Una mostra incentrata sul tema della guerra, delle catastrofi e della rinascita.  Lunedì 16 marzo alle ore 17,30  l’inaugurazione nell’ex Navata nel Palazzo dell’Emiciclo, con un intervento del critico d’Arte Antonio Gasbarrini. La mostra resterà aperta fino al 31 marzo. L’ evento rientra nel calendario di L’ Aquila Capitale Italiana della Cultura 2026

Patrocinata dalla Regione Abruzzo, Comune dell’Aquila, Comune di Lanciano ed organizzata
dall’Associazione Culturale Ericle D’Antonio di Rocca San Giovanni, la mostra personale
dell’artista abruzzese di valenza nazionale Paolo Spoltore sarà inaugurata nell’ex Navata nel
Palazzo dell’Emiciclo della città capoluogo lunedì 16 marzo alle ore 17,30 e resterà aperta fino
al 31 marzo.
Nel giorno dell’inaugurazione, oltre alla presenza dell’artista, Autorità Regionali e Comunali
porteranno il loro saluto, mentre il critico d’arte Antonio Gasbarrini interverrà sul senso, non solo
estetico, di questa mostra incentrata sul tema delle catastrofi (terremoto nel cratere sismico
dell’Aquila del 2009 e le guerre in Ucraina e Palestina), tema affrontato tra il 2009 e il 2026 con gli
appositi cicli creativi Cuori pietrificati, Guerra perché? e Cosmogonica.
In ognuna delle 20 opere accomunate dall’eloquente titolo Cuori pietrificati, realizzate tra il 2009-
2010 quale tributo alle oltre trecento vittime del sisma, la metafora visiva del dolore e del lutto, è
stata concentrata su cuori realizzati in marmo. Posti su uno sfondo in ceramica frantumata e
racchiusi dentro un contenitore in legno a mo’ di scrigno, nonché posizionati su leggii anch’essi
lignei, quale memoria storica d’una identità collettiva tesa a ricordare la catastrofe ed a collegare,
temporalmente, passato, presente e futuro. Un presente reinterpretato nel corso di quest’anno con 4
nuove opere in cui i toni cromatici e simbolici meno lancinanti annunciano l’avvento dell’agognata
meta della Rinascita.
Rinascita inserita dall’artista all’interno di una Natura benigna rivisitata con una visione metafisica
incentrata sul ciclo Cosmogonica (Terra, Acqua, Aria, Fuoco). Completano infine – quella che
nell’insieme della mostra può essere considerata una prurinstallazione site-specific – le 7 sculture a
tutto tondo in ferro, pietra e legno del ciclo Guerra perché? in cui già i titoli Spirale con volto e
droni, Strage a Gaza e a Bucha, ci riportano drammaticamente ai bui, insanguinati giorni che
stiamo vivendo nelle nostre lacerate coscienze.

Nel testo in catalogo, scrive tra l’altro il curatore Antonio Gasbarrini: «Il suo approfondimento
dell’idea di base sviluppata con appositi progetti mentali, avviene all’interno di cicli in cui ogni
opera – dalla prevalenza pittoscultorea –, attraverso le varianti cromatiche e plastiche, dialoga con
le altre in una sorta di concerto sinfonico visivo. È quanto si può constatare subito in questa sua
mostra personale nell’ex Navata della non più esistente seicentesca chiesa francescana S. Michele
Arcangelo all’Emiciclo, in cui tre percorsi tematici diacronici (Cuori pietrificati, Guerre e
Cosmogonica), sintetizzano al meglio il suo “diapason umanistico” teso ad accordare la stonata e
frastornante realtà esistenziale con un travalicamento creativo a 360 gradi foriero di arcobalenici
barlumi anche nei disperanti contesti che quotidianamente ci assediano a livello mediatico».

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Una riflessione filosofica che indaga la natura della domanda come origine stessa dell’esperienza estetica. L’arte emerge come espressione della tensione umana verso il senso: non risposta definitiva, ma processo di ricerca, liberazione dell’io e rivelazione di una verità interiore

Nel breve estratto di “Breviario di Estetica” Benedetto Croce si pone l’ interrogativo sull’arte. Per quanto diretto possa apparire, si espande oltre la pallida definizione per indagare invece l’essenza della domanda stessa.

Non siamo semplici animali pulsionali, siamo uomini, e quanto di più umano è in noi è la necessità del domandare: è il sintomo dell’impattante schianto della nostra coscienza insaziabile contro lo schiacciante apparire delle cose.

Non bisogna pensare che questa sia una fittizia questione esistenziale al di fuori della particolare definizione dell’estetica perchè, ogni domanda particolare, è pervasa dalla radice universale del ricercare e quindi, per rispondere a “Che cos’è l’arte?”, bisogna innanzitutto capire “Cosa è la domanda?”.

Noi domandiamo ciò che crediamo sconosciuto, eppure, nel nostro stesso interrogare, “conosciamo” e “qualifichiamo” una “certa notizia” della ricerca, senza laquale “non si  potrebbe neppure muovere quella domanda”. Benedetto Croce delinea quindi il carattere essenziale del domandare come presentimento di risposta, ma ne conclude che “è ciò che tutti sanno cosa sia”.

Tuttavia, nonostante l’indagine stessa sia sintomo dell’esito, questo non implica direttamente la conoscenza di tale, ma solo di una parte, quindi di un “modo”, del tutto, quindi della “sostanza” della risposta stessa. Da qui bisogna quindi partire per dedurre la risposta al quesito iniziale: dall’essenza del domandare a cosa è l’arte.

Si potrà infine dare una definizione generale?

L’arte è forse la diretta conseguenza della esigenza di chiarezza: la necessità di unità e quindi di plasmare la risposta come

liberazione dalla domanda.

La domanda conosce la risposta?

Innanzitutto noi viviamo per domandare. Questo concetto è alla base non solo di ogni filosofia, ma addirittura dell’esistenza dell’uomo. Socrate avrà pur forse reso il mondo consapevole della grande virtù che è la ricerca, ma consciamente o no l’uomo è sempre stato esigenza di chiarezza e quindi di indagine, la “malattia” del pensiero.

Da qui non servono altre dimostrazioni per spiegare la necessità innata dell’uomo di essere “domanda di senso”, alternativa sarebbe vivere come amebe, concretamente non dotate di pensiero. La questione è quindi un’altra: la domanda conosce già la risposta?

Non sarebbe ragionevole né dire “si”, tantomeno “no”, quanto invece entrambe.

Nel primo caso ci troveremmo in un assurdo in quanto se la domanda conosce totalmente la risposta allora questa cessa di essere ignota e quindi non è più domanda.

