Dare, attraverso la pittura, una dimora a chi una dimora non ce l’ha. È questa la sfida che si propone la mostra La dolce vita, la personale di Michele Bellini a Casa Vuota a Roma (via Maia 12) curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo, che si inaugura giovedì 4 luglio 2024 dalle ore 18:30 alle 21 e si può visitare fino al 22 settembre 2024, prenotando un appuntamento ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

L’esposizione presenta un ciclo organico di lavori pittorici realizzati nell’ultimo anno, profondo, sentito e dai contenuti originali, che veste su misura le pieghe più intime del corpo di Casa Vuota. Al centro l’artista pone sei ritratti a grandezza naturale, oli su tela, che vengono accompagnati da altri dipinti, bozzetti e disegni a carboncino.

«I protagonisti dei ritratti – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – si chiamano Massimo, Vittoria, Angelina, Staneva, Leonardo e Paolo e sono sei tra le tante persone che vivono sotto il cielo di Roma e che le circostanze della vita hanno portato a non avere un domicilio stabile.
Michele Bellini fa la loro conoscenza attraverso Binario95, un polo sociale di accoglienza per persone prive di dimora con il quale ha iniziato una collaborazione, organizzando dei laboratori di pittura con la mediazione degli operatori del centro. Nei laboratori, guardati dapprima con qualche diffidenza e poi via via sempre più partecipati, la pittura diventa uno strumento di comunicazione e di scambio. Lungo il percorso di conoscenza reciproca tra il pittore e i suoi studenti, la fiducia e la complicità diventano così profonde da portare gli studenti a diventare modelli e a posare per Casa Vuota, offrendo il loro corpo e le loro stesse vite – per loro le cose più preziose, tutto quello che hanno – allo sguardo indiscreto della pittura e trovando così, idealmente, il loro posto nello spazio sublimato di una mostra e nel tempo non enumerabile dell’esperienza estetica. E qui altri sguardi, quelli dei fruitori, li incontreranno, attivando nuove relazioni, nuovi incontri, nuovi dialoghi e nuovi spostamenti di senso, mettendo in discussione soggetti, oggetti, spazi e modi dei discorsi possibili intorno all’abitare, all’uso dei corpi, all’esercizio della libertà e all’autodeterminazione, a quello che chiamiamo casa e alla definizione di limiti, confini e orizzonti».

«Massimo, Vittoria, Angelina, Staneva, Leonardo e Paolo – scrivono Del Re e de Nichilo – trovano a Casa Vuota, con la pittura di Michele Bellini, la casa che non hanno. Bellini li chiama pittoricamente per nome, si immerge nella loro vita – una dolce vita nonostante tutto – e li porta ad abitare con sé in quella grande casa che è la pittura stessa, usando le stanze di Casa Vuota come pretesto per scrivere un nuovo capitolo del suo progetto artistico dedicato alla vita, raccontata attraverso la materia e i volti della vita stessa, già iniziato con il ciclo di dipinti intitolato Gente in metropolitana da lui portato avanti dal 2014 al 2018, che nasceva da scatti fotografici rubati a ignari viaggiatori. È una pittura che manifesta una vocazione per i temi sociali, che si guarda intorno e non si limita alla contemplazione di circoscritto panorama autoreferenziale. L’attenzione che ha per gli altri, il desiderio di mettersi in ascolto e di farsi portatore delle vite altrui si traduce, per Bellini, nella pratica del ritratto. I suoi sono ritratti anche quando non sono ritratti, anche quando l’oggetto della pittura è una stanza dell’associazione in cui avvengono le lezioni o una natura morta, perché Michele Bellini è profondamente vocato alla pratica del ritratto e ha raffinato in esso tutti i modi più persuasivi e peculiari della sua espressione».

