In programma il 24 giugno alle 22.30 il concerto dei Solisti dell’Orchestra da Camera di Hannover diretti da Hans Christian Euler, registrato ad Ascoli Piceno nell’ambito della 46ª edizione del Festival “Nuovi Spazi Musicali”, ideato e curato dal M° Ada Gentile

Mercoledì 24 giugno alle ore 22.30, Rai Radio3 trasmetterà il concerto registrato ad Ascoli Piceno nell’ottobre 2025 nell’ambito della 46ª edizione del Festival “Nuovi Spazi Musicali”, ideato e organizzatoM° Ada Gentile.

Protagonisti del concerto curato da Ada Gentile  i Solisti dell’Orchestra da Camera di Hannover, diretti da Hans Christian Euler, interpreti di un programma dedicato alla musica contemporanea internazionale con opere di Tristan Murail, Wolfgang Rihm, Rainer Rubbert e Helmut Lachenmann.

La trasmissione offrirà inoltre l’ascolto di quattro composizioni eseguite in prima assoluta, firmate da Andrea Talmelli, Andrea Mannucci, Albino Taggeo e Ada Gentile, a testimonianza della costante attenzione del Festival verso la nuova creatività musicale e la valorizzazione della produzione contemporanea.

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C’è un rumore che non senti subito. Non è musica. È prima. È il fruscio del tempo che si sfoglia.

Mirko Fanciullo lo conosce bene quel rumore. Ci vive dentro. Non lo spiega, non lo analizza: lo ascolta come si ascolta una voce che arriva da una stanza chiusa da anni e che, improvvisamente, decide di parlare.

Ha creato Vinile del Giorno come si costruiscono le cose che non vogliono diventare moda. Un disco al giorno. Uno solo. Come un respiro scelto tra mille respiri possibili. Dischi dimenticati, persi nei banchi dei mercatini, accatastati nelle fiere dove il passato non chiede permesso ma si offre, stanco e bellissimo, a chi sa guardare.

E lui guarda.

Non è collezione. È riconoscimento. Come se ogni vinile fosse una persona che ti ricorda qualcosa che avevi smesso di ricordare.

Poi c’è il suono. Sempre lui. Il suono che non è mai solo suono.

Nei suoi set non c’è la fretta del presente. Non c’è la moda, non c’è l’urgenza di “funzionare”. C’è qualcosa di più pericoloso e più raro: la libertà di perdersi. E nel perdersi, ritrovarsi.

 La musica del Sud Italia si intreccia con le ombre della world music, non a caso è considerato dalla critica il riferimento per la Mediterranean Wave italiana. In tal senso, le derive wave, quelle più malinconiche e luminose insieme, si appoggiano su ritmi che sembrano arrivare da un’altra stanza della memoria. Non è un viaggio. È una restituzione.

Perché Fanciullo non suona i dischi. Li riporta indietro.

Li tira fuori dalla polvere con la delicatezza di chi sa che la polvere non è sporco, ma tempo sedimentato. E quando la puntina scende sul vinile, non è mai solo un inizio. È un ritorno.

 C’è una cosa che colpisce, più di tutto il resto: l’idea che ogni disco abbia aspettato lui. Non il contrario. Come se il mondo avesse messo da parte certe tracce, certi suoni, certi respiri, sapendo che prima o poi qualcuno sarebbe passato a riprenderli.

E allora capisci che Vinile del Giorno non è un progetto musicale. È una piccola macchina del tempo senza tecnologia. Solo mani, occhi, e un’ossessione gentile per ciò che non vuole scomparire.

Nel suo lavoro con il record shop Malamore di Ortigia, questa idea diventa spazio. Non un negozio, ma un luogo dove la musica non si compra: si incontra. E ogni incontro ha qualcosa di irripetibile, come certe conversazioni che arrivano tardi e restano per sempre.

 Mirko Fanciullo non cerca il suono perfetto.

Cerca quello necessario.

Quello che, quando lo ascolti, ti fa venire il sospetto che non stai ascoltando una canzone… ma un ricordo che non sapevi di aver vissuto.

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Dopo il grande successo della prima edizione, Villa Visconti Borromeo Litta torna ad animarsi con la seconda edizione di Notes Around SMG, la rassegna che porta nel magico Teatro Naturale del parco storico di Lainate tre serate di musica dal vivo, da giovedì 25 a sabato 27 giugno 2026, con artisti di rilievo nazionale e internazionale, realizzate con il contributo del Comune di Lainate, di SMG Gas e Luce e Notes Around.

Nella cornice magica di Villa Litta saranno protagonisti musicisti di blasone nazionale e mondiale come Paolo Jannacci, Joe Lovano, Antonio Faraò, Fabrizio Bosso, Ira Coleman, Gerald Cleaver, mentre una serata speciale vedrà più di venticinque jazzisti rendere omaggio agli iconici club Il Capolinea e Le Scimmie, dando vita a tre giorni interamente dedicati alla musica con un festival ideato e diretto da Antonio Faraò, uno fra i pianisti jazz più rappresentativi sulla scena internazionale.

Paola Ferrario, Assessora allo Sviluppo Culturale, Valorizzazione e Comunicazione di Villa Litta, del Comune di Lainate, commenta: «Notes Around SMG torna al Teatro Naturale di Villa Litta con un programma che conferma la qualità e la bontà delle scelte della prima edizione. Il jazz, in questo spazio all’aperto immerso nel parco storico, ha trovato una collocazione precisa e riconoscibile e il pubblico lo ha percepito».

Giovedì 25 giugno, alle 21:00, aprirà il festival Paolo Jannacci, uno fra gli artisti più eclettici presenti sulla scena

Paolo Jannacci (Ph S. Galbiati e N. Allegri)

nazionale. Il pianista e cantante, figlio d’arte, presenterà lo spettacolo teatrale Jannacci Arrenditi! La città ascolta, un viaggio nel rapporto tra l’uomo e la città. Una città come tante ci racconta storie che alla fine sono sempre le nostre, in continua evoluzione. Le canzoni, colonna portante dello spettacolo, parlano di amori fondanti e a volte surreali, di uomini in guerra, di riflessioni sul nostro modo di ridere, sulla società e sul convivere con gli altri. Una città racchiude tutto questo: donne e uomini che vivono, amano, soffrono, ridono e che ce la mettono tutta per essere migliori. O forse no. Per raccontare e descrivere tutto questo, Paolo Jannacci si avvale di suoi brani originali, di Paolo Conte, Luigi Tenco e ovviamente di Enzo Jannacci, oltre ai dialoghi e monologhi scritti insieme all’autore e amico Paolo Re. Sul palco sarà accompagnato dalla sua storica band: Daniele Moretto (tromba, flicorno e cori), Marco Ricci (basso) e Stefano Bagnoli (batteria e percussioni).