Nel secondo caso invece, per determinarne l’impossibilità, è necessario stabilire innanzitutto un ordine causale tra le due azioni: viene prima la risposta e poi la domanda. Non bisogna pensare che questo elimini il ragionamento logico anzi, la domanda nasce dall’esistenza e dal pre-sentimento della risposta.

In altre parole, quando domandiamo è perché conosciamo fino ad un certo grado la risposta, altrimenti non nascerebbe in principio la prima.

Da qui si deduce che solo tra i due estremi esiste la domanda, se si elimina uno dei due difatti questa non può esserci. In sostanza la mia stessa indagine è sintomo di una “aletheia” (intesa come rivelazione), che conosco però solo come percezione e di cui quindi me ne manca la coscienza. Rimanendo negli stessi termini possiamo pensare all’Interpretazione dei sogni di Freud: il mio sogno è la risposta che l’inconscio crea, i limitati ricordi al mio risveglio sono sintomo limitato e solo infine c’è la domanda del conscio che ricerca e, soprattutto, dà e crea il senso in relazioneal mio Es, Io e Super-io.

Il punto fondamentale è questo, la domanda costituisce il nucleo della risposta, ma il resto ha senso e si completa solo in relazione a me. La ricerca è quindi la “maieutica” di una conclusione che è plasmata dentro di me e dove divento “misura

di tutte le cose”. La questione dell’indagine si inserisce in un ambito ancor più vasto dell’estetico perché corrode ogni sistema che si tenta di costruire su delle verità.

Ritornando all’origine della domanda ci si interfaccia necessariamente al contrasto tra esigenza di risposta e silenzio della realtà, mutismo scaturito dalla gratuità di tutte le apparenti cose a cui non si trova senso. L’arte si inserisce allora proprio in

questo contesto come espansione e anzi massima realizzazione della nostra natura dubbiosa e della risposta spesso mai definitiva, e forgia su questa creazione l’intera liberazione facendo sorgere in noi la verità.

Allora l’unica certezza che abbiamo è la domanda e quindi la coscienza della questione, dopo siamo certi unicamente di non sapere, perciò, l’unica ragionevole risposta diventa “pars construens” della verità a cui ambiamo, che non si può espandere nell’universale significato ma solo nell’invito generale alla verità che è in me: “Scavar devo profondo come chi cerca un tesoro” (Umberto Saba, Lavoro).

Che cos’è l’arte? È ciò che tutti sanno cosa sia?

Dopo aver chiarito esaurientemente la natura universale della domanda e invero la

stretta correlazione , possiamo veramente dire di sapere che l’arte è ciò che tutti

sanno cosa sia?

Alla luce delle precedenti considerazioni questo risulterebbe del tutto irrealistico perché della risposta alla domanda di senso dell’arte noi abbiamo solo un sintomo, e su quello si deve plasmare la nostra conoscenza: l’arte è quello che noi cerchiamo cosa sia.

La natura dell’arte corrisponde strettamente a quella della domanda alla ricerca della risposta.

L’arte è nata come liberazione dell’io, come urlo non stroncato del fanciullino che è in noi e che chiede di essere ascoltato, come espressione dell’esistenza dell’individuo e della sua necessità di chiarezza. Il sintomo che in questo caso la domanda ci fa presentire è quello del soggettivismo: quando chiedo cos’è l’arte dovrei formulare la mia risposta a partire dalla creazione “maieutica” dell’uomo in rivolta che è in me e che vuole un senso.

Questa è l’unica certezza che si può avere davanti alla spaventosamente maestosa questione dell’arte. “Se il mondo fosse chiaro, l’arte non esisterebbe” diceva Camus trovando in questa, nella creazione, la rivolta dell’uomo alla assurdità del mondo.

Se così interpretata allora, Benedetto Croce nel dire “l’arte è ciò che tutti sanno cosa sia” afferma che di fronte al mistero e all’incertezza di tutto questa solo plasma ed è plasmata dall’uomo ed allora è l’unica conoscenza che questo può avere con

certezza in quanto eco della sua più intima voce.

L’arte viene quindi vista come chiave per le nostre verità più intime e anche massima realizzazione e liberazione.

Si potrebbe ritenere poco ragionevole pensare di poter applicare questa definizione ad ogni forma creativa in quanto snaturerebbe l’opera (intesa come qualunque creazione artistica) dalla sua reale identità conferitagli dall’autore. Per certi versi questo è vero, non si può pretendere di ritrovare la propria voce in egual misura da un’opera del Caravaggio, indiscutibilmente perfetta, ma propria di un significato imprescindibile, e da un’opera d’arte moderna, certamente meno curata e astratta, ma proprio per questo liberazione di un proprio atto di significato.

Non per questo comunque l’opera perde il suo spirito di verità, che in ogni modo chiede di essere non solo vista ma guardata e quindi percepita con il proprio senso ed il proprio criterio.

La più alta espressione estetica dell’arte come ricerca resta quindi quella che dà libero sfogo all’io lettore e chiede di trovare senso nel proprio significato che èsempre segno dell’intimo grido. Esempio ne è la poesia onesta (termine proprio

dell’opera di Umberto Saba), complessa ma vera, che non spiega ma lascia spiegare,arte che all’apparenza è semplice e silenziosa. Eppure proprio questo confronto tra la nostra insaziabile esigenza di spiegazioni e l’apparente mutismo dell’arte si svela solo “amando la verità che giace al fondo”, andando oltre e facendo invece parlare la nostra voce.

Resta valida la critica di lunga tradizione dei poeti come assassini del vero, da Omero (“Molto mentono gli aedi!”) a Nietzsche. Tuttavia questa consiste solo nella poesia animata dal “divino ritmo” che seduce a false verità. Invece i versi che non pretendono di significare nella loro illusione ma solo nella loro semplicità penetrante vale la definizione di arte creatrice di verità, voce dell’inconscio, quel sintomo che tutti pensano di sapere cosa sia, eppure tutti cercano.

Conclusione

Trovare risposte è il grande disagio dell’uomo, il suo amore per la chiarezza ne è la condanna. Eppure siamo tutti , e non possiamo fuggirne, domande di senso.

Siamo uomini pregni di domande e vuoti di risposte direbbe Heidegger, eppure ci siamo rivoltati ed abbiamo accettato la necessaria esistenza di una risposta in un mondo che sembra non darne. Allora l’arte è forse proprio questo: dall’unico sintomo di verità che ci è dato, noi dobbiamo scoprirne la consistenza e plasmare il nostro senso.