«Il titolo felliniano rende palese l’omaggio a Roma, ai suoi abitanti, alle sue strade e alle sue storie. Di questa Roma sospesa tra magnificenza e decadenza Michele Bellini è perdutamente innamorato, così come è innamorato della pittura e dei pittori, con una particolare predilezione per il realismo e la ritrattistica sviluppata a cavallo tra XVII e XIX secolo, di cui è raffinato conoscitore e consapevole cultore. La pittura di Bellini si nutre di pittura e nelle sue opere si colgono riferimenti espliciti o inconsci a quadri del passato che ha ammirato e studiato e che conosce così bene da fare propri con un gesto non citazionistico, ma vivificante, sorgivo, medianico. In virtù della sua poderosamemoria visiva e artistica, a Casa Vuota riecheggiano nei ritratti di Bellini il Menippo di Diego Velázquez, la Carmencitadi John Singer Sargent, il Gilles di Antoine Watteau, la Giuditta di Gustav Klimt e ancora, nell’unica scena di interno esposta, intitolata L’accoglienza, un sussurro che parla di Angelo Morbelli e di Telemaco Signorini. A volte Michele Bellini ritrova nei suoi modelli le pose dei capolavori che lo ispirano, altre volte il processo di costruzione dell’immagine semplicemente si affida, per parlare, alla lingua che lui meglio conosce, ossia la pittura stessa. In ogni caso, non c’è finzione nel suo offrirsi attraverso la materia viva della pittura, ma una profonda e rispettosa onestà».

Dichiara Michele Bellini: «È stato un lavoro davvero intenso, sotto ogni punto di vista, e mi ha segnato e formato come nessuna esperienza simile in passato. La serie di lavori che ho realizzato per Casa Vuota mi ha permesso di comprendere quanto necessari (nonché contradditori) siano l’identificazione nei temi che un artista vuole narrare e il distacco da essi. Mi sto ancora chiedendo cosa ho fatto, come è andata e che cosa avessi da dire su uno dei soggetti più trattati nella storia dell’arte. Le domande sono maggiori delle risposte, ma per me questo progetto è importante perché ho sempre sentito un’affezione verso chi ha meno da offrire e ho scelto di ritrarre queste persone nel modo in cui di solito la pittura che ho amato ritraeva la nobiltà. Per anni, passando per via Marsala, mi capitava di vedere file di persone in attesa davanti ai cancelli di Binario95 e mi sono sempre chiesto come avrei potuto avvicinarmi a loro. Mi attira l’umano, l’umanità e la mia idea è di nobilitare le persone attraverso ritratto, dare loro dignità attraverso una pittura “onesta”. A questa gente bisognosa la pittura che ho portato è un gesto paradossale, come paradossale è il titolo della mostra. La pittura non è un fine, ma un terreno comune che mi ha permesso di confrontarmi con loro e di costruire un rapporto. E questa relazione io la restituisco nelle forme della pittura, mostrando la realtà che ho incontrato con onestà. Viste tutte insieme, le opere della mostra rappresentano la vita e se c’è una cosa che voglio raccontare con la mia pittura è la vita, descrivere la vita attraverso queste facce e queste persone. Mi sono identificato nella loro condizione di smarrimento che avverto come familiare, nell’impossibilità di riuscire a trovare un posto nel mondo. Io trovo il mio posto solo quando sono davanti al cavalletto. E tutti noi insieme lo troviamo oggi a Casa Vuota».

Michele Bellini (www.michelebellini.com) è nato a Roma nel 1990. Ha studiato al Liceo Artistico di via Ripetta e alla Scuola Romana dei Fumetti. Si è poi perfezionato in pittura all’Accademia di Belle Arti di Roma e alla Florence Academy of Art di Firenze. Tra le mostre più significative nelle quali ha esposto i suoi dipinti, si segnalano nel 2021 il Premio Fausto Pirandello al Civico museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Anticoli Corrado, nel 2019 la personale Roma alla Galleria Art Gap di Roma, nel 2018 Presenze a Palazzo Venezia a Roma e Ieri oggi domani alle Scuderie Aldobrandini di Frascati, nel 2017 Komask Masters Salon Painting alla Royal Academy of Fine Arts di Anversa in Belgio e Il disegno dal vero come pratica storica e sapere contemporaneo. L’Accademia à l’Académie al Museo Pietro Canonica di Roma, nel 2016 Cutting Edge al Museo Nazionale delle Arti di Cluj-Napoca in Romania e Dignity through art alMuseo dell’Opera del Duomo di Firenze.

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La vita segreta della polvere è al centro della nuova mostra di Casa Vuota a Roma (in via Maia 12) intitolata “Humus”, un progetto site specific di Alice e Ahad, un duo artistico italo-iraniano composto da Alice Mestriner e Ahad Moslemi, che arriva per la prima volta nella Capitale.