Venerdì 26 giugno, sempre alle 21:00, tornerà “Ricordando Il Capolinea e Le Scimmie” dopo la prima edizione, una serata speciale dedicata ai leggendari jazz club milanesi, appunto Il Capolinea e Le Scimmie, in un omaggio collettivo che ne rievoca l’atmosfera e lo spirito del jazz dal vivo. Questi locali, nel corso degli anni, hanno ospitato eroi del jazz come Chet Baker, Dizzy Gillespie, Woody Herman, Pat Metheny, Tony Scott, oltre a generazioni di grandi musicisti italiani. Per ricordare questo periodo straordinario si riuniranno alcuni tra i più importanti musicisti della scena jazz taliana e internazionale: Pietro Tonolo, Luca Jurman, Claudio Fasoli, Nick The Nightfly, Luigi Bonafede, Dado Moroni, Attilio Zanchi, Laura Fedele, Tonino De Sensi, Federico Monti, Piero Orsini, Piero Leveratto, Nicolò Fragile, Paolo Pellegatti, Luigi Gonguy, Michele Bozza, Gigi Cifarelli, Antonio Faraò, Mauro Negri, Sandro Cerino, Yuri Golubev, Mario Rusca, Tony Arco, Monica Shaka, Luca Meneghello e Luca Pasqua, per far rivivere l’energia e l’eredità di due luoghi iconici della storia del jazz milanese.

Lovano, Faraò ,Coleman, Cleaver, Bosso

Sabato 27 giugno, stavolta alle 21:30,  il festival si chiuderà in grande stile con un concerto inedito e di altissimo livello: Fabrizio Bosso (tromba), Joe Lovano (sax), Antonio Faraò (pianoforte) Ira Coleman (contrabbasso) e Gerald Cleaver (batteria) celebreranno il centenario della nascita di Miles Davis e John Coltrane con il progetto Miles Davis & John Coltrane Centennial, reinterpretando le composizioni immortali di queste due icone che hanno lasciato un’impronta indelebile nella storia della musica jazz e non solo. Un quintetto di stelle del jazz italiano e mondiale che fra suoni e note, farà aleggiare lo spirito di due giganti come Davis e Coltrane.

All’eccellente proposta artistica di Notes Around SMG si aggiungono altri eventi. Dal 25 al 27 giugno, prima dei concerti, sarà possibile visitare la mostra fotografica a cura di Roberto Cifarelli dedicata a John Coltrane e Miles Davis, attraverso le immagini di alcuni dei musicisti iconici che hanno collaborato con loro e che ne hanno raccolto e sviluppato l’eredità artistica: Herbie Hancock, Sonny Rollins, Dave Holland, McCoy Tyner e molti altri protagonisti della scena jazz internazionale. Mentre sabato 27 giugno (dalle 15:00 alle 18:00), i bambini dai 3 ai 12 anni potranno ricevere lezioni a cura della Scuola di Musica Primo Piano (gratuito con post limitati su prenotazione).

VENDITA BIGLIETTI PER CONCERTI AL TEATRO NATURALE SU MAILTICKET: saranno messi in vendita ulteriori biglietti on-line e presso la cassa della Villa direttamente nei giorni del festival

https://www.mailticket.it/rassegna-custom/41/festival-notes-around-smg-2026

PER INFORMAZIONI CONSULTARE IL SITO DEL COMUNE DI LAINATE – SEZIONE “EVENTI”:

https://comune.lainate.mi.it/

OPPURE RIVOLGERSI ALL’UFFICIO CULTURA:

TELEFONO: 02 93598267-266

MAIL: cultura@comune.lainate.mi.it

CANALI SOCIAL:

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Manzoni22

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photocover Antonio Faraò: Credits:  Roberto Cifarelli

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Ormai è tutto pronto per UNOQUATTRO, la quattordicesima edizione di GAIAJAZZ Musica & Impresa, palco del progetto D•WORK organizzato e sviluppato dall’Associazione Culturale DOTMOB, che si prefigge l’obiettivo di offrire un contributo sociale, culturale e artistico al pubblico con numerosi appuntamenti che rappresentano i tanti aspetti legati sia alla cultura jazzistica che alla conoscenza del tessuto imprenditoriale e produttivo del territorio.

Le luci sull’edizione 2026 di questo festival, artisticamente diretto da Antonio Faraò, uno fra i più grandi pianisti jazz italiani degli ultimi quarant’anni, si accenderanno sabato 13 giugno con “KIND OF…”, “Piano Solo” proprio di Faraò nato come espressione dei suoi quarantacinque anni di carriera. All’apertura dell’evento, l’azienda Tinet offrirà i propri spazi aziendali per lo showcase intitolato Incontro con Tinet, in cui si potranno scoprire i quarantacinque anni della storia di questa realtà aziendale esplorando i temi della sicurezza informatica e delle tecnologie visual. Poi, dalle 19:00 alle 21:00, la degustazione di piatti tipici preparati dal ristorante Melacotogna e i vini del Consorzio Vini Venezia. Alle 21:00, invece, continuerà il formato DOTMOB chiamato D•TALK per presentare le attività del format D•WORK MEET, intervento che precederà tutti i concerti in programma. Ed ecco che alle 21:15, allo Showroom Tinet di Oderzo (provincia di Treviso), parola alla musica appunto con “Kind Of…”, il nuovo e primo disco in “Piano Solo” di Antonio Faraò, che intraprenderà un viaggio fra standard jazz brillantemente riarrangiati e sue composizioni originali. Il tutto nel segno della cantabilità, del senso melodico, della fervida creatività armonica e improvvisativa di un’eccellenza del piano jazz. Costo del biglietto 15 EURO e gratuito per ragazzi e ragazze sotto i 13 anni per tutti i concerti in programmazione.

