di Domenica Puleio

Il Festival di Borgio Verezzi, prestigiosa rassegna teatrale ospitata nell’omonimo borgo della Riviera ligure di Ponente, in provincia di Savona, ha accolto la prima nazionale de “L’Inconveniente“, la commedia del drammaturgo spagnolo Juan Carlos Rubio, andata in scena il 14 e 15 luglio nella suggestiva cornice di Piazza Sant’Agostino.

Al centro della commedia c’è un incontro umano fuori dagli schemi: quello tra Sara, giovane donna abituata a vivere secondo ordine e razionalità, e Carmen, un’anziana dalla personalità forte, anticonformista e sorprendentemente lucida, che affronta il peso di una malattia. Attraverso il dialogo tra due generazioni lontane, Juan Carlos Rubio costruisce una storia capace di alternare ironia e malinconia, leggerezza e profondità, interrogandosi sui rapporti umani e sul valore del tempo.

Protagonista dello spettacolo è stata Milena Vukotic, interprete tra le più amate del teatro e del cinema italiano, affiancata da Giulia Fiume e Marco Grossi, con la regia di Luca Manfredi. Il testo è stato tradotto in italiano da Pino Tierno e Valentina Martino Ghiglia, portando sulle scene italiane un’opera della drammaturgia contemporanea spagnola.

L’allestimento si distingue anche per il contributo di un qualificato team artistico: le scene sono firmate da Alessandro Chiti, i costumi da Metella Raboni, le musiche originali dal maestro Roberto Gatto, mentre il disegno luci è curato da Michele Lavanga.
Lo spettacolo è una produzione di Società per Attori, Accademia Perduta Romagna Teatri e Teatro Quirino, tre realtà impegnate da anni nella valorizzazione della produzione teatrale italiana.
Con questo debutto, il Festival di Borgio Verezzi rinnova la propria vocazione a ospitare prime nazionali e produzioni di rilievo, in un luogo che unisce il fascino del paesaggio ligure alla tradizione culturale del teatro estivo.

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Archi (Chieti), 15 luglio 2026 – Tutto pronto per la seconda edizione di “Pichuco Festival, omaggio ad Anìbal Troilo”, che si terrà il 25 e 26 luglio 2026 ad Archi, in provincia di Chieti. Organizzato dall’associazione Pichuco and Friends, con il patrocinio del Cram, del Comune di Archi e con l’Alto patrocinio della Regione Abruzzo per gli appuntamenti culturali, il festival rende omaggio a Troilo, bandoneonista, compositore e direttore d’orchestra di tango argentino conosciuto e amato in tutto il mondo, nato e vissuto a Buenos Aires (1914-1975) e con radici archesi. Nipote di Quirino e Concezia Troilo, emigrati da Archi in Argentina a fine Ottocento, Anìbal Troilo chiamato Pichuco, ha segnato con il suo inseparabile bandoneon, strumento al quale ha dedicato tutta la sua vita, la storia musicale del tango. L’edizione 2026 del prestigioso evento dedicato alla musica e al tema delle origini, si arricchisce con la partecipazione straordinaria della coppia di maestri e ballerini Miguel Ángel Zotto e Daiana Guspero, tra i più autorevoli interpreti e divulgatori del tango a livello internazionale.

Archi, panoramica

“Siamo molto felici e onorati di partecipare al Pichuco Festival, un appuntamento che rende omaggio ad Aníbal Troilo, una delle figure più grandi e influenti della storia del tango – spiegano Miguel Angel Zotto e Daiana Guspero -. Per noi, Pichuco rappresenta l’essenza stessa del tango: profondità, eleganza, sensibilità e una straordinaria capacità di emozionare. Sebbene siamo nati in Argentina, le nostre radici familiari sono italiane e l’Italia è il Paese che abbiamo scelto come casa. Vivere qui ci permette di mantenere vivo quel legame profondo che unisce da sempre Italia e Argentina attraverso la cultura, la musica e l’emigrazione. Per questo sentiamo un’affinità speciale con il pubblico italiano, che da decenni accoglie e sostiene il tango con passione e competenza”. “Partecipare al Pichuco Festival ad Archi assume per noi un significato ancora più profondo, perché proprio dall’Abruzzo partirono i nonni paterni di Aníbal Troilo prima di emigrare in Argentina – aggiungono -. Sapere che questo omaggio al grande Maestro si svolge nella terra delle sue origini familiari rende l’evento particolarmente emozionante e simbolico. È come chiudere un cerchio tra le due sponde dell’Atlantico che hanno contribuito a costruire la storia del tango e la stessa identità di Troilo. Essere presenti a questo festival significa quindi celebrare non solo l’eredità artistica di uno dei più grandi musicisti del Novecento, ma anche il legame umano e culturale che unisce Italia e Argentina. Siamo grati di poter condividere la nostra esperienza e il nostro amore per il tango in un evento dedicato a un maestro che continua a ispirare artisti e appassionati in tutto il mondo”.