Paolo Arces

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In occasione del trentennale della Fondazione Federico II dell’Assemblea regionale siciliana e del centenario della morte di Claude Monet, il Palazzo dei Normanni a Palermo si conferma crocevia culturale tra Mediterraneo e Nord Europa. In mostra “Tesori Impressionisti: Monet e la Normandia”, novantasette opere provenienti dalla prestigiosa collezione Peindre en Normandie, dal MuMa di Le Havre e da raccolte private. I dipinti documentano un percorso ideale che esplora il legame a filo doppio tra l’impressionismo e il laboratorio creativo che fu la Normandia, regione atlantica della Francia. Il percorso espositivo si focalizza, appunto, sulla Normandia non solo come soggetto geografico, ma come vero e proprio laboratorio a cielo aperto. È in queste terre, tra le scogliere di Fécamp e le rive della Senna, che artisti come Monet, Renoir, Courbet, Corot e Morisot hanno rivoluzionato la pittura abbandonando gli atelier per la pratica en plein air.

Tra i lavori di spicco figura “Il mare a Fécamp” di Monet, dove il movimento dell’acqua si fa pura vibrazione cromatica. Monet si allontana dalla rappresentazione statica del paesaggio per concentrarsi sulla dinamicità delle onde. La mostra, curata da Alain Tapié, è allestita presso le sale intititolate al Duca di Montalto. È  strutturata in cinque nuclei tematici che guidano il visitatore attraverso i diversi volti del paesaggio normanno: la fattoria Saint-Siméon, che è il celebre luogo di ritrovo degli artisti; la villeggiatura: il litorale come spazio di svago borghese; il lavoro, cioè la fatica quotidiana di pescatori e lavandaie; la terra normanna come espressione della poetica dei borghi e delle campagne; infine, il fiume tra gli alberi, ovvero, lungo la Senna verso Parigi.

Oltre alla componente pittorica tradizionale, la mostra integra tre installazioni immersive che utilizzano video-proiezioni e intelligenza artificiale per approfondire i temi dell’aria aperta e dei cieli impressionisti, includendo un omaggio post-impressionista a Van Gogh. Sembra proprio di immegersi nell’atmosfera del tempo, delle sfumature e delle forme dell’ impressionismo tra pennelli, colori e la proiezione animata sulle volte delle Sale Duca di Montalto.

Completa la mostra una sezione didattica dedicata ai rapporti storici tra la Sicilia e la Normandia, pensata per il pubblico più giovane. L’iniziativa sottolinea la continuità storica tra normanni e siciliani, legati da una comune radice dinastica che risale alla conquista degli Altavilla, iniziata nel 1061. Dopo avere sconfitto potentati e governatori musulmani e aver restituito l’isola al cristianesimo, nel 1130 la dominazione normanna instaurerà il regno di Ruggero II. Fu uno dei periodi più felici della Sicilia e di Palermo capitale.

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Un linguaggio caratterizzato di pathos religioso che si apre a un ritmo tra l’antica ballata e le “consuete” filastrocche a volte di atmosfera popolare e medievale. Son tanti gli artisti che nelle loro strofe hanno scritto di Francesco: da Claudio Baglioni a Bruno Lauzi,  dai Vianella, a Fabrizio De André, da Rita Pavone a Simone Cristicchi: una lettura lungo i passi di Francesco in musica e parole.

Pierfranco Bruni

Il racconto di Francesco (San Francesco d’Assisi) nella canzone italiana ha tracciato “misure” onriche e visione “orante” oltre a un linguaggio caratterizzato di pathos religioso che si apre a un ritmo tra l’antica ballata e le “consuete” filastrocche a volte di atmosfera popolare e medievale. Dietro sembra esserci il canto di un Frate definito il “folle di Dio”.
E comunque è il senso della pietà che prevale come se si raccontasse attraverso Francesco la “storia della pietà”.
D’altronde è un concetto chiave che rimanda a due parametri spirituali e metafisici: quello di don Giuseppe De Luca e quello di Simon Weil.
Il primo che ha fatto del suo essere un principio in cui il concetto francescano è stato una guida con “È nel dare che si riceve”. Il secondo parametro ci restituisce “una santità geniale” proprio come ebbe a dire Simon Weil, la quale era convinta nello scrivere che “Oggi non è sufficiente essere santo: è necessaria la santità che il momento presente esige, una santità nuova, anch’essa senza precedenti…Un nuovo tipo di santità è qualcosa che scaturisce d’improvviso, una invenzione”.
Un pensiero in cui la Provvidenza è il senso di tutto il viaggio spirituale. Proprio sulla base di ciò la canzone, e direi il canto, delle parole assume una valenza prioritaria nel dialogo o nel dialogare degli uomini. C’è una dimensione, comunque, provenzale che rende la parola stessa intrisa di un affascinante misticismo.
Quel misticismo “bello, splendido, glorioso nella sua innocenza, nella semplicità del parlare, nella purezza del cuore, nell’amore di Dio, nella carità verso I fratelli, nella prontezza, nell’obbedienza, nella gentilezza dei modi, nell’aspetto angelico”, come scrisse il suo primo biografo Tommaso da Celano.
Qui subentra la canzone come nel testo che scrive Sergio Endrigo insieme a Vinicius de Moraes, nel 1972, nell’indicare Francesco che  “porta in braccio Gesù”. Ovvero:
“Guarda San Francesco sul suo cammino
che porta in braccio Gesù Cristino
inventa giochi per il bambino
racconta favole all’uccellino”.
I segmenti francescani nella canzone hanno un immaginario che lega la preghiera al Cantico di frate Sole.
Penso a Claudio Baglioni che cantò “Fratello Sole, sorella luna” o alla “Preghiera semplice” adattate nel 1972 per il film di Zeffirelli. O addirittura a Rita Pavone che nel 1964 incise un brano dedicato a San Francesco:
“Tutto il mondo voglio amar
Voglio amarlo come te
San Francesco con la tua bontà
Prego, tendimi la mano”.
Oppure al brano dei Vianella del 1973 in cui si legge che “San Franseso è er santo prediletto…”.
Già nel 1970 Fabrizio De André con “La “Buona Novella” aveva dato a Gesù  il senso che Francesco avrebbe posto nel suo Cantico e più volte i temi francescani ricorrono nei suoi testi  sino agli ultimi anni della sua vita. Francesco è un linguaggio rispettoso in De André ma anche uno scavo che può leggersi come etica della comparazione.
Una sua poesia inedita crea addirittura una comparazione tra l’uomo e il Divino. Si dice che in una telefonata con un giornalista del “Corriere della Sera” Fabrizio pare abbia detto: “Sono convinto che alla mia età san Francesco avesse molta più energia di me. Come lui, ho sempre avuto due chiodi fissi: l’ansia di giustizia e la convinzione, presuntuosa, di poter cambiare il mondo”.
Anche Bruno Lauzi dedica nel 2002/03 a San Francesco un testo dal titolo “Cantico”. Come se fosse una lettura del suo San Francesco:
“Laudato si, Signore, per tutte le cose che hai creato
Per il sole e le stelle, per la luna e il firmamento”.
Numerosi sono, come si sa, i cantautori che si sono occupati di Francesco. Questo è soltanto una parziale e quindi incompleta lettura lungo I passi di Francesco in musica e parole. Il discorso è molto più vasto e complesso e andrebbe verificato ma casellare è già un dato significativo.
Tra gli autori potremmo citarne tanti e tra questi Simone Cristicchi con il suo “Franciscus. Il folle che parlava agli uccelli”, ovvero il mistero e il sacro che dialogano nel reale dell’infinitudine.
Una linea mistica tra Oriente e Occidente sulla linea francescana  resta certamente quella di Franco Battiato che cantò con Branduardi “Il Sultano di Babilonia e la Prostituta”. Un testo di Branduardi basilare  in un frammentario viaggio tra la preghiera laica e la religiosità dell’anima. Un canto arcano e penetrante nell’arcaico dei saperi:
“Frate Francesco partì una volta per Oltremare
Fino alle terre di Babilonia a predicare
Coi suoi compagni sulla via dei Saracini”.
È certo che Angelo Branduardi resta fondamentale in questo “piccolo” viaggio sulle orme di San Francesco. Si pensi a “Linfinitamemte piccolo” del 2000. Una composizione base in un misticismo della parola che definisce il “poeta del Vangelo” con delle sottolineature profondamente metafisiche come: “Non appoggiarti all’albero: deve seccare. Appoggiati a Dio, a Dio soltanto” o “Tu sia lodato, mio Signore, per quelli che perdonano in nome del tuo amore”.
Un “affresco” di una religiosità profonda che richiama echi di una visione provenzale tra linguaggio e musica in un’atmosfera in cui il paesaggio è Natura di Dio. È come se ritornasse sulla scena “L’umiltà è soprattutto una qualità dell’attenzione” di Simon Weil.
Un tratto peculiare posto in evidenza soprattutto da Bonaventura da Bagnoregio che gli fa dire: “Pur vivendo nel mondo, egli imitò talmente la purezza degli Angeli, da essere proposto ad esempio ai perfetti imitatori di Cristo”.
Imitatori di Dio.
Un cammino che ha nei Fioretti il tempo mistico e nel Cantico il tempo sublime. La canzone dunque ha la sua verità metafisica in cui l’Assoluto non ha mai un limite pur essendo, come sostiene Francesco Grisi,  cristiani volenti o nolenti. Il tutto in  un’attesa mistica nel sublime dell’Assoluto. Tra la preghiera il canto la musica.