Domenica 14 giugno, alle 14:30, si proseguirà con UNA VTA IN JAZZ, masterclass di interplay diretta da Antonio Faraò aperta a tutti gli strumenti, un’occasione unica per incontrare e conversare in musica con lui. Questa masterclass non sarà una semplice lezione, ma un vero incontro aperto fra artisti e studenti. Uno spazio di dialogo, confronto e musica vissuta dove condividere esperienze, domande e riflessioni sullo studio, sull’improvvisazione e sull’approccio autentico alla musica jazz. La location sarà la Sala Consigliare del Comune di Portobuffolè (provincia di Treviso), in Piazza Vittorio Emanuele II. L’obiettivo principale di questo incontro, il cui costo è di 40 EURO, è quello di trasmettere un’esperienza, di condividere il percorso intrapreso, la musica con cui Faraò è cresciuto ascoltando e studiando, oltre a far passare un concetto fondamentale: la musica non si impara solo sui libri, ma si assorbe, si vive e si suona insieme.
Sabato 20, dalle 19:00 alle 21:00, la classica degustazione con piatti e birre del birrificio San Gabriele. Alle 21:15, a Villa Giustiniani Tonon (Busco di Ponte di Piave, provincia di Treviso), il concerto di NAIMA FARAÒ QUARTET. Cantante e compositrice di puro talento, accompagnata da un brillante trio formato da Edoardo Maggioni (tastiere e synth), Andrea Dominoni (basso) e Vincenzo Guerra (batteria e percussioni), la musicista milanese proporrà un interessante repertorio fra alternative soul e new jazz, fondendo una sofisticata esplorazione vocale a uno storytelling dall’alto tasso emozionale.
Sabato 27, sempre dalle 19:00 alle 21:00, una deliziosa degustazione di prodotti tipici a cura del ristorante Borgoluce e i vini dell’omonima tenuta. Alle 21:15 il concerto firmato ZE IN THE CLOUDS (aka Giuseppe Vitale, presso la Vineria Borgoluce di Susegana (provincia di Treviso). Affiancato sul palco dagli ottimi Stefano Zambon (basso) ed Edoardo Battaglia (batteria), il talentuoso e intraprendente pianista e tastierista Vitale si presenterà proponendo un crossover che abbraccia elementi rinascimentali fino al post-jazz elettronico.
Sabato 4 luglio, la degustazione prevista dalle 19:00 alle 21:00 sarà curata dal ristorante Tavernetta del Tocai e dalla cantina Cà di Rajo.

Alle 21:15, sotto le braccia della splendida Bellussera della cantina Cà di Rajo a San Paolo di Piave (provincia di Treviso), il concerto di Max Ionata Hammond Trio. Formazione diretta da uno fra i sassofonisti jazz italiani più acclamati in ambito internazionale, accompagnato da due talenti sempre più in rampa di lancio come Vittorio Solimene (organo Hammond) e Cesare Mangiocavallo (batteria), il musicista abruzzese affronterà un repertorio comprendente brani originali e standard della tradizione jazzistica, in cui lo swing, il groove e l’interplay costituiscono tre elementi fondamentali di questo gruppo.
Sabato 11 luglio, l’evento di chiusura della quattordicesima edizione di “GAIAJAZZ Musica & Impresa”. In questa occasione, la degustazione fissata dalle 19:00 alle 21:00, porta la firma del ristorante Melacotogna e della cantina Casa Paladin.

Alle 21:15 il live di CLAUDIO FASOLI NEXT 4ET, formazione alla testa di un veterano del sassofono jazz come Fasoli, figura di grande importanza a livello nazionale e internazionale, sul palco insieme ai talentuosi Simone Massaron (chitarra), Tito Mangialajo Rantzer (contrabbasso) e Cristiano Calcagnile (batteria e percussioni). Il concerto, a “Casa Paladin” (Annone Veneto, provincia di Venezia), sarà incentrato sulla musica di Fasoli, dove spazi, respiri ed elettronica sono i tratti distintivi e in cui la melodia, l’armonia e la propulsione ritmica impreziosiscono particolarmente lo stile compositivo di questo interessante quartetto.
Ancora una volta, come da tradizione e storia, “GAIAJAZZ Musica & Impresa” conferma di essere un contenitore artistico, culturale e sociale di grande qualità, in cui tutte le componenti sono volte a confezionare un evento imperdibile per gli amanti della bellezza in tutte le sue forme.
PER ULTERIORI INFORMAZIONI: eventi@dotmob.it – CELLULARE: 335-6802082
INFORMATI E PRENOTA: https://linktr.ee/gaiajazz_festival
BIGLIETTI ONLINE: https://www.eventbrite.it/o/associazione-culturale-dotmob-86532576413
ISCRIVITI ALLA MASTERCLASS:
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SITO WEB: https://dotmob.it/gaiajazz/
INSTAGRAM: https://www.instagram.com/gaiajazz_festival/
FACEBOOK: https://www.facebook.com/gaiajazzfestival

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Con l’album di debutto “Segundagenie” e il singolo “Jungle Ciuri 2.0”, il tastierista degli Incognito fonde tradizione folk, elettronica e contaminazioni globali in un personalissimo manifesto sonoro

C’è un filo che unisce la Sicilia a Londra. Su questo binario geografico ed emotivo si sviluppa l’universo musicale di Chicco Allotta, pianista, compositore e tastierista della band britannica Incognito. Attivo dal 1987, dopo aver suonato in eventi come il Concerto del Primo Maggio a Roma e in festival e club internazionali, Allotta realizza il suo primo progetto solista con la band The Groovers: “Segundagenie” (etichetta TRP Music). Il disco, composto da sei tracce, ridefinisce i confini del Nu-Jazz, intrecciando Jazz-Fusion, Drum&Bass, Funk e World Music. Lo accompagnano Massimiliano Laganà al basso, Luca Barbato alla batteria e Luca Meneghello alla chitarra. Il singolo che apre il progetto è “Jungle Ciuri 2.0”, nato da una jam session in studio, che decostruisce un simbolo folk della tradizione siciliana trasformandolo in un canto di protesta

Il senso profondo del progetto “Segundagenie” è un titolo enigmatico, e l’album nasce da un’idea rimasta nel cassetto per anni: cosa rappresenta davvero questo lavoro per te oggi? È più un punto di arrivo o una nuova partenza, soprattutto alla luce del tuo percorso tra Sicilia e Londra?

Segundagenie per me significa seconda versione, quindi è un punto di partenza, un altro.

Identità e trasformazione culturale. Nel disco fondi tradizione siciliana, elettronica londinese, Nu-jazz ed Etano: in che modo questa contaminazione musicale riflette la tua identità personale e artistica, segnata anche dall’esperienza migratoria ?

Tutto si fonde e si trasforma, credo la musica parli da sè.

Riscrivere la tradizione Con Jungle Ciuri 2.0 trasformi un simbolo popolare come Ciuri Ciuri in un brano ironico e introspettivo, quanto è importante per te mettere in discussione la tradizione, e che ruolo ha la musica nel raccontare le contraddizioni della sua terra?