Miguel Ángel Zotto, considerato il massimo rappresentante del tango argentino nel mondo, si è formato a Buenos Aires con i più grandi maestri della tradizione ed è stato tra i protagonisti della diffusione del tango in Europa dagli anni Novanta. Nel corso della sua carriera ha ricevuto prestigiosi riconoscimenti internazionali e ha fondato la compagnia Tango x 2 e la Zotto Tango Academy di Milano. Al suo fianco danza Daiana Guspero, tra le più autorevoli interpreti del tango a livello internazionale e co-fondatrice dell’Accademia. Insieme si esibiscono nei principali teatri e festival e sono stati ospiti di eventi come il Festival di Sanremo, On Dance di Roberto Bolle e il Concerto di Natale in Vaticano.

La direzione artistica della seconda edizione di Pichuco Festival è curata dal musicista abruzzese Simone Marini, docente di bandoneon al Conservatorio “Luisa D’Annunzio” di Pescara, conosciuto e apprezzato a livello internazionale per i numerosi concerti e spettacoli dedicati al tango. “Anibal Troilo rappresenta senza ombra di dubbio l’essenza del tango, fatta di nostalgia, abbracci e sentimento – spiega Marini -.  Il suo bandoneon è la voce del tango e le sue composizioni musicali sono caratterizzate da fraseggi che creano un’atmosfera emozionante, intima, avvolgente. La particolarità degli arrangiamenti insieme all’aspetto ritmico melodico genera uno stile inconfondibile e difficilmente riproducibile. Troilo rappresenta Buenos Aires nella sua totalità, nei respiri, nelle pause e nelle dolcezze. La sua musica crea un’atmosfera unica, la stessa che sono certo vivremo ad Archi il 25 e 26 luglio quando renderemo omaggio a questo grande personaggio che è stato determinante per la storia del tango a livello mondiale”.

Il programma dell’evento prevede due giornate ricche di musica, ballo, incontri, arte e gastronomia. Il festival si apre sabato 25 luglio con l’incontro “Anibal Troilo Pichuco: tra tango, memoria ed emigrazione” con l’Alto patrocinio della Regione Abruzzo. Tra gli ospiti Francisco Torné, nipote di Anìbal Troilo e membro dell’Academia national del tango, ospite dell’evento per il secondo anno consecutivo, e Goffredo Palmerini, giornalista e scrittore, considerato una delle voci italiane più autorevoli in tema di emigrazione. Il dibattito è accompagnato dagli intermezzi musicali dell’orchestra “Lo Que vendrà” con la straordinaria partecipazione dei maestri Miguel Angel Zotto e Daiana Guspero. A seguire: la performance artistica “Il respiro che resta / El respiro que queda” a cura di Carla Cerbaso e lo spettacolo dei Folk in movimento, gruppo di ballerini che porta in scena la danza tradizionale argentina. In serata la Milonga di gala con la musica dal vivo dell’orchestra “Lo que vendrà” e il cantante Federico Pierro, con la partecipazione dei maestri di tango abruzzesi Monica Chiavarini e Gianluca Viola, Luisa Volpi e Andrea Fischetti, Fabian Brana e Daniela Scalabrini, Martina Cerasoli e Ani Bullaci, e lo spettacolo dei ballerini Miguel Angel Zotto e Daiana Guspero.

L’Orchestra Lo Que Vendrà, protagonista di diversi momenti nella prima giornata del festival, è una delle principali realtà italiane dedicate al tango argentino. Al Pichuco Festival 2026 si esibirà in sestetto, con Daniela Fidanza (pianoforte), Pasquale Lancuba e Fernando Mangifesta (bandoneon), Mario Pace e Angela Di Giuseppe (violini) e Claudio Mangialardi (contrabbasso). Con oltre 200 concerti in Italia e all’estero, l’orchestra ha collaborato con importanti artisti internazionali e realizzato produzioni dedicate alla musica e alla cultura del tango. Tra le collaborazioni più significative spicca quella con il maestro Miguel Ángel Zotto, consolidata negli anni in festival ed eventi di rilievo.

La seconda giornata, quella di domenica 26 luglio, prevede: l’esclusiva visita del borgo e dei suoi palazzi storici; il pranzo “Abruzzo e Argentina: incontro di sapori”; la presentazione del libro “I cinque angoli – Anibal Troilo, storie di tango” di Andreina Di Girolamo, autrice molisana la cui presenza sottolinea il legame di Anibal Troilo con il Molise, in quanto i nonni materni emigrarono da Agnone verso l’Argentina; “Tango, l’arte che ha conquistato il mondo”, un momento esclusivo con Miguel Angel Zotto; la chiusura con la Milonga de despedida. A completare il ricco programma di entrambe le giornate, oltre a esposizioni artistiche e stand gastronomici, la mostra “Toda una vida. La musica, gli affetti e le passioni di Anìbal Troilo” con materiale fotografico inedito che riproduce l’esposizione del Museo Casa Carlos Gardel di Buenos Aires.

