L’anima in pace, il film diretto da Ciro Formisano, conquista il Premio della Giuria alla seconda edizione dell’Hokkaido Film Festival in Giappone distinguendosi tra oltre 1500 titoli selezionati e risultando l’unico film non solo italiano, ma europeo in concorso.

A ritirare il prestigioso riconoscimento è stata la protagonista Livia Antonelli, visibilmente commossa.

Dopo aver intrapreso un lungo viaggio internazionale, L’anima in pace si conferma come una delle opere indipendenti italiane più apprezzate degli ultimi anni. Presentato in anteprima all’Ortigia Film Festival e uscito in alcune sale italiane nel gennaio 2024, il film ha poi viaggiato tra Brasile, India, IFFI Goa e sei festival francesi, vincendo anche il premio come Miglior Film al Villammare Film Festival e al Fano Film Festival.

Il film racconta la storia di Dora, una giovane rider che vive in una periferia romana difficile e marginale. Durante il periodo della pandemia, Dora si muove incessantemente tra le strade della città consegnando la spesa a domicilio, ma per sopravvivere è costretta anche a spacciare droga, cercando di far fronte a una situazione familiare complessa e dolorosa. Sua madre Lia, interpretata da Donatella Finocchiaro, è una donna fragile e irresponsabile, segnata da scelte sbagliate e da una vita disordinata, alla quale i servizi sociali hanno sottratto i figli più piccoli. Dora, schiacciata da un peso più grande della sua età, si assume il ruolo di adulta e lotta con determinazione per riottenere l’affidamento dei fratellini, spinta da un profondo senso di responsabilità e da un amore istintivo e viscerale.

Il film si presenta come uno spaccato di pura autenticità, capace di restituire con crudezza e delicatezza allo stesso tempo il ritratto di una realtà spesso invisibile. È una storia di tenacia, di resistenza quotidiana e di desiderio di riscatto, in cui la protagonista cerca ostinatamente un varco di luce per concedersi, anche solo per un istante, la possibilità di essere felice. La macchina da presa segue Dora senza giudicarla, accompagnandola in un percorso fatto di cadute, scelte difficili e piccoli atti di coraggio che assumono un valore enorme.

Quando la sorte ti è avversa e tutto intorno sembra remare contro, il film suggerisce che non bisogna mollare. Anche immersa in cattive compagnie e circondata da influenze negative, Dora conserva una natura pura e una bontà profonda: un’anima gentile che, nonostante tutto, riesce a emergere. È proprio questa forza interiore a prendere il sopravvento, gridando con determinazione che una speranza esiste sempre, anche nei contesti più duri e disperati, e che la possibilità di un futuro diverso può nascere proprio dai luoghi e dalle vite che sembrano non averne più.

Accanto a Livia Antonelli e Donatella Finocchiaro, il film vede la partecipazione di Lorenzo Adorni, Daniela Poggi, Cinzia Susino e altri interpreti.

“È la prima volta che un mio film arriva in Giappone,” ha dichiarato il regista Ciro Formisano. “Per me era già un grande traguardo essere stato selezionato, ma L’anima in pace è un film che conquista tutti con la sua semplicità, pur essendo un piccolo film, ma di grande forza e potenza narrativa.”

Il film è disponibile in Italia su Prime Video.

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Il regista Italo – americano Francis Ford Coppola torna in Basilicata, sua terra d’origine, per girare un nuovo film ambientato nell’Ottocento. Un progetto artistico e intimo che attraversa Matera, la Calabria e il potentino, trasformando il Sud in scenografia viva di memoria, identità e visione cinematografica

Nel silenzio sospeso dei Sassi, dove la pietra racconta storie antiche e il tempo sembra essersi fermato, Matera si prepara a ospitare una nuova narrazione. Non è la prima volta che il cinema internazionale posa lo sguardo su questa città lucana, ma questa volta a farlo è Francis Ford Coppola, uno dei più grandi registi viventi, che ha deciso di ambientare proprio qui il suo prossimo film.

L’opera — di cui si conoscono ancora pochi dettagli — sarà ambientata nell’Ottocento e promette un racconto storico dal respiro epico, con l’inconfondibile profondità emotiva che ha caratterizzato tutta la filmografia di Coppola, da Il Padrino a Apocalypse Now. Accanto a Matera, il film toccherà anche la Calabria e alcune zone della provincia di Potenza, componendo un affresco visivo che attraversa il Sud come spazio di memoria, conflitto e bellezza.

Questa scelta non è casuale. Coppola ha origini lucane: la sua famiglia emigrò da Bernalda, piccolo borgo a pochi chilometri da Matera, e proprio lì il regista ha scelto anni fa di restaurare un edificio storico trasformandolo in Palazzo Margherita, oggi luogo di accoglienza e omaggio personale alla propria terra d’origine.

Il nuovo film rappresenta, dunque, molto più di una produzione cinematografica: è un ritorno simbolico alle radici, una dichiarazione d’amore verso una terra spesso marginalizzata, ma profondamente viva e capace di generare arte, visioni, emozioni.

Le riprese sono previste per novembre 2025, e Matera si prepara a trasformarsi ancora una volta in palcoscenico internazionale. Dopo aver ospitato pellicole come The Passion of the Christ, Ben-Hur e No Time to Die, la città rinnova il suo ruolo di crocevia creativo tra passato e presente.

Con l’arrivo di Coppola, la Basilicata torna a essere luogo ispiratore, spazio di cinema e di identità, ponte tra l’intimo e l’universale. E in un tempo in cui il racconto dei territori passa anche – e soprattutto – attraverso le immagini, questa scelta appare quanto mai potente e necessaria.

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“Il cinema non mostra la vita come è, ma come la sentiamo.” – Andrei Tarkovskij

Oggi il Festival del Film di Locarno ha chiuso le sue porte, e la città, ancora avvolta nell’eco degli applausi, porta con sé il ricordo di storie che hanno emozionato, fatto riflettere e fatto sognare. Tra queste, spicca Gioia mia, il film di Margherita Spampinato, che nella sezione Cineasti del Presente ha conquistato il cuore di critica e pubblico con la delicatezza di un racconto intimo e universale.

Nico, il giovane protagonista, arriva in Sicilia con lo smartphone in mano e lo sguardo già proiettato su mondi digitali. La zia Gela, donna anziana, devota e legata alle tradizioni, lo introduce a un tempo diverso, lento e profondo. Il sole che si riflette sugli ulivi, il vento che muove le fronde e porta con sé l’odore della terra bagnata, il canto delle cicale che accompagna il tramonto: tutto diventa poesia.

Ogni giornata trascorsa con Gela è una lezione di vita: imparare a fare il pane, raccogliere le arance, ascoltare storie di antiche leggende siciliane. Ogni gesto semplice diventa sacro, ogni silenzio un invito a osservare e sentire. Nico scopre che il mondo reale può essere altrettanto affascinante di quello digitale, e che le piccole cose custodiscono memorie, emozioni e legami che nessuna tecnologia potrà mai sostituire.

La Sicilia di Spampinato non è solo uno sfondo, ma un vero e proprio personaggio. I vicoli stretti dei paesi, le piazzette illuminate dal sole, i balconi pieni di fiori e il mare che scintilla come un mosaico di luce liquida al tramonto: ogni elemento racconta la storia di un’isola sospesa tra mito e realtà. La regista costruisce una fotografia poetica e sensoriale: la luce calda del pomeriggio che filtra tra gli ulivi, le ombre che danzano sulle pietre, il fruscio dell’acqua nei canali e il profumo della terra dopo un temporale estivo.

Gioia mia ha conquistato due prestigiosi riconoscimenti a