Non volevo trasformare nulla, era una jam session fortunata tra amici, scherzavamo su un groove reggae in minore, io ero di pessimo umore e i ragazzi suonando mi sfidarono a inventarmi qualcosa, sono partito a razzo col ritornello di ciuri ciuri con note diverse e ritmo diverso, per poi letteralmente svuotare la mia mente di tutto quello che sentivo, in quel momento. Quanto sia importante lo diranno gli ascoltatori, che credo sentano la mia autoironia, bel lontana dal voler trasformare tradizioni.

Complessità musicale VS Emozione, brani come Mezzu Tempo in 13 o Father an Son mostrano una certa complessitàritmica e armonica: come riesci a bilanciare questa ricerca tecnica con l’urgenza emotiva e comunicativa della musica ?

Sono attratto dall’imprevedibilità, mi piace un sacco groovare, accompagnare , perdermi nel senso ipnotico dei groove che stiamo suonando, ma lo sghiribizzo, il groove non regolare, cambiare atmosfere più che ricerca tecnica, un po’ come cercare per radio frequenze, o andare nei negozi di dischi fino agli anni 90, ti prendevi un’ora e ti ascoltavi di tutto. E poi tornavi lì e ancora.

Il ritorno e la restituzione dal vivo, portare queste canzoni, nate a Londra, di nuovo in Sicilia: che significato ha per te questo ritorno? una riconciliazione, una restituzione o un nuovo dialogo con il pubblico di casa?

Non tutte le tracce dell’album sono nate a Londra , Jungle Ciuri 2.0 , Mezzutempo in 13 e Trapani Maybe sono nate in Sicilia. Ho sempre mantenuto buoni rapporti, niente da riconciliare, sono emigrato perché per fare cosa faccio dovevo andare in un posto enorme con migliaia di spazi e posti dove la musica è un elemento importante. Punto. Il pubblico di casa mi conosce, sono un musicista attivo dal 1987, mi è venuto infatti molto naturale suonare per la presentazione del mio nuovo progetto sia a Trapani che a Trecastagni,CT.

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Da Leningrado a Bologna, da geologo a musicista. Kostja racconta Drift Migration, un disco sullo smarrimento come opportunità creativa

Chitarrista, cantautore e compositore nato a Leningrado e residente a Bologna, Kostja è un artista il cui percorso non segue traiettorie lineari. Dopo una laurea in Geologia all’Università di Bologna, ha scelto di dedicarsi interamente alla musica, portando nel suo lavoro un approccio che unisce metodo scientifico e sperimentazione sonora.

Il suo primo EP autoprodotto, Be Defenseless, risale alla primavera del 2021 e vedeva la collaborazione di Giovanni Miotto al basso, Evita Polidoro alla voce e Anton Scognamiglio alla batteria. Il concept grafico era affidato alle diapositive, uno strumento fotografico in disuso che Kostja ha recuperato per ricollegarsi alla propria infanzia. Nel gennaio 2024 è uscito Negative of a Reverie, secondo EP per PLUMA Dischi/IRMA Records.

Il 18 marzo 2026 è uscito Hiding, secondo singolo estratto dal nuovo album Drift Migration, in rotazione radiofonica dal 20 marzo. Il titolo dell’album riprende un termine scientifico che descrive la deviazione di un uccello migrante dalla rotta originaria, concetto che attraversa l’intero progetto.

Abbiamo parlato con lui del rapporto tra scienza e musica, del nuovo disco e del modo in cui racconta le relazioni.

Ti sei laureato in Geologia ed hai esplorato le Alpi italiane, ma sei nato a Leningrado e oggi vivi a Bologna. C’è stato un momento preciso in cui hai capito che la musica sarebbe diventata la tua strada principale, e quanto hanno pesato questi spostamenti geografici e disciplinari sul tuo modo di scrivere e comporre?

Non c’è stato un istante preciso di “folgorazione”, poiché la musica è stata una costante anche durante il mio percorso universitario. Tuttavia, concludere gli studi scientifici ha rappresentato un bivio: ho scelto di dedicarmi totalmente alla musica per non avere rimpianti futuri. Ho un’indole pacata e incline alla riflessione, che si riflette nel mio modo di sentire, un aspetto che penso abbia a che vedere con le origini della mia famiglia. Al contempo, vivere a Bologna, una città che funge da punto di incontro per diverse scene musicali, mi permette di assorbire stimoli artistici eterogenei che filtrano costantemente nel mio lavoro.

Il tuo lavoro intreccia musica, acquerelli e diapositive — come nel concept grafico di Be Defenseless — e arrivi da un background scientifico. In che modo l’occhio del geologo e la pratica artistica convivono con la composizione? Quanto il rapporto con la natura osservata da scienziato entra nei tuoi testi e nei tuoi arrangiamenti?

La mia formazione da geologo si manifesta soprattutto nella precisione metodologica: affronto la produzione e il mixaggio con una razionalità quasi analitica, necessaria per organizzare il flusso creativo. A livello di immaginario, la mia attrazione per i paesaggi montani si traduce nell’aspetto visuale del progetto, negli artwork e nei video.

Il nuovo album si intitola Drift Migration, termine che descrive la deviazione di un uccello migrante dalla rotta originaria. Perché hai scelto di costruire l’intero disco attorno a questo concetto di migrazione e smarrimento? L’immagine dell’uccello disorientato è una metafora autobiografica, una condizione generazionale, o entrambe?

Ho adottato questo termine tecnico per descrivere il fenomeno di un volatile che, spinto da eventi esterni, perde la sua rotta migratoria originaria e deve adattarsi a un ambiente ignoto per sopravvivere. È un’immagine in parte autobiografica: da anni percepisco una sensazione di “fuori rotta” nel mio cammino artistico e umano. Invece di viverlo come un fallimento, ho trasformato questo disorientamento in un motore per la mia creatività, vedendolo come un’opportunità di scoperta.

Dal 18 marzo è fuori Hiding, secondo estratto da Drift Migration e in rotazione radiofonica dal 20 marzo per Pluma Dischi. Lo definisci un brano che esplora “gli anfratti stagnanti delle relazioni” dove le giornate si ripetono e sembra non esserci più spazio per sorprendersi. Come si collega questa immobilità attraversata da “terremoti” improvvisi al tema più ampio della migrazione e della deviazione che dà il titolo all’album?