Nato a Buenos Aires l’11 luglio del 1914, Anìbal Troilo, con il suo strumento, il bandoneon, ha scritto le musiche da tango più conosciute e apprezzate a livello internazionale, sulle cui note ballerini di tutto il mondo danzano ancora oggi. “Pichuco” – così era chiamato affettuosamente dal padre – ha inciso 485 brani e collaborato con i più importanti musicisti e compositori di tango argentino: da Osvaldo Pugliese a Juan D’Arienzo fino ad Astor Piazzolla. Troilo ha contribuito in modo determinante alla crescita del tango, riconosciuto peraltro dall’Unesco come patrimonio culturale immateriale dell’umanità, tant’è che nel 2005 il Congresso della Repubblica Argentina ha dichiarato la data dell’11 luglio, giorno del suo compleanno, “Giornata nazionale del bandoneon”, strumento al quale il musicista ha dedicato tutta la sua vita. L’eredità artistica che Troilo ha lasciato rappresenta una ricchezza inestimabile dal punto di vista musicale e culturale, le sue melodie hanno segnato la storia del tango e continuano ad emozionare il mondo intero.

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Un inizio straordinario, segnato da un’onda d’urto emotiva che ha travolto i cuori di centinaia di spettatori. Con il toccante rito civile e musicale “Lu Scrusciu di l’Anima: una culla tra le pietre”, svoltosi nella splendida cavea del Teatro Greco di Monte Jato, è stata ufficialmente inaugurata l’edizione 2026 del Festival Lirico dei Teatri di Pietra. Una serata storica in cui la grande musica si è fatta memoria viva, interamente dedicata al ricordo del piccolo Giuseppe Di Matteo a trent’anni dal suo tragico sacrificio.

A dare un’altissima impronta civile alla serata è stata la presenza in platea delle massime autorità nazionali, regionali e locali, unite in un fronte comune di legalità. Il momento di più profonda commozione si è consumato nel silenzio assoluto che ha avvolto la prima fila, dove sedeva Franca Castellese, madre del piccolo Giuseppe: le sue lacrime composte e cariche di dignità hanno scosso il teatro, trascinando l’intero pubblico e le istituzioni in una standing ovation spontanea e interminabile, un abbraccio collettivo contro l’oblio.

La conduzione della serata, affidata alla giornalista Elvira Terranova, ha guidato magistralmente il pubblico attraverso un monumentale programma musicale tessuto dal Coro Lirico Siciliano e dall’Ensemble orchestrale residente, sotto la direzione di Francesco Costa. L’evento si è aperto con la struggente Ninna nanna siciliana interpretata dal soprano Maria Francesca Mazzara, seguita dalla solennità dell’Ode al Creato di Riz Ortolani, affidata alla voce del tenore Alberto Munafò Siragusa per celebrare i 100 anni dalla nascita del compositore e gli 800 anni di San Francesco. La serata è poi decollata con il ritmo travolgente dei Bellamorea, le evocazioni sonore de I Beddi, la raffinata interpretazione di Etta Scollo e gli omaggi spirituali a Battiato e Giuni Russo eseguiti da Rita Botto e Mario Venuti.

Questo memorabile debutto dà il via alla gloriosa programmazione estiva 2026 che, con il claim “Accarezzare Eternità”, proporrà oltre quaranta eventi di livello internazionale nei parchi archeologici più prestigiosi dell’isola e tappe speciali extra-regionali.

I riflettori sono adesso tutti puntati sul prossimo, attesissimo appuntamento: sabato 18 luglio, alle ore 21:00, il festival accenderà l’immenso abbraccio di roccia del Teatro Greco di Siracusa per una monumentale messa in scena di Nabucco di Giuseppe Verdi. Si tratta di un evento di portata storica eccezionale: sarà l’unica opera lirica della stagione estiva 2026 nel tempio aretuseo, una straordinaria prima in tempi recenti eseguita da un cast stellare con il debutto di Elena Mosuc (Abigaille) accanto a Badral Chuluunbaatar (Nabucco), sotto la direzione di Salvador Vázquez e con la regia di Salvo Dolce.

La bellezza ha ufficialmente sfidato il tempo.

