È appena uscito, ma già fa parlare “Johnny”, per l’etichetta Red&Blue, distribuito da Ada Music Italy. “Johnny” è il titolo del nuovo singolo di Er Pablo, un artista che sta ridefinendo i confini dell’hip-hop romano contemporaneo. Pablo Deleuse, in arte Er Pablo, non è il classico rapper: la sua formazione affonda le radici nel teatro e nella regia, elementi che trasforma in musica attraverso una scrittura fortemente visiva e cinematografica.

Con “Johnny”, l’artista ci trascina in un viaggio introspettivo dove il tempo non è un concetto astratto, ma un pirata che salpa per non tornare. Il brano nasce da una suggestione colta — lo studio de “La Mer” di Debussy — e si sviluppa su un tappeto sonoro organico, dove gli strumenti suonati dal vivo sostituiscono la freddezza dei campionamenti digitali. Accompagnato dal suono del produttore Violea e da una presenza vocale femminile eterea, Er Pablo ci regala un pezzo che è insieme duro e melodico, una “mappa del tesoro” lasciata aperta all’interpretazione di ogni ascoltatore. E ci parla di “Johnny”, un brano che esplora l’incessante scorrere del tempo attraverso la metafora del pirata.

Com’è nata l’esigenza di personificare un concetto così astratto in una figura leggendaria come quella del pirata e quanto c’è di personale in questo senso di “mancato ritorno”?

“La scrittura di un testo per me è composta da più elementi. Ovviamente il mio vissuto personale incide molto sul come e cosa scrivo, ‘Johnny’ è l’esempio perfetto. Ho ritrovato nel pirata Johnny molti elementi della mia vita e senza dubbio è una figura che sento molto vicina. Più che un mancato ritorno a me preme molto il lasciar andare, che credo sia una costante della vita di molti. Esplorare una figura come quella di Johnny e legarla con più concetti su cui rifletto fa sì che un mio testo abbia più significati”.

Hai dichiarato che la genesi del brano è legata al tuo studio de “La Mer” di Debussy. Come sei riuscito a far dialogare l’impressionismo classico francese con le metriche veloci e incisive del tuo rapping? Qual è il punto d’incontro tra questi due mondi apparentemente così distanti?

“Io credo che la musica non abbia alcun tipo di limite, e credo anche che l’essere umano per sua natura abbia bisogno di limiti. I generi musicali sono una nostra decisione, ma questo non vuol dire che nella realtà sia così. Non riesco a vedere questa distanza tra il mondo orchestrale e quello del rap, sicuramente hanno immaginari molto diversi, ma alla fine hanno lo stesso scopo, ovvero comunicare qualcosa. Lo studio di Debussy è stato fondamentale per trovare una prima idea del brano, ma dentro di me e dentro le mie orecchie ci sono anni di rap, e dunque è inevitabile che per me risulti facile vedere una strofa rap con sotto un’orchestra. Il punto d’incontro secondo me è facile e scontato. Entrambe sono musiche.”

Nella struttura sonora di “Johnny” la voce femminile gioca un ruolo fondamentale per l’emotività del pezzo. Ci puoi raccontare come è nata questa collaborazione e in che modo, secondo te, la melodia femminile riesce a completare il messaggio che volevi trasmettere con le tue rime?

“La voce femminile è il tassello che regge l’intera piramide. Avendo una musica tendenzialmente morbida ed una voce principale dura ed incisiva, la voce femminile deve giostrarsi tra queste due sensazioni, cercando di cucire tutto insieme. Se analizziamo il brano nel dettaglio notiamo che l’inizio presenta dei vocalizzi molto morbidi, che troviamo a tratti anche nella prima strofa, nel ritornello la situazione cambia, la voce femminile diventa incisiva e coprotagonista. Per sottolineare il suo ruolo viene divisa in più linee sovrapposte, una morbida, una piena a livello canoro ed infine una di sottofondo che fa da pedale per le altre due. Grazie a questi passaggi il brano ha una evoluzione continua che si sviluppa attorno al rap. Anche se la linea guida viene tratteggiata dalla voce femminile, che deve – appunto -legare tutto.”

Essendo tu stesso il regista del videoclip, hai curato un’estetica che gioca sul contrasto tra staticità e dinamismo. Come si riflette la tua formazione nella recitazione e nel cinema sulla tua scrittura musicale? Ti consideri un artista che scrive per “immagini”?

“Assolutamente sì, le immagini sono protagoniste della mia penna e direi della mia vita stessa. Mi succede molto spesso di immaginare un’immagine specifica, la regia e la fotografia sono il risultato di questa mia caratteristica. La recitazione e il teatro mi hanno insegnato ad interpretare parole ed emozioni, quando scrivo tengo sempre bene a mente lo studio emotivo che ho iniziato dentro al teatro.”

Partendo dalla “vecchia scuola” romana (come Primo Brown e i Colle der Fomento) sei approdato a un rap strumentale ricco di pianoforte, chitarra e batteria suonati dal vivo. In un’epoca dominata da suoni digitali e campionamenti, quanto è importante per te mantenere questa “magia” sonora autentica insieme al produttore del suono Violea?