In Hiding, l’apatia di un rapporto che sembra fermo nel tempo viene scossa da rivelazioni personali che agiscono come “terremoti”. Queste rotture rappresentano le “mutazioni” necessarie affinché un legame non si esaurisca. Ho la sensazione che talvolta le relazioni debbano evolvere attraverso la condivisione di ciò che teniamo nascosto per sbloccare nuovi stati di consapevolezza.

In Hiding alterni elettronica sperimentale, atmosfere cupe e ritornelli luminosi, con Eleonora Franchina alla voce ed Eros Terzuoli al sax tenore. Cosa intendi con questa contrapposizione di “luci” e “ombre”?

I contrasti sono fondamentali nella mia musica: servono a mantenere alta la tensione emotiva dell’ascoltatore. Le “ombre” nel caso di Hiding risiedono nelle strofe contenute e in una coda finale onirica e ipnotica che rompe la struttura classica della canzone. Le “luci” emergono invece nei ritornelli più aperti ed energici, dove il timbro di Eleonora bilancia le sonorità più scure. Il sassofono di Eros Terzuoli, nel finale, sigilla questa atmosfera sospesa e introspettiva.

L’artwork di Davide Palombo, poi, prosegue la narrazione del primo singolo: dal volatile smarrito a uno spazio “metafisico”, nascosto. Come avete lavorato insieme per far dialogare suono, parole e immagine in questo pezzo?

Con Davide Palombo abbiamo creato un percorso visivo in cui il volatile protagonista cambia scenario in base al messaggio di ogni canzone. Per Hiding, Davide lo ha collocato in un ambiente astratto e metafisico, isolato dal resto del mondo, per rispecchiare il senso di introspessione del testo. È affascinante vedere come un illustratore possa tradurre le mie suggestioni sonore in un linguaggio visuale, donando al brano una nuova dimensione.

Hai detto: “Non sono mai riuscito a scrivere una vera canzone d’amore, quando ci provo trovo tutto banale”. Con Hiding hai invece scelto di mostrare i lati stagnanti dei rapporti di cui si parla poco. Da dove nasce questo bisogno di raccontare il non-detto sentimentale, e come si inserisce nella tua poetica tra disorientamento e ricerca?

Sento che le parole spesso rischiano di impoverire la complessità dell’amore, rischiando di scivolare nel già sentito, ad eccezione di quando si ha a che fare con la poesia più fine e preziosa. Per questo preferisco esplorare il “non-detto”, i silenzi carichi di tensione e le conversazioni superficiali che nascondono vuoti comunicativi. Dal mio punto di vista è un tentativo di narrazione sentimentale più onesto e meno idealizzato, focalizzato sulla realtà dei rapporti duraturi piuttosto che sull’estetica del romanticismo tradizionale.

Da Be Defenseless del 2021, con le diapositive che ti riconnettono all’infanzia, a Negative of a Reverie del 2024 per PLUMA Dischi/IRMA Records, fino a Drift Migration. Come è evoluto il tuo linguaggio tra chitarra, cantautorato e sperimentazione elettronica? Cosa resta e cosa hai lasciato andare?

Il cambiamento più radicale è stato il passaggio dalla dinamica di band a una dimensione solista e DIY, in cui ho assunto un controllo più consapevole di ogni fase, dalla scrittura al mixaggio. Se la chitarra rimane il mio punto fermo, ho lasciato andare la timidezza nel mostrare la mia voce, che ora è diventata uno strumento centrale della mia musica. Ho anche imparato a semplificare, eliminando il superfluo per favorire una sintesi più personale tra mondi sonori distanti.

L’intervista restituisce il ritratto di un artista che non cerca la rottura netta con il passato, ma una ricomposizione costante tra discipline diverse. Tra rigore da geologo e intuizione musicale, Kostja prova a mappare territori emotivi che spesso restano fuori dal discorso pubblico. Drift Migration si presenta così come un disco che non promette risposte definitive, ma usa lo smarrimento come strumento di navigazione.

Hiding è disponibile in streaming dal 20 marzo 2026.

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Pubblicato dall’etichetta indipendente Wow Records, presentesoltanto sulle piattaforme digitali da venerdì 15 maggio, This is New è il primo disco da leader della talentuosa chitarrista jazz Katia Schiavone, affiancata in questo lavoro da due musicisti fra i più apprezzati in Francia: Fabien Marcoz al contrabbasso e Philippe Soirat alla batteria, oltre alla presenza da ospite del cantante Mario Ponce Enrile in Once in a While.

Nel CD sono presenti sette brani, tutti calorosi omaggi ad alcune fra le figure più iconiche della storia del jazz: Tom McIntosh(Cup Bearers), Harold Mabern (A.O.N.), Kurt Weill e Ira Gershwin, (This is New), Horace Silver (Sweet Stuff e Silver’s Serenade), Michael Edwards (Once in a While) e Cedar Walton (Bremond’s Blues).

“This is New” nasce da una stimolante sintesi incentrata sull’esperienza parigina e sui vari viaggi in Inghilterra e negli Stati Uniti che hanno caratterizzato la vita artistica di Katia Schiavone negli ultimi dieci anni. Questo album, che strizza l’occhio alle produzioni newyorkesi degli anni Ottanta e Novanta, è frutto di una succulenta (ri)lettura di alcuni standard concepita nel segno di un sound di gruppo omogeneo, ben definito, in cui l’intera sezione ritmica gioca un ruolo fondamentale. L’idea di rendere omaggio a pianisti del calibro di Horace Silver, Harold Mabern e Cedar Walton, invece di tributare i chitarristi della tradizione jazzistica, rappresenta l’intenzione di fondere melodia, armonia e ritmo in un unico suono, attraverso cui l’interplay e il feeling fra lei, Marcoz e Soirat possano essere enfatizzati.

Katia Schiavone descrive così la sua prima fatica discografica: «Ho maturato l’idea di questo album nel tempo. Per anni ho immaginato e visualizzato il suono che potesse avere, stilato liste di brani, strumenti e musicisti, finché non ho trovato la combinazione giusta, un’intuizione che mi ha dato il la per finalizzare in brevissimo tempo il lavoro e dare finalmente vita a questo progetto. Non avevo mai suonato con Fabien Marcoz e Philippe Soirat insieme nello stesso gruppo, ma come spesso accade negli ambienti del jazz, mi è capitato di collaborare con loro in diversi contesti da sideman. Il suono di Philippe è inconfondibile e il suo stile dinamico e aperto è sempre stato ciò che ricercavo: un’interazione continua, continui spunti ritmici, un tempo che si sposta e ritorna al centro come un’onda del mare. Con un tipo di playing del genere era necessario un contrabbassista solido, preciso e affidabile, qualcuno che mantenesse “la strada”, come dicono i francesi, ma con classe ed eleganza. Fabien Marcoz è il tipo di contrabbassista adatto per questo lavoro: una colonna portante. Così è nato This Is New. Ene sono immensamente felice, perché mi ha dato la possibilità di esprimere me stessa e l’idea che avevo dei brani selezionati per il repertorio».