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Domenica 21 giugno il Sanpark Adriatic Live Arena l’unica data italiana del tour europeo: adrenalina e musica nella notte-evento con grandi ospiti show 

La musica unica di “Livin’ la Vida Loca” infiamma la Riviera delle Palme. Dopo quindici anni di assenza dai palchi italiani, Ricky Martin torna in Italia e sceglie San Benedetto del Tronto per una notte magica della musica live internazionale. La città marchigiana è l’unica data nazionale del suo tour europeo 2026. L’appuntamento è per domenica 21 giugno, al Sanpark Adriatic Live Arena e mancano pochi giorni per la caccia al biglietto dello show.
Icona del pop latino, il cantante portoricano – che ha incantato il mondo con la recente performance al Super Bowl – porterà sul palco marchigiano successi come ‘per María, La Copa de la Vida, Vente Pa’ Ca’, fino ai brani più recenti. Il pre-show è affidato a Jimmy Sax, seguito dagli open act di Samurai Jay e Fred De Palma. A chiudere la notte l’after show firmato da Gabry Ponte, con RTL 102.5 radio ufficiale dello spettacolo.

L’evento è prodotto da Sideralba Group di Luigi Rapullino, con direzione artistica e comunicazione a cura di The Code Srl e Megasky Group. “Musica, alma e futuro: sarà una notte tutta da vivere. Avere in Italia un artista come Ricky Martin con un’unica data esclusiva per noi non è solo un grande traguardo ma una cifra di speranza per il territorio – spiega Luigi Rapullino – e San Benedetto del Tronto si conferma al centro di grandi eventi internazionali. Non sarà solo un concerto ma un’esperienza che resterà nella storia della nostra città che sa pensarsi e traccia il cantiere del futuro anche con questo grande evento live che segnala la vitalità e la bellezza di San Benedetto del Tronto. Poter vedere giovani da tutta Italia divertirsi con la musica di un grande artista internazionale che fa ballare intere generazioni – conclude Rapullino – ripaga ogni nostro sforzo e ci spinge a fare sempre di più per questo territorio che portiamo nel cuore. Adrenalina per nuove sfide”.

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Messina si prepara a una serata di profonda riflessione estetica e civile. Sabato 9 maggio, alle ore 18.00, l’Auditorium del Palazzo della Cultura “Antonello” ospiterà “POLEMOS – Il conflitto tra Musica, Cinema e Filosofia”, evento centrale della 69ª stagione concertistica dell’Associazione Musicale V. Bellini.

L’evento, ideato da Cesare Natoli, non è un semplice concerto ma un’indagine filosofica in musica. Il fulcro è il concetto eracliteo di pólemos: il conflitto non come mera distruzione, ma come principio generativo e dinamica vitale che attraversa l’esperienza umana. Attraverso il pianoforte e la narrazione, Natoli guiderà il pubblico nel comprendere come la musica possa organizzare il contrasto — tra suono e silenzio, consonanza e dissonanza — trasformando la tensione in forma e relazione

L’esecuzione è affidata all’Orchestra Sinfonica Giovanile di Messina (OSGM), realtà costituita nel 2024 e formata dai migliori talenti del Conservatorio “Corelli” e dei licei musicali cittadini. A dirigere l’ensemble sarà Nazzareno De Benedetto, docente e direttore di solida esperienza formatasi tra Messina e Firenze.

Il rigore scientifico del progetto è garantito dalla statura dei suoi artefici:

• Cesare Natoli: Laureato in Filosofia e Musicologia, è un esperto del rapporto tra suono e pensiero, autore di monografie su Nietzsche e interprete di progetti multimediali dedicati a Kubrick e Pasolini.
• Giovanni Puliafito: Compositore versatile diplomato all’Accademia Chigiana sotto la guida di Louis Bacalov, Puliafito ha curato le trascrizioni e la consulenza musicale, portando la sua esperienza di autore di colonne sonore pluripremiate per il cinema e l’animazione.

Il percorso musicale declinerà il conflitto in molteplici forme: +1

• La fisicità dello scontro: evocata dalle masse orchestrali di Hans Zimmer (Il Gladiatore).
• La memoria e la resistenza: nel lirismo di John Williams (Schindler’s List).
• La tensione interiore e sociale: dal minimalismo di Michael Nyman (Lezioni di Piano) alla fragilità umana raccontata da Ennio Morricone (C’era una volta in America).
• L’ambiguità e la struttura: con brani di György Ligeti e Dmitrij Shostakovich (resi celebri da Eyes Wide Shut di Kubrick) e l’eleganza sospesa di Maurice Ravel.
• L’apertura originale: con la composizione dello stesso Puliafito, Eneide Libro II – Ouverture.