***

Pierfranco Bruni è nato in Calabria. Archeologo, direttore del Ministero dei Beni Culturali e, dal 31 ottobre 2025, membro del CdA dei Musei e Parchi Archeologici di Melfi e Venosa, nominato dal Ministro della Cultura; presidente del Centro Studi “Francesco Grisi” e già componente della Commissione UNESCO per la diffusione della cultura italiana all’estero.

Nel 2024 è stato Ospite d’onore per l’Italia per la poesia alla Fiera Internazionale di Francoforte e Rappresentante della cultura italiana alla Fiera del libro di Tunisi.

Incarichi in capo al Ministero della Cultura:

Presidente Commissione Capitale italiana città del Libro 2024;

Presidente Comitato Nazionale Celebrazioni centenario Manlio Sgalambro;

Segretario unico comunicazione del Comitato Nazionale Celebrazioni Eleonora Duse.

È inoltre presidente nazionale del progetto “Undulna Eleonora Duse” e presidente e coordinatore scientifico del progetto “Giacomo Casanova 300”.

Ha pubblicato libri di poesia, racconti e romanzi. Si è occupato di letteratura del Novecento con studi su Pavese, Pirandello, Alvaro, Grisi, D’Annunzio, Carlo Levi, Quasimodo, Ungaretti, Cardarelli, Gatto, Penna, Vittorini e sulle linee narrative e poetiche del Novecento che richiamano le eredità omeriche e le dimensioni del sacro.

Ha scritto saggi sulle problematiche relative alla cultura poetica della Magna Grecia e, tra l’altro, un libro su Fabrizio De André e il Mediterraneo (“Il cantico del sognatore mediterraneo”, giunto alla terza edizione), nel quale esplora le matrici letterarie dei cantautori italiani e il rapporto tra linguaggio poetico e musica, tema che costituisce un modello di ricerca sul quale Bruni lavora da molti anni.

Studioso di civiltà mediterranee, Bruni unisce nella sua opera il rigore scientifico alla sensibilità umanistica, ponendo al centro della sua ricerca il dialogo tra le culture, la memoria storica e la bellezza come forma di identità.
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Si è conclusa domenica 4 gennaio 2026 la Mostra dell’artista Tony Esposito inaugurata il 15 novembre 2025 presso lo spazio espositivo: “LA VACCHERIA” dell’Eur, a Roma. La Vaccheria è un luogo unico che fonde passato, presente e futuro. Con oltre 1.900 metri quadrati di spazi espositivi, questo edificio storico trasformato in polo culturale offre un’esperienza immersiva che unisce arte, cultura e creatività. Nata nel XVIII secolo come parte della Fattoria del Castellaccio, La Vaccheria è stata rigenerata grazie alla visione dell’amministrazione del Municipio IX che ha riaperto lo spazio dopo anni di chiusura. L’antica Vaccheria è oggi un moderno centro culturale che accoglie mostre e installazioni, creando un ponte tra tradizione e innovazione, è il simbolo di una rinascita resa possibile dalla visione dell’amministrazione che con l’attuale Presidente, Titti Di Salvo, rappresenta un esempio virtuoso di come la cultura possa diventare motore di crescita sociale e urbana.In questa cornice così particolare l’artista Tony Esposito ha esposto le sue opere: non solo dipinti, ma anche composizioni e scenografie.
Una grande struttura posta al piano terra, una sorta di arco trionfale, interamente  dipinto dall’artista  prelude l’atmosfera magica sensoriale  in cui il visitatore è avvolto man mano che si procede verso il piano superiore dove si apre un varco  verso un’altra dimensione: i suoni dolci e ritmici dell’Africa proiettati su un grande schermo, le pareti completamente coperte da scenografie gigantesche dipinte con un altro grande pittore: lo statunitense Mark Kostabi amico e collaboratore di Tony Esposito, teli africani dai mille e sgargianti colori e tamburi a scandire tutto il perimetro della mostra; un’emozione da togliere il fiato. Quasi senza accorgersene sospinti da tutte queste sensazioni contrastanti e uniche si entra nel mondo di Tony Esposito; un mondo complesso che unisce il simbolismo partenopeo alle tradizioni e credenze africane: quindi amuleti, segni magici, tamburi, tribù e poi ancora messaggi sociali, intrisi di umanità e speranza.