La vita segreta della polvere si svela nella mostra Humus, la prima personale romana del duo italo-iraniano Alice e Ahad (Alice Mestriner e Ahad Moslemi), ospitata dal 18 novembre 2023 al 14 gennaio 2024 nelle stanze di Casa Vuota, lo spazio espositivo indipendente in via Maia 12 a Roma. La mostra, curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo, viene presentata al pubblico sabato 18 novembre dalle ore 18 alle 21 e dopo l’inaugurazione è fruibile dai visitatori su appuntamento, prenotando ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

L’osservazione della stratificazione di tracce e sedimenti prodotti dal passaggio del tempo in uno spazio vissuto è al centro dell’intervento site specific pensato dagli artisti per gli spazi di Casa Vuota. Alice e Ahad presentano al pubblico estroflessioni scultoree che interagiscono con l’architettura, aggregatori mobili di particelle, archivi fotografici di ispezioni microscopiche, annotazioni visive e tappeti come giardini di infiorescenze particolari, opere in dialogo fra loro e con lo spazio.

Alice e Ahad iniziano a utilizzare la polvere come materia prima e snodo teorico della loro ricerca artistica nel 2017, a partire da un progetto installativo costruito all’interno di una dimora seicentesca, Villa Memo Giordani Valeri a Quinto di Treviso. “Siamo rimasti affascinati dalla ricchezza e dalla struttura di questa materia”, raccontano, spiegando che il loro intento è andare a “svelare le presenze assenti, eppure vive e tangibili, di quello che è stato tracciato, traducibili attraverso un’immagine altrettanto viva, tangibile ed effimera, fatta di polvere: sede dell’identità, della storia, della vita, della trasformazione e della sedimentazione, che porta alla narrazione degli eventi che sono successi e succedono al suo interno”.

La polvere che sostanzia le visioni e gli oggetti artistici di Alice e Ahad viene analizzata come concetto e struttura: secondo gli artisti “è un nome collettivo che si apre all’interpretazione, memoria plastica ed estetica dell’immortalità”.

“Identità in divenire, cronologie e intrecci pulviscolari – annotano Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – si mostrano attraverso le memorie impresse sugli elementi costitutivi dello spazio, che si fanno linguaggio. Ecco aggregarsi il corpus della polvere, il suo trionfo e la sua vitalità postumana, con l’imponderabile molteplicità delle storie che raccoglie nella forma di frammenti, via via ricomposti in un’unità mobile e sconfinata, senza inizio né fine”.

“L’humus che dà il titolo al progetto espositivo – scrivono i curatori della mostra – è una sostanza vitale che risignifica il negativo, invertendo la sua polarità per affermare un potenziale creativo palingenetico. L’unione delle particelle di cui è composta la polvere è arricchimento, catalizzatore di vita. Il presente è fatto di storie sempre nuove e per Alice e Ahad, nella trasformazione della materia e nel suo rimescolamento, il vuoto della decostruzione porta con sé la possibilità di abitare forme rinnovate, elementi plastici che si fanno nel momento stesso in cui si lasciano raccontare, trattenendo il fiato nel timore che si disgreghino con la stessa facilità con cui si sono formati”.

La ricerca artistica di Alice e Ahad si concentra sullo studio e sulla formazione dei significati che si trasformano o vengono modificati, perduti o ridefiniti dal corso del tempo. Il significato è un gioco della lingua: un’associazione relativa, astratta e convenzionale, decisa a posteriori, che a intervalli precisi di tempo ha la capacità di creare e definire l’identità della realtà e allo stesso tempo l’irraggiungibilità della stessa. Estendendosi così in un’archeologia infinita dove i frammenti sono indizi necessari ma non sufficienti. “Esiste un forte legame tra l’identità, il linguaggio e il tempo – dichiarano – e questo legame che dà significato alle cose è un gioco percettivo tra noi e il mondo”. Il luogo e la forma in cui tutto questo si manifesta per Alice e Ahad è la polvere, intesa come un insieme vivo di tracce e non come il ricordo di ciò che è stato. Il percorso di ricerca del duo si muove da questa materia plastica verso l’esterno. “Osservando le narrazioni contenute all’interno della polvere – spiegano gli artisti – intraprendiamo percorsi di lettura suggeriti dalla materia stessa, nei quali si riflettono alcune problematiche contemporanee. La struttura e la formazione della polvere ci portano a descriverla come una nuova forma simbolica della contemporaneità. La composizione della polvere spazia tra biologia, scienza, tecnologia, filosofia, antropologia, sociologia, psicologia, archeologia e linguistica, silenziosa sede dell’estetica dell’immortalità”.