“Personalmente amo gli strumenti per una questione emotiva. La musica è un mezzo di comunicazione e attraverso gli strumenti e i musicisti è capace di trasmettere emozioni diverse. Non odio i synth o i campionatori, anzi li reputo eccezionali in quello che possono fare, ma purtroppo non esiste apparecchio elettronico che può entrare in contatto con la musica a livello emotivo, un computer non ha emozioni. Per questo amo gli strumenti, hanno storie da raccontare e vissuti totalmente diversi, proprio come chi li suona. Questa unione crea l’arte, che è esattamente quello che voglio sentire io”.

Hai spesso affermato che la cosa più importante per te è l’interpretazione che gli altri danno alle tue parole. C’è un messaggio o una sensazione particolare che speri il pubblico colga ascoltando “Johnny”, o preferisci che il brano rimanga una “mappa” aperta in cui ognuno può trovare il proprio tesoro?

“Il termine mappa è sicuramente quello più appropriato. Essendo l’italiano una lingua molto complessa e ampia, le stesse parole possono avere significati diversi e permette a ogni singola persona di dare un’interpretazione propria. Più che un messaggio o una sensazione io spero di far riflettere l’ascoltatore, di farlo interrogare sulle mie parole così da fargli costruire la sua mappa del tesoro. La parte più bella è ovviamente scoprire le interpretazioni diverse dalla tua, così puoi cercare le strade degli altri dentro di te.”

BIOGRAFIA 

Pablo Deleuse, in arte “Er Pablo”, è un cantautore romano esponente della nuova scena hip-hop. Il suo percorso artistico affonda le radici nella recitazione ma, ancora giovanissimo, scopre una viscerale passione per la musica, traendo ispirazione dal rap romano della “vecchia scuola” e dallo studio dei testi di pilastri come Primo Brown, i Villa Ada Posse e i Colle der Fomento.

Inizia a scrivere i suoi primi brani a soli 11 anni, influenzato dagli autori che ancora oggi studia costantemente. All’età di 16 anni, affascinato dalla musica suonata dal vivo, intraprende da autodidatta lo studio di diversi strumenti: chitarra, pianoforte e batteria. Questo amore per la strumentazione lo porta ad approfondire vari generi, trovando la propria dimensione ideale nel rap strumentale.

Ascoltando i suoi ultimi lavori — Veterano, Fumo e Malditesta e Johnny — emerge immediatamente una sonorità ricca di strumenti suonati dal vivo, che accompagnano testi profondi e specchio della sua realtà quotidiana. Crescendo sia anagraficamente che artisticamente, Er Pablo si spinge sempre più verso la sperimentazione di nuove sonorità, abbinandole a liriche capaci di trasmettere sensazioni diverse a ogni singolo ascoltatore. È proprio questa versatilità a rendere il suo pubblico estremamente eterogeneo per età e genere, come lui stesso ricorda spesso nelle interviste: “La cosa più importante per me è l’interpretazione delle mie parole; sono davvero curioso di sapere cosa le persone vedono nei miei testi”.

Per l’artista, il fine ultimo della musica è una comunicazione che apra mondi immaginativi diversi, permettendo a chiunque di trovare un significato unico e personale nelle sue rime. Nonostante un animo incline alla solitudine, Er Pablo ama la dimensione collaborativa: per la comunicazione si avvale del supporto del team Red&Blue, mentre per la creazione della “magia” sonora si affida al produttore Violea, il cui sound — ora morbido, ora più rock — contribuisce a rendere ogni produzione autentica e originale.

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Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina emergente con formazione in canto jazz maturata tra Italia e Germania. Il suo stile pop-elettronico anticonvenzionale e aperto alla sperimentazione, fonde classica, jazz ed elettronica in un connubio tra antico e moderno che riflette la sua personalità. É qui che la ricerca sonora e l’urgenza comunicativa coincidono.

È da poco uscito il singolo “Sexting” scritto a due mani con la cantautrice fiorentina Jilhara e prodotto da Roden per l’etichetta Pluma Dischi/Irma Records.
Con questo brano che fonde R&B ed elettronica, le due artiste indagano la fragilità delle relazioni digitali, l’amore immaginato in cui desideri e sentimenti rimangono sospesi tra attesa e illusione, intrappolati nella distanza.

Abbiamo avuto il piacere di incontrare Elena Romano per farci raccontare qualcosa del suo percorso artistico e dei suoi progetti.

Elena, tu sei cresciuta in un ambiente jazz d’eccellenza, studiando sia in Italia che in Germania. Come ha influenzato questo background la tua musica e il tuo approccio alla composizione?
È stato fondamentale perché mi ha permesso di dare forma a quello che avevo in testa ancora prima di esplorarlo davvero. Il jazz mi ha insegnato che ogni dettaglio e ogni suono hanno un significato preciso. Mi piace il pop quando riesce ad avere più sfumature e profondità.

La tua musica si muove costantemente tra il tradizionale e il futuristico. Come descriveresti il tuo stile e come si è evoluto nel tempo?
Sono partita dal soul, poi il jazz è diventato il motore di tutto quello che è venuto dopo. L’improvvisazione e il jazz sono un’estensione di quello che c’era prima e hanno influenzato tutto ciò che è arrivato dopo nella mia scrittura.