Un susseguirsi  di meraviglia ed esplorazione, di novità e stupore verso un mondo che trascende dalla realtà in una rocambolesca imprevedibile armonia. Elemento di grande innovazione le cornici : anch’esse delle opere d’arte, adornate da elementi baroccheggianti ,da segni e da iscrizioni insomma delle opere d’arte sulle opere d’arte. La mostra del maestro Esposito è un percorso dell’anima, in cui ci si immerge e dove il tempo non esiste….solo un turbinio di sensi, di emozioni e di sentimenti tutti a colori.

Complimenti all’artista Esposito che ancora una volta ci ha stupito in un ambito a noi sconosciuto dimostrando che essere artisti poliedrici è possibile. Ci auguriamo che il maestro torni a esporre le sue opere in una nuova mostra che forse sarebbe più giusto chiamare UNA BELLISSIMA INSOLITA AVVENTURA . 

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Dall’inaugurazione dell’8 ottobre 2025, la mostra ha accolto oltre 90.000 visitatori, confermandosi un punto di riferimento per appassionati, studiosi e pubblico generalista. L’affluenza internazionale è particolarmente significativa: il 38% dei visitatori proviene dall’estero, con una forte presenza di turisti provenienti da Francia, Stati Uniti, Spagna, Germania e Giappone, segno dell’attrazione globale esercitata dal Maestro dell’Art Nouveau.

L’interesse del pubblico italiano resta altissimo, con oltre 55.000 visitatori nazionali, distribuiti tra residenti, turisti e visitatori da fuori regione, attratti dalla qualità scientifica del progetto espositivo e dal fascino intramontabile dell’universo estetico di Mucha.

Particolarmente rilevante è la partecipazione delle nuove generazioni: più di 10.000 studenti hanno già visitato la mostra attraverso percorsi didattici, laboratori e attività di approfondimento, mentre tantissimi gruppi organizzati – tra associazioni culturali, università, enti e gruppi turistici – hanno scelto l’esposizione come tappa privilegiata della loro visita a Roma.

Il programma di mediazione culturale ha registrato risultati senza precedenti con numerosissime visite guidate, sia pubbliche sia private, mentre gli eventi serali e le aperture riservate hanno fatto registrare il tutto esaurito in più occasioni, confermando la capacità della mostra di parlare a un pubblico trasversale, capace di riconoscere nella poetica di Mucha un linguaggio raffinato, elegante e sorprendentemente contemporaneo.

Anche la critica ha accolto con entusiasmo il progetto, elogiandone la ricchezza delle opere, la qualità del percorso curatoriale e l’approccio che, accanto alle celebri icone dell’Art Nouveau, restituisce la profondità spirituale, simbolica e politica della produzione di Mucha. Numerosi articoli su quotidiani nazionali, testate internazionali e riviste specializzate hanno contribuito a consolidarne il prestigio, rendendo la mostra uno degli appuntamenti imperdibili dell’autunno-inverno 2025–2026.

“Siamo profondamente orgogliosi del successo straordinario di questa mostra, che dimostra quanto il pubblico italiano e internazionale continui a cercare nell’arte un’esperienza di meraviglia, eleganza e ispirazione. Mucha, con la sua raffinatezza senza tempo e la sua forza innovativa, parla ancora oggi con sorprendente attualità. Questo entusiasmo del pubblico conferma la missione di Arthemisia: rendere l’arte accessibile, emozionante e capace di creare connessioni autentiche. Roma, in un momento particolarmente ricco di proposte culturali, ci mostra ancora una volta quanto sia viva la sua sete di bellezza” – dichiara Iole Siena, Presidente di Arthemisia

Infatti, nonostante la ricchissima offerta culturale presente in città questo autunno, “Alphonse Mucha. Un trionfo di bellezza e seduzione” continua a distinguersi per la sua capacità di coinvolgere un pubblico vasto, diversificato e intergenerazionale, riaffermando il ruolo di Palazzo Bonaparte come punto di riferimento dell’attività espositiva nel cuore della Capitale che, per il 2026, si prepara, a essere teatro di due mostre straordinarie: in primavera – in occasione dei 160 anni delle relazioni diplomatiche tra Italia e Giappone – la più completa mostra mai dedicata in Italia ad Hokusai, il più grande pittore e incisore giapponese e, in autunno, un’eccezionale esposizione su Kandinsky, padre fondatore dell’astrattismo.

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C’è un filo sottile che tiene insieme Melilli e le sue storie, quelle raccontate attorno al fuoco nelle sere d’inverno, quando il buio arriva presto e le case si riempiono di voci. Ogni anno, quando dicembre porta con sé il suo carico di freddo e attesa, il borgo si trasforma in un teatro diffuso dove la tradizione del presepe diventa linguaggio collettivo, memoria condivisa, promessa di continuità.

Non è una semplice esposizione natalizia, ma un percorso che attraversa chiese, sale storiche e angoli dimenticati, restituendo dignità a ciò che il tempo rischia di cancellare. Tre luoghi, tre modi diversi di raccontare la Natività, tre sguardi sulla stessa storia che si intrecciano fino a formare un unico grande racconto.

La Chiesa Madre: dove il mondo si incontra

Entrare nella Chiesa Madre durante il periodo natalizio significa varcare una soglia che va oltre la devozione. Le navate accolgono ventidue grandi teche in legno disposte lungo i corridori laterali. Ogni teca è un mondo a sé, una finestra aperta su culture lontane che hanno scelto di raccontare la Natività con i loro materiali, le loro forme, la loro sensibilità.

Ci sono presepi che arrivano da paesi dove la neve è di casa, realizzati con legni scuri e muschi nordici. Altri portano i colori accesi dell’Africa, con figure dalle vesti sgargianti e capanne di paglia intrecciata. Altri ancora parlano il linguaggio sobrio dell’Oriente, dove l’essenzialità diventa forma d’arte. È un dialogo silenzioso ma eloquente, un incontro tra tradizioni che si rispettano e si riconoscono nella stessa ricerca di senso.

Le teche sono incorniciate con cura, il legno lavorato con pazienza. La Chiesa Madre non perde la sua sacralità in questo allestimento: trova un respiro più ampio, una vocazione universale che va oltre i confini del borgo.

Il Collegio di Maria: la città nel presepe

L’ex Collegio di Maria custodisce il cuore pulsante del percorso: una sala di ottanta metri quadrati che accoglie un presepe monumentale frutto di quasi vent’anni di lavoro. Qui la comunità ha ricostruito, pezzo dopo pezzo, la propria città: chiese, piazze, vicoli, palazzi storici.