Alice e Ahad (ph Giulio Favotto)

Alice Mestriner (Treviso, 1994) e Ahad Moslemi (Teheran, 1983) vivono e lavorano tra Italia e Iran. Studiano rispettivamente in Italia all’Università Iuav di Venezia frequentando il Master in Arti Visive in Canada all’Université du Québec a Trois-Rivières, in Turchia all’Università di Hacettepe e in Iran. Si incontrano in Canada nel 2016 e danno inizio alla loro collaborazione artistica che si basa sull’intersezione di tempo, linguaggio, identità, memoria e coabitazione, che dà origine al lavoro sulla polvere come nuova forma simbolica. Entrambi nel 2016 collaborano con Ola-Dele Kuku e organizzano la conferenza “A Continuous State of Time” per la 56.a Mostra Internazionale di Architettura alla Biennale di Venezia. Nel 2018 frequentano insieme a Londra il corso Erasmus+, Mobility of Youth Workers, “Social Inclusion Through Artistic Tools’’. Nel 2020 frequentano il corso della Harvard University “Tangible Things: Discovering History Through Artworks, Artifacts, Scientific Specimens, and the Stuff Around You’’. Nel 2022 si laureano (MA) in Arti Visive all’Università Iuav di Venezia e prendono parte al progetto europeo COME2ART: “Introducing a collaborative scheme between artists & community members fostering life skills development and resilience through creative placemaking”. Accanto alla loro ricerca artistica hanno creato workshop e programmi educativi in scuole, università e aziende.

Ahad Moslemi vive le conseguenze della Rivoluzione Islamica del 1979, un evento che ha cambiato completamente la cultura e la società del suo paese. Analizza e ricerca lo sviluppo e gli effetti di queste e nuove definizioni. Nel 1998 inizia i suoi studi alla scuola di Belle Arti di Teheran. Nel 2011 emigra in Canada dove frequenta il Cégep Du Vieux Montréal, continuando poi all’Università del Québec a Trois-Rivières nel dipartimento di arti plastiche. Partecipa a mostre e conferenze a Montreal, Quebec, Messico, Grecia, Venezia e Portogallo. Nel 2016 vince il Prix du Doyen con il progetto “Les Conséquences de la guerre sur les enfants”. Nel 2017 partecipa espone nel North Adams (U.S.A.) per la Biennale di stampe.

Alice Mestriner (Treviso, 1994) si avvicina alla filosofia del linguaggio nel corso dei suoi studi al Liceo Artistico Statale di Treviso. Questo incontro modifica e influenza la sua ricerca basata sull’osservazione degli atteggiamenti umani e gli influssi del linguaggio sugli stessi. Nel 2015 è in Turchia per studiare alla Hacettepe University di Ankara con il programma Erasmus. Finisce gli studi con un internship in Canada, nel Quebec. Frequenta le lezioni di Antropologia Culturale presso l’Università Ca’ Foscari di Venezia. Nel 2017 si laurea all’Università I.U.A.V. di Venezia in Arti Multi-mediali e frequenta il NODE Institute di Berlino. Vince una menzione d’onore in fotografia da Monochrome Awards.

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Una mostra a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo

Roma, Casa Vuota (via Maia 12, int. 4A)

21 gennaio 2023 – 5 marzo 2023 

Non solo prede di caccia o presenze ferine che invadono lo spazio cittadino, i cinghiali sono protagonisti di una mostra che ne umanizza la selvatichezza, invitando a scoprire il lato nascosto di ciò che superficialmente si considera una minaccia o un nemico. L’artista pugliese Pasquale Gadaleta intitola Il sogno del cinghiale la sua prima personale romana, un progetto costruito su misura per le stanze di Casa Vuota, lo spazio espositivo di via Maia 12 al Quadraro.

Un cinghiale in una casa potrebbe sembrare una presenza incongrua e spiazzante e invece, nella fantasticheria di Pasquale Gadaleta, si trova perfettamente a suo agio. I dipinti e le sculture dell’artista si inseriscono nello spazio espositivo domestico componendo una grande installazione, che si impernia sulla ricostruzione di una camera da letto. “È uno spazio intimo – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – in cui si immagina possa abitare l’animale umanizzato. Le opere si allestiscono accanto a oggetti raccolti dall’artista nel corso di lunghe passeggiate sulle colline della Murgia, che si fanno leggere come ready-made rustici e fiabeschi: un letto, una seggiola, un mobilio sbilenco. Qua e là si incontrano piccole ceramiche che riproducono scene di gusto boccaccesco vissute dall’ungulato, una collezione di ricordi di intimità licenziose, gelosamente conservati nel rifugio più segreto, in cui nessuno accede senza invito. Nelle scene immaginate da Pasquale Gadaleta, scolpite o dipinte, i cinghiali dormono o scorrazzano nella luce crepuscolare oppure avanzano fieri, da soli e in gruppo in scenari di una natura ancestrale che evoca alla mente certe pitture di un mondo preromano. L’uso sia della terracotta che del colore che l’artista fa rimanda direttamente a un retaggio archeologico da lui intensamente amato e studiato, a testimonianza di un profondo e vitale legame con la sua terra natia, abitata nell’antichità da quei Peucezi che tantissime testimonianze della loro arte e della loro cultura hanno lasciato, come racconta la collezione del Museo Jatta di Ruvo di Puglia”.