Quando scrivi e componi che cosa o chi ti rende particolarmente ispirata? Hai degli step specifici che ti avvicinano alla fase creativa?
Di solito ciò che mi spinge all’atto creativo sono pulsioni sensoriali, anche molto semplici, come un suono o un odore. Spesso parto dalle mie esperienze personali e in particolare da persone e affetti significativi della mia vita.

Come è nata la collaborazione con Jilhara? Cosa vi ha spinte a lavorare insieme al brano “Sexting”?
Ci siamo conosciute durante il nostro percorso di studi e la collaborazione è nata qualche anno dopo come evoluzione naturale di un’amicizia molto forte. Eravamo già in sintonia, quindi è stato naturale unire i nostri mondi musicali diversi ma complementari.

In questo brano, si descrive lo schermo come uno “spazio fragile”. Ci spiegheresti il perché di questa metafora?
Lo schermo è uno spazio fragile perché è allo stesso tempo un luogo di connessione e di distanza. Può avvicinare le persone ma anche allontanarle, perché tutto passa attraverso un filtro che rende le emozioni immediate ma anche instabili.

Progetti in cantiere?
Sto lavorando al mio primo disco e spero di potervelo far ascoltare presto. Con Jilhara sì, abbiamo già parlato di una possibile futura collaborazione, quindi chissà cosa potrà succedere.

Biografia
Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina con una formazione nel canto jazz e diverse esperienze artistiche maturate tra l’Italia e la Germania. Il suo stile si colloca in un ambito “pop-elettronico”, caratterizzato da un approccio fuori dagli schemi e aperto a continue sperimentazioni.
La sua musica ingloba generi diversi — dalla classica al jazz fino all’elettronica — dando vita a un affascinante contrasto tra antico e moderno, ravvisabile anche nell’estetica dell’artista.
Il suo percorso accademico è d’eccellenza: dopo il diploma presso la Siena Jazz University, completa gli studi all’Università di Musica e Danza di Colonia (HFMT) e al Conservatorio Girolamo Frescobaldi di Ferrara, dove ottiene il diploma di secondo grado in canto jazz.
Tra le collaborazioni di rilievo spicca quella per l’album “Arie” di Ferruccio Spinetti, registrato nel 2022 con il celebre batterista statunitense Jeff Ballard.
Tra il 2024 e il 2025, Elena lavora all’EP “Lorena” insieme al fratello e compositore Lorenzo. Il progetto solista si concretizza in una fusione unica dove la canzone tradizionale italiana si unisce a sonorità elettroniche, creando una narrazione avvincente fatta di emozioni e racconti introspettivi.

Negli anni Elena Romano ha collezionato importanti traguardi e riconoscimenti. Il suo percorso inizia a distinguersi già nel 2021, quando vince il premio per la migliore composizione al concorso Bianca d’Aponte con il brano “Il Sole (cattivi pensieri)”. Successivamente, nel 2024, partecipa al Rock Contest di Controradio aggiudicandosi il Premio Ernesto De Pascale per la miglior canzone con testo in italiano grazie al brano “Sogno”, oltre a ricevere una menzione speciale da parte di MITA Academy per la coerenza audio-visiva del suo progetto. La sua ascesa prosegue nel 2025 con la selezione tra i 150 semifinalisti di 1M NEXT per il Concerto del Primo Maggio a Roma, fino ad arrivare al 2026, che la vede tra i finalisti di MArteLive Connect.
L’evoluzione musicale di Elena rivela una personalità eclettica e versatile che trova la sua sintesi perfetta nel recente EP “Lorena”. A febbraio 2026 compare nel disco dell’artista Hachiko nella traccia “90MILA”.

Il brano “Sexting” di Elena Romano e Jilhara è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming.

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Tra gli appuntamenti più attesi, il concerto del 22 aprile presso la prestigiosa Musicasa Acoustic Concert Hall. Sul palco, sarà accompagnato dal chitarrista giapponese M°Anri Shibata, dando vita a un dialogo musicale raffinato e di grande intensità espressiva.

Questo progetto si inserisce in un momento di straordinario fermento mandolinistico in Giappone, paese in cui lo strumento vive una stagione di grande vitalità, con un pubblico attento, numerose orchestre a plettro e una tradizione profondamente radicata e in continua evoluzione. In questo contesto, la presenza di Francesco Mammola rappresenta un significativo ponte culturale tra la scuola italiana e la scena musicale giapponese.

Francesco Mammola vanta un’intensa attività concertistica nazionale e internazionale, con esibizioni in America e in numerosi paesi europei, affermandosi come uno dei più apprezzati interpreti della scena mandolinistica contemporanea. Il repertorio che presenterà in Giappone abbraccia i capisaldi della letteratura per mandolino, proponendo un percorso che attraversa epoche e stili: dalle opere di Raffaele Calace e Carlo Munier, ai concerti di Antonio Vivaldi, fino alle suggestioni più moderne e territoriali.