L’artista Vincenzo Velardita ha modellato oltre trecento figure in terracotta, alte pochi centimetri ma straordinariamente espressive. Ogni personaggio è colto in un gesto preciso: la donna che stende il bucato, l’uomo che sistema la legna, il bambino che corre, il vecchio seduto davanti alla porta. Sono gesti quotidiani che raccontano una ritualità domestica fatta di piccole cose, di abitudini ripetute fino a diventare identità.

Si riconoscono i luoghi simbolo del borgo: la Chiesa Madre con il campanile, Palazzo Vinci Cannata, lo Spirito Santo, il Palazzo Comunale con la Madonna delle Grazie, la Basilica di San Sebastiano. E poi c’è l’antico bevaio di contrada Balatizzo, ricostruito per non lasciare che scomparisse del tutto dalla memoria collettiva.

Un sistema di luci e meccanismi anima l’intera scena: le luci cambiano seguendo il ritmo delle ore, dall’alba che si accende piano al mezzogiorno che inonda tutto, fino alla notte punteggiata dalle finestre illuminate. I personaggi si muovono grazie a piccoli motori: una porta che si apre, una finestra che si chiude, una figura che si affaccia. E i suoni: passi sui sampietrini, voci lontane, campane che battono le ore.

Le scolaresche dei paesi vicini arrivano rumorose, poi si zittiscono rapite da quel mondo piccolissimo che sembra più vero della realtà.

Sant’Antonio: il presepe che rompe gli schemi

La Chiesa di Sant’Antonio Abate domina il quartiere Torre dal Cinquecento, con la sua facciata severa e il portale di bronzo scolpito da Domenico Girbino. Il campanile custodisce la campana più antica, quella del 1526.

Qui nasce “U Presepi i Sant’Antonio”, opera di Michele Milardo, Salvatore Zimmitti – maestro del sapone d’olio d’oliva fatto secondo tradizione – e il pittore Federico Nocera. Il presepe sceglie l’aria aperta, i luoghi che identificano Melilli: la scalinata delle Cento Scale e soprattutto la Pirrera di Sant’Antonio, reinterpretata come grotta naturale che accoglie la Sacra Famiglia. Sullo sfondo, Melilli osserva, sospesa in un crepuscolo che sa di fumo di legna e vento d’inverno.

Le figure in terracotta, provenienti da botteghe catanesi, sembrano ferme in un istante preciso. Il presepe di sapone ha qualcosa di tattile, di concreto: chiede di essere vissuto, attraversato con lo sguardo, riconosciuto nei suoi luoghi quotidiani.

Il presepe monumentale dell’ex Istituto Salesiano: la Sicilia che respira

L’antico Istituto Salesiano “Maria Ausiliatrice” custodisce nella sala del refettorio un presepe monumentale disposto a ferro di cavallo. La struttura abbraccia chi entra, costringendolo a camminare dentro la scena. Al centro, sotto un arco scenografico, la Natività con i suonatori di ciaramedda.

Realizzato con pietra calcarea locale, ricrea un frammento di vita siciliana tra Ottocento e Novecento. Vicino al fiume, le lavandaie risalgono con le ceste di panni, mentre gli uomini portano anfore d’acqua e ceste di pesce. Gli agricoltori espongono cavolfiori, zucche, carciofi. I pastori radunano mucche, pecore e capre dirette ai pascoli. Nelle stalle, agnellini e vitellini succhiano il latte. Su assi di legno, formaggi di ogni forma: pecorini, caciocavalli, ricotte salate.

La vita pulsa ovunque: asini che ragliano, galline che razzolano, madri che cullano neonati. Dalla locanda escono uomini arrossati dal vino, in attesa del brodo di gallina. I panettieri sfornano pani dorati e focacce fumanti. I focolari scaldano mani e conversazioni.

Un gioco di luci accompagna il passare delle ore: l’alba azzurrina, il pomeriggio dorato, la notte stellata con le finestre illuminate una dopo l’altra. E quando cala il buio, si leva una voce: la Madonna canta una ninna nanna al Bambino. È una melodia sottile che calma anche il pianto più ostinato. In quel momento tutto il presepe – uomini, animali, pietre – trattiene il fiato, come se la quiete del mondo dipendesse da quel respiro piccolissimo.

Tre presepi, tre linguaggi, un’unica radice. Melilli sceglie ogni anno di raccontarsi attraverso la Natività, senza retorica né folclore vuoto. Lo fa con la concretezza di chi sa che le tradizioni o si vivono o muoiono, che la memoria o si coltiva o si perde.

Si ringrazia il Professor Giuseppe Immè per la cortese disponibilità e per aver concesso l’uso delle informazioni fornite.

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Ci sono artisti che nascono con le mani già sporche di colore. Tony Fanciullo è uno di questi. Figlio d’arte, cresciuto tra tele e pennelli come altri crescono tra libri o palloni, ha imparato presto che l’arte non è decorazione: è necessità. Pittore, scenografo, regista, scultore—non per ambizione, ma per urgenza. Perché una sola forma non basta a dire tutto quello che ha da dire.

La sua vita sembra scritta per il cinema, tanto sono dense le storie che ha attraversato. Ma non è finzione: è disciplina, attenzione, osservazione. Quegli occhi che ha imparato a usare sui colori di casa, li ha affinati al D.A.M.S. di Bologna, dove l’arte smette di essere istinto e diventa metodo.

Già nel 1988, quando molti suoi coetanei cercavano ancora una direzione, la Biennale di Bologna lo seleziona per quattro sfilate. Lo affianca a Pancaldi, Merichi e Baracchi: nomi che contano, spazi che si conquistano. Non è il riconoscimento che fa l’artista, ma il riconoscimento arriva quando l’artista c’è davvero.

Dieci anni dopo, nel 1998, Vittorio Sgarbi—che il talento lo sa fiutare anche quando è scomodo—lo sceglie come “Giovane Artista” alla Biennale di Vittoria Arte. È uno di quei momenti che segnano: non per vanità, ma perché qualcuno con autorità ti dice che la tua voce si sente, che la tua visione ha peso.

Roma, 2005. Il Ministero delle Pari Opportunità gli affida la direzione artistica di progetti culturali. Fanciullo risponde come sa fare: con mostre che non decorano pareti ma aprono conversazioni. Donne del Mediterraneo e Donne e Gioielli nell’Arte diventano spazi dove l’arte parla di società, memoria, identità. Non sono celebrazioni estetiche: sono testimonianze. Tra i premiati delle sue opere figura anche Bruno Vespa, segno che quei progetti avevano trovato non solo consenso, ma risonanza.

Nel 2009 torna a Siracusa. E non torna da sconfitto o da nostalgico: torna perché il Teatro Greco lo chiama. L’I.N.D.A. gli affida la scenografia de Le Supplici di Eschilo. Pietra antica, mito che respira ancora, tradizione che non si piega ma si reinventa. Fanciullo dimostra di saper stare in quel dialogo impossibile tra ciò che è sempre stato e ciò che deve ancora essere detto.