“Pasquale Gadaleta – proseguono i curatori – inizia a dipingere i cinghiali nel 2018, dopo averli incontrati e osservati sulla Murgia. Il primo motivo di attrazione per lui, da un punto di vista prettamente scultoreo, è la forma e il volume dell’anatomia dell’animale. Per Gadaleta, il cinghiale è visivamente perfetto e per questo si presta bene a essere raffigurato. Poi viene lo studio iconografico, la scoperta della sua presenza costante nell’arte attraverso i millenni e i secoli, a partire dalle scene di caccia dipinte nelle caverne 35mila anni fa. Così il cinghiale diventata un’ossessione per l’artista, fino a diventare un suo alter ego. In questo senso la mostra potrebbe essere letta come un grande autoritratto. Dopo tante peregrinazioni i cinghiali di Gadaleta arrivano a Roma e sono protagonisti di un progetto unitario che pone l’animale al centro e chiude un ciclo, invitando alla scoperta di quali fantasticherie si animi il suo sonno, in una dimensione onirica e affabulante, e andando a intrecciare con leggerezza il mondo privato dell’artista con gli echi dei discorsi dell’attualità e della politica”.

Per spiegare il suo progetto, l’artista sceglie di citare I Ching, ovvero Il libro dei mutamenti, antico testo classico cinese, un libro sapienziale usato come oracolo: “Il dente di un cinghiale castrato porta salute. Di per sé il dente del cinghiale è pericoloso; ma quando la natura del cinghiale sia mutata essa perde la sua pericolosità. Così anche nell’uomo non bisogna combattere direttamente i suoi istinti primitivi, ma eliminare le radici della selvatichezza”.

“La mostra – concludono Del Re e de Nichilo – è un inno alla bellezza della selvatichezza, espressione poetica di un percorso di ricerca peculiare e vivacissimo che si snoda lungo sentieri poco battuti e lontani dalle rotte più frequentate dell’arte di oggi, dove andare a cercare le tracce di una fauna schiva e silenziosa, che abita tra le pietre e la luna, tra la memoria e il sogno, in un delicato equilibrio che merita cura speciale, attenzione e rispetto”.

Pasquale Gadaleta è nato nel 1988 a Terlizzi, in provincia di Bari, ed è diplomato in scultura all’Accademia di Belle Arti di Brera. Attualmente vive a Ruvo di Puglia e insegna discipline plastiche e scultoree presso il liceo artistico “Pino Pascali” di Bari. Nel 2008 la Galleria Luciano Inga-Pin di Milano allestisce la sua prima mostra personale intitolata A che gioco giochiamo?. Nel 2012 vince il Premio Nazionale delle Arti “Academy Pride” per la scultura, con una mostra all’Accademia Albertina di Torino. È del 2020 la personale Sentimentale a Palazzo Venezia di Napoli a cura di Letizia Mari. Nel 2021 vince il Premio di pittura “Fausto Pirandello”, con una mostra al Museo civico di Anticoli Corrado, in provincia di Roma, curata da Manuel Carrera. È stato invitato in varie mostre collettive in Italia e all’estero, sia in galleria private che in spazi pubblici e museali.

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Una poesia di parole rarefatte, ridotte all’essenziale e quasi sillabate, affiora nello spazio tra materia e anima ed è al centro della prima mostra personale di Lorenzo Montinaro, intitolata Ma tu rimani, che Casa Vuota presenta dal 20 settembre al 6 novembre 2022 in via Maia 12 a Roma, a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo.