L’Associazione Bellini, presieduta da Giuseppe Ramires, conferma la sua vocazione educativa prevedendo un’anteprima del concerto venerdì 8 maggio alle 10.30, riservata esclusivamente agli studenti delle scuole secondarie. Un’occasione preziosa per i più giovani di approcciare il conflitto non come violenza, ma come spazio di responsabilità e creazione.

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C’è un’idea di teatro che negli anni si è fatta abitudine: sedersi, guardare, applaudire. Tutto ordinato, tutto distante. Alla Pirrera Sant’Antonio – Cava del Baroccoquesta abitudine viene messa da parte il 26 aprile con Le Baccanti, che non si limitano a essere rappresentate ma vengono vissute.

Qui non esiste un palco nel senso tradizionale, né una platea da cui osservare. Lo spazio è aperto, attraversabile, e l’azione si sviluppa dentro quel movimento. Gli attori non si limitano a interpretare, ma instaurano una relazione diretta con chi è presente. Non c’è imposizione, non c’è coinvolgimento forzato, ma una progressiva immersione che rende lo spettatore parte della scena senza trasformarlo in attore nel senso classico.

È questo il tratto distintivo del teatro esperienziale interattivo: mantenere la libertà dello spettatore e allo stesso tempo coinvolgerlo emotivamente e fisicamente all’interno della narrazione. Si resta se stessi, ma non si resta esterni. E quando questo accade, la tragedia smette di essere racconto e torna a essere esperienza.

Le Baccanti, in questo contesto, riacquistano una forza primaria. Dioniso non è più un personaggio distante, ma una presenza che si muove tra le persone. Le menadi non sono figure simboliche, ma tensione concreta, energia che attraversa lo spazio. Il mito non viene spiegato, ma condiviso.

Alla base di questo lavoro c’è il progetto Skené – Vivere il Dramma Antico,ideato e promosso da Dario Aquilina, psicoterapeuta e teatroterapeuta, che ha costruito un percorso capace di riportare il teatro alla sua dimensione originaria. Trasformare lo spettatore della tragedia o della commedia in attore, fargli vivere la magnetica potenza di un Edipo e delle sue figlie, di Elettra e della sua vicenda, o delle donne che attraverso la Lisistrata raccontano una Atene inconsapevole delle proprie fragilità. Un approccio che non punta alla spiegazione, ma all’esperienza diretta.

A portare in scena questo lavoro è il Teatro dell’Anima di Siracusa, composto da interpreti con una formazione solida e articolata. La regia è di Claudia Di Pasquale, attrice e teatro arte-terapista diplomata alla Scuola di Teatro Arte Terapia di Napoli, oltre che Glottodrama Qualified Teacher, che da anni lavora sulla formazione dell’attore e sull’intelligenza emotiva, affiancando all’attività artistica percorsi di counseling individuale e di gruppo in cui relazione, consapevolezza ed empowerment diventano strumenti concreti di crescita.

Con lei Marianna Di Martino, attrice con un percorso che intreccia teatro e cinema, formatasi tra stage con Lee Strasberg, Sergio Rubini e Vincent Riotta, e masterclass con Ivana Chubbuck. Ha lavorato tra Italia e produzioni internazionali, collaborando tra gli altri con Guy Ritchie in Operazione U.N.C.L.E. e con Ficarra e Picone in Incastrati, attraversando generi e linguaggi con una presenza scenica solida e riconoscibile.

Nel gruppo anche Sebastiano Sardo, attore formato tra la Civica “Paolo Grassi” di Milano, la Civica “Nico Pepe” di Udine e la Fondazione Teatro Stabile Due di Parma. Il suo percorso si è nutrito dell’incontro con alcune delle figure più rilevanti del teatro contemporaneo, da Carolyn Carlson ad Armando Punzo, da Dario Manfredini a César Ronconi, costruendo una ricerca attoriale rigorosa e profondamente fisica.

In tutto questo, la Pirrera non è semplice ambientazione ma elemento attivo. La pietra amplifica i suoni, trattiene le parole, restituisce i silenzi. Lo spazio non accoglie lo spettacolo, lo modifica. Ogni movimento assume un peso diverso, ogni voce si espande, ogni presenza diventa più intensa.

Le Baccanti non durano a lungo, ma lasciano una traccia precisa: la sensazione di aver attraversato qualcosa, non semplicemente osservato. Ed è questa la differenza che segna l’esperienza. Il progetto proseguirà nelle settimane successive, ad intervalli, con altri appuntamenti dedicati ai grandi classici, sempre in chiave immersiva: Antigone il 17 maggio, Elettra il 31 maggio, Edipo il 14 giugno e Alcesti il 28 giugno.

Cinque titoli, un’unica direzione: riportare il teatro a essere un’esperienza viva, condivisa, capace di coinvolgere senza imporre e di restare anche dopo la fine della scena.