Biografia

Eccellente conoscitrice del linguaggio e della pronuncia jazz, agile nel fraseggio di chiara matrice boppistica, dalla musicalità verace intrisa di una coinvolgente vitalità swingante, Katia Schiavone è un fulgido talento della chitarra. Nel 2016 si trasferisce a Parigiper studiare con Luigi Grasso, ormai ex enfant prodige del sax alto, affermatosi da tempo in Italia, in Francia e non solo. Nella capitale transalpina decide di stabilirsi a tempo pieno, città in cui è particolarmente attiva sia in progetti da leader che in qualità di sideman. Quanto al suo trio con Fabien Marcoz (contrabbasso) e Philippe Soirat (batteria), l’idea è quella di dar vita a un suono di gruppo riconoscibile dal punto di vista melodico, armonico e ritmico, in cui l’interplay è fondamentale. Proprio in virtù diqueste caratteristiche, Katia Schiavone ha scelto questi due partner di note e suoni, capaci di interagire al meglio con lei e di garantire quell’estro e quella precisione chirurgica, in termini di timing, importantissimi per il suo modo di suonare e di intendere la musica.

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Consegnato alle stampe dall’etichetta indipendente Wow Records, disponibile in formato fisico e sulle piattaforme digitali da venerdì 8 maggio, Attractions è il nuovo capitolo discografico del contrabbassista jazz Francesco Pierotti, puro talento affiancato in questa realizzazione da due nomi prestigiosi della scena jazzistica nazionale: Roberto Tarenzi al pianoforte e Lorenzo Tucci alla batteria.

Nel CD figurano nove standard appartenenti all’immortale tradizione: Bags’ Groove (Milt Jackson), All God’s Chillun Got Rhythm (Walter Jurmann, Gus Kahn e Bronisław Kaper), No moon at All (David Mann e Redd Evans), Valse Hot (Sonny Rollins), Modinha (Antônio Carlos Jobim), Like Someone in Love (Johnny Burke e Jimmy Van Heusen), Come Rain or Come Shine (Harold Arlen e Johnny Mercer), For All We Know (J. Fred Coots e Sam M. Lewis) e Will You still beMine? (Tom Adair e Matt Dennis).

“Attractions” non è un’operazione filologica in senso stretto. È un album senza dubbio rispettoso della tradizione del jazz, ma ciò che colpisce profondamente è la lodevole intenzione di reinventare i nove standard attraverso una spiccata personalità artistica, una propria identità musicale e una fervida creatività che caratterizzano Francesco Pierotti e i suoi due eccezionali “fratelli” di note: Roberto Tarenzi e Lorenzo Tucci. Il tutto messo in evidenza da una costante e brillante ricerca dell’interplay che rappresenta il vero comun denominatore del trio.

L’autore del CD spiega così la genesi e il mood di questo lavoro: «Un progetto che nasce in modo spontaneo. Ho organizzato una session con due dei musicisti del panorama jazz italiano che stimo di più, Roberto Tarenzi e Lorenzo Tucci, con i quali ho condiviso molto e ai quali devo tanto musicalmente. Quello che è successoin seguito è nel disco: nove standard che parlano un po’ di noi tre.Il jazz è sicuramente la musica che più di tutti enfatizza le personalità e trae spirito dalle differenze musicali di chi la suona.È quello che è successo in Attractions, in quanto ognuno di noi ha attratto l’altra maniera istintiva verso una parte del proprio mondo musicale, del proprio spirito musicale. Proprio perché ci siamo lasciati trasportare e attrarre verso questa energia è nato questo lavoro: un album che ha una “voce” tutta sua. Credo che sia questa la strada grazie a cui, anche se continuiamo a suonare standard della tradizione, ogni volta diamo vita a qualcosa di nuovo».

Biografia

Contrabbassista jazz e compositore dall’indubbio valore, eccellente conoscitore della tradizione jazzistica, ma sempre di larghe vedute e orientato con lo sguardo e le orecchie tese verso la modernità e l’innovazione, Francesco Pierotti è uno fra i jazzisti italiani più interessanti della sua generazione. Grazie alle sue qualità artistiche, nell’arco della carriera ha stretto collaborazioni particolarmente importanti al fianco di numerosi jazzisti blasonati in ambito nazionale e internazionale come Seamus Blake, Enrico Rava, Fabrizio Bosso, Rosario Giuliani, Roberto Gatto, Stefano Cocco Cantini, Lorenzo Tucci, Roberto Tarenzi, Amedeo Ariano. Molto attivo da concertista sia in Italia che all’estero, è inoltre un ottimo didatta. A tal proposito ha pubblicato due metodi, Finger it Different e La Tecnica della Mano Destra nel Contrabbasso (edito da Volontè), particolarmente apprezzati da alcuni fra i più autorevoli contrabbassisti classici, jazz e bassisti jazz del panorama nazionale e mondiale, tra i quali Marco Panascia, Dario Deidda, Rufus Reid, Yuri Goloubev, Catalin Rotaru e Rinat Ibragimov.

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È appena uscito, ma già fa parlare “Johnny”, per l’etichetta Red&Blue, distribuito da Ada Music Italy. “Johnny” è il titolo del nuovo singolo di Er Pablo, un artista che sta ridefinendo i confini dell’hip-hop romano contemporaneo. Pablo Deleuse, in arte Er Pablo, non è il classico rapper: la sua formazione affonda le radici nel teatro e nella regia, elementi che trasforma in musica attraverso una scrittura fortemente visiva e cinematografica.

Con “Johnny”, l’artista ci trascina in un viaggio introspettivo dove il tempo non è un concetto astratto, ma un pirata che salpa per non tornare. Il brano nasce da una suggestione colta — lo studio de “La Mer” di Debussy — e si sviluppa su un tappeto sonoro organico, dove gli strumenti suonati dal vivo sostituiscono la freddezza dei campionamenti digitali. Accompagnato dal suono del produttore Violea e da una presenza vocale femminile eterea, Er Pablo ci regala un pezzo che è insieme duro e melodico, una “mappa del tesoro” lasciata aperta all’interpretazione di ogni ascoltatore. E ci parla di “Johnny”, un brano che esplora l’incessante scorrere del tempo attraverso la metafora del pirata.