La mostra viene presentata al pubblico martedì 20 settembre alle ore 18:30 e, dopo l’inaugurazione, si può visitare su appuntamento prenotando ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

Le meditazioni sul tempo e sulla caducità, che caratterizzano il lavoro di Montinaro, si intrecciano con le memorie della casa trasformata in spazio espositivo, in un continuo farsi e disfarsi dei ricordi. Tra le pareti di Casa Vuota, tramate di cicatrici e impregnate di storie, l’artista costruisce un unico grande ambiente sensibile da leggere, da annusare e nel quale specchiarsi. Gli elementi che lo compongono sono una serie di opere realizzate con materiali di recupero, come lastre di marmo recanti delle scritte, vecchi specchi e ceri consumati, che si collegano in un discorso più ampio, nell’orizzonte di una fascinazione poetica nella quale il pubblico si trova immerso.

I curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo spiegano che “nella serie delle Rovine Lorenzo Montinaro si affida a fulminanti esplosioni di poesia visiva scritta sulla pietra, per parlare della ciclicità della vita e della morte attraverso un gioco di metafore, con minime emissioni di fiato che sopravanzano il tempo e si proiettano verso il futuro. È un intenso lavoro sulla memoria e sull’esorcismo della perdita, tra affermazioni e cancellazioni, retaggi personali e oblio collettivo. Con un moto circolare, le esperienze individuali si rispecchiano in quelle altrui, fino a disperdere il peso delle biografie in una forma che transita come domanda sul pubblico, spesso chiamato a completare l’opera e ad attivarla con la sua presenza e con la sua assenza. In quel tu evocato dal titolo si aprono spazi inusitati e ulteriori possibilità di esistenza”.

“C’è un’incertezza precisa della vita di ciascuno – scrivono Del Re e de Nichilo – che a Montinaro interessa e lo fa assomigliare, nella sua ricerca, a una specie di Giano bifronte: è il passo di chi va ma si attarda, l’indecisione sospesa tra qualcosa che non c’è più e qualcosa che potrebbe rimanere. Si traduce per l’artista nell’atto di trattenere ciò che è destinato alla perdita e di prendersene cura. Sembrerebbe una sfida impossibile ma tra andare e rimanere si misura l’occasione per una consolazione, in una mescolanza di sollievo e tristezza, di certezza dell’ordine e di sovversioni azzardate. Il tema principale della ricerca di Lorenzo Montinaro è un’elegia sulla morte che a volte assomiglia a un sussurro dolcissimo e altre volte si impregna di toni più veementi. È un lavoro di scultura e di concetto, il suo, ma è anche un lavoro di scrittura e cancellazione e riscrittura. Utilizzandole in senso filologico come un palinsesto, spesso interviene su lapidi destinate alla distruzione che vengono sottoposte a un violento processo di scalpellatura, volta a cancellare le biografie precedenti, i dati che ancorano il marmo a vite ormai consumate. Attraverso un sacrificio di informazioni, la scrittura si riduce ai minimi termini e risparmia poche lettere, che si caricano di un valore universale. Queste Rovine sono completate, quando è necessario, con degli specchi, che riportano il frammento a una unità perduta e permettono di superare l’idea di monumento facendo entrare nell’opera la volubilità del reale e l’effigie stessa di chi guarda e si guarda”.

“Lo specchio è un attivatore – spiega Montinaro – e coinvolge inevitabilmente il pubblico. Chi si specchia si proietta in qualcosa che non gli appartiene. Grazie allo specchio, il pubblico è portato a immedesimarsi, a completare con la sua presenza l’assenza. La non presenza si scioglie così nella testimonianza”.

Accanto alle Rovine, il percorso della mostra passa per alcune opere della serie del Canzoniere della morte, nelle quali la scrittura sul marmo si fa atto presente e proiettato verso il futuro, esercizio poetico in dialogo con altre voci e altre visioni. Molto importante per Lorenzo Montinaro è, inoltre, una riflessione sull’autoritratto, che nella mostra assume forme differenti. Un tentativo di conservazione e archiviazione di preghiere, pensieri, speranze, attese e desideri è la grande installazione C’eri, che compone un muro o forse un argine, a partire dal recupero di materiali inerti e destinati allo smaltimento, all’interno di un più articolato alfabeto di segni. “C’eri – spiega l’artista – nasce come una testimonianza temporale; è il racconto di un passaggio. Prendo i ceri consumati, ciò che rimane di preghiere e pensieri rivolti verso l’altro e li archivio, cercando di fermare qualcosa che non c’è più, che tende verso l’alto. Uso una componente materiale per trattenere la parte immateriale e volatile che evoca. Sono pensieri, sono aria, ma c’è di più. Dietro ogni cero c’è il ritratto di chi ha pregato, il ritratto del destinatario della preghiera, c’è un ritratto di Dio e poi c’è il mio, di me che li ho recuperati”. L’ordine ciclico delle stagioni interseca dunque un’altra ciclicità, il gioco delle parti tra l’io, il tu e l’egli che spinge l’artista e pensare costantemente a slittamenti e inversioni di soggetto e oggetto, che amplificano il potere delle sue invenzioni.