Dal 2011 al 2015 dirige la tournée internazionale del Balletto Russo per il Teatro Lirico Siciliano. Il Lago dei Cigni, Romeo e Giulietta: storie che tutti conoscono, che tutti credono di aver già visto. Eppure sotto la sua regia, tra i teatri di Napoli, Roma, Palermo e fino alla Scala di Milano, quelle storie tornano a pulsare. Perché Fanciullo non si accontenta di riprodurre: reinterpreta, ridisegna lo spazio, ridà corpo al sogno.

Dal 2007, anno dopo anno, firma scenografie e manifesti per il Festival Internazionale del Teatro Classico dei Giovani a Palazzolo Acreide. Un impegno che non è semplice collaborazione ma scelta: educare lo sguardo di chi verrà dopo, mostrare che il classico non è polvere ma radice viva.

Oggi presiede l’Associazione Culturale Triade a Siracusa. Un nome che non è casuale: tre anime—arte, cultura, territorio—che si intrecciano in ogni progetto. Perché per Fanciullo l’arte non è mai solo estetica: è responsabilità. È il modo in cui si lascia traccia, si costruisce identità, si restituisce senso a un luogo.

La sua storia racconta l’urgenza di creare in ogni forma possibile, la necessità di spaziare senza confini, l’impegno a restituire all’arte il suo ruolo più autentico: educare, emozionare, incidere. Tony Fanciullo non si limita a produrre opere. Costruisce mondi. Apre finestre sul nostro tempo e sul nostro territorio. E ricorda, a chi vuole ascoltare, che l’arte vera non si adatta. Si impone.

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Concepita dall’artista sinestetico Gian Mario Conti, con la curatela di Gina Ingrassia, in collaborazione con il Prof. Luca Padua, neuroscienziato esperto in Gravi Cerebrolesioni Acquisite e disturbi di coscienza, RISVEGLI offre un viaggio esperienziale che invita alla riflessione sulla realtà contemporanea. Fondendo linguaggi artistici diversi tra loro – arte visiva, performance e musica – l’artista restituisce loro un ruolo determinante all’interno della società: risvegliare dallo stato ipnotico collettivo in cui siamo intrappolati e guidare verso una vera e propria rinascita verso la cura maggiore di sé, degli altri, della comunità, dell’ambiente, del pianeta. RISVEGLI – con le sue 20 opere in mostra – offre uno spazio di introspezione e affronta il tema della fragilità umana e delle disconnessioni che ci caratterizzano, seppur in un’epoca letteralmente iperconnessa. Alla luce di queste riflessioni, RISVEGLI dialoga potentemente con la Scienza.

Sabato 22 novembre: appuntamento con la Scienza

In quest’ottica la performance di sabato 22 novembre alle ore 11.00, all’interno dell’installazione, prevede un tappeto sonoro eseguito dal vivo dall’artista con arpa e armonica a bocca che avvolgerà il visitatore in un’atmosfera sensoriale onirica, visitatore che potrà sperimentare in prima persona e su base scientifica, anche il cambiamento che l’Arte è in grado di operare in ciascuno di noi. Invitato ad occupare lo spazio centrale dell’installazione, seduto su una sedia indossando uno speciale braccialetto, potrà immergersi nell’arte. Collegato a uno strumento di rilevazione, il braccialetto misurerà e sostanzierà i cambiamenti dell’attività dermoelettrica e i parametri cardio circolatori, come misura dell’attività sistema nervoso autonomo che può rappresentare una indiretta misura dello stato emotivo del paziente (ad esempio responsabili della “pelle d’oca”) che si manifestano nell’individuo in presenza di “somministrazioni massicce di arte e musica”. L’esperimento scientifico sarà condotto con l’ausilio del Dott. Augusto Fusco, Responsabile UOSD Neuroriabilitazione ad Alta Intensità del Policlinico Universitario A. Gemelli IRCCS, e dei collaboratori del Prof. Luca Padua, mostrerà come la creatività possa generare reazioni intense e significative, anche salvifiche.

Sempre sabato 22 novembre, alle ore 12, al Piano Nuvola (N3) si terrà il talk “Somministrare emozioni per risvegliare. Quando la creatività incontra la cura: un dialogo tra Arte e Scienza“. Saranno raccontati i progetti sul tema del “risveglio” portati avanti da alcuni ricercatori dei diversi reparti del Policlinico Universitario A. Gemelli IRCCS, con la partecipazione del Prof. Luca Padua. Sono attesi anche, per il Policlinico Universitario A. Gemelli IRCCS: il Dott. Augusto Fusco (Responsabile UOSD Neuroriabilitazione ad Alta Intensità), la Dott.ssa Alessandra Lauria (UOSD Neuroriabilitazione ad Alta Intensità), e il Dott. Davide Giannuzzi (neo-specialista in Medicina Fisica e Riabilitativa).

 La ricerca scientifica contemporanea ha infatti ormai dimostrato quanto l’Arte, nelle sue diverse declinazioni, possa influenzare positivamente il processo trasformativo e il benessere dell’individuo, accelerando addirittura processi di guarigione, favorendo l’emergere di emozioni sopite. Il progetto di ricerca scientifica condotto dal Professor Luca Padua, già Direttore dell’UOC di Riabilitazione Neurologica ad Alta Intensità del Policlinico Universitario Agostino Gemelli IRCCS a Roma, ha (tra l’altro) esplorato gli effetti della Musica e dell’Arte, intesi come stimolatori emozionali, su pazienti in coma e in riabilitazione post risveglio. Accanto ad una gestione intensiva delle problematiche cliniche e alla riabilitazione tradizionale, il reparto è stato dotato di una “Cave multisensoriale”, una stanza con le più moderne tecnologie, tra cui spicca un sistema immersivo di audio-videoproiezione.  All’interno della “cave” sono effettuate stimolazioni multisensoriali personalizzate sulla base del quadro clinico e dei contenuti biografici del paziente, raccolti in fase anamnestica.  Qui, anche videoproiezioni immersive di arte e musica vengono utilizzate per sollecitare il risveglio dei pazienti dal coma, stimolarne i ricordi affettivi e incoraggiare il risveglio e poi la riabilitazione. E i risultati sono estremamente incoraggianti.

