Si inaugura sabato 25 gennaio alle ore 18 (e si può visitare fino al 23 marzo) la mostra “Una benedizione mascherata” di Danilo Sciorilli (1992), la prima personale romana dell’artista, allestita negli spazi di Casa Vuota, a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo.

Tele dipinte, installazioni, una serie di disegni proposti in modo installativo, tutti realizzati nell’ultimo anno appositamente per Casa Vuota, trovano nell’uso della grafite come cifra essenziale del linguaggio espressivo il minimo comune denominatore e in un immaginario stregonesco, onirico e cifrato l’orizzonte entro il quale manifestarsi.

La sfera e il girotondo, streghe e bambini, una stella che arde e un rito magico, uno stormo di corvi e una processione di scarabei: a partire da questi elementi disparati, è misterioso e pieno di fascino l’alfabeto di simboli e immagini che l’artista Danilo Sciorilli sceglie per abitare Casa Vuota con la sua mostra personale intitolata “Una benedizione mascherata”, a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. La mostra si inaugura sabato 25 gennaio 2025 dalle ore 18 alle 21 nello spazio espositivo domestico di via Maia 12 a Roma, nel quartiere Quadraro, e si può visitare fino al 23 marzo, prenotando un appuntamento ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

“Una benedizione mascherata” presenta tele dipinte, installazioni, un’animazione video e una serie di disegni proposti in modo installativo, tutti realizzati nell’ultimo anno appositamente per Casa Vuota, che trovano nell’uso della grafite come cifra essenziale del linguaggio espressivo il minimo comune denominatore e in un immaginario stregonesco, onirico e cifrato l’orizzonte entro il quale manifestarsi.

«È, sin dal titolo, l’ossimoro a dire la qualità dell’intervento di Danilo Sciorilli a Casa Vuota – scrivono i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – che trae forza dagli opposti e dalla loro respingente attrazione per accompagnare i visitatori in un percorso scandito da visioni ed evocazioni di una sensibilità primordiale, di un richiamo ancestrale che si rinnova nella fitta stratificazione di riferimenti culturali, letterari e visuali disparati, unendo autobiografia e curiosità in un uso immersivo e coinvolgente degli inviti narrativi offerti a chi varca la soglia della casa. La figura retorica dell’ossimoro viene scelta dall’artista per descrivere, attraverso un progetto site-specific incentrato sulla pratica del disegno che si fa linguaggio installativo, tutte le contraddizioni dell’umano. Tutto nasce dall’incontro tra Danilo Sciorilli e lo spazio: il vuoto della casa, il silenzio delle sue stanze, i segni della consunzione e gli echi della vita che aveva un tempo animato l’appartamento fanno emergere, nella fantasia dell’artista, una figura in controluce, quella di un abitante immaginario, fantasmatico, sfuggente. Quello che Sciorilli vagheggia è un suo ipotetico alter ego, la figura di un artista – a lui simile e dissimile, a lui vicino e lontanissimo – che potesse avere abitato lo spazio in un tempo remoto o futuro, possibile o impossibile. Ecco, così, profilarsi la sinopia di un autoritratto travisato, fatto in contumacia, il più sincero possibile nella sua finzione, non alieno a quel bene dissimulato o a quel male rovesciato che, rubando un popolare modo di dire anglosassone, dà il titolo alla mostra e si fa manifestazione di un’esperienza prodigiosa, sorprendente come un gioco di prestigio».

Danilo Sciorilli dichiara: «Mi sono interrogato sul perché percepiamo la nostra vita come una linea retta, con l’idea di andare verso qualcosa; una linea tesa in direzione di una meta da raggiungere. Un fine, una fine. “Una benedizione mascherata” curva la linea della vita e ne fa un cerchio: fatto di ansie e speranze, di danze e gioco, di rituali scuri e “aenima” (termine coniato dal cantante Maynard James Keenan, leader del gruppo progressive metal Tool, crasi di anima ed enema, con sui si intende indicare un rito di purificazione estremo), di corpo e spirito, di quando gioiamo per essere al mondo e di ogni volta che ci sembra un tormento».

Il pensiero esistenzialista che ispira la riflessione di Danilo Sciorilli lo porta a riflettere sui grandi temi della vita e della morte, nel racconto – spiega l’artista – di «un’esistenza umanamente umana, di un uomo in costante equilibrio tra l’essere carne e l’essere anima, tra il dover finire ma aspirare naturalmente all’infinito».Per esplicitare questa ossimorica dualità, ricorrono nella trama della mostra due elementi simbolici, la sfera e la danza circolare, fili conduttori in costante dialogo tra loro che si ripresentano, opera dopo opera, mutando di forma e di significato. «La sfera – racconta Sciorilli – che cambia incessantemente viaggiando da uno sguardo all’altro è il nulla ed è il tutto. È un buco nero ed è la luna, è una stella che arde o semplicemente un sasso inerme; varie figure poi danzano in tondo, girano e cantano, pregano, affidano le loro speranze a qualcosa al di là o, passo dopo passo, danno vita a riti magici».

«Le stanze di Casa Vuota – proseguono Del Re e de Nichilo – conservano, grazie alle installazioni di Danilo Sciorilli, il ricordo della loro originaria destinazione d’uso, del loro essere casa. Un tavolo, un materasso, un quadro al muro riducono ai minimi termini un vissuto domestico, che si trasforma però nel teatro di un mistero mormorato o gridato, in un bianco e nero che dice le luci e l’ombra, gli slanci e i contrappesi, i pieni e i vuoti che sono la vita stessa. Quintessenza di ogni ossimoro e di ogni dicotomia, la luce convive con il buio nel firmamento di una mostra che allinea astri e sassi, buchi bianchi e lune in fiamme. Sciorilli ha bisogno di argomentare un ordine per scatenare il caos. È un abbraccio, il suo, che circonda il suo pubblico come fanno le spire di un serpente mitologico. Si avvolge con il ritmo circolare di un gioco di bambini disegnati sulla tela a partire da una fotografia d’epoca e viene ripetuto in forma di sabba, di rincorrersi di scarabei portatori di luce e di uccelli in ceppi che non riescono a librarsi e fanno ressa come incubi in una stanza, circondando il visitatore. Questo procedere ad anello rimanda chiaramente al cinema, alla rotazione delle bobine di pellicola nelle vecchie sale di proiezione, ricordandoci che il medium filmico non è estraneo dai linguaggi che l’artista adopera, e più in generale alla ciclicità delle storie e dei miti che, di cultura in cultura, hanno figurato e trasfigurato i processi di trasformazione e di rigenerazione propri della natura, in un grande esorcismo della finitezza e in un anelito mai sazio di infinito».