“Il punto di arrivo del percorso – concludono i curatori – si situa tra materia e anima. Va a interrogare una dualità che, nella casa intesa come tana protetta ma anche come simulacro della dimora del sonno eterno, trova il luogo privilegiato per raccontarsi. Si raccorda alla memoria stessa del Quadraro, il quartiere nel quale Casa Vuota sorge, situato al margine di via Tuscolana, che rimanda alle sepolture antiche, alle rovine archeologiche, alla persistenza della memoria e ad altri sogni, altre vite, altre passioni, altre preghiere”.

Lorenzo Montinaro è nato a Taranto nel 1997. Vive e lavora tra Milano e Taranto. Si è diplomato in Arti Visive presso lo Iuav di Venezia e in Didattica e comunicazione dell’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. Dal 2020 fa parte del collettivo multidisciplinare Friche. Da gennaio 2022 è artista residente negli studi di Viafarini a Milano. Nel 2021 ha partecipato alla mostra What the fuck is prosperity, presso A plus a, a cura di Curatorial School, a Venezia. Nel 2022 alle mostre Salon def refuses a cura di Metareale presso Spazio Canonica a Milano, Visioni (s)velate a Viafarini a cura di Elena Bray, E ci fa dispetto il tempo presso Sottofondo Studio ad Arezzo a cura di Elena Castiglia, Abitare lo spazionell’ambito del Festival delle arti della Giudecca a cura di Giulia del Gobbo, Monumento nel calendario di Bolzano art weeks a cura di Nina Stricker, Rea alla Fabbrica del vapore di Milano.

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Roma, Casa Vuota (via Maia 12, int. 4A)

Il poeta Giorgio Ghiotti, con i versi del suo nuovo libro Biglietti prima di andare (Edizioni Ensable), è protagonista di una lettura di poesie in occasione del finissage della mostra Altri fiori per camera tua, la prima personale romana di Dario Nanì, ospitata da Casa Vuota a Roma e curata da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo.

Il reading ha luogo domenica 20 marzo 2020 alle ore 17:00 nello spazio espositivo domestico di via Maia 12, al Quadraro, con ingresso libero (per informazioni 3928918793 – vuotacasa@gmal.com).

Dario Nanì porta nell’orizzonte immaginifico della sua pittura gli accenti della sua vita emotiva e sentimentale, in forma di ritratti di giovani ragazzi e di visioni di paesaggi appartenenti a una geografia di desiderio in perenne riconfigurazione. Felice e fecondo è il confronto con la voce poetica di Giorgio Ghiotti, tra le più limpide e persuasive della sua generazione. Mettendo a confronto i linguaggi dell’arte e della poesia contemporanea, i versi di Ghiotti da una parte e i dipinti di Nanì dall’altra intrecciano un dialogo inedito e profondo, capace di far vibrare la mostra di accenti peculiari e nuovi.

Giorgio Ghiotti (Roma, 1994) lavora come editor tra editor tra Roma e Milano e scrive sulle pagine culturali del manifesto. Tra i suoi ultimi libri di narrativa ricordiamo Gli occhi vuoti dei santi e Atti di un mancato addio (entrambi editi da Hacca). In poesia ha pubblicato le raccolte Estinzione dell’uomo bambino (Perrone), La città che ti abita(Empirìa), Alfabeto primitivo (Perrone), La via semplice (Ensemble, premio Prestigiacomo 2021) e Biglietti prima di andare (Ensemble).

LA MOSTRA – Una pittura intensa e potente, di vivida chiarezza e profonda carnalità, nella quale risuonano echi di estati stratificate nella memoria e l’intenso struggimento degli amori mai finiti: vive nella precaria condizione di un trasloco velato di ricordi e nell’emozione trattenuta degli addii la mostra personale di Dario Nanì (1993), artista siciliano di stanza a Bologna, intitolata Altri fiori per camera tua.