Com’è nata l’esigenza di personificare un concetto così astratto in una figura leggendaria come quella del pirata e quanto c’è di personale in questo senso di “mancato ritorno”?

“La scrittura di un testo per me è composta da più elementi. Ovviamente il mio vissuto personale incide molto sul come e cosa scrivo, ‘Johnny’ è l’esempio perfetto. Ho ritrovato nel pirata Johnny molti elementi della mia vita e senza dubbio è una figura che sento molto vicina. Più che un mancato ritorno a me preme molto il lasciar andare, che credo sia una costante della vita di molti. Esplorare una figura come quella di Johnny e legarla con più concetti su cui rifletto fa sì che un mio testo abbia più significati”.

Hai dichiarato che la genesi del brano è legata al tuo studio de “La Mer” di Debussy. Come sei riuscito a far dialogare l’impressionismo classico francese con le metriche veloci e incisive del tuo rapping? Qual è il punto d’incontro tra questi due mondi apparentemente così distanti?

“Io credo che la musica non abbia alcun tipo di limite, e credo anche che l’essere umano per sua natura abbia bisogno di limiti. I generi musicali sono una nostra decisione, ma questo non vuol dire che nella realtà sia così. Non riesco a vedere questa distanza tra il mondo orchestrale e quello del rap, sicuramente hanno immaginari molto diversi, ma alla fine hanno lo stesso scopo, ovvero comunicare qualcosa. Lo studio di Debussy è stato fondamentale per trovare una prima idea del brano, ma dentro di me e dentro le mie orecchie ci sono anni di rap, e dunque è inevitabile che per me risulti facile vedere una strofa rap con sotto un’orchestra. Il punto d’incontro secondo me è facile e scontato. Entrambe sono musiche.”

Nella struttura sonora di “Johnny” la voce femminile gioca un ruolo fondamentale per l’emotività del pezzo. Ci puoi raccontare come è nata questa collaborazione e in che modo, secondo te, la melodia femminile riesce a completare il messaggio che volevi trasmettere con le tue rime?

“La voce femminile è il tassello che regge l’intera piramide. Avendo una musica tendenzialmente morbida ed una voce principale dura ed incisiva, la voce femminile deve giostrarsi tra queste due sensazioni, cercando di cucire tutto insieme. Se analizziamo il brano nel dettaglio notiamo che l’inizio presenta dei vocalizzi molto morbidi, che troviamo a tratti anche nella prima strofa, nel ritornello la situazione cambia, la voce femminile diventa incisiva e coprotagonista. Per sottolineare il suo ruolo viene divisa in più linee sovrapposte, una morbida, una piena a livello canoro ed infine una di sottofondo che fa da pedale per le altre due. Grazie a questi passaggi il brano ha una evoluzione continua che si sviluppa attorno al rap. Anche se la linea guida viene tratteggiata dalla voce femminile, che deve – appunto -legare tutto.”

Essendo tu stesso il regista del videoclip, hai curato un’estetica che gioca sul contrasto tra staticità e dinamismo. Come si riflette la tua formazione nella recitazione e nel cinema sulla tua scrittura musicale? Ti consideri un artista che scrive per “immagini”?

“Assolutamente sì, le immagini sono protagoniste della mia penna e direi della mia vita stessa. Mi succede molto spesso di immaginare un’immagine specifica, la regia e la fotografia sono il risultato di questa mia caratteristica. La recitazione e il teatro mi hanno insegnato ad interpretare parole ed emozioni, quando scrivo tengo sempre bene a mente lo studio emotivo che ho iniziato dentro al teatro.”

Partendo dalla “vecchia scuola” romana (come Primo Brown e i Colle der Fomento) sei approdato a un rap strumentale ricco di pianoforte, chitarra e batteria suonati dal vivo. In un’epoca dominata da suoni digitali e campionamenti, quanto è importante per te mantenere questa “magia” sonora autentica insieme al produttore del suono Violea?

“Personalmente amo gli strumenti per una questione emotiva. La musica è un mezzo di comunicazione e attraverso gli strumenti e i musicisti è capace di trasmettere emozioni diverse. Non odio i synth o i campionatori, anzi li reputo eccezionali in quello che possono fare, ma purtroppo non esiste apparecchio elettronico che può entrare in contatto con la musica a livello emotivo, un computer non ha emozioni. Per questo amo gli strumenti, hanno storie da raccontare e vissuti totalmente diversi, proprio come chi li suona. Questa unione crea l’arte, che è esattamente quello che voglio sentire io”.

Hai spesso affermato che la cosa più importante per te è l’interpretazione che gli altri danno alle tue parole. C’è un messaggio o una sensazione particolare che speri il pubblico colga ascoltando “Johnny”, o preferisci che il brano rimanga una “mappa” aperta in cui ognuno può trovare il proprio tesoro?

“Il termine mappa è sicuramente quello più appropriato. Essendo l’italiano una lingua molto complessa e ampia, le stesse parole possono avere significati diversi e permette a ogni singola persona di dare un’interpretazione propria. Più che un messaggio o una sensazione io spero di far riflettere l’ascoltatore, di farlo interrogare sulle mie parole così da fargli costruire la sua mappa del tesoro. La parte più bella è ovviamente scoprire le interpretazioni diverse dalla tua, così puoi cercare le strade degli altri dentro di te.”

BIOGRAFIA 

Pablo Deleuse, in arte “Er Pablo”, è un cantautore romano esponente della nuova scena hip-hop. Il suo percorso artistico affonda le radici nella recitazione ma, ancora giovanissimo, scopre una viscerale passione per la musica, traendo ispirazione dal rap romano della “vecchia scuola” e dallo studio dei testi di pilastri come Primo Brown, i Villa Ada Posse e i Colle der Fomento.

Inizia a scrivere i suoi primi brani a soli 11 anni, influenzato dagli autori che ancora oggi studia costantemente. All’età di 16 anni, affascinato dalla musica suonata dal vivo, intraprende da autodidatta lo studio di diversi strumenti: chitarra, pianoforte e batteria. Questo amore per la strumentazione lo porta ad approfondire vari generi, trovando la propria dimensione ideale nel rap strumentale.