La ricerca di Danilo Sciorilli (nato nel 1992 ad Atessa, in provincia di Chieti, vive e lavora a Torino) ruota attorno al concetto di fine e al tentativo di superarlo. Per l’artista arte e scienza sono strumenti di conoscenza affini, capaci di predire gli scenari futuri attraverso differenti forme di creatività. Condizionato dall’immaginario cinematografico, realizza animazioni che danno un nuovo senso al tempo e manifestano la sconfitta dell’essere umano di fronte al destino o alla necessità. Le sue opere rappresentano cosmogonie contemporanee, che affrontano questioni legate all’origine, all’evoluzione e alla fine, in chiave spesso ironica. Installazioni, disegni e happening vengono presentati in contesti non istituzionali come in un cinema, in un treno in corsa o in una fiera funeraria. Nel 2024 ha vinto la sezione giovani del Premio Michetti ed è stato esposto alla Fondazione Michetti di Francavilla a Mare, nella mostra a cura di Simone Ciglia. Tra le mostre personali si ricordano: nel 2024 “Tuttisanti” curata da Francesca Disconzi e Federico Palumbo a Osservatorio Futura a Torino, nel 2023 “Distanze Comoventi” a cura di Davide Dall’Ombra e Alessandra Klimciuk alla Fondazione Stelline di Milano, nel 2022 “No Time To Die” a cura di Giacinto Di Pietrantonio in occasione di TanExpo nel padiglione centrale di Bologna Fiere, nel 2019 “The Big Crunch” a cura di Grazia Paganelli dentro il Cinema Massimo di Torino, in collaborazione col Museo Nazionale del Cinema. Ha esposto inoltre in numerose collettive, tra le quali nel 2023 “Born in Mac Mahon” a cura di Giuseppe Frangi a Casa Testori a Novate Milanese, “The Clown Spirit” a cura di Joanna De Vos alla Galleria Mucciaccia di Roma, nel 2021 “La Madonna di Foligno, il meteorite e il punctum. Come rileggere un capolavoro” a cura di Marta Silvi nel Museo Capitolare Diocesano di Foligno e nel 2020 “Straperetana” a cura di Saverio Verini nella sede di Pereto della Monitor Gallery.

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Roma, Casa Vuota (via Maia 12, int. 4A)

18 maggio – 30 giugno 2024

Inaugurazione sabato 18 maggio 2024 (orari 18-21)

La famiglia, reale o inventata, è una storia tutta da scoprire, da ricostruire e da raccontare per Giulia Cotterli, che presenta il suo Ritorno alle origini in forma di mostra a Casa Vuota a Roma (via Maia 12), con la cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo e un testo critico di Osservatorio Futura (Francesca Disconzi e Federico Palumbo).

La personale si inaugura sabato 18 maggio 2024 dalle ore 18 alle 21 e si può visitare fino al 30 giugno 2024, prenotando un appuntamento ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

Per anni Giulia Cotterli si è concentrata su una ricerca volta a interrogare il suo cognome paterno, che ha sempre significato per lei per molto poco perché il padre è stato adottato. A partire da scarni elementi anagrafici, l’artista ha cercato di ricostruire, tramite le sue opere, una storia familiare immaginaria, di avi inventati e provenienze ipotetiche. «Pensavo – racconta Cotterli – che, recuperando quello che non avevo mai potuto avere, avrei scoperto realmente chi sono, dando per scontato di sapere tutto sulla mia famiglia materna». Per la mostra di Casa Vuota, invece, il punto focale della sua attenzione cambia. Il Ritorno alle origini evocato dal titolo è, stavolta, un’immersione nella storia della sua famiglia materna, narrata con gli strumenti della scultura, della pittura, del disegno e dell’installazione, a partire da una vacanza trascorsa a casa dei nonni a Sermoneta, in provincia di Latina, nell’estate del 2023.

«Nelle stanze di Casa Vuota – scrivono Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – Giulia Cotterli porta la terra della campagna dove i genitori di sua madre vivono, reinventandola come elemento commestibile, impastato di farina, olio, acqua e cacao. Evoca il duro lavoro che esige per coltivarla, i sacrifici e gli scontri per il suo possesso, l’inizio e la fine, con lo stupore fiabesco dei giochi infantili, che trasformano gli ortaggi seminati dal nonno in sculture di stoffa che vivono in un tempo interiore slegato dal ciclo delle stagioni. In questa terra e nella casa che da generazioni su di essa si poggia l’artista si immerge, tra autobiografia e straniamento, specchiandosi nell’immagine di sé bambina e riecheggiando storie da sempre conosciute ma mai ascoltante con attenzione».

Intorno a questo orto domestico coltivato nelle stanze di Casa Vuota, si dispiega un romanzo familiare per immagini. «Disegni e tele – spiega Giulia Cotterli – raccontano storie che parlano di amore, tradizioni, occasioni perse, litigi e dolore. Passato e presente si mescolano: il confine tra ciò che sono le mie memorie e quelle dei miei nonni è labile, il passaggio dall’interno all’esterno della mia persona è mescolato. Il tema centrale è la ricerca identitaria, la memoria come fondamento dell’essere e la famiglia come incubatrice della personalità».

«Il lavoro di Cotterli – scrivono Francesca Disconzi e Federico Palumbo di Osservatorio Futura – parte da un microcosmo personale fatto di ricordi in grado di occupare uno spazio denso e tangibile, da cui l’artista può attingere materia da riplasmare. In questo processo, l’immaginazione ha il grande compito di colmare i vuoti dell’irrisolto e del rimosso, producendo un racconto verosimile e articolato, in bilico tra il dato oggettivo e l’immaginifico. Cotterli si muove su di un filo teso tra il personale e il collettivo: la storia della sua famiglia materna, filtrata dalla memoria personale e dai racconti della nonna, è in realtà una narrazione dell’Italia rurale novecentesca. Sullo sfondo della Storia, costellata di vicende terribili come l’ascesa del Fascismo, si librano con leggerezza le storie dei personaggi; esse vengono tramandate come si tramanda una tradizione: attraverso gesti semplici e quotidiani, scanditi da un tempo lontano dalla frenesia cittadina e più vicini al flusso naturale e vitale. Attraverso il filtro della memoria anche lo spazio in cui si districano le dinamiche familiari diventa un Eden privo di tracce antropiche, salvo la casa e l’orto del nonno».