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18 aprile 2026 Chiasso, Cinema Teatro – “Time Traveler”

20 aprile 2026 Roma, Auditorium Parco della Musica (Sala Petrassi) – “Paris Paris”

24 aprile 2026 Padova, Teatro Verdi – “Last Tango in Berlin”

13 giugno 2026 Venezia, Teatro Goldoni – “From Berlin to Broadway”

4 luglio 2026 Pisa, Chiostro del Museo dell’Opera del Duomo – rassegna Musica Sotto la Torre

8 luglio 2026 Bari, Teatro Petruzzelli – rassegna Extra 2026

Mancano pochi giorni all’inizio del tour italiano di Ute Lemper, uno degli appuntamenti più attesi della primavera 2026, che porterà l’artista in tre città – Chiasso (18 aprile), Roma (20 aprile) e Padova (24 aprile) – con tre concerti diversi, pensati come tappe di un unico percorso artistico.

A rendere ancora più ricco questo momento è anche l’annuncio delle prime date del tour estivo, che vedranno Ute Lemper protagonista il 13 giugno a Venezia al Teatro Goldoni con il progetto sinfonico “From Berlin to Broadway”, accompagnata dalla PN3Orchestra diretta da Valter Sivilotti, solista Andrea Dindo al pianoforte, per poi proseguire il 4 luglio a Pisa, nella cornice del Chiostro del Museo dell’Opera del Duomo, e l’8 luglio a Bari al Teatro Petruzzelli.

Tra le tre tappe primaverili, è Roma a rappresentare il cuore simbolico della tournée. Il 20 aprile all’Auditorium Parco della Musica, Ute Lemper porterà in scena “Paris Paris”, il suo nuovo progetto dedicato alla grande chanson française. Un concerto che si annuncia tra i più raffinati della stagione e per il quale sono questi gli ultimi giorni per accedere allo sconto del 30% sul prezzo del biglietto al link https://www.ticketone.it/event/ute-lemper-paris-paris-auditorium-parco-della-musica-ennio-morricone-20980734/?affiliate=PIT

“Paris Paris” è un viaggio nella Parigi più poetica ed evocativa: tra le note di Édith Piaf, Jacques Brel, Léo Ferré, Charles Trenet e Barbara e le parole di Jacques Prévert, prende forma un universo fatto di notti lungo la Senna, amori sospesi e atmosfere intrise di malinconia e bellezza. Un racconto musicale intenso e cinematografico, in cui la voce di Lemper diventa guida e presenza scenica di rara eleganza.

Ad accompagnarla nel tour (con esclusione della tappa veneziana), tre musicisti di straordinario profilo internazionale: il pianista Vana Gierig, il contrabbassista Giuseppe Bassi e l’accordionista Ludovic Beier, per una formazione capace di restituire tutte le sfumature di un repertorio senza tempo.

Artista tra le più complete e riconosciute a livello mondiale, Ute Lemper ha costruito una carriera eccezionale, spaziando dal teatro musicale al repertorio d’autore, dalle interpretazioni di Kurt Weill e del cabaret berlinese fino ai successi a Broadway e nel West End. Premi come il Laurence Olivier Award e il Premio Molière ne attestano il talento, così come una presenza costante nei più importanti teatri internazionali.

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  Un’opera meditativa che sfida i generi e conquista pubblico e critica.

Il Monaco che vinse l’Apocalisse, scritto e diretto da Jordan River, entra ufficialmente nella Top Five dei film Fantasy sulla piattaforma, confermando il crescente interesse del pubblico italiano. Tra i film più visti in Italia su Prime Video si distingue un titolo Fantasy che, in realtà, abbraccia molteplici registri narrativi.

Il film, già tra i più visti all’estero su Prime Video, si caratterizza per un approccio meditativo e per un’esperienza sensoriale che supera i confini dell’intrattenimento tradizionale. La natura del protagonista, i temi affrontati e la pluralità dei registri stilistici hanno portato molti spettatori a definirlo un unicum nel panorama cinematografico contemporaneo.

Fin dalla sua uscita in sala, l’opera ha sfidato ogni tentativo di classificazione: c’è chi l’ha interpretata come spiritual-action, chi come mystery, chi come fantasy. Il recente posizionamento nella categoria Fantasy in Italia rappresenta una sorpresa significativa e un ulteriore riconoscimento della sua complessità narrativa.

Gli spettatori hanno individuato numerosi rimandi cinematografici: Il nome della rosa, nella sua declinazione più contemporanea; le dimensioni oniriche e mistiche di Il Trono di Spade, Al di là dei sogni e The Sandman; le atmosfere estreme e contemplative di Revenant – Redivivo, richiamate in alcune sequenze ambientate sulla neve.