“La cadenza dell’endecasillabo che il titolo della mostra scandisce – spiegano i curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo – racchiude in sé tutta la poesia delle stanze abitate e poi svuotate in cui Dario Nanì ci conduce, l’odore delle case in cui si consumano i giorni e che poi vengono dismesse come una pelle. Nel rumore dei traslochi che mettono le vite nelle scatole risuonano gli amori incominciati e poi finiti e la reminiscenza vaga di un mazzo di fiori visto una volta in una camera da letto perduta nella memoria, rispetto al quale confrontare il valore dell’offerta e del dono, del corpo dato in pasto ai giorni, del desiderio impellente che balugina nel teatro di una giovinezza permanente”.

“Nell’immaginare questa mostra mi ha guidato l’idea del trasloco”, racconta Nanì. “Quando svuotiamo i nostri cassetti, ci accorgiamo di avere conservato nel tempo oggetti appartenenti a diverse persone. Oggetti smarriti, ognuno dei quali si porta dietro un nome, una sensazione. Così sono i miei dipinti, che si trascinano dietro la memoria di persone che ho incontrato e luoghi che ho visitato, che di volta in volta si rinnova”.

A farsi scenario di questo trasloco in forma di mostra è Casa Vuota, progetto curatoriale ideato da Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo all’interno dell’appartamento di un condominio del quartiere Quadraro a Roma, che dal 2017 ospita progetti personali e collettivi di arte contemporanea. Tra le carte da parati consumate dal tempo trovano posto i dipinti, i disegni e i collage di Dario Nanì, realizzati tra il 2020 e il 2021. Caratterizzati da un forte contenuto autobiografico, presentano al pubblico alcuni grandi temi che ricorrono nella ricerca dell’artista. “Sono le mie storie e quelle dei miei amici, l’argomento dei racconti delle nostre uscite serali”, spiega Nanì. “Non so se possono interessare a tutti ma abbracciano tante persone. Succede come guardando un film, alcuni ci si rivedono e altri no, dipende da chi guarda”.

Il ciclo sui fiori che dà il titolo alla mostra trae origine dall’ossessione per un mazzo di fiori finti rimasti sull’armadio della casa della persona amata, residuo di una precedente relazione, un’immagine rimasta impressa nella mente e rievocata nel tentativo di esorcizzarne la presenza e il ricordo ricorrente, nella volontà di barattare quel dono con un altro o milioni di altri che la pittura rende possibili. “Evocati come un mormorio, come una presenza immateriale che perde ogni necessità descrittiva – raccontano i curatori – gli echi di queste corolle suppletive e risarcitorie sono impregnati di tutto il potere affabulatorio e molcente della pittura che vale per se stessa, superando la realtà nell’esuberanza del colore”.

“Alla stessa dimensione trasfigurata e rarefatta, nella quale la materia pittorica ora si addensa e ora si fa sottile e quasi sognata, appartengono le visioni delle spiagge rosa e della fitta vegetazione dei boschetti e dei giovani corpi nudi che si dispongono all’amore”, proseguono Del Re e de Nichilo. “Sono dipinti invernali, nati nel freddo di Bologna e nella sua umidità frondosa, che ripensano le visioni estive di una Sicilia nativa e vibrante, con i suoi cieli aperti e sconfinati. Queste coordinate geografiche sono due poli entro i quali si sviluppa l’immaginario del pittore, la sua biografia, il suo desiderio. Ambienti diversi che risuonano per un identico sentimento, con una vibrazione impregnata di una sensualità irrequieta e furtiva. Ragazzi attendono tra il mare e la boscaglia, un grande autoritratto emerge dal passato e poi fughe mediterranee, spiagge nudiste, facce piene di sogni, Narcisi indolenti che sarebbero piaciuti al barone Wilhelm von Gloeden, forse inconsapevoli della loro bellezza. Alla complessa tessitura della pittura su tela si accostano dei ritratti su carta eseguiti con segno veloce, quasi fanciullesco, ricoperti da una colata di colore, abbinando un tono a ogni volto”.

I collage, infine, nati dalla giustapposizione casuale di fogli di riviste e post-it oppure dall’accumulo di lacerti di immagini precedenti, in cui un certo gusto per la citazione si accompagna al gesto manuale di schiacciare le carte alla ricerca di toni e accostamenti intimamente pittorici, sono appunti di un diario visuale e poetico che segnano le coordinate di luoghi, appuntamenti, persone da incontrare, azioni da fare. “La spoglia residuale delle vite – secondo i curatori – che si prova a trattenere fissando un punto sulla mappa inventata dei giorni ancora da contare”.

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