«Mi sono posta come uno spettatore esterno che guarda e studia la vita di qualcun altro», dichiara Giulia Cotterli. «La mostra si compone di alcune di queste storie, mischiate con frammenti di aneddoti e con gli stati d’animo dei miei nonni. Tre sculture in cartapesta evocano gli oggetti che hanno accompagnato mia nonna in vent’anni di convivenza nella casa in campagna con mio nonno: la sediolina dove sedeva per cucire, ricamare e lavorare a maglia, i calzettoni di lana che faceva per tutta la famiglia, secondo una tradizione familiare tramandatale da sua madre, e il telefono, la sua vera ancora, il mezzo con il quale mettersi in contatto con la famiglia mentre passava lì su le sue giornate».

Vite, storie e legami si radicano nella terra e alla terra sempre riportano. «La terra, intesa sia come luogo di appartenenza ma anche come elemento organico dalla quale nasce la vita e sulla quale si può costruire, è uno degli elementi centrali all’interno della mostra», secondo Cotterli, che traccia per gli spettatori «una sorta di mappa del tesoro» fatta di «disegni di piante e funghi, di racconti, di giornate passate all’ombra di un albero e sensazioni scaturite dalla brezza estiva». È il suo modo di immaginare quel «posto sicuro» che si fa, per i curatori, «proiezione ideale di una casa anelata e ritrovata all’interno della casa dell’arte».

Giulia Cotterli (www.giuliacotterli.com) è nata a Latina nel 1994 e vive a Torino. Si è diplomata in Arti Visive Contemporanee all’Accademia di Belle Arti di Urbino. La sua ricerca si sviluppa attorno al tema della memoria, con particolare attenzione all’elemento autobiografico. Ritorno alle origini a Casa Vuota a Roma nel 2024 è la sua seconda mostra personale, dopo Ho fottuto le stelle (?) tenutasi alla Galleria Moitre di Torino nel 2022 a cura di Federico Palumbo. Ha partecipato a diverse mostre collettive, tra le quali Biennolo – Talitha Kum curata da Giacinto di Pietrantonio nello spazio Mosso di Milano The Clown Sprit – the traveling exhibition curata da Joanna De Vos alla Galleria Mucciaccia di Roma e Antropomachie a cura di Ado Brandimarte al Palazzo dei Capitani del Popolo di Ascoli piceno. È cofondatrice del progetto editoriale Zuper.

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27 gennaio – 3 marzo 2024

Inaugurazione sabato 27 gennaio 2024 (orari 18-21)

In un orizzonte notturno denso di apparizioni e presagi, Casa Vuota apre le sue porte per ospitare L’ora del lupo, la prima personale romana del pittore Giammarco Falcone (1990), che vive e opera a Bruxelles, in Belgio. La mostra, curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo, si inaugura sabato 27 gennaio 2024 dalle ore 18 alle 21 nello spazio espositivo indipendente di via Maia 12 a Roma e si può visitare fino al 3 marzo, su appuntamento, prenotando ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

All’interno di un percorso di ricerca da sempre caratterizzato dalla ricerca costante di un dialogo con la storia e da un’attitudine metalinguistica, per il suo debutto sulla scena romana Giammarco Falcone sceglie di prendere la via di un confronto diretto con la grande tradizione pittorica italiana, a cui guarda da un punto di osservazione tanto defilato geograficamente – il Belgio – quanto eccentrico rispetto a quello che è il sentimento comune del revival pittorico presente.

«Giammarco Falcone si appropria della latente potenza accumulata dallo scorrere del tempo negli ambienti dismessi di Casa Vuota, dove il fiato sta sospeso, per presentare una serie di dipinti inediti e ammalianti – spiegano Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – caratterizzati da una forte tensione narrativa che scaturisce dall’incontro tra il vissuto interiore dell’artista, finora trattenuto e non esplicitato, e la pratica di una pittura ricca di citazioni e di stratificazioni. Le singole visioni pittoriche che scandiscono il percorso della mostra si collocano nello spazio di Casa Vuota come finestre spalancate su un unico e trascinante flusso di sogni, che scorre oltre le pareti nel momento in cui si abbassano le difese e si abdica all’esercizio del pensiero razionale. È il gorgo più profondo del sonno il luogo in cui Giammarco Falcone invita il pubblico a fermarsi e a sostare, nella casa scardinata, per ascoltare le confidenze più segrete di una pittura che più che dire non dice, ma semplicemente accade con tutta la sua magnetica e oscura voluttà. È il luogo in cui le reminiscenze di Caravaggio e la lezione appresa dallo studio dei maestri fiamminghi si mescolano alle suggestioni che l’artista attinge dalla sua esperienza diretta di vita nei paesi del Nord Europa. Paesaggi, ambientazioni e atteggiamenti, che sono espressione di una lontananza nella similitudine, amplificano una condizione psicologica di ascolto e di meditazione, di sedimentazione e di febbrile rielaborazione di stimoli molteplici».

«L’ora del lupo – racconta Giammarco Falcone – è un’espressione che ha origini nella tradizione nordica e si riferisce all’ora più buia della notte, poco prima dell’alba. Si crede che durante questa fase notturna il mondo sia permeato da un’atmosfera particolare, con una maggiore propensione a eventi misteriosi o sovrannaturali».

Il teatro di figure e oggetti che Falcone dipinge sembra provenire dai recessi del sonno più profondo, dove gli incubi peggiori esaltano le emozioni più violente, senza possibilità di risveglio. Si manifesta nelle forme dettate da una sensibilità sovreccitata, che consente all’immaginazione e alle paure di prendere forma. L’ora del lupo è uno stato di estrema solitudine in un ambiente notturno, che si popola di figure, visioni, incubi, sogni e desideri: tutto prende forma e trova una traccia narrativa nella quale ogni figura prende il cammino e va.

«Il punto di partenza è incerto – affermano i curatori della mostra – così come lo è la destinazione di questo viaggio onirico e allucinato. La misura di questa indeterminazione è già tutta scritta nel titolo della grande tela che dà il via al progetto, I don’t remember when it started del 2023, un pic-nic notturno di fantasie apparecchiate che vede quattro figure femminili – cristallizzate e ferme nel tempo –io transitare dalla biografia dell’artista al regno delle immagini, occupando in tutta la sua estensione l’intera parete di una delle stanze di Casa Vuota e portando il visitatore direttamente al centro della scena dipinta, senza barriere. Dallo stesso intrico di sogni scaturiscono ritratti e nature morte che si manifestano in ambienti altrettanto oscuri e indefiniti, costellati di piccoli elementi che si ripetono ossessivamente, cifre di un codice comprensibile nella sua interezza soltanto all’artista».