Ascoltando i suoi ultimi lavori — Veterano, Fumo e Malditesta e Johnny — emerge immediatamente una sonorità ricca di strumenti suonati dal vivo, che accompagnano testi profondi e specchio della sua realtà quotidiana. Crescendo sia anagraficamente che artisticamente, Er Pablo si spinge sempre più verso la sperimentazione di nuove sonorità, abbinandole a liriche capaci di trasmettere sensazioni diverse a ogni singolo ascoltatore. È proprio questa versatilità a rendere il suo pubblico estremamente eterogeneo per età e genere, come lui stesso ricorda spesso nelle interviste: “La cosa più importante per me è l’interpretazione delle mie parole; sono davvero curioso di sapere cosa le persone vedono nei miei testi”.

Per l’artista, il fine ultimo della musica è una comunicazione che apra mondi immaginativi diversi, permettendo a chiunque di trovare un significato unico e personale nelle sue rime. Nonostante un animo incline alla solitudine, Er Pablo ama la dimensione collaborativa: per la comunicazione si avvale del supporto del team Red&Blue, mentre per la creazione della “magia” sonora si affida al produttore Violea, il cui sound — ora morbido, ora più rock — contribuisce a rendere ogni produzione autentica e originale.

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Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina emergente con formazione in canto jazz maturata tra Italia e Germania. Il suo stile pop-elettronico anticonvenzionale e aperto alla sperimentazione, fonde classica, jazz ed elettronica in un connubio tra antico e moderno che riflette la sua personalità. É qui che la ricerca sonora e l’urgenza comunicativa coincidono.

È da poco uscito il singolo “Sexting” scritto a due mani con la cantautrice fiorentina Jilhara e prodotto da Roden per l’etichetta Pluma Dischi/Irma Records.
Con questo brano che fonde R&B ed elettronica, le due artiste indagano la fragilità delle relazioni digitali, l’amore immaginato in cui desideri e sentimenti rimangono sospesi tra attesa e illusione, intrappolati nella distanza.

Abbiamo avuto il piacere di incontrare Elena Romano per farci raccontare qualcosa del suo percorso artistico e dei suoi progetti.

Elena, tu sei cresciuta in un ambiente jazz d’eccellenza, studiando sia in Italia che in Germania. Come ha influenzato questo background la tua musica e il tuo approccio alla composizione?
È stato fondamentale perché mi ha permesso di dare forma a quello che avevo in testa ancora prima di esplorarlo davvero. Il jazz mi ha insegnato che ogni dettaglio e ogni suono hanno un significato preciso. Mi piace il pop quando riesce ad avere più sfumature e profondità.

La tua musica si muove costantemente tra il tradizionale e il futuristico. Come descriveresti il tuo stile e come si è evoluto nel tempo?
Sono partita dal soul, poi il jazz è diventato il motore di tutto quello che è venuto dopo. L’improvvisazione e il jazz sono un’estensione di quello che c’era prima e hanno influenzato tutto ciò che è arrivato dopo nella mia scrittura.

Quando scrivi e componi che cosa o chi ti rende particolarmente ispirata? Hai degli step specifici che ti avvicinano alla fase creativa?
Di solito ciò che mi spinge all’atto creativo sono pulsioni sensoriali, anche molto semplici, come un suono o un odore. Spesso parto dalle mie esperienze personali e in particolare da persone e affetti significativi della mia vita.

Come è nata la collaborazione con Jilhara? Cosa vi ha spinte a lavorare insieme al brano “Sexting”?
Ci siamo conosciute durante il nostro percorso di studi e la collaborazione è nata qualche anno dopo come evoluzione naturale di un’amicizia molto forte. Eravamo già in sintonia, quindi è stato naturale unire i nostri mondi musicali diversi ma complementari.

In questo brano, si descrive lo schermo come uno “spazio fragile”. Ci spiegheresti il perché di questa metafora?
Lo schermo è uno spazio fragile perché è allo stesso tempo un luogo di connessione e di distanza. Può avvicinare le persone ma anche allontanarle, perché tutto passa attraverso un filtro che rende le emozioni immediate ma anche instabili.

Progetti in cantiere?
Sto lavorando al mio primo disco e spero di potervelo far ascoltare presto. Con Jilhara sì, abbiamo già parlato di una possibile futura collaborazione, quindi chissà cosa potrà succedere.

Biografia
Elena Romano è una cantante e cantautrice fiorentina con una formazione nel canto jazz e diverse esperienze artistiche maturate tra l’Italia e la Germania. Il suo stile si colloca in un ambito “pop-elettronico”, caratterizzato da un approccio fuori dagli schemi e aperto a continue sperimentazioni.
La sua musica ingloba generi diversi — dalla classica al jazz fino all’elettronica — dando vita a un affascinante contrasto tra antico e moderno, ravvisabile anche nell’estetica dell’artista.
Il suo percorso accademico è d’eccellenza: dopo il diploma presso la Siena Jazz University, completa gli studi all’Università di Musica e Danza di Colonia (HFMT) e al Conservatorio Girolamo Frescobaldi di Ferrara, dove ottiene il diploma di secondo grado in canto jazz.
Tra le collaborazioni di rilievo spicca quella per l’album “Arie” di Ferruccio Spinetti, registrato nel 2022 con il celebre batterista statunitense Jeff Ballard.
Tra il 2024 e il 2025, Elena lavora all’EP “Lorena” insieme al fratello e compositore Lorenzo. Il progetto solista si concretizza in una fusione unica dove la canzone tradizionale italiana si unisce a sonorità elettroniche, creando una narrazione avvincente fatta di emozioni e racconti introspettivi.

Negli anni Elena Romano ha collezionato importanti traguardi e riconoscimenti. Il suo percorso inizia a distinguersi già nel 2021, quando vince il premio per la migliore composizione al concorso Bianca d’Aponte con il brano “Il Sole (cattivi pensieri)”. Successivamente, nel 2024, partecipa al Rock Contest di Controradio aggiudicandosi il Premio Ernesto De Pascale per la miglior canzone con testo in italiano grazie al brano “Sogno”, oltre a ricevere una menzione speciale da parte di MITA Academy per la coerenza audio-visiva del suo progetto. La sua ascesa prosegue nel 2025 con la selezione tra i 150 semifinalisti di 1M NEXT per il Concerto del Primo Maggio a Roma, fino ad arrivare al 2026, che la vede tra i finalisti di MArteLive Connect.
L’evoluzione musicale di Elena rivela una personalità eclettica e versatile che trova la sua sintesi perfetta nel recente EP “Lorena”. A febbraio 2026 compare nel disco dell’artista Hachiko nella traccia “90MILA”.

Il brano “Sexting” di Elena Romano e Jilhara è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming.

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