Il film sorprende anche per la sua particolare temporalità interna: una prima parte lenta e contemplativa, un ribaltamento narrativo nella seconda, un epilogo mistico e metafisico che intreccia viaggio interiore e profezia, nella terza, che chiude i tre livelli narrativi.

Vita, morte e redenzione si intrecciano in un percorso che alterna oscurità e riverberi di luce. La drammaturgia lascia progressivamente spazio a una dimensione esegetica, dove la forza del pensiero e della parola diventa la vera energia che muove la storia.

Il successo del film conferma la potenza di una narrazione capace di dialogare con il presente attraverso una visione antica e profetica. “Questo risultato testimonia quanto il pubblico sia ancora disposto a lasciarsi interrogare da storie che uniscono epoche, linguaggi e coscienze”, hanno affermato dalla Distribuzione del film.

“Il Monaco che vinse l’Apocalisse” sarà ancora disponibile gratuitamente per tutti gli iscritti Prime Video: https://www.primevideo.com/-/it/detail/0OAJ9GTGXA31ZTRXZOMCBSSCEV/.

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Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montodoro riportano in scena le canzoni italiane che hanno segnato la memoria collettiva di più generazioni

Ieri sera ho avuto la fortuna di assistere a uno spettacolo da pelle d’oca, che sa di memoria  e di casa: “Gli indimenticabili” al Teatro Golden. Ho avuto la sensazione di entrare in sala con la mia giornata addosso (pensieri, corse, rumori) e di uscirne un po’ più leggera, come quando una canzone ti rimette in ordine senza chiederti permesso. Canzoni suonate dal vivo, contributi multimediali, storie e aneddoti che si intrecciano come pagine di un diario: un viaggio musicale capace di farci ritrovare, tutti, nello stesso ritornello.

Perché i cantautori fanno questo: prendono la realtà, la impastano con le parole e la restituiscono in musica. E in scena questa forza si sente tutta: la scuola genovese con il suo mare e i suoi ultimi, la scuola romana con le sue strade e le sue confessioni a mezza voce, e poi quelle voci che non invecchiano mai perché parlano di cose che non passano: l’amore che resta, quello che scappa, la libertà e le scelte sbagliate.

Sul palco Toni Fornari, Emanuela Fresi e Simone Montedoro non “ripetono” semplicemente dei grandi successi: li attraversano. I tre protagonisti sono eccezionali. I brani li fanno respirare nel presente, con un equilibrio bello tra ironia e delicatezza, tra racconto e interpretazione. E così l’omaggio diventa un abbraccio a nomi che hanno segnato generazioni: Domenico Modugno, Lucio Dalla, Gino Paoli, Franco Califano, Antonello Venditti, Vasco Rossi, Francesco Guccini: è riconoscersi, ancora una volta, dentro parole che sembrano scritte per noi anche se le abbiamo ascoltate mille volte.

E poi c’è la parte visiva: immagini, filmati, interviste, frammenti che arrivano come lampi e aprono una finestra su un’epoca, su un volto, su un dettaglio dimenticato. A volte basta un fotogramma, una frase detta piano, un accordo che parte al momento giusto… e ti ritrovi con un nodo in gola e un sorriso che arriva prima di te.

La cosa più bella è vedere come queste canzoni creino una piccola comunità, anche solo per un’ora: qualcuno canticchia, qualcuno resta in silenzio, qualcuno si guarda intorno come per dire “anche tu la sai, vero?”. E lì capisci che certi brani non appartengono a un’età precisa: appartengono ai momenti. A quando ci siamo innamorati, a quando ci siamo rialzati, a quando avevamo bisogno di una frase che ci facesse compagnia.

“Gli indimenticabili” è un tributo alle canzoni italiane che abbracciano intere generazioni: quelle che ti hanno cresciuto, quelle che ti hanno salvato in silenzio, quelle che ti riportano immediatamente dalla stessa parte di chi ami.

Se vi va di emozionarvi sul serio, portate qualcuno a cui volete bene: vi ritroverete a ridere, a cantare sottovoce e, senza accorgervene, a fare spazio dentro. E uscirete con una canzone in testa e qualcuno nel cuore: “sempre e per sempre dalla stessa parte mi troverai”.

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Ideato da Grazia Marino e Antonio Falanga, prodotto da Spazio Margutta e realizzato in collaborazione con CNA Artigiani Imprenditori d’Italia, il progetto si inserisce nel calendario ufficiale della Giornata Nazionale del Made in Italy, istituita dal Ministero delle Imprese e del Made in Italy.

Grazia Marino e Antonio Falanga

Patrocinato dall’Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda del Comune di Roma e dell’Associazione Internazionale Via Margutta, il “Margutta Creative District” nasce con l’obiettivo di valorizzare e promuovere il talento, la manifattura e l’ingegno italiano attraverso formule espositive innovative, capaci di coniugare tradizione e contemporaneità. Cuore pulsante dell’edizione 2026 sarà il potenziamento del dialogo tra brand e artigiani, intento ad esaltare l’identità di ciascun protagonista.