Per Giammarco Falcone si compie, in questa mostra, il passaggio da una pittura che raccontava solo se stessa, un lavoro concettuale in forma di pittura, a una nuova forma di espressione che racconta l’incontro tra l’intimità dell’artista, la sua esperienza personale, e il più vasto discorso sul dipingere nel quale, sin dai suoi esordi, si impegna a prendere parola in modo personale e autentico, colto e rizomatico.

«Il tema centrale della mia ricerca – argomenta l’artista – resta l’incessante ricerca di un dialogo tra il passato dell’uomo e il suo presente. I codici che creano il mio linguaggio fanno parte di un repertorio visivo che si fonda sulla storia dell’arte e allo stesso tempo si combina alle emozioni ed esperienze umane di un vissuto quotidiano, intimo e personale».

Un pittore entra in simbiosi con la propria vita personale quando apre veramente gli occhi, sembra dire Falcone, mentre consente ai visitatori della mostra L’ora del lupo di scrutare con i suoi occhi lì dove si addensano i grumi più densi del suo inconscio, in una dimensione sospesa che permette l’incontro tra passato e presente, tra personale e universale.

«La pittura – conclude Giammarco Flacone – è uno strumento che mi tiene legato a un “elemento storico”, creando con esso una continuità. A oggi ho capito che per sentirmi in simbiosi con la pittura, mi devo completamente abbandonare e perdermi in essa. La pittura, come un amante, vuole tutto da te. “Dipingere per davvero” significa per me guardarmi e non mentirmi». 

Giammarco Falcone (1990) nasce a Palermo e cresce a Milano, dove nel 2008 si diploma al Liceo Artistico di Brera e poi studia Storia dell’Arte all’Accademia di Belle Arti di Brera. Nel 2010 si trasferisce a Bruxelles, dove frequenta il corso di Pittura presso l’ERG (École de Recherche Graphique). Nel 2015 termina il Master in Belle Arti al KASK (Koninklijke Academie voor Schone Kunsten) di Gent. Dopo aver vissuto a Gent e Stoccolma, torna ad abitare e a lavorare Bruxelles. Tra le mostre personali si segnalano nel 2015 Ermetism alla Archiraar Gallery di Bruxelles ed Ermetism II a Kroxhapox a Gent, nel 2016 Dall’alto verso il basso alla Galleria Giuseppe Pero di Milano (con Nicolò Bruno), nel 2016 Matryoshka Principle alla Archiraar Gallery (con Enneboi), nel 2017 Facing the mirror alla Archiraar Gallery, nel 2017 Medusa alla Archiraar Gallery, nel 2018 Selected works alla Jean-François Cazeau Gallery di Sanremo e nel 2020 La danse des ombres sempre alla Archiraar Gallery. Ha esposto in collettive all’interno di spazi pubblici e museali come il BOZAR Museum e il Bruxelles Congress di Bruxelles, il Kask Conservatorium e il Gouvernement di Gent, il FOMU Fotomuseum di Antwerpen e il Jardin Botanique di Liegi. È stato in mostra inoltre a Parigi, a Copenhagen e a The Courtauld Institute of Art nella Somerset House di Londra. L’ultima collettiva, nel 2023, è Ballroom Project #5 ad Anversa. Il suo sito internet è www.giammarcofalcone.com.

INFORMAZIONI TECNICHE: TITOLO DELLA MOSTRA: L’ora del lupo ARTISTA: Giammarco Falcone LUOGO: Casa Vuota – Roma, via Maia 12, int. 4A QUANDO: dal 27 gennaio al 3 marzo 2024 ORARI: visitabile su appuntamento VERNISSAGE: 27 gennaio 2024 (orari: 18-21) INFORMAZIONI: cell. 392.8918793 – 328.4615638 | email vuotacasa@gmail.com | INGRESSO GRATUITO

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Roma, Casa Vuota (via Maia 12, int. 4A) 15 marzo aprile 2023, ore 17:30

Rossano Astremo è protagonista di una lettura di poesie a Casa Vuota, lo spazio espositivo domestico di via Maia 12 a Roma, nato nel 2017 e diretto da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. Il reading ha luogo sabato 15 aprile 2023 alle ore 17:30, all’interno della mostra Fuori Pieno di Alessandro Passaro, visitabile su appuntamento fino al 28 maggio (per informazioni 3928918793 – vuotacasa@gmal.com).

La lettura di Astremo è uno degli eventi di Q44, Festival della memoria e della resistenza al Quadraro, l’unico quartiere di Roma ad aver ricevuto la medaglia d’oro al Valor Civile, organizzato in ricordo del rastrellamento del 1944.

Mettendo a confronto i linguaggi dell’arte e della poesia contemporanea, i versi letti da Rossano Astremo da una parte e i dipinti di Alessandro Passaro dall’altra intrecciano un dialogo inedito e profondo, capace di far vibrare la mostra di accenti peculiari e nuovi.

Rossano Astremo è nato nel 1979. È pugliese, ma vive a Roma dal 2007. Insegna Lingua e Letteratura Italiana in un Liceo Internazionale. Collabora con “Il Manifesto”, “La Repubblica – Bari” e “Maremosso”, il magazine di libri del gruppo La Feltrinelli. Ha pubblicato 10 libri, tra cui tre raccolte poetiche, Corpo poetico irrisolto (Besa Editrice, 2003), con prefazione di Mario Desiati, e L’incanto delle macerie (Icaro, 2007), introdotto da Flavio Santi e Hai fatto burrasca (Collettiva, 2020), con una nota di Maria Grazia Calandrone.

LA MOSTRA – Il potere immaginifico della pittura viene magnificato da una mostra di buchi che trasforma il vuoto in pieno. Scimpanzé, rinoceronti e animali esotici popolando visioni surreali e metalinguistiche ambientate nelle stanze di un appartamento che mostra se stesso e le fantasie che può contenere, innescando una catena infinita di aperture, citazioni e rimandi. Una Casa Vuota trasformata in spazio espositivo si ribalta nel suo contrario, ovvero in un Fuori Pieno affollato di bizzarrie, immaginando scenari fantasiosi oltre i muri grazie all’intervento site specific dell’artista Alessandro Passaro.

