accompagnando le persone verso una bellezza autentica, che nasce dalla conoscenza e dalla cura.

L’ Associazione Asterion ets è attenta al governo dei mutamenti culturali e sociali dei nostri tempi, accompagna i
processi di cambiamento culturale con un approccio olistico, multiculturale e inclusivo. La sua attività principale è la
realizzazione di progetti culturali volti a contribuire e offrire supporto alle idee che vengono di volta in volta condivise
con i suoi partner. Istituzioni pubbliche, altre Associazioni no profit, Università, Imprese, Enti locali. Ciascun progetto
rientra in una delle diverse aree di intervento previste dalla sua mission: Ricerca Sociale, Educazione, Istruzione, Salute,
Arte e Beni Culturali, Internazionalizzazione e Cooperazione. L’ Associazione Asterion ets opera con finalità civiche,
solidaristiche e di utilità sociale realizzando eventi diffusi di informazione e di formazione per la promozione dei
progetti che vengono realizzati.

Cinzia Malvini e il Partner Asterion ETS

Marcello-Montalbano-Ambasciata-della-Gioia

Marcello Montalbano affermato coiffeur operante nel cuore di Roma, ha il suo atelier situato in una delle zone più
eleganti della città, a pochi passi da Piazza di Spagna. Nei quaranta anni circa di carriera nel settore dell’hair styling, ha costruito la propria reputazione grazie a una visione della bellezza che va oltre l’estetica, puntando su un approccio
personalizzato e attento alle esigenze di ogni cliente. Dopo esperienze professionali anche all’estero, in particolare a
Londra, Montalbano ha sviluppato uno stile distintivo che unisce tecnica, creatività e sensibilità artistica, collaborando
anche con il mondo della moda e delle sfilate nelle quali ha avuto il privilegio di pettinare: Katleen Turner, Valeria
Mazza, Cindy Crawford, Ivana Trump, Marina Ripa di Meana e Catherine Spaak.

Ambasciata della Gioia è una realtà nazionale dell’hair fashion che interpreta la bellezza come espressione autentica
della persona. Attraverso una rete di oltre 70 saloni in Italia, diffonde una cultura del Bellessere che unisce competenza
tecnica, sensibilità estetica e centralità dell’ascolto. Il cuore di questa filosofia è AscoltoArmoCromia, il metodo
esclusivo che integra ascolto, tecnica e armonia del colore per valorizzare la luminosità naturale e l’identità di ogni
volto. Un approccio distintivo che trasforma l’esperienza beauty in un percorso su misura, dove estetica e benessere si
incontrano. In occasione dell’alta moda romana, il collettivo artistico di Ambasciata della Gioia firma con orgoglio
l’hairstyling della sfilata, portando in passerella una visione della bellezza contemporanea, consapevole ed elegante.

Raffaele Squillace Noto Beauty Designer, cultore del Fashion Beauty, da molti anni punto di riferimento di importanti
brand cosmetic luxury, Maison di Alta Moda nazionali ed internazionali, Celebrity e magazine di settore.  Considerato oggi un’eccellenza del made in Italy sempre attento alla formazione, innovazione e sperimentazione del Beauty System internazionale per la divulgazione dell’arte della bellezza nel mondo.

LiveOn, full service di servizi audio, video, luci, multimedia e allestimenti in grado di offrire la più alta professionalità
per la riuscita di ogni tipo di evento. Tra le principali realtà del settore produce e pianifica meeting e congressi sia in
Italia che all’estero, offre un servizio completo per la progettazione e realizzazione di spettacoli, convention,
manifestazioni ed eventi di moda.

Da sinistra: Raffaele Squillace – Sergio Valente – Marcello Montalbano

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di Annalisa Crupi

Bruxelles ha ufficialmente staccato la spina all’era dell’opacità. Con la direttiva appena approvata, il settore dell’alto di gamma subisce uno scossone senza precedenti: entra in vigore l’obbligo del Passaporto Digitale (DPP) per ogni manufatto tessile immesso sul mercato UE con un prezzo di listino superiore ai 500 euro. Non è più un vezzo etico, ma un protocollo rigido di conformità.

Il provvedimento impone una mappatura capillare e ispettiva. Ogni etichetta diventa un database accessibile via smartphone che demolisce il concetto di “marketing dell’apparenza”. I dati obbligatori in chiaro includono la geolocalizzazione della filiera (chi ha tagliato, chi ha cucito, chi ha rifinito), il calcolo del prelievo idrico per chilogrammo di fibra e l’indice di riciclabilità post-consumo. In sostanza, l’Europa impone la fine del “Fast Fashion di facciata”: quel sistema dove brand dai margini altissimi utilizzano metodologie produttive sovrapponibili alle catene di massa.

Per le aziende del distretto siciliano e per i grandi player della moda, la sfida si sposta sulla sostanza. Non basterà più la narrazione del “Made in Italy” generico; serviranno prove digitali del rispetto dei parametri salariali e ambientali lungo tutta la catena del livello di qualità. Se il livello di qualità di un abito risiede esclusivamente nel logo, il mercato lo saprà in tempo reale. Il lusso torna a essere una questione di evidenze oggettive, lasciando l’estetica pura come semplice accessorio di una verità certificata.

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Foto di Pexels da Pixabay

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