“RISVEGLI”: l’installazione artistica

 Sulla parete di fondo, una grande dipinto di tre metri crea una quinta scenografica che cattura visivamente lo spettatore. Racchiude il Tutto, le nostre memorie, chi siamo e dove stiamo andando. Figure e colori evocativi popolano la tela: un bambino che gioca, la spensieratezza, la vita bucolica, animali al pascolo, un teschio, apparizioni spettrali, api, e altre figure, l’eterno ciclo di morti e rinascite, una danza che è parte integrante della vita, mostrando che ognuno di noi ha la possibilità di rinnovarsi e ricominciare. Api impollinatrici (simbolo ricorrente nell’opera dell’artista) sembrano instillare speranza preannunciando la possibilità di risveglio. Sul fondo (forse) la sagoma di un letto, anch’esso riferimento allo stato di dormienti, il muso di un cavallo bianco (forse) guarda in viso lo spettatore e ancora ombre indecifrabili, forme e immagini polisemiche, sciami, il torso nudo di una figura femminile spogliato da ogni mascheramento, apparizioni incatturabili come la materia dei sogni, mutevoli come nubi allo sguardo, si creano e dissolvono richiamando talvolta elementi concreti, reali. Poi tutto si mescola, i fili (della vita) si intrecciano creando grovigli da districare (la vita!), fili di Arianna per entrare e uscire da quel labirinto di simboli che è la coscienza umana. Otto “colonne-pilastro”, sono posizionate a semicerchio, quattro per lato a partire dai due estremi laterali della tela e si compongono ad abbraccio: un’eco del colonnato della Basilica di San Pietro, un omaggio a Roma, città di Rinascite e Rinascimenti, appunto, in cui l’artista risiede da un anno. Il riferimento al Bernini diviene anche omaggio alla grande Arte senza tempo. Sulla superficie frontale del pilastro sono esposti gli otto “Semi” a rappresentare del caos il tutto in potenza, l’infinito potenziale ancora indeterminato e informe dal quale fiorirà la nuova vita. Questa è rappresentata dagli otto monoliti lignei bianchi, appoggiati sulla base della colonnina, ciascuno con un disegno incastonato che restituisce immagini di bambini, simbolo di purezza, spontaneità, creatività, onestà, fiducia, possibilità e presenza, Risveglio, Rinascita. L’installazione si arricchisce di “paesaggi sonori”, composti attraverso l’accostamento inusuale di arpa e armonica a bocca, suoni e vibrazioni che lavorano in profondità, stimolando esperienze interiori autentiche e viaggi nel cuore dell’essere umano e, interagendo con le opere visive, creano una dimensione profondamente evocativa.

RISVEGLI non è solo un’installazione artistica. È un viaggio trasformativo, un invito a riscoprire il potere dell’Arte, anche per il benessere e la salvezza, in qualche caso, dei singoli individui. Un’esperienza unica, dove il dialogo tra arte e scienza guida verso nuove consapevolezze e nuovi risultati.

 Gian Mario Conti | Arpista compositore e polistrumentista, pittore, poeta e performer, nel suo percorso artistico sviluppa un’estetica che coniuga, in un unico filo conduttore, linguaggio pittorico, musicale e gestuale. In ambito concertistico, si esibisce sia come solista che in formazioni cameristiche e ensemble, in festival e rassegne di nuova musica, in Italia e all’estero. Nell’ambito della sua carriera si è esibito in prestigiosi teatri, tra cui il Teatro della Pergola e il Goldoni, collaborando con personalità dello spettacolo di fama internazionale come Maurizio Donadoni. È autore delle musiche originali della pièce Deve trattarsi di autentico amore per la vita, rielaborazione drammaturgica di Giulia Calligaro dei Diari di Etty Hillesum, cui hanno dato la voce nel corso degli anni Maddalena Crippa, Federica Fracassi e Laura Marinoni con l’interpretazione della quale è andata in onda su Rai Radio3. Di rilievo il suo lavoro in Brasile con Francesca Della Monica, una delle voci più originali nel panorama della musica sperimentale italiana, con la quale si è esibito a San Paolo e, in occasione dei 90 anni del Conservatorio, a Belo Horizonte, con Frammenti neuronali, a partire da Giacinto Scelsi, John Cage e Daniele Lombardi per arpa, flauto e armonica. In Italia, a partire dagli anni Ottanta, numerose sono le sue mostre e i riconoscimenti ricevuti, tra cui la partecipazione alla mostra I Mille di Sgarbi.

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Roma, 16 novembre 2025 – C’è un momento, entrando nella settecentesca Coffee House di Palazzo Colonna, in cui il tempo sembra piegarsi. Le luci calde si riflettono sulle superfici dorate, mentre l’arte contemporanea di Andrea Borga – con la mostra “Seduzioni, quando il metallo diventa desiderio” – dialoga silenziosamente con la moda di Vittorio Camaiani. È qui che lo stilista marchigiano ha svelato la sua nuova collezione Autunno/Inverno 2025-26, “La mia strada”,

A presentare l’evento è stata Elena Parmegiani, direttrice eventi della Coffee House e Galleria del Cardinale Colonna di Palazzo Colonna, nonché giornalista di moda e costume.

Come in un sogno che riporta lo sguardo all’infanzia, Camaiani invita a riscoprire le forme elementari – il cerchio, il quadrato, il triangolo – trasformandole in segni tangibili di un percorso creativo e intimo. Le geometrie, che da bambini impariamo a riconoscere come primi simboli del mondo, diventano nel suo racconto sartoriale linguaggio dell’anima.

Tra rimandi al futurismo e al surrealismo, “La mia strada” si muove in equilibrio tra rigore e morbidezza, tra la precisione del segno e la poesia del gesto. Gonne e pantaloni nascono da forme quadrate o rettangolari che si ammorbidiscono seguendo la silhouette; camicie di cotone e seta si animano di pois e fantasie geometriche, mentre una camicia a forma di aquilone sembra librarsi sul corpo. I cappotti in cachemire, nei colori pieni e luminosi della collezione, si aprono in tagli asimmetrici impreziositi da zip metalliche, e i bermuda lineari sembrano usciti da una tela futurista.

Il giorno veste la concretezza elegante dei Galles, spinati e pied de poule in lana, mentre la sera si accende di lucentezza: gli abiti partono da rigide strutture rettangolari per poi trasformarsi sul corpo grazie a un semplice gesto, una cintura che libera la linea. Immancabile la tuta, declinata in lana per il giorno e in principe di Galles illuminato da satin per la notte.

Nel finale, i colori prendono la parola: i blocchi di giallo, verde e rosso, evocativi dell’infanzia, si intrecciano ai toni più maturi del cammello, del marrone, dei blu profondi e del nero. Le calzature firmate Lella Baldi oscillano tra lo stile maschile delle stringate inglesi e la sensualità dei sandali alti per la sera. Completano il quadro i cappelli di Jommi Demetrio, baschi dai riflessi degradé, ricamati con delicatezza per le ore più eleganti.

Con “La mia strada”, Camaiani conferma la sua visione: una moda che non si ferma alla forma, ma la attraversa per raccontare emozioni, sogni, frammenti di vita. Una moda che, come lui stesso, segue il proprio percorso – unico, personale, autentico.

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