Passaro progetta buchi e pratica aperture che si affacciano in una pluralità di direzioni: in alcuni casi nella mente dell’autore, in altri nella sua assenza e in altri ancora nelle stanze accanto. Vengono presentati al pubblico otto grandi dipinti a olio su tela, senza telaio e realizzati nel 2023, che vogliono farsi osservare non come opere in sé, ma come elementi di una grande installazione che abbraccia tutta la casa. Nelle intenzioni dell’artista, sono metafore semplici di che cos’è un quadro, ovvero uno squarcio che si affaccia in un’altra dimensione.

“Alessandro Passaro – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – fa un uso concettuale e progettuale della pittura, concependola come un dispositivo in grado di sfondare le pareti dello spazio espositivo domestico e affidando alle sue prodezze illusionistiche l’immaginazione di mondi possibili e impossibili che si aprono al di là delle pareti della casa. L’idea nasce nel 2022 guardando le stanze spoglie e le loro carte da parati sdrucite. A partire da una riflessione sullo spazio e sulla sua incompletezza, Passaro si impegna a rivelare il potenziale immaginifico che lo spazio racchiude, facendo dei suoi limiti un’opportunità e immaginando un altrove pieno e brulicante di vita al posto di un vuoto che delle storie passate e della vita consumata al suo interno conserva soltanto una traccia svanita”.

Photocover: Rossano Astremo

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Si può visitare su appuntamento fino al 28 maggio la mostra Fuori Pieno di Alessandro Passaro a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – Casa Vuota, lo spazio espositivo di via Maia 12 a Roma.

Il potere immaginifico della pittura viene magnificato da una mostra di buchi che trasforma il vuoto in pieno. Scimpanzé, rinoceronti e animali esotici popolano visioni surreali e metalinguistiche ambientate nelle stanze di un appartamento che mostra se stesso e le fantasie che può contenere, innescando una catena infinita di aperture, citazioni e rimandi. Una Casa Vuota, trasformata dal 2017 in spazio espositivo, si ribalta nel suo contrario, ovvero in un Fuori Pieno affollato di bizzarie, immaginando scenari fantasiosi oltre i muri grazie all’intervento site specific dell’artista Alessandro Passaro.

Fuori Pieno è il titolo della mostra personale di Alessandro Passaro ospitata dal 25 marzo al 28 maggio al secondo piano di via Maia 12 a Roma, in zona Quadraro, curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. La mostra è visitabile su appuntamento (prenotando ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com),

Per la sua personale a Casa Vuota, Alessandro Passaro progetta buchi e pratica aperture che si affacciano in una pluralità di direzioni: in alcuni casi nella mente dell’autore, in altri nella sua assenza e in altri ancora nelle stanze accanto. Vengono presentati al pubblico otto grandi dipinti a olio su tela, senza telaio e realizzati nel 2023, che vogliono farsi osservare non come opere in sé, ma come elementi di una grande installazione che abbraccia tutta la casa. Nelle intenzioni dell’artista, sono metafore semplici di che cos’è un quadro, ovvero uno squarcio che si affaccia in un’altra dimensione.

“Alessandro Passaro – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – fa un uso concettuale e progettuale della pittura, concependola come un dispositivo in grado di sfondare le pareti dello spazio espositivo domestico e affidando alle sue prodezze illusionistiche l’immaginazione di mondi possibili e impossibili che si aprono al di là delle pareti della casa. L’idea nasce nel 2022 guardando le stanze spoglie e le loro carte da parati sdrucite. A partire da una riflessione sullo spazio e sulla sua incompletezza, Passaro si impegna a rivelare il potenziale immaginifico che lo spazio racchiude, facendo dei suoi limiti un’opportunità e immaginando un altrove pieno e brulicante di vita al posto di un vuoto che delle storie passate e della vita consumata al suo interno conserva soltanto una traccia svanita”.

“Caricandosi di un potere divinatorio – proseguono i due curatori – l’artista è un medium che materializza visioni, producendo discontinuità nell’esperienza della realtà, in una sottrazione di autorialità che è apertura verso la meraviglia dell’accadere”. L’autorialità è una prigione per Passaro ed è questa la prima gabbia da abbattere, facendosi abitare dai demoni di una sensibilità surreale.

La prima emozione suggerita dallo spazio è un’ipotesi distruttiva: abbattere i muri per oltrepassarli, superare i limiti. “Ho avuto il bisogno – racconta Alessandro Passaro – di aprire quelle stanze, di bucare le pareti. È così che nasce Fuori Pieno, con l’identità di un buco che possa affacciarsi nell’altra stanza, come nella mente dell’autore, come nell’assenza dell’autore. Ho sempre pensato che la nostra identità sia uno strumento per imparare a mettersi da parte. Intitolare Fuori Pieno una mostra di pittura a Casa Vuota è un modo di esaltare ciò che nel presente è già fatto ma è anche un modo di gestire il mio ego creativo non considerandolo autore totale ma collaboratore, vigile e presente alla propria assenza. Ovviamente è anche un modo di tirare dentro il valore contemporaneo che hanno termini come casa, vuoto, pieno, fuori”.

“È un grande omaggio al dipingere come atto creativo e liberatorio, quello di Passaro, nel quale gli animali, estrapolati dallo scenario naturale che gli è proprio e ricontestualizzati nello spazio domestico, si offrono come simulacri e mettono in luce le incongruenze della società contemporanea”, commentano Del Re e de Nichilo. “La sua ricerca porosa e rabdomantica accoglie l’incidente, l’incursione nella realtà, l’accadere randomico dei segni e delle visioni nel cammino della pittura, caricandosi di una forza espressiva e affabulatoria di rara potenza. In questo incedere tra segni e sogni, tra slabbrature e fantasticherie che portano il reale nell’irreale, che mette da parte l’autore per fare emergere la sorpresa di narrazioni sorgive, spontanee e accavallantesi in una simultaneità antinarrativa, trova posto anche un ospite speciale con la sua creatività giocosa e spontanea, ovvero la figlia del pittore, una bambina di quattro anni”.