Anche in questa edizione si celebra la scelta strategica e fortemente simbolica di collocare i brand e gli artigiani all’interno delle storiche gallerie di Via Margutta. Non semplici spazi espositivi, ma autentici luoghi di cultura e ispirazione, che da sempre rappresentano un punto di riferimento per artisti, creativi a livello internazionale. Questa decisione amplifica il valore dell’iniziativa, trasformando ogni esposizione in un’esperienza immersiva, capace di raccontare storie, processi e visioni.

Elenco dei Brand, artigiani e delle Gallerie di Via Margutta protagoniste al MCD 2026

I Brand CNA: La Bottega del Restauro di Angelo Scalzo, Kartaruga, Luisa Negro Jewels, Mu Design, Bijoux Espresso, Il Guado di Elena Balsamini, Valentina Poltronieri, Terrecotte D’Arte di Laura Buzzetta, ed infine il progetto “WeLoveModainItaly” per la Giornata Nazionale del Made in Italy con la mostra di “mini bambole modelle” vestite made in Italy da realtà artigiane e PMI di CNA Federmoda.

I brand di Spazio Margutta: Emilio Schuberth, Gaia ItalianHandmade Jewellery, Azzurra Di Lorenzo, Elio Guido, JaJo madeinitalty, Arredo’.

Le Gallerie di Via Margutta, che ospitano nei propri spazi i vari brand e artigiani del MCD: Gioielleria Fratelli Petochi, Il Margutta veggy food & art, Margutta Design, Sergio Nesci, L Marine Group, Galleria La Nuvola, Sesto Senso Art Gallery, HENRYTIMI roma, Spazio Margutta, Galleria d’Arte Marchetti, Margutta Home e Serra.

Le gallerie diventeranno così veri e propri Atelier contemporanei, dove il pubblico potrà entrare in contatto diretto con i protagonisti del Made in Italy, scoprendo da vicino l’eccellenza dei materiali, la cura del dettaglio e l’unicità delle lavorazioni artigianali. Un percorso diffuso che valorizza il tessuto urbano e culturale di Via Margutta, restituendole il ruolo di crocevia internazionale della creatività.

I Talk del Margutta Creative District

Ad arricchire ulteriormente il programma, nei tre giorni di esposizione sono previsti importanti talk e momenti di approfondimento dedicati al valore dell’artigianato italiano e alla storia dell’Alta Moda, con particolare attenzione al periodo iconico della Dolce Vita.

Il primo talk, in programma al Margutta Home il giorno 14 aprile p.v. alle ore 17.00 e promosso dalla CNA avrà come titolo “Made in Italy: “Il Saper Fare che crea valore” moderato da Giulia Rossi Semiologa della moda, del cibo e del “Made in Italy”. I protagonisti saranno: Elena Balsamini Presidente Nazionale Coordinatrice CNA Unione Artistico e Tradizionale, Michelangelo Melchionno Presidente CNA Lazio, Olivia Monteforte Presidente Nazionale CNA Moda “Su misura” e Stefano Palermo Professore ordinario di Storia economica – La Sapienza Università di Roma.

Il secondo talk promosso da Spazio Margutta, che si terrà sempre al Margutta Home il giorno 15 aprile p.v. alle ore 18.00 dal titolo: “La Moda … negli Anni della Dolce Vita” moderato da Cinzia Malvini giornalista e conduttrice di rotocalchi televisivi moda su LA7 vedrà come relatori: Stefano Dominella Vicepresidente della Sezione Moda, Design e Arredo di Unindustria, Mariella Milani giornalista digitale, scrittrice e opinionista e Paola Cacianti giornalista di moda, cultura e costume.

Le Experience Live degli artigiani a Spazio Margutta

Inoltre, nella giornata del 15 aprile, Spazio Margutta ospiterà esclusive experience dal vivo: designer e artigiani daranno vita a vere e proprie performance creative, lavorando in tempo reale davanti al pubblico. Un’opportunità straordinaria per osservare da vicino i processi produttivi, comprendere il valore del saper fare e vivere un’esperienza autentica che celebra la manualità, la ricerca e l’identità del lavoro artigianale contemporaneo.

Con il “Margutta Creative District” si rinnova l’impegno a sostenere e raccontare il Made in Italy attraverso linguaggi contemporanei e contesti di alto profilo. Un hub dinamico ricco di incontri, scambi e valorizzazione, capace di generare nuove opportunità per i brand e gli artigiani coinvolti, rafforzando al contempo l’immagine di Roma come capitale dell’arte, del design e dell’innovazione.

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