Non mancherà un tocco della sua terra d’origine: l’Abruzzo sarà presente nel programma attraverso una composizione originale dello stesso Mammola, “Pescocostanzo”, dedicata al suo paese natale e a tutti i mandolinisti che gli hanno tramandato questa arte. L’Abruzzo sarà presente anche nelle composizioni del maestro Mario Giusti, inserite nelle scalette dei concerti.

Accanto ai concerti, Mammola terrà una masterclass esclusiva il 27 aprile presso la Machida City Hall, rivolta a studenti e musicisti locali, offrendo un’importante occasione di approfondimento tecnico e interpretativo.

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Ad accompagnare il brano c’è un videoclip (https://www.youtube.com/watch?v=YB0PadIVxIw) che attraversa Bologna in modo originale e dinamico. Protagonista una giovane ciclista che percorre le strade del capoluogo emiliano in mountain bike. Tra portici, piazze e scorci urbani, il video restituisce un’immagine contemporanea della città, sospesa tra tradizione e cambiamento. Una scelta visiva che rafforza il messaggio della canzone: Bologna non è solo una cartolina, ma un luogo vissuto ogni giorno.

Dopo il raffinato incontro artistico con Fabio Concato in “Automobilisti” – impreziosito dalla partecipazione attoriale di Gioele Dix – e la pubblicazione della title track “È così”, che ha segnato l’uscita dell’ultimo album di inediti a fine 2025, STRAGÀ prosegue il suo percorso con un brano profondamente personale e al tempo stesso universale. BELLA BOLOGNA, scritto e composto dallo stesso FEDERICO STRAGÀ, è una canzone che racconta una città attraverso lo sguardo disincantato di chi la vive ogni giorno. Non è un inno celebrativo, ma un ritratto autentico, sospeso tra amore e disillusione.

«Sono cresciuto con il mito di Bologna – racconta l’artista – una città che immaginavo come simbolo di libertà, cultura e divertimento. Vivendoci, ho scoperto una realtà più complessa, fatta di contrasti: da un lato la bellezza, le opportunità, l’atmosfera unica; dall’altro un senso di disordine e una libertà che a volte sembra sconfinare nell’inciviltà».

La canzone nasce proprio da questa tensione emotiva: un equilibrio fragile tra fascino e fatica, tra appartenenza e distanza. STRAGÀ osserva Bologna con occhi maturi, mettendo in luce dinamiche quotidiane e contraddizioni urbane che molti riconosceranno: il vivere collettivo, il rispetto degli spazi comuni, il rapporto tra libertà e responsabilità. Nel racconto emergono anche riferimenti importanti alla tradizione musicale della città, da Lucio Dalla a Luca Carboni, artisti che hanno saputo coglierne l’anima più autentica.

«Ho capito perché Carboni ha scritto “Primavera” – spiega il cantautore – ma anche perché parlava di una città “senza pietà”. Bologna è entrambe le cose».

BELLA BOLOGNA è quindi un brano che unisce ironia e riflessione, memoria e presente, esperienze personali e osservazione sociale. Un viaggio emotivo che parte da Bologna ma parla a tutte le città, e a chi le abita. Con la partecipazione straordinaria di GIANNI MORANDI, simbolo vivente della città, il singolo acquista un valore ancora più significativo: un dialogo tra generazioni e sensibilità diverse, unite da un legame profondo con Bologna. Non una cartolina perfetta, ma un racconto sincero. Perché, come suggerisce FEDERICO STRAGÀ, la vera bellezza sta anche nelle contraddizioni.

BIO

Federico Stragà (Belluno, 10 luglio 1972), bolognese d’adozione, si avvicina alla musica a sedici anni. Si afferma nel 1997 all’Accademia di Sanremo e debutta al Festival di Sanremo 1998 tra le Nuove Proposte con “Siamo noi”. Il successo arriva nel 2000 con “L’astronauta”, seguito dall’album “Click here” (2001) e dalla vittoria a Un disco per l’estate (2002). Nel 2003 è tra i Big di Sanremo con “Volere volare” insieme ad Anna Tatangelo. Nel 2008 rende omaggio a Frank Sinatra con un progetto swing che segna una svolta artistica, portandolo al Bologna Jazz Festival e al Premio alla Voce (Leggio d’Oro, 2013).

Nel 2013, il passaggio significativo da interprete a cantautore: Federico Stragà scrive testo e musica di ogni sua canzone, mettendo a nudo emozioni e storie profondamente vissute. Dopo “Guardare fuori” (2018), torna nel 2025 con “È così”, album della maturità, con le partecipazioni di Fabio Concato e Gianni Morandi, accolto con entusiasmo da pubblico e critica.

www.straga.net

IG: https://www.instagram.com/federicostraga/

YT: https://www.youtube.com/channel/UCQD8wY9tcV90WWsAN82bNBw

FB: https://www.facebook.com/federicostrag/

Label: Alman Music – Alberto Mantovani – info@almanmusic.com

Web: Greta Tossani – office@almanmusic.com

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Tra lounge e nu-jazz il suono raffinato di CARBONARA & CHAMPAGNE

Un ponte musicale tra Dolcevita e spirito Yé-Yé nel nuovo album CARBONARA & CHAMPAGNE (Alman Music). Il succulento progetto discografico di PAPIK e KELLY JOYCE rilancia la chanson in chiave contemporanea.

La Dolcevita si fonde con la leggerezza parigina. Nasce CARBONARA & CHAMPAGNE, il nuovo album firmato da PAPIK e KELLY JOYCE. Un lavoro che rilegge la tradizione francese anni Cinquanta e Sessanta attraverso sonorità lounge e nu-jazz, con un’impronta internazionale. Il disco è disponibile su tutte le piattaforme digitali al seguente link: https://bfan.link/carbonara-champagne.

«Un dialogo tra due immaginari europei», sintetizzano gli artisti. «Roma e Parigi, eleganza e ironia, memoria e contemporaneità».

Due mondi, un’unica visione sonora. Da una parte Nerio Poggi, in arte PAPIK, produttore e arrangiatore noto per progetti di successo come “Cocktail Martino”, “Cocktail Mina” e “Cocktail Sanremo”. Dall’altra KELLY JOYCE, voce iconica della scena internazionale, diventata celebre con il brano “Vivre la vie” e recentemente sul podio del San Marino Song Contest.

Il risultato è un’operazione raffinata ma accessibile: classici della chanson rivisitati con arrangiamenti moderni e una forte identità stilistica. Tra boulevard e terrazze romane, l’album costruisce un immaginario cinematografico dove la Parigi d’epoca incontra la Roma della Dolcevita; lo spirito Yé-Yé si intreccia con jazz, soul e lounge; atmosfere rétro dialogano con sonorità contemporanee. Un gioco di contrasti che diventa cifra stilistica: Roma contro Parigi, Rimini contro Saint-Tropez.

Anticipato dai singoli “C’est si bon”, “Nouvelle Vague” e “Les feuilles mortes”, CARBONARA & CHAMPAGNE si presenta come un itinerario sonoro tra club vellutati, spiagge italiane e caffè parigini. Non solo un album, ma un’idea: un brindisi simbolico tra Italia e Francia, dove la nostalgia della grande chanson si rinnova nel groove contemporaneo. Un progetto che guarda al passato senza restare indietro, parlando a un pubblico trasversale, tra appassionati di jazz, pop sofisticato e cultura europea.

Questa la tracklist: “C’est si bon”, “Comment te dire adieu”, “Nouvelle Vague”, “Les feuilles mortes”, “For me formidable”, “Tchin tchin”, “Des ronds dans l’eau”, “Tous les garçons et les filles”, “Une belle histoire”, “Laisse tomber les filles”, “Jardin d’Hiver”.

Crediti

Peter De Girolamo – tastiere, basso elettrico, chitarra, batteria, percussioni, cori

Stefano Profazi – chitarra (4, 5, 12)

Massimo Satta – chitarra (3, 7, 9)

Riccardo Bertozzini – chitarra (8)

Edoardo Petracci – basso elettrico (8)

Max Ferri – batteria (8)

Marco Guidi – tastiere (8)

Simone “Federicuccio” Talone – percussioni (11)

Massimo Guerra – tromba (7)

Stefano Serafini – tromba (8, 11)

Davide Di Gregorio – sax (11)

Claudio Piselli – vibrafono (4, 9)

Marcello Sirignano – archi (11, 12)

Laura Lanzillo – cori (3)

Nerio “Papik” Poggi – cori (3, 6)

Arrangiamenti e produzione: Nerio “Papik” Poggi, Peter De Girolamo

Arrangiamenti archi: Marcello Sirignano

Arrangiamenti ottoni: Stefano Serafini

Mix: Nerio “Papik” Poggi

Label: Alman Music – Alberto Mantovani – info@almanmusic.com

Web: Greta Tossani – office@almanmusic.com

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Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montodoro riportano in scena le canzoni italiane che hanno segnato la memoria collettiva di più generazioni

Ieri sera ho avuto la fortuna di assistere a uno spettacolo da pelle d’oca, che sa di memoria  e di casa: “Gli indimenticabili” al Teatro Golden. Ho avuto la sensazione di entrare in sala con la mia giornata addosso (pensieri, corse, rumori) e di uscirne un po’ più leggera, come quando una canzone ti rimette in ordine senza chiederti permesso. Canzoni suonate dal vivo, contributi multimediali, storie e aneddoti che si intrecciano come pagine di un diario: un viaggio musicale capace di farci ritrovare, tutti, nello stesso ritornello.

Perché i cantautori fanno questo: prendono la realtà, la impastano con le parole e la restituiscono in musica. E in scena questa forza si sente tutta: la scuola genovese con il suo mare e i suoi ultimi, la scuola romana con le sue strade e le sue confessioni a mezza voce, e poi quelle voci che non invecchiano mai perché parlano di cose che non passano: l’amore che resta, quello che scappa, la libertà e le scelte sbagliate.

Sul palco Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montedoro non “ripetono” semplicemente dei grandi successi: li attraversano. I tre protagonisti sono eccezionali. I brani li fanno respirare nel presente, con un equilibrio bello tra ironia e delicatezza, tra racconto e interpretazione. E così l’omaggio diventa un abbraccio a nomi che hanno segnato generazioni: Domenico Modugno, Lucio Dalla, Gino Paoli, Franco Califano, Antonello Venditti, Vasco Rossi, Francesco Guccini: è riconoscersi, ancora una volta, dentro parole che sembrano scritte per noi anche se le abbiamo ascoltate mille volte.

E poi c’è la parte visiva: immagini, filmati, interviste, frammenti che arrivano come lampi e aprono una finestra su un’epoca, su un volto, su un dettaglio dimenticato. A volte basta un fotogramma, una frase detta piano, un accordo che parte al momento giusto… e ti ritrovi con un nodo in gola e un sorriso che arriva prima di te.

La cosa più bella è vedere come queste canzoni creino una piccola comunità, anche solo per un’ora: qualcuno canticchia, qualcuno resta in silenzio, qualcuno si guarda intorno come per dire “anche tu la sai, vero?”. E lì capisci che certi brani non appartengono a un’età precisa: appartengono ai momenti. A quando ci siamo innamorati, a quando ci siamo rialzati, a quando avevamo bisogno di una frase che ci facesse compagnia.

“Gli indimenticabili” è un tributo alle canzoni italiane che abbracciano intere generazioni: quelle che ti hanno cresciuto, quelle che ti hanno salvato in silenzio, quelle che ti riportano immediatamente dalla stessa parte di chi ami.

Se vi va di emozionarvi sul serio, portate qualcuno a cui volete bene: vi ritroverete a ridere, a cantare sottovoce e, senza accorgervene, a fare spazio dentro. E uscirete con una canzone in testa e qualcuno nel cuore: “sempre e per sempre dalla stessa parte mi troverai”.

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Si apre con un calendario fitto di appuntamenti la stagione primaverile della compositrice Ada Gentile, protagonista di una serie di esecuzioni e presenze istituzionali in Italia e all’estero

Dopo il successo del concerto del 19 marzo a Sofia, dove il Duo Alterno ha eseguito La giornata di Betty Boop presso l’Accademia di Musica, prosegue il fitto calendario di impegni della compositrice Ada Gentile, tra Italia ed Europa.

Il percorso continua ad Alessandria, nell’ambito della rassegna “Scamo” del Conservatorio Vivaldi, con quattro appuntamenti che restituiscono la varietà della sua scrittura: Quick Moments (24 aprile), con Bishal Nigra al flauto e Simone Sgariboldi alla chitarra; Perviolinosolo (7 maggio), interpretato da Enrico Lucchetti; Un suono lontano (26 maggio), affidato a un ensemble locale; e La giornata di Betty Boop (17 giugno), proposta dal duo Alessandro Premoli e Lucia Caballero.

Accanto all’attività compositiva, Gentile sarà a Grosseto il 2 e 3 maggio in qualità di Presidente della Giuria Internazionale della prima edizione del Concorso di Composizione “Pinuccia Marzocchi”, consolidando il proprio ruolo anche sul piano istituzionale.

Il calendario si estende fino al 14 maggio, quando alla Florianka Concert Hall di Cracovia il Metropolis Piano Quartet eseguirà Serene ombre nell’ambito del Krakow International Festival of Composers.

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Con la scomparsa di Paoli si chiude definitivamente la stagione più fertile e rivoluzionaria della cultura italiana. Dopo De André, Tenco, Lauzi e Bindi, l’ultimo testimone di quei carruggi che hanno reinventato il sentimento nazionale ha posato la penna. Paoli non ha scritto semplici canzoni; ha inventato un modo di stare al mondo. Ha preso l’amore e lo ha spogliato della retorica sanremese dell’epoca, portandolo dentro stanze dalle pareti viola, trasformando il quotidiano in una liturgia laica.

Il suo firmamento privato ha brillato di stelle accecanti. C’è un destino poetico nel vederlo uscire di scena a pochi mesi dalla scomparsa di Ornella Vanoni, la compagna d’arte e di vita con cui ha costruito l’immortale “Senza fine”. Ma il cuore di Paoli ha battuto anche al ritmo di una bellezza giovanissima e dirompente: quella di Stefania Sandrelli. È a lei, alla freschezza dei suoi quindici anni e alla pelle bagnata dal mare, che dobbiamo “Sapore di sale”. Un amore scandaloso per l’epoca, vissuto controvento, che ha saputo cristallizzare l’estate italiana in un’emozione eterna. Senza Stefania, quel sale non avrebbe avuto lo stesso sapore di giovinezza e di libertà che ancora oggi ci commuove.

Eppure, la dedica più profonda, quella che squarcia il velo del perbenismo, Gino l’ha riservata a un’altra figura: la prostituta di cui si innamorò. “L’unica donna che mi abbia mai veramente amato”, diceva con quella sua ironia amara e lucida. In quel riconoscimento c’era tutta la sua filosofia: il rifiuto del giudizio morale, la vicinanza agli ultimi e la ricerca di un amore nudo, privo di sovrastrutture e di maschere borghesi. Tra la sabbia di una spiaggia e il marciapiede di una periferia, Paoli ha cercato la stessa cosa: l’essenza dell’uomo.

Paoli è stato l’uomo degli opposti: ruvido e dolcissimo, politico e intimo, schivo eppure onnipresente. Ha sparato a se stesso nel 1963 e da allora ha vissuto con la morte in tasca, usandola come lente d’ingrandimento per apprezzare meglio il “sapore di sale”. Non ha mai cercato di piacere a tutti.

Ha detto verità scomode, ha vissuto amori scandalosi, ha mantenuto una coerenza feroce con la propria anarchia interiore.

In un’epoca di musica costruita a tavolino, la sua voce graffiata e stanca ci ricordava che l’autenticità ha un prezzo. Ci lascia mentre l’Italia sembra aver perso la capacità di guardare in alto. Ma le sue note restano lì: ogni volta che un ragazzo si sentirà solo in una stanza o che un vecchio guarderà il mare con malinconia, Gino Paoli sarà lì a spiegare che quel vuoto non è un buio, ma uno spazio da riempire con la bellezza.

Addio, Gino. Il soffitto non c’è più, ora hai tutto il cielo per te.

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Uscito il19 marzo 2026 su tutte le piattaforme digitali “ELEGANCE CLASSIC”, il nuovo album della musicista e compositrice M° Sylvia Pagni. È un lavoro estremamente versatile che non dimentica l’importanza e il fascino della grande musica classica. Questo progetto discografico, pubblicato con edizione RTI – Mediaset, alterna capolavori della tradizione – come quelli di Frédéric Chopin, Wolfgang Amadeus Mozart, Amilcare Ponchielli e Nikolaj Rimskij-Korsakov – a rielaborazioni personali dell’artista. Non mancano inoltre brani di composizione originale firmati da Sylvia Pagni.

Nel disco Sylvia Pagni si alterna tra pianoforte e fisarmonica, due strumenti che dialogano tra loro creando atmosfere eleganti, suggestive e ricche di sfumature musicali. In alcuni brani l’artista ha inoltre voluto inserire arrangiamenti rock e jazz, con l’intento di avvicinare anche le nuove generazioni a tale repertorio e rendere questa musica eterna ancora più attuale e contemporanea.

Particolarmente significativa è l’interpretazione de “La Danza delle Ore” di Amilcare Ponchielli, nella quale Sylvia Pagni utilizza la fisarmonica MIDI. Questa particolare tipologia di strumento consente l’esecuzione della fisarmonica in dialogo con una vera orchestra sinfonica, ampliando enormemente le possibilità timbriche ed espressive. Con la sua maestria interpretativa, la Pagni offre così una versione ricca di colori orchestrali, capace di esaltare e allo stesso tempo rinnovare uno dei più celebri capolavori del repertorio classico.

In questa opera discografica la musicista si è avvalsa della collaborazione di grandi musicisti, tra cui Fabio Tucci alle percussioni e Olena Lib al violino, che ha capitanato la sezione archi. Gli arrangiamenti sono esclusivi del M° Sylvia Pagni, elemento che conferisce all’intero progetto un’identità artistica originale e riconoscibile. L’opera discografica è stata realizzata da Sylvia Pagni anche in onore di suo padre, il musicista M° Giuseppe Pagni, e dedicata simbolicamente a tutti i papà.

Un ricordo particolarmente caro accompagna questo progetto: Sylvia Pagni racconta di quando, da bambina, passando con il padre nelle vicinanze di Cologno Monzese, rimaneva affascinata dall’imponente antenna a torre di Mediaset. Suo padre le diceva: “Questa è il faro di una grande famiglia”. E già allora nasceva in lei il desiderio profondo di farne parte, un sogno realizzato con molta fatica e dedizione per la sua musica.

Un ringraziamento speciale va ai co-autori Loris Cattunar ed Elisa Riccitelli, che hanno sostenuto Sylvia Pagni nella realizzazione di questa opera discografica, contribuendo con passione e sensibilità artistica alla sua nascita. Un sentito ringraziamento anche alla sezione musica di RTI – Mediaset, che ha creduto nel progetto musicale, sostenendone la realizzazione e contribuendo alla sua diffusione.

ELEGANCE CLASSIC si presenta così come un viaggio musicale raffinato e innovativo, in cui la tradizione incontra nuove sonorità, offrendo all’ascoltatore interpretazioni eleganti, abbellimenti sorprendenti e una visione contemporanea dei grandi capolavori della musica.

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Tutto pronto per il tour di Andrea Sabatino, fra i più talentuosi trombettisti jazz e compositori italiani della sua generazione, che presenterà dal vivo il suo nuovo disco intitolato Fatata a partire da martedì 24 marzo presso l’Aion di Moroder (Tenuta Moroder), concerto inserito nel cartellone del prestigioso festival Ancona Jazz 2026 diretto da Giancarlo Di Napoli. Poi si proseguirà il 25 al Panic Jazz Club di Marostica (provincia di Vicenza), il 26 al jazz club La Piazzetta di Recoaro Terme (provincia di Vicenza), venerdì 27 al Duke Jazz Club di Bari e in chiusura, sabato, presso lo Spazio Arena di Avellino. La presentazione di questo album vedrà protagonisti gli eccellenti Claudio Filippini (pianoforte e tastiere), Antonio De Luise (basso) e Dario Congedo (batteria) al fianco del leader Sabatino.

Consegnata alle stampe dall’etichetta indipendente Encore Music, disponibile in formato fisico e sulle piattaforme digitali a partire da sabato 17 gennaio, coprodotta da Roberto Passaro, “Fatata” è la nuova opera discografica del jazzista Andrea Sabatino, accompagnato in questo lavoro da una sezione ritmica di assoluto valore: Claudio Filippini (pianoforte e tastiere), Antonio De Luise (basso) e Dario Congedo (batteria). A impreziosire il disco, tre valenti partner artistici che figurano in qualità di ospiti: Badrya Razem (voce in Life), Francesco Mariozzi (violoncello in I Remember Ludwig) e il rapper Done (in Fafa).

La tracklist del CD comprende dodici brani, di cui otto sono originali figli dell’ispirata vena compositiva di Sabatino (Hub, 10.10.10, For Avishai, Tatta, I Remember Ludwig, Fafa, South e Road to Nazareth), mentre Starmaker (Lou Marini), Life (Desirée Annette Weeks) e Fatata (Andrea Sabatino – Claudio Filippini) completano la set list.

Concepito in solco contemporary jazz, in cui confluiscono varie declinazioni stilistiche che spaziano dal jazz moderno alla musica mediterranea, dal funk a echi di musica colta, dove l’utilizzo dell’elettronica rappresenta un vero e proprio valore aggiunto per caratterizzare il sound di gruppo, “Fatata” è un progetto estremamente interessante che proietta Andrea Sabatino verso l’esplorazione di territori sonori e stilistici molto differenti rispetto all’ambito del jazz più tradizionale che il musicista salentino ha frequentato abitualmente negli ultimi anni della sua carriera. “Fatata” rappresenta un concreto punto di svolta nel percorso artistico del jazzista pugliese, che crea una sapida commistione di groove, travolgente energia comunicativa, innovazione e profonda ricerca melodica, armonica, ritmica e timbrica.

L’artista descrive così la gestazione e il mood di questa sua nuova creatura: «Fatata è il disco della mia vita. Per me ha un valore ancora più importante in quanto è dedicato alle mie tre splendide figlie. In questo lavoro ho cercato di uscire dai canoni del jazz più legato alla tradizione per virare verso paesaggi sonori diversi, fra colorazioni mediterranee, contaminazioni con generi come il rap, il funk, il pop internazionale e pennellate di musica classica. Ciò che desidero esprimere è far ascoltare la mia musica attraverso la mia “voce”, con un’identità artistica riconoscibile».

A rendere “Fatata” ancor più prezioso ci pensa Paolo Fresu, eccellenza della tromba jazz italiana in ambito internazionale, che nelle note di copertina scrive: «Un ottimo lavoro pieno di bella musica, di idee, di visione e di passione. Vi si percepisce un bisogno di indagine e di cambiamento».

Un tour in cui il quartetto alla testa di Andrea Sabatino saprà coinvolgere e travolgere il pubblico a suon di vibrazioni dall’alto tasso emozionale.

Biografia 

Trombettista, flicornista e compositore ispirato, eccellente conoscitore della grammatica jazzistica propriamente bebop e hard-bop, ma sempre orientato con lo sguardo e con le orecchie tese verso mondi sonori e stilistici anche diversi dalla tradizione legata al jazz, Andrea Sabatino è un autentico talento della tromba. Il calore del suo suono, la fluidità di fraseggio, la creatività delle sue linee melodiche improvvisate, il tutto arricchito da una verace musicalità, generosità comunicativa ed eleganza espressiva, lo rendono un jazzista particolarmente stimato a livello nazionale. Grazie alle sue doti artistiche e umane stringe collaborazioni degne di nota al fianco di musicisti blasonati sulla scena italiana e internazionale come Dee Dee Bridgewater, Mario Biondi, Mario Rosini, Fabrizio Bosso, Rosario Giuliani, Daniele Scannapieco, Marco Tamburini, Paolo Fresu, Javier Girotto, Fabio Zeppetella, Roberto Gatto, Simona Molinari, Raphael Gualazzi, Pietro Lussu, Aldo Vigorito, Enzo Zirilli, Andrea Rea, Alberto Gurrisi, solo per elencarne alcuni.

PER INFO:

https://anconajazz.com/

https://panicjazzclub.com/ – https://www.facebook.com/panicjazz?locale=it_IT

https://www.facebook.com/LaPiazzettaRecoaro?locale=it_IT

https://www.facebook.com/dukejazzclub?locale=it_IT

https://www.facebook.com/profile.php?id=61570309891702&locale=it_IT

https://www.andreasabatino.it/

https://www.youtube.com/channel/UCC-yJO7qqIqJnWnbWazYn3w

https://www.facebook.com/andrea.sabatino.1238?locale=it_IT

https://www.instagram.com/andrea_sabatino_official/

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