“Ho fatto realizzare un paio di disegni colorati a mia figlia Marta”, racconta Passaro. “Intorno questi disegni, con il mio limite linguistico, ho rappresentato ciò che lei aveva già rappresentato”. Quadri nei quadri, dunque, visioni dentro altre visioni, astrazione nella rappresentazione del reale, per cogliere la realtà “come si sa che è, non come la si vede”. Perché, per Alessandro Passaro, “se la pittura parla della vita, la vita stessa deve essere all’altezza della pittura. Bisogna essere opere d’arte nella vita così come lo si è quando si gioca con la rappresentazione”. Insieme al gesto liberatorio che questa mostra rende possibile, un messaggio etico si ritrova dentro la forma e prima della forma. “L’arte siamo noi, il coraggio di diventare dei capolavori passa attraverso scelte sociopolitiche, umane, antropologiche”, conclude l’artista. “Con l’arte mi piace parlare di questo perché mi sembra il senso più profondo di tutto, oggi”.

Alessandro Passaro nasce nel 1974 a Mesagne, in provincia di Brindisi, e si forma all’Accademia di belle arti di Lecce. Prende dalla sua terra il temperamento sanguigno e la franchezza emotiva che caratterizzano il suo lavoro. La sua pittura si orienta tra il figurale e l’informale, con un atteggiamento di costante esplorazione delle potenzialità espressive del colore e del segno, affascinato dall’idea di un limite che si trasforma in ricchezza linguistica. La sua prima personale, nel 2007, è Infuori curata da Ivan Quaroni alla Galleria Paolo Erbetta di Foggia. Tra le personali più recenti si annoverano nel 2022 Essere cellulare alla Gigi Rigliaco Gallery di Galatina curata da Nicola Zito, nel 2021 Via la pittura e nel 2017 Identity a Mesagne, nel 2013 Uno alla Galleria Statuto 13 di Milano a cura di Massimiliano Bisazza, nel 2012 Perdita di tempo ai Cantieri Teatrali Koreja di Lecce a cura di Marinilde Giannandrea. Tra le collettive si segnalano nel 2020 Una serie di esercizi inutili e altre storie nell’Opificio Puca di Sant’Arpino, in provincia di Caserta, organizzata dalla Galleria Studiolegale, nel 2018 Ritratti al Museo Pino Pascali di Polignano a Mare e la residenza Bocsart di Cosenza curata da Alberto Dambruoso, dal 2013 al 2016 il ciclo di mostre Sistema organizzato dal Ministero degli affari esteri, nel 2014 Artsiders alla Galleria nazionale dell’Umbria di Perugia a cura di Fabio De Chirico e Massimo Mattioli. Nel 2011 espone nel padiglione delle accademie alla Biennale di Venezia, nel 2012 è a Open space alla Galleria nazionale di Cosenza e a Overture al Museo Pino Pascali e nel 2005 alla Biennale del Mediterraneo a Napoli a cura di Achille Bonito Oliva.

INFORMAZIONI TECNICHE:

TITOLO DELLA MOSTRA: FUORI PIENO

AUTORE: ALESSANDRO PASSARO

A CURA DI: Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo

LUOGO: Casa Vuota – Roma, via Maia 12, int. 4A

QUANDO: dal 25 marzo al 28 maggio 2023

ORARI: visitabile su appuntamento

VERNISSAGE: 25 marzo 2023 (orari: 17-21)

INFORMAZIONI: cell. 392.8918793 – 328.4615638 | email vuotacasa@gmail.com | INGRESSO GRATUITO

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Roma – Lo spirito domestico tradizionalmente impersonato dai numi tutelari della casa è il motivo ispiratore della prima mostra personale di Mozzarella Light, duo artistico composto da Giulia Ciappi e Marco Frassinelli, intitolata Domovoi e progettata su misura per gli spazi di Casa Vuota a Roma, in via Maia 12, a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo.

La mostra si inaugura venerdì 8 aprile 2022 alle ore 17:00 e si può visitare fino al 31 maggio, previo appuntamento, prenotando ai numeri telefonici 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

“Un’unica grande installazione, composta di enunciati di luce, riflessi, sculture cinetiche, elementi portanti che puntellano le superfici e di una membrana traslucida, definisce gli spazi di Casa Vuota, in un intervento che è insieme esperienziale, scultoreo, architettonico e poetico”, spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. I differenti ambienti espositivi sono caratterizzati da una variazione di forme e colori, all’interno di un continuum dinamico in costante movimento.

Nelle credenze popolari slave, i Domovoi sono creature invisibili, protettrici del focolare, benevole nei confronti degli umani e custodi dell’unità familiare, capaci avvertire gli abitanti della casa di pericoli imminenti e ingraziate da questi tramite piccole offerte di cibo, così legate alla famiglia da essere invitate a seguirla nella nuova abitazione in caso di trasloco.

L’incontro con i Domovoi si impone ai Mozzarella Light in modo misterioso, con il sapore di un presagio. Mentre la mostra è in fase di progettazione, infatti, in una pausa del lavoro, il duo incontra al Quadraro, il quartiere romano in cui sorge Casa Vuota, un misterioso uomo dell’Est, un viandante senza nome con il quale si intrattiene in una breve conversazione. Alla domanda dello sconosciuto su cosa stessero facendo lì, i Mozzarella Light raccontano della mostra e di Casa Vuota e, in risposta, l’uomo racconta la leggenda dei Domovoi, consigliando loro di ingraziarseli per la buona riuscita del progetto. Da questo nome e da questo incontro nasce il titolo della personale.

“A partire dalla suggestione arcana e immaginifica dei Domovoi – scrivono Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – che arriva da un passato e da un territorio lontano ma che si connette con le nostre tradizioni e con la nostra storia, fino a riecheggiare i Lari e i Penati venerati nella Roma antica, il progetto espositivo dei Mozzarella Light evoca negli ambienti espositivi di Casa Vuota la presenza di numi tutelari che si manifestano in forme tanto effimere quanto insolite e affascinanti. Il dispositivo della mostra si configura come una soglia, confine tra il visibile e l’invisibile, dove si palesano fasci luminosi che costruiscono volumi immateriali o che sembrano indicare costellazioni incognite. In una penombra scandita da tempi e ritmi ripensati e autonomi, che sembrano dettati dalle stesse mura domestiche, dalle quali fuoriescono bracci meccanici simili a protesi o fantascientifiche superfetazioni, Casa Vuota si fraziona e si riflette, attraverso membrane e specchi, facendosi spazio altro, offerto all’esperienza della fruizione tra la vertigine dello schermo e l’insorgenza di una vita non umana, remota e artificiale. I Domovoi trovano così il loro habitat a Roma.

L’intervento di Mozzarella Light evoca la vita più intima e primigenia dell’abitazione, ponendo il pubblico nella condizione scomoda di chi si trova a spiare un evento portentoso e segreto, a essere testimone sacrilego del numinoso esperito in una leggenda quotidiana. La casa si anima di presenze inquiete, robotiche o lampeggianti, la cui comunicazione è fatta di rumori, movimenti, accensioni, spegnimenti, pause, ripetizioni, incidenti di percorso, nell’intermittenza di presenze e assenze che abitano lo spazio e lo risignificano, trasformandolo con la loro ritmica vitalità. Un insieme di regole, scritte e codificate dagli artisti e proposte all’inizio del percorso espositivo, guida il pubblico e determina le modalità della visita, distinguendo fas e nefas. Nell’inevitabile destino di obsolescenza della tecnologia, per i Mozzarella Light il sentimento della meraviglia si unisce alla malinconia, nel ribaltamento di un paradigma di perfezione ed efficienza in una esausta riproposizione di algoritmi nella cui logica difficilmente penetriamo. Nell’incontro tra il futuribile e l’antico, le mappe delle abitudini incontrano lo smarrimento fiabesco, lungo la deriva delle storie portate dai flussi dell’identità globale e connessa. Nel recinto magico di Casa Vuota, l’alterazione dello spazio trasforma l’impressione di estraneità in una rinnovata tensione medianica, in cui i concetti spaziali inglobano gli ospiti nel ventre di un racconto che fa parlare la pelle, gli strappi e i vuoti dell’appartamento, illuminandoli di una luce che sembra abissale e interiore, investita del potere di accendere il sentimento del luogo”.

“Con il progetto Domovoi, creiamo la nostra realtà della casa – spiegano i Mozzarella Light – che viene vissuta da presenze che hanno un tempo e un rumore proprio. Presenze riflettenti, con movimenti discontinui, interiorizzano il luogo mostrando le loro personali routine di veri e forse unici abitanti della casa. L’umano si trova a essere non più padrone, non più protagonista, ma un semplice invitato che si deve adattare a delle regole e dei ritmi imposti dall’atmosfera di Casa Vuota. L’utilizzo della luce e del colore sono un mezzo impalpabile in grado di creare diversi ambienti che raccontano le dimensioni domestiche con suggestioni inconsuete”.

Mozzarella Light è il nome del duo artistico composto da Giulia Ciappi (1997) e Marco Frassinelli (1992), che vive e opera a Roma. Si formano nelle Accademie di Belle Arti di Firenze e di Roma, dove entrambi conseguono il diploma di Scultura, e presso la Universidad del País Vasco di Bilbao in Spagna, facendo workshop e residenze negli USA, in Grecia e in Israele. Il nome scelto per designare il sodalizio artistico punta sullo spaesamento e su un’apparente anti-artisticità, con un’ambiguità semantica che fa anche riferimento alla luce, elemento essenziale del loro linguaggio espressivo. A partire dal 2019 portano avanti il progetto installativo Spazi intermedi all’interno di luoghi abbandonati.

La curiosità nella sperimentazione dei materiali, la duttilità degli interventi e una profonda e circostanziata riflessione sullo spazio e sulle sue possibilità di trasformazione sono le linee guida della ricerca di Mozzarella Light. I loro progetti nascono da un incontro e uno scontro, da una tensione continua che trova la propria materializzazione in forme espressive di volta in volta diverse. I materiali utilizzati sono molteplici e variano in funzione al contesto e al concetto investigati. Tra tutti, la luce e le nuove tecnologie sono i linguaggi più ricorrenti, mezzi poetici per esprimere l’immaterialità che va oltre la semplice apparenza e capaci di fare da ponte tra presente e futuro.

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INFORMAZIONI TECNICHE:

TITOLO DELLA MOSTRA: DOMOVOI

AUTORE: MOZZARELLA LIGHT

A CURA DI: Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo

LUOGO: Casa Vuota – Roma, via Maia 12, int. 4A

QUANDO: dall’8 aprile – al 31 maggio 2022

ORARI: visitabile su appuntamento

VERNISSAGE: 8 aprile 2022 (orari: 17:00-20:30)

INFORMAZIONI: cell. 392.8918793 – 328.4615638 | email vuotacasa@gmail.com | INGRESSO GRATUITO

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Dopo l’inaugurazione, l’esposizione è visitabile sempre su appuntamento.

Una pittura intensa e potente, di vivida chiarezza e profonda carnalità, nella quale risuonano echi di estati stratificate nella memoria e l’intenso struggimento degli amori mai finiti: vive nella precaria condizione di un trasloco velato di ricordi e nell’emozione trattenuta degli addii la prima mostra personale romana di Dario Nanì, artista siciliano di stanza a Bologna, intitolata Altri fiori per camera tua e curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. Dal 29 gennaio al 20 marzo 2022 la mostra abita negli spazi di Casa Vuota, in via Maia 12 a Roma.

“La cadenza dell’endecasillabo che il titolo della mostra scandisce – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – racchiude in sé tutta la poesia delle stanze abitate e poi svuotate in cui Dario Nanì ci conduce, l’odore delle case in cui si consumano i giorni e che poi vengono dismesse come una pelle. Nel rumore dei traslochi che mettono le vite nelle scatole risuonano gli amori incominciati e poi finiti e la reminiscenza vaga di un mazzo di fiori visto una volta in una camera da letto perduta nella memoria, rispetto al quale confrontare il valore dell’offerta e del dono, del corpo dato in pasto ai giorni, del desiderio impellente che balugina nel teatro di una giovinezza permanente”.

“Nell’immaginare questa mostra mi ha guidato l’idea del trasloco”, racconta Nanì. “Quando svuotiamo i nostri cassetti, ci accorgiamo di avere conservato nel tempo oggetti appartenenti a diverse persone. Oggetti smarriti, ognuno dei quali si porta dietro un nome, una sensazione. Così sono i miei dipinti, che si trascinano dietro la memoria di persone che ho incontrato e luoghi che ho visitato, che di volta in volta si rinnova”.

