Consegnato alle stampe dall’etichetta indipendente Wow Records, disponibile in formato fisico e sulle piattaforme digitali da venerdì 6 novembre, Peaks è la nuova realizzazione discografica del brillante chitarrista jazz e compositore Galliano Prosperi, alla testa della sua formazione Galliano Prosperi Rara Jazz Quintet, completata da quattro valenti partner: Stefano Di Grigoli (sax soprano e sax tenore), Arturo Valiante (pianoforte), Daniele Basirico (violoncello, basso e contrabbasso) e Carlo Bordini (batteria).

Il CD prevede dieci brani, di cui otto originali frutto della creatività compositiva del chitarrista, mentre Il diavolo e l’angelo (Daniel Bacalov, arrangiamento di Galliano Prosperi) e Golden Hours (Carlos Santana, arrangiamento di Galliano Prosperi) completano la tracklist.

La peculiarità di questo album è il lirismo delle composizioni con un sound che funge quasi da guida all’ascolto, in cui i brani ti conducono dall’inizio alla fine. Galliano Prosperi ha fatto una scelta ardita per quello che riguarda il repertorio, ma questo aumenta il livello di qualità del lavoro, importante per tutti coloro che vogliono (ri)scoprire come il jazz possa rinnovarsi senza mai accantonare le proprie radici.

Il leader del quintetto descrive i tratti distintivi del disco: «L’idea di questo progetto è nata attraverso i lavori di varie discipline: teatro, cinema, danza, documentari e nuovi brani, melodie composte durante la realizzazione di tali opere esibite in varie parti del mondo e in Italia nell’arco di circa quarant’anni, trasformandole poi in una forma più vicina al jazz. Questo è dovuto alla mia crescita musicale che spazia in vari ambiti non prettamente jazzistici e alla fortuna di aver collaborato con validissimi registi di fama internazionale di teatro, cinema e televisione, tra i quali Gianfranco Fiore, Davide Ferrario, Donatello Alunni Pierucci per il cinema, Giorgio Barberio Corsetti, Enzo Avolio, Alberto Patelli, Giselda Mazzantini per il teatro, Adriana Borriello per la danza e il WWF per i documentari. Non a caso sono stato affiancato per la realizzazione di Peaks da altri quattro validi musicisti particolarmente eclettici: Stefano Di Grigoli, Arturo Valiante, Daniele Basirico e Carlo Bordini».

Biografia Galliano Prosperi

Chitarrista, compositore e arrangiatore raffinato, poliedrico, è attivo da oltre cinquant’anni. Diplomato in chitarra classica, esordisce nel jazz collaborando con importanti formazioni, tra cui l’orchestra Federico 2° diretta dal maestro Enrico Pieranunzi e Marco Tiso. È stato finalista al Premio Massimo Urbani e al Barga Jazz Festival. Ha composto le musiche per il film Blu Cobalto, vincitore del nastro d’argento come opera prima, La fine della notte, Incidente di percorso e non solo. Compone musica per il teatro, (tra cui la compagnia di Giorgio Barberio Corsetti), La condanna, con l’attrice e regista Giselda Mazzantini, con l’attore e regista e noto doppiatore Enzo Avolio, con il regista e attore Alberto Patelli, con l’attrice e cantante Lorena Proietti e per la danza contemporanea con Adriana Borriello. Ha collaborato con il premio oscar Luis Bacalov, come turnista, in varie colonne sonore. Ha inciso diversi dischi a suo nome e per altri musicisti. Didatta di chitarra jazz, rock, blues e classica, è stato docente di seminari all’accademia internazionale di Roma. Ha seguito seminari di Siena Jazz e Umbria Jazz, il corso di nuova didattica della composizione con Boris Porena e di arrangiamento per orchestra con Marco Tiso.

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Da Tenco a Battisti e De André, la canzone d’autore custodisce la memoria dell’Italia e intreccia musica, poesia, luoghi e cinema. Un patrimonio da tutelare e far conoscere alle nuove generazioni, anche attraverso la scuola

di Pierfranco Bruni 

Il patrimonio musicale è sempre espressione di civiltà all’interno di un contesto quale può essere la cultura popolare.

La cultura popolare trova proprio nella musica e nella canzone cosiddetta d’autore un modello di raccordo con la storia, con la tradizione, con la letteratura. Ci sono stati cantautori che hanno manifestato, attraverso i loro testi, un percorso di identità e di cultura.

Tre elementi fondamentali si enucleano nei processi musicali che hanno caratterizzato la canzone d’autore. Mi riferisco alla parola come espressione ed esperienza lirica, alla musica come dettato fondamentale esercitato dalle note, all’immagine come metafora di una proiezione visiva data dall’accordo tra la parola e la musica stessa.

Parola, musica e immagine costituiscono un vero e proprio modello progettuale che ha trovato nei cantautori italiani degli anni Sessanta e Settanta, e mi riferisco in particolare a Luigi Tenco, a Lucio Battisti e a Fabrizio De André, dei riferimenti fondamentali.

Sono patrimonio culturale di una testimonianza che raccorda la parola alla musica in uno spaccato la cui cultura popolare diventa anche interpretazione di una memoria e di un tempo che hanno attraversato la nostra storia contemporanea.

La canzone d’autore è senza alcun dubbio un patrimonio culturale da tutelare, valorizzare e promuovere in un’ottica anche educativa rivolta verso le nuove generazioni. Promuovere la conoscenza di questa cultura significa rimarcare quei processi identitari che hanno caratterizzato un passaggio generazionale.

I testi di questi autori sono anche il racconto di quell’Italia che si trovava a vivere gli anni Cinquanta e gli anni successivi in modo disorientante e proprio attraverso un atto creativo, qual è la canzone dei cantautori, si è rappresentato un modo di essere e un modo di esistenza attraverso codici etici ed estetici.

Nella canzone d’autore ci sono almeno tre percorsi tematici che andrebbero esplorati.

A) I rimandi letterari.
B) I luoghi presenti nei testi, una geografia che diventa anche esigenza esistenziale di raccontare i luoghi.
C) Il rapporto con il cinema, ovvero le colonne sonore che hanno siglato molti sceneggiati e molti film, che è un fatto nuovo perché si stabilisce un dialogo non solo sul piano delle immagini ma anche in termini musicali.

La canzone come testimonianza e quindi come prodotto culturale grazie anche a un’intelaiatura con le altre arti. Credo che sia importante poter stabilire un rapporto con la letteratura e con il cinema oltre alla sua autonoma forza che emana un vissuto lirico e musicale.

I luoghi nella canzone d’autore potrebbero costituire una chiave di lettura delle città, dei paesaggi, del mare, delle campagne. Quante città sono state immortalate nella canzone. Quanta Italia, con le sue immagini e la sua storia, c’è nel rapporto tra parola e musica. Sarebbe un percorso di estremo interesse perché dentro le parole coronate dalla musica e viceversa vive un patrimonio di cultura. Un patrimonio che va rivalutato.

Così pure il dialogo, che non è possibile interrompere, tra la poesia e la musica. I cosiddetti rimandi sono traiettorie che non possono essere trascurate. Le colonne sonore. Penso a un solo esempio: a una serie del Commissario Maigret, incarnato in modo particolare da Gino Cervi, che aveva come sigla una delle canzoni più belle di Luigi Tenco. Ebbene, credo che mettere insieme queste realtà culturali in un unico percorso e offrire una mappa articolata sul piano tematico servirebbe a rileggere la cultura riferita proprio agli anni Sessanta e Settanta.

La canzone d’autore è una ricchezza importante da tutelare e ha capacità di aggregare altri modelli culturali. Il cinema, la letteratura, la musica.

Sembrano tre tappe ma hanno un unico obiettivo affidabile, chiaramente, al concetto di bene e attività culturale: quello della conoscenza, della valorizzazione di queste forme dell’espressività, della promozione per la diffusione, anche nelle scuole, di una proposta culturale che, sempre più, si incardina in quell’asse tra identità, storia e realtà.

Soprattutto se si fa riferimento e si parte da tre autori, citati prima, già consolidati, Tenco 1938-1967, Battisti 1943-1998, De André 1940-1999, nella storia della canzone e quindi dei linguaggi musicali, i temi e le suggestioni possono trovare una loro maggiore solidità perché ci si trova di fronte a materiali non in itinere ma storicamente leggibili. Ma il discorso delle presenze è, certamente, più ampio.

Un progetto, dunque, che ha una sua finalità precisa ed è quella di inserire nel circuito del patrimonio culturale la canzone d’autore perché credo che possa costituire un approccio utile e importante per capire di più l’identità di una comunità.

In fondo la valenza creativa degli artisti non può non confrontarsi con i modelli che propone una società. La civiltà dei linguaggi è dentro quell’esperienza creativa che realizza costantemente processi culturali.

Ecco perché è necessario valorizzare e promuovere la conoscenza di questi elementi culturali che sono e restano parte integrante della manifestazione identitaria di un popolo.

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Ci sono premi che raccontano un successo individuale e premi che, invece, alzano il velo su un intero ecosistema che funziona. Il Premio Speciale conferito ad Anna La Croce al Mendicino Corto 2026 – il Festival Internazionale del Cinema che l’ha insignita del riconoscimento per aver contribuito in questi anni alla crescita socio-culturale ed artistica della manifestazione – appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Perché dietro il volto di una giovane cantautrice, performer e attrice capace di collezionare traguardi a ritmo serrato, c’è una storia che merita di essere raccontata oltre i confini del singolo palcoscenico: quella di un modello educativo dove la formazione tecnica e l’espressione artistica smettono di farsi la guerra e decidono di allearsi.

Il punto di giunzione di questa parabola è l’ITC XXIV Maggio 1915 di Trappitello–Taormina, un istituto paritario ad indirizzo Amministrazione, Finanza e Marketing che ha abbattuto un pregiudizio solido, quello secondo cui una scuola a vocazione economica debba per forza essere un luogo arido per la creatività. È tra queste aule che nasce e si sviluppa Artista per Passione, il progetto extrascolastico promosso dall’istituto e guidato dal Preside Salvatore Loria con l’intero staff dirigenziale. L’obiettivo non è semplicemente allestire il saggio di fine anno o incoraggiare un hobby nel tempo libero. La visione è molto più profonda, quasi politica nel senso più nobile del termine: fornire ai ragazzi uno strumento per riconoscere il proprio valore, prendere consapevolezza dei propri mezzi, costruire un’identità e farne un pilastro di crescita personale e professionale.

La storia di Anna La Croce è forse la testimonianza più nitida dell’efficacia di questa filosofia. Il suo legame con l’ITC XXIV Maggio 1915 non è una parentesi passata, ma un filo continuo che si srotola nel tempo, partendo dal percorso da studentessa culminato con il diploma di 100/100, prima di spiccare il volo verso la laurea in Didattica della Musica al Conservatorio Arcangelo Corelli di Messina conseguita a soli 18 anni con 110. Un legame che ha assunto una veste formale sempre più solida: già dallo scorso anno, infatti, Anna è diventata direttore esecutivo del progetto Artista per Passione, ricoprendo al contempo il ruolo di docente del Laboratorio di Didattica Musicale interno alla scuola. In questo corto circuito virtuoso, chi si è formato tra quei banchi torna a guidare il progetto e a insegnare che la disciplina dello studio e la libertà del codice artistico non sono ossimori, ma due facce della stessa medaglia.

La motivazione del Premio Mendicino Corto 2026 accende i riflettori proprio su questo impegno sotterraneo ma costante. Promuovere l’arte come leva di riscatto socio-culturale significa non lasciare soli i giovani nell’esplorazione dei propri talenti. Quando un istituto scolastico sceglie di investire sulla creatività e lo fa stringendo un patto di ferro con il territorio, i risultati smettono di essere casi isolati per diventare metodo. Il riconoscimento ottenuto al Festival Internazionale del Cinema di Mendicino è la conferma che la strada tracciata da Taormina è quella giusta: usare la cultura non per esibirsi, ma per creare opportunità concrete, seminare fiducia e dimostrare alle nuove generazioni che credere nelle proprie capacità è l’unico modo per iniziare a cambiare le cose.

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Reduce da un tour in Giappone, il noto sassofonista jazz e compositore Max Ionata (ri)tornerà sulla scena questa volta in Svezia, alla testa del suo quartetto Max Ionata Special Edition, per presentare la nuova creatura discografica intitolata Tivoli (Mingus Records). Dal 2 al 7 novembre, il musicista di origine abruzzese sarà impegnato a Sundsvall, Östersund, Härnösand, Örnsköldsvik e Uppsala al fianco di tre nomi altisonanti del jazz nordeuropeo con i quali ha registrato l’album: Martin Sjöstedt (pianoforte), Jesper Bodilsen (contrabbasso) e Martin Maretti Andersen (batteria).

Il disco, disponibile su tutte le piattaforme digitali e in copia fisica da venerdì 12 dicembre 2025, il cui leader Max Ionata è uno fra i sassofonisti jazz italiani più acclamati degli ultimi vent’anni, anche sui palchi internazionali, consta di otto brani: tre originali figli della sensibilità compositiva di Ionata (Tivoli, Naru’s Waltz e Mr. GT), Det Iysner scaturito dall’estro di Bodilsen, mentre Canción para Sara (Sergio Ruben Aranda), Consolation (Kenny Wheeler), Everything I Love (Cole Porter) e When We Were One (Johnny Griffin) completano la tracklist.

“Tivoli” è un lavoro profondamente rispettoso della tradizione jazzistica, ma al tempo stesso improntato su un sapido mélange che unisce la toccante vena melodica, armonica e l’alto senso estetico dai tratti poetici, tipico della scena jazz scandinava, alla creatività e al fervore espressivo che caratterizza i grandi jazzisti italiani come l’autore del progetto. Il tutto arricchito da un sound avvolgente, che emana calore umano.

Max Ionata descrive così la genesi e i tratti distintivi di questa sua nuova creatura: «Tivoli è nato come una fotografia sonora di un periodo particolarmente intenso della mia vita. In Scandinavia ho trovato una luce diversa, un respiro nuovo, e ho sentito il bisogno di trasformare quelle sensazioni in musica. Il disco mette in dialogo ciò che per me è casa: la tradizione jazzistica di brani come Everything I Love di Cole Porter con la dimensione più lirica e sospesa di Kenny Wheeler, che da sempre ispira il mio modo di raccontare le emozioni attraverso il sax. Questo viaggio musicale arriva fino all’Argentina con Canción para Sara di Sergio Ruben Aranda, un brano dalla grande dolcezza che mi ha toccato profondamente. L’incontro con i musicisti scandinavi (Martin Sjöstedt, Jesper Bodilsen e Martin Maretti Andersen, ndr) ha aggiunto una trasparenza e una profondità nuove al mio suono. Tivoli è tutto questo: un cammino fatto di colori, memorie e scoperte, che ora prende forma in un album che desidero condividere con chi vorrà ascoltarlo».

Biografia Max Ionata

Profondo conoscitore della tradizione e della grammatica jazzistica, in particolare del bebop e dell’hard-bop, dal fraseggio sopraffino, dalla musicalità ricca e sorgiva, dal suono coinvolgente e avvolgente, Max Ionata è uno fra i più grandi sassofonisti italiani degli ultimi vent’anni, stimato e riconosciuto in ambito internazionale. Grazie al suo fulgido talento, nell’arco della sua carriera ha stretto collaborazioni assai significative con numerosi jazzisti (e non solo) di rango nazionale e mondiale come Reuben Rogers, Clarence Penn, Lenny White, Billy Hart, Alvin Queen, Joe Locke, Steve Grossman, Mike Stern, Bob Mintzer, Bob Franceschini, Joel Frahm, Anthony Pinciotti, Ali Jackson, Dino Piana, Roberto Gatto, Dado Moroni, Stefano Di Battista, Gegè Telesforo, Giovanni Tommaso, Flavio Boltro, Furio Di Castri, Fabrizio Bosso, Enrico Pieranunzi, Mario Biondi, Ornella Vanoni, Sergio Cammariere, Renzo Arbore, Nino Buonocore, solo per menzionarne alcuni. Fuori dai confini nazionali ha sempre riscosso un eccellente successo di pubblico e critica in Paesi come Giappone, Cina, Olanda, Inghilterra, Francia, Polonia, Spagna, Portogallo, Serbia, Svizzera, Danimarca, Svezia, Germania, Emirati Arabi Uniti, Kuwait, Perù, Stati Uniti. Per quello che concerne l’ambito discografico è presente in più di cento pubblicazioni, di cui diciassette in qualità di leader. Fra i vari premi vinti da Max Ionata nel corso del suo cammino artistico spiccano il “Massimo Urbani” e i numerosi Jazzit Awards come “Miglior Sassofonista Tenore Italiano”. Didatta molto stimato, insegna “Tecniche di Improvvisazione Jazz” al conservatorio “Cesare Pollini” di Padova. Inoltre, tanti giovani sassofonisti jazz, italiani e stranieri, trascrivono i suoi “soli” traendo ispirazione dal suo fraseggio e dalle sue linee melodiche improvvisate.

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Pubblicato dall’etichetta indipendente Wow Records, disponibile in formato fisico e sulle piattaforme digitali da giovedì 29 ottobre, Strange Smile è il nuovo capitolo discografico del Reunion Trio formato da Giovanni Benvenuti (sax tenore), Francesco Pierotti (contrabbasso) e Fabio D’Isanto (batteria).

Nel CD sono presenti sette brani appartenenti alla tradizione jazzistica (eccezion fatta per Dear Old Stockholm) riletti con un piglio moderno e con un’identità stilistica personale e ben definita. Lee Morgan, Bill Frisell, Cole Porter, Charlie Parker e John Coltrane sono i principali e leggendari compositori omaggiati nel progetto. Questa formazione pianoless, nata dopo dieci anni di amicizia e collaborazione artistica, si muove agilmente nel segno di un interplay energico e ispirato dal jazz e dal funk. L’intenzione di Benvenuti, Pierotti e D’Isanto è quella di sperimentare e andare alla ricerca di un suono personale, “giocando” con una musica che lascia sempre diversi spiragli per dar sfogo alla propria inventiva e alla propria imprevedibilità.

Benvenuti, Pierotti e D’Isanto descrivono così la genesi e le peculiarità di questo lavoro: «Strange Smile è un viaggio attraverso la storia del jazz, dove la tradizione e la contemporaneità si compenetrano: il passato influenza il presente e il presente rielabora il passato. Il titolo nasce dall’unione del brano più antico e più recente dell’album, a significare la rilettura del materiale di partenza che si rende plastico nelle note arrangiate dai tre musicisti, in una democrazia musicale in cui ogni strumento è sia solista che parte del tutto. Infine la parola Smile, anagramma di Miles, è un omaggio a uno dei musicisti che più ha fatto della voce personale il suo cavallo di battaglia: Miles Davis, di cui nell’anno della registrazione del disco si festeggia il centenario».

Biografia Reunion Trio

Giovanni Benvenuti, Francesco Pierotti e Fabio D’Isanto sono tre jazzisti di vero talento non solo accomunati dalla stessa visione musicale, ma legati anche da una sincera amicizia decennale. Il loro primo album, intitolato I Thought About You, è stato selezionato fra i 100 migliori dischi del 2025 dalla rivista Jazzit. Profondi conoscitori della tradizione jazzistica, ma sempre di larghe vedute e orientati con lo sguardo e le orecchie tese verso la modernità e l’innovazione, il sassofonista, il contrabbassista e il batterista si contraddistinguono sia per un’ottima padronanza strumentale che per un costante spirito di ricerca volto al raggiungimento di un’identità stilistica riconoscibile e particolarmente interessante.

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Tacchi a spillo e pianoforte

VERONIQUE VANHOUCKE

Ad Ascoli per l’anteprima nazionale di Sonora Imago

Anteprima nazionale per “Sonora Imago – Omaggio a Bill Viola”. La pianista “ribelle”, insieme alla soprano e performer Silvia Pepe e al regista Francesco Leprino, trasforma il concerto in una performance di musica, corpo e immagini. Un evento internazionale nel cuore di “Nuovi Spazi Musicali”.

Veronique Vanhoucke

Prima i tacchi a spillo. Poi il silenzio. Infine le mani che entrano nel pianoforte, ne sfiorano le corde e trasformano il suono in materia. VERONIQUE VANHOUCKE arriva ad Ascoli Piceno con una performance destinata a lasciare il segno: elegante, sensuale, sofisticata e radicalmente contemporanea.

Protagonista, insieme a Silvia Pepe, dell’anteprima nazionale di “Sonora Imago – Omaggio a Bill Viola”, nel progetto ideato e diretto da Francesco Leprino, si esibirà venerdì 30 ottobre 2026 alle 20:30, nel foyer del Teatro Ventidio Basso.

M° Ada Gentile

In occasione dell’evento conclusivo della 47ª edizione del Festival “Nuovi Spazi Musicali” con la direzione artistica di Ada Gentile.

Pianista e performer belga di respiro internazionale, VANHOUCKE porta sul palco un’idea di musica che rompe deliberatamente le regole del concerto classico. Il pianoforte non è più soltanto uno strumento: diventa corpo, spazio, materia, gesto.

«Non ho mai avuto paura di esplorare i confini della forma tradizionale del concerto. Per me l’espressione musicale non si ferma alla tastiera: anche il corpo fa parte del modo in cui la musica viene vissuta e trasmessa.» racconta la musicista «Lavorando letteralmente all’interno del pianoforte e toccando le corde con le mie mani, vivo quella musica da dentro.»

Ed è proprio questa fisicità a rendere “Sonora Imago” un appuntamento fuori dagli schemi. In scena con VANHOUCKE, la soprano e performer Silvia Pepe; mentre Francesco Leprino, ideatore e regista, costruirà in diretta una dimensione visiva nella quale i corpi delle artiste vengono moltiplicati, deformati e trasformati dalle immagini. Un omaggio a Bill Viola, tra i massimi protagonisti della videoarte contemporanea, nel quale musica, corpo, immagine e movimento si fondono in un’unica drammaturgia.

Il programma

Il percorso musicale comprende, tra gli altri:

Roberta Vacca – Interludio I: studio sul metallo, su Victimae paschali laudes

Franz Liszt / Javier Torres Maldonado – Nuages gris

W. A. Mozart / Massimiliano Viel – Abendempfindung

George Crumb – Christina’s world, da Metamorphoses II

Robert Schumann – Mondnacht

Astor Piazzolla / P. Petrof – Otoño Porteño

Henry Purcell / Claudio Ambrosini – O solitude my sweetest choice

J. S. Bach / Ruggero Laganà – XV Variazione dalle Variazioni Goldberg

M. Di Bari – Sea’s widows

Claude Debussy / Carla Magnan – Empreintes dans la neige

Maurice Ravel / Silvia Pepe – Kaddish

Domenico Scarlatti / Gabriele Manca – Sonata K.208

Jay Gorney – You’re my thrill

A completare il progetto, gli interventi di Roberta Vacca, con studi sulle diverse materie – metallo, gomma, carta, legno, vetro – che contribuiscono a trasformare il pianoforte e il gesto musicale in una vera esperienza sensoriale. Il risultato è un live da guardare oltre che ascoltare. Circa 65 minuti nei quali la tradizione musicale viene proiettata nel presente e i gesti e i corpi delle due performer diventano parte stessa della composizione.

Una serata-evento a ingresso libero

“Sonora Imago” chiuderà la 47ª edizione di “Nuovi Spazi Musicali”, rassegna realizzata con il contributo del Comune di Ascoli, della Regione Marche, della Fondazione Carisap, di Banca Intesa Sanpaolo, del Nuovo Imaie e della Ditta Gabrielli, con il patrocinio della SIMC – Società Italiana Musica Contemporanea e del MAECI – Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale. Il concerto sarà ad ingresso libero e verrà registrato da Radio Cemat.

Un appuntamento che porta ad Ascoli Piceno una protagonista della scena internazionale e, per una sera, il pianoforte cambia pelle. Dietro quei tacchi a spillo che catturano lo sguardo, c’è un’artista capace di entrare letteralmente nello strumento per farne emergere una voce nuova: raffinata, sensuale, fisica e sorprendentemente contemporanea. Perché, nella visione di VERONIQUE VANHOUCKE, la musica non finisce quando il suono tace. È allora che comincia a risuonare nell’immaginazione.

Veronique Vanhoucke sarà poi al Teatro Gerolamo di Milano, con Silvia Pepe e Francesco Leprino per “Sonora Imago”, sabato 28 novembre alle ore 20:00 e domenica 29 novembre alle ore 16:00.

Per seguire Veronique Vanhoucke: https://linktr.ee/veroniquevanhouckepianist

Nuovi Spazi Musicali: http://www.nuovispazimusicali.it/

Via del Trivio, 33 – 63100 Ascoli Piceno (AP)

Ascoli Piceno, ottobre 2026

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Martedì 27 ottobre, al Teatro Ventidio Basso di Ascoli Piceno, il Trio Kobalt protagonista del quinto concerto del Festival Nuovi Spazi Musicali 2026, curato dalla compositrice Ada Gentile. In programma musiche di Mendelssohn, Martinů e della stessa Gentile. Ingresso libero

Martedì 27 ottobre, alle ore 20.30, il Foyer del Teatro Ventidio Basso di Ascoli Piceno ospiterà il quinto concerto del Festival Nuovi Spazi Musicali 2026, curato dalla compositrice Ada Gentile.

Protagonista della serata sarà il giovane Trio Kobalt, composto da Irenè Fiorito al violino, Lorenzo Guida al violoncello e Riccardo Ronda al pianoforte.

Formatosi nel 2021 presso il Conservatorio della Svizzera Italiana sotto la guida di Pavel Berman, il Trio Kobalt prosegue attualmente il proprio percorso di perfezionamento all’École Normale de Musique de Paris, dove approfondisce la propria formazione artistica con il celebre Trio Wanderer.

Il programma del concerto propone un interessante dialogo tra repertorio classico-romantico, musica del Novecento e composizione contemporanea. Saranno eseguiti il Trio n. 1 di Felix Mendelssohn, il Trio n. 2 di Bohuslav Martinů e Serene ombre, recente composizione di Ada Gentile.

Il concerto sarà introdotto dal professor Stefano Papetti, che accompagnerà il pubblico alla scoperta delle opere in programma.

L’ingresso è libero.

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Otto composizioni originali per il nuovo album pubblicato da Wow Records il 23 ottobre 2026. Un viaggio musicale tra tradizione afroamericana, sperimentazione ritmica e riflessione sulla contemporaneità

Da venerdì 23 ottobre 2026, disponibile in copia fisica e in formato digitale. La nuova creatura discografica dell’intraprendente batterista jazz e compositore Gianrico Manca, alla testa del suo quintetto Gianrico Manca Transition completato da quattro brillanti compagni di viaggio: Antonio Floris (chitarra), Jordan Corda (vibrafono), Vittorio Esposito (pianoforte) e Matteo Marongiu (contrabbasso).

Pubblicato dall’etichetta indipendente Wow Records, disponibile sulle piattaforme digitali e in formato fisico da venerdì 23 ottobre 2026, Diverge è la nuova creatura discografica dell’intraprendente batterista jazz e compositore Gianrico Manca, alla testa del suo quintetto Gianrico Manca Transition completato da quattro brillanti compagni di viaggio: Antonio Floris (chitarra), Jordan Corda (vibrafono), Vittorio Esposito (pianoforte) e Matteo Marongiu (contrabbasso).

La tracklist è formata da otto brani originali scaturiti dalla creatività compositiva del leader.

“Diverge” è un disco che rappresenta e valorizza l’estetica del jazz contemporaneo fra influenze della grande tradizione e della cultura afroamericana, in cui melodia, armonia e ritmo sono coerentemente in costante sospensione fra regolarità e irregolarità. Le composizioni nascono dall’ispirazione tratta dalla preziosa tradizione jazzistica, e non solo, comprendente varie influenze senza troppi confini: Charlie Parker, John Coltrane, J Dilla, Madlib, Georgia Anne Muldrow, Alice In Chains, Billy Strayhorn, Jackie McLean, Bobby Hutcherson, Wayne Shorter e Andrew Hill sono alcuni fra i leggendari musicisti che hanno ispirato Gianrico Manca.

Così, l’autore dell’album racconta la gestazione e descrive il mood: «Diverge nasce per celebrare lo stare bene insieme da dieci anni. Quando suoniamo viviamo in uno stato di eterna infanzia, perchè nel linguaggio e nella cultura del “so called jazz” troviamo lo strumento perfetto per prenderci rischi e, nel contempo, placare i nostri intimi demoni e l’angoscia del vivere una contemporaneità di violenza e ingiustizia sociale. Ciò che ha agitato la genesi e l’evoluzione di questo disco è tutto ciò che riguarda il popolo di Palestina e la sua resistenza, i dannati della terra e lo sfruttamento dell’uomo sull’uomo, la vita e la morte di questi tempi».

Biografia

Gianrico Manca Transition nasce nel 2016, proiettato interamente verso la ricerca armonica, sonora e poliritmica intesa come linguaggio unico. La band, capitanata dal batterista e compositore cagliaritano Gianrico Manca e attiva nei festival e club italiani, ha registrato il suo primo lavoro discografico, Rizoma, prodotto da S’Ard Music/Egea, pubblicato il 28 ottobre 2018 e presente in tutte le piattaforme ufficiali in rete. Diplomato in batteria jazz al conservatorio di Cagliari con il massimo dei voti, è docente di Musica d’insieme jazz e Big Band Jazz presso la Scuola Civica di Musica di Cagliari e ha collaborato con alcuni dei più importanti musicisti del panorama italiano e internazionale come Luca Mannutza, Andy Gravish, Alice Ricciardi, Pietro Lussu, Francesca Corrias, Emanuele Basentini, David Pastor, Freddie Hendrix, Matt Cooper, Stefano D’Anna, Lubos Soupak, Max Ionata, Enrico Bracco, Daniele Tittarelli, Daniele Scannapieco, Gabriel Marciano, Red Pellini, Francesco Lento, Tino Tracanna, Andrea Dulbecco, Paolo Recchia. È presente in numerose produzioni discografiche e festival italiani come Villa Celimontana, European Jazz Expo, Time In Jazz, Area M Milano, Dromos Festival, Cala Gonone Jazz, Festivalguer, Lucca Jazz Donna, Nuoro Jazz, Il Jazz Italiano per L’Aquila, La Nave dei Libri, Culturefestival, Marina Cafe Noir, Met Jazz Prato e internazionali tra Spagna, Inghilterra e Bulgaria. Manca è co-leader della band Roundella, con cui ha all’attivo due dischi per S’ardmusic/Egea e concerti in Italia e all’estero. Inoltre è direttore artistico del Premio Isio Saba per la Creatività e l’Innovazione nel Jazz, direttore artistico del Lab Growin’ Jazz (in scena al Jazzino di Cagliari) e della rassegna Jazz Alarm presso Radio X Social Club sempre a Cagliari.

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Cantautrice pugliese con una lunga esperienza nella musica italiana, Rita Zingariello costruisce il proprio percorso intorno a una scrittura d’autore capace di intrecciare sensibilità acustica, aperture jazz e attenzione alla parola. A mente scalza, disponibile dal 9 ottobre 2026 in vinile e sulle piattaforme digitali, è il suo nuovo album: un lavoro ampio composto da otto tracce, pubblicato da Red&Blue Music Relations e distribuito da ADA Music Italy e anticipato dal singolo Le balene di notte, in radio e online dal 2 ottobre. In questa intervista Rita Zingariello racconta la nascita del progetto, che mette al centro la necessità di spogliarsi dalle sovrastrutture e di ascoltare ciò che resta quando cadono le difese. Attraverso le sue parole emergono il valore della vulnerabilità, il confronto con il tempo, il peso dei pensieri e la possibilità di trasformare dubbi, cadute e memorie in materia musicale. Ne nasce un dialogo che attraversa la dimensione personale e quella artistica, restituendo l’immagine di un percorso fatto di ricerca, consapevolezza e fiducia.

“A mente scalza” evoca fin dal titolo un’idea di spogliazione, di nudità del pensiero. Da dove è nata l’esigenza di questo approccio e cosa significa per te, oggi, fare musica “senza filtri”?

Credo che a un certo punto si senta il bisogno di smettere di addomesticare quello che si è vissuto, di guardarlo per quello che è stato, senza cercare necessariamente di dargli una forma più rassicurante. A mente scalza nasce proprio da questa esigenza: togliere il rumore, le difese e le risposte già pronte, per tornare alle domande che contano davvero. In queste otto canzoni ci sono il tempo che passa, la paura, la fiducia, l’amore, le cadute e la necessità di lasciare andare. Fare musica senza filtri significa concedermi la libertà di attraversare queste dimensioni senza dover arrivare per forza a una conclusione. Non significa avere tutte le risposte, ma accettare anche ciò che resta irrisolto. Oggi sento che la sincerità è una forma di libertà: mi permette di riconoscermi nelle canzoni e di lasciare che chi le ascolta possa ritrovare, a sua volta, qualcosa della propria storia.

Il singolo “Le balene di notte” richiama immagini ed emozioni molto dense, legate al tempo e ai pensieri più profondi. Come si è sviluppato questo brano e in che modo sei riuscita a tradurre queste sensazioni così intime nella sua struttura musicale?

Le balene di notte nasce da una riflessione sul tempo che passa e sul modo in cui impariamo ad abitarlo. A poco più di quarant’anni mi sono ritrovata a guardare indietro, facendo i conti con ciò che non ho potuto cambiare e con il dubbio di quello che avrei potuto fare diversamente. I pensieri hanno assunto per me la forma di balene: presenze enormi e silenziose, che attraversano la nostra interiorità e che non possiamo trattenere, né governare. Anche nella costruzione musicale cercavo un modo per restituire questo senso di ingombro, qualcosa che si muove dentro di noi e che a volte diventa quasi impossibile da ignorare. Per questo, durante la registrazione, ho chiesto al coro di cantare un potente «bo bo bo bo bo» in diversi momenti del brano: volevo che quelle voci esprimessero il rumore dei pensieri che avevano dato origine al testo. Mi interessava creare un contrasto tra la profondità di queste riflessioni e una dimensione sonora capace di renderle quasi fisiche. È una canzone che non cerca di risolvere i dubbi, ma di riconoscerli e imparare a convivere con loro.

Il tema della fiducia ritorna in diversi momenti del disco, declinato in sfumature diverse — come il coraggio di ricominciare, l’accettazione dell’errore o il saper lasciar andare. Che posto occupa la fiducia nella tua vita e nel tuo modo di fare musica?

La fiducia, per me, ha molto a che fare con l’accettazione del fatto che non tutto può essere controllato. Spesso vorremmo conoscere in anticipo le conseguenze delle nostre scelte, evitare gli errori e proteggerci dalle delusioni, ma la vita non funziona così. Fidarsi significa anche accettare di essere vulnerabili, riconoscere che possiamo inciampare e che questo non ci impedisce di ricominciare. Nel disco è un tema che attraversa diverse esperienze e trova una sua espressione precisa anche nel brano Fidarsi, realizzato con Ferruccio Spinetti. Nella musica cerco di praticare questa stessa disposizione: seguire un’intuizione, lasciare che una canzone trovi la propria strada e accogliere ciò che emerge durante il processo creativo. Non sempre so dove mi porterà una composizione quando comincio a scriverla, e credo che ci sia qualcosa di prezioso proprio in questa incertezza. La fiducia è un esercizio quotidiano, forse mai del tutto compiuto. È la possibilità di lasciare andare qualcosa senza sapere esattamente cosa arriverà dopo, ma restando disponibili al cambiamento.

Per il video di “Le balene di notte” hai scelto un’estetica molto particolare, un universo artigianale che passa dal teatrino di carta alla realtà. Come si è sviluppato questo immaginario e quali aspetti del brano volevi far emergere attraverso queste immagini?

Il teatrino di carta è diventato il modo per dare una forma visiva al mio mondo interiore, a quei pensieri enormi e silenziosi che nella canzone ho chiamato balene. È un piccolo universo costruito, un luogo in cui l’immaginazione prova a mettere ordine in ciò che spesso sfugge al nostro controllo. Nel video navigo su una grande barca origami, attraversando le diverse fasi del giorno, dall’alba alla notte. Lungo il percorso compaiono figure antropomorfe stilizzate — un lupo, una scimmia, un fenicottero, un orso e un cervo — mentre le mani che piegano le barchette colorate richiamano il gesto artigianale del costruire e trasformare. Mi piaceva il contrasto tra i colori vivaci della scenografia e la dimensione intima e malinconica del racconto: a volte possiamo abitare mondi apparentemente luminosi continuando a portare dentro domande profonde. Il momento per me più significativo è il finale, quando la barca raggiunge la riva e io scendo per entrare in uno spazio reale. È come se si concludesse un processo interiore: non perché tutti i dubbi siano scomparsi, ma perché posso finalmente uscire da quel mondo e accogliere ciò che viene dopo.

La title track intreccia tanti elementi fondamentali della tua vita e del tuo percorso — dall’arte alla famiglia, dal tempo alla memoria. Guardando al disco nel suo insieme, che cosa speri che questo lavoro racconti di te oggi a chi lo ascolta?

Mi piacerebbe che questo disco raccontasse una persona che continua a cercare, a mettersi in discussione e a imparare da quello che vive. A mente scalza raccoglie molte dimensioni della mia esperienza: il rapporto con il tempo, gli affetti, la memoria, le fragilità e il desiderio di trovare un equilibrio senza rinunciare alle domande. La title track rappresenta un punto importante di questo percorso, perché riunisce elementi che appartengono alla mia vita e al modo in cui guardo al mondo. Musicalmente, il disco alterna una dimensione acustica, la scrittura d’autore e una sensibilità jazz, aprendosi anche all’incontro con musicisti come Ferruccio Spinetti, Ernesto Marciante e Fabrizio Bosso, oltre ai Flowing Chords e agli archi curati da Valter Sivilotti in Scivola. Sono incontri che arricchiscono il progetto, lasciando spazio a sensibilità differenti. Ma, al di là delle scelte musicali, spero che chi ascolta possa percepire soprattutto la necessità che lo ha generato: provare a stare dentro la vita senza volerla sempre correggere o controllare. Non vorrei consegnare un ritratto definitivo di me, ma condividere un momento del mio percorso. Se queste canzoni riusciranno a fare compagnia a qualcuno, a dare voce a un dubbio o a suggerire che anche da una caduta può nascere un nuovo inizio, allora avranno raggiunto qualcosa di importante.

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È online il bando per la selezione degli spettacoli da realizzare nel Sistema Musei di Roma Capitale durante la sedicesima edizione della manifestazione culturale cittadina. Il termine ultimo per la presentazione dei progetti è fissato alle ore 12.00 del 3 novembre 2026

Roma, 15 ottobre 2026 – Sabato 21 novembre torna l’annuale appuntamento con Musei in Musica, la storica manifestazione dell’autunno cittadino promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, con l’organizzazione di Zètema Progetto Cultura. Le cittadine e i cittadini potranno visitare i Musei Civici di Roma Capitale (e molti altri luoghi che aderiranno all’iniziativa) straordinariamente aperti in orario serale, dalle 20.00 alle 2.00 di notte e assistere a un ampio programma di concerti e spettacoli dal vivo selezionati attraverso l’avviso concorrenziale “Musei in Musica 2026”, da poco pubblicato sul sito di Zètema Progetto Cultura alla pagina Portale gare d’appalto | Dettaglio procedura. Gli enti, le associazioni, le società e gli altri soggetti in possesso dei requisiti richiesti potranno presentare i propri progetti entro le ore 12.00 del 3 novembre 2026, previa compilazione della documentazione necessaria.

“Musei in Musica, giunta alla sua 16ᵃ edizione, è una sfida che la cittadinanza ha accolto sia nella risposta di pubblico, l’anno scorso con 34mila persone, che nella partecipazione degli enti, le associazioni e altri soggetti che propongono e organizzano progetti di animazione culturale e spettacolo dal vivo. Abbiamo pubblicato il bando in queste ore proprio per rendere, ancora una volta, queste progettualità più forti, apprezzate dal pubblico, e sostenute da Roma Capitale finanziariamente. I soggetti che risulteranno aggiudicatari del finanziamento di cui al bando, già attivo sul sito di Zètema Progetto Cultura, animeranno gli spazi del Sistema Musei di Roma Capitale, in occasione di Musei in Musica 2026 il prossimo 21 novembre 2026. Saremo felici di poter disseminare con il loro contributo artistico la città di iniziative e progetti di grande qualità”, dichiara Massimiliano Smeriglio, Assessore alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria.

 Tra i Musei Civici coinvolti: Musei Capitolini, Musei Capitolini Centrale Montemartini, Mercati di Traiano Museo dei Fori Imperiali, Museo dell’Ara Pacis, Museo di Roma, Museo Napoleonico, Museo di Roma in Trastevere, Museo Pietro Canonica, Musei di Villa Torlonia (Casina delle Civette, Casino Nobile, Serra Moresca), Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese, Museo di scultura antica Giovanni Barracco, Museo Civico di Zoologia, Museo della Repubblica Romana e della memoria garibaldina, Galleria d’Arte Moderna, Museo di Casal de’ Pazzi, Parco Archeologico del Celio e Museo della Forma Urbis, Villa di Massenzio.

www.museiincomuneroma.it

Info 060608

 Photocover: Casino Nobile_Ph.Monkeys Video Lab.JPG

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