Dario Nanì, Per quello che ricordo, 2021, olio su tela, 120(h)x100(b)

A farsi scenario di questo trasloco in forma di mostra è Casa Vuota, progetto curatoriale ideato da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo all’interno dell’appartamento di un condominio del quartiere Quadraro a Roma, che dal 2017 ospita progetti personali e collettivi di arte contemporanea. Non semplici mostre, ma esperienze di fruizione coinvolgenti per i visitatori vengono costruite su misura per le stanze della casa, che conservano le impronte della vita che si è consumata al suo interno e le tracce del passaggio dei vecchi proprietari. Stanze in cui le storie e le memorie si stratificano si fanno ambiente immersivo, dove non c’è soluzione di continuità tra l’intervento dell’artista e lo spazio. Tra le carte da parati consumate dal tempo dell’appartamento trovano quindi posto i dipinti, i disegni e i collage di Dario Nanì. Realizzati tra il 2020 e il 2021, hanno un forte contenuto autobiografico e presentano al pubblico alcuni grandi temi che ricorrono nella ricerca dell’artista. “Sono le mie storie e quelle dei miei amici, l’argomento dei racconti delle nostre uscite serali”, spiega Nanì. “Non so se possono interessare a tutti ma abbracciano tante persone. Succede come guardando un film, alcuni ci si rivedono e altri no, dipende da chi guarda”.

Dario Nanì, Senza Titolo, 2020, olio su tela, 61(h)x46(b).

Il ciclo sui fiori che dà il titolo alla mostra trae origine dall’ossessione per un mazzo di fiori finti rimasti sull’armadio della casa della persona amata, residuo di una precedente relazione, un’immagine rimasta impressa nella mente e rievocata nel tentativo di esorcizzarne la presenza e il ricordo ricorrente, nella volontà di barattare quel dono con un altro o milioni di altri che la pittura rende possibili. “Evocati come un mormorio, come una presenza immateriale che perde ogni necessità descrittiva – raccontano i curatori – gli echi di queste corolle suppletive e risarcitorie sono impregnati di tutto il potere affabulatorio e molcente della pittura che vale per se stessa, superando la realtà nell’esuberanza del colore”.

Dario Nanì, Senza Titolo, 2021, olio su carta, 30(h)x21/b)

“Alla stessa dimensione trasfigurata e rarefatta, nella quale la materia pittorica ora si addensa e ora si fa sottile e quasi sognata, appartengono le visioni delle spiagge rosa e della fitta vegetazione dei boschetti e dei giovani corpi nudi che si dispongono all’amore”, proseguono Del Re e de Nichilo. “Sono dipinti invernali, nati nel freddo di Bologna e nella sua umidità frondosa, che ripensano le visioni estive di una Sicilia nativa e vibrante, con i suoi cieli aperti e sconfinati. Queste coordinate geografiche sono due poli entro i quali si sviluppa l’immaginario del pittore, la sua biografia, il suo desiderio. Ambienti diversi che risuonano per un identico sentimento, con una vibrazione impregnata di una sensualità irrequieta e furtiva. Ragazzi attendono tra il mare e la boscaglia, un grande autoritratto emerge dal passato e poi fughe mediterranee, spiagge nudiste, facce piene di sogni, Narcisi indolenti che sarebbero piaciuti al barone Wilhelm von Gloeden, forse inconsapevoli della loro bellezza. Alla complessa tessitura della pittura su tela si accostano dei ritratti su carta eseguiti con segno veloce, quasi fanciullesco, ricoperti da una colata di colore, abbinando un tono a ogni volto”.
I collage, infine, nati dalla giustapposizione casuale di fogli di riviste e post-it oppure dall’accumulo di lacerti di immagini precedenti, in cui un certo gusto per la citazione si accompagna al gesto manuale di schiacciare le carte alla ricerca di toni e accostamenti intimamente pittorici, sono appunti di un diario visuale e poetico che segnano le coordinate di luoghi,

Dario Nanì, Senza Titolo, 2021, olio su carta, 30(h)x21 /b)

appuntamenti, persone da incontrare, azioni da fare. “La spoglia residuale delle vite – secondo i curatori – che si prova a trattenere fissando un punto sulla mappa inventata dei giorni ancora da contare”.

Dario Nanì nasce a Ragusa nel 1993 e vive e a Bologna. Studia all’Accademia di Belle Arti prima a Catania e poi a Bologna. Prima della mostra di Casa Vuota, la sua personale più recente è Confessioni poco intelligenti a cura di Giuseppe Giordano tenutasi nel 2019 presso Prima Classe a Ragusa. Del 2018 è la mostra I ragazzi di città intelligenti non dipingono, doppia personale di Dario Nanì e Rosario Calabrese a cura di Paolo Nifosì presso il Movimento Culturale Vitaliano Brancati a Scicli (RG). Tra le esposizioni collettive più recenti alle quali è stato invitato, si segnalano nel 2021 il Premio Fausto Pirandello a cura di Manuel Carrera presso il Civico Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Anticoli Corrado (RM) e Diario di bordo I – II atto a cura di Giuseppe Cona presso Scalamatrice33 a Caltagirone (CT), nel 2020 Super Sacca a cura di Giovanni Scucces alla Sacca Gallery di Pozzallo (RG), nel 2018 Before and After Nature a cura di Alessia Calarota alla Galleria d’Arte Maggiore di Bologna e La bellezza è fragile a cura di Angelo Crespi nel Salone dei Convegni del Comune di Santa Marina Salina (ME), nel 2017 Opere recenti a cura di Paolo Nifosì presso il Movimento Culturale Vitaliano Brancati a Scicli (RG) e Tributo a Salvo Monica a cura di Francesco Lauretta presso Sciabica e Madre Crocifissa Curcio (ex Sant’Anna) a Ispica (RG).

La presentazione al pubblico avviene in due giorni, sabato 29 gennaio dalle ore 16:30 alle ore 20 e domenica 30 gennaio dalle ore 16:30 alle ore 19. Per la visita è necessario prenotarsi al numero di telefono 3928918793 oppure all’email vuotacasa@gmail.com. Dopo l’inaugurazione, l’esposizione è visitabile sempre su appuntamento.

INFORMAZIONI TECNICHE:

TITOLO DELLA MOSTRA: ALTRI FIORI PER CAMERA TUA

AUTORE: DARIO NANÌ

A CURA DI: Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo

LUOGO: Casa Vuota – Roma, via Maia 12, int. 4A

QUANDO: dal 29 gennaio – al 20 marzo 2022

ORARI: visitabile su appuntamento

VERNISSAGE: 29 gennaio 2022 (orari: 16:30-20) e 30 gennaio (orari: 16:30-19) INFORMAZIONI: cell. 392.8918793 – 328.4615638 | email vuotacasa@gmail.com | INGRESSO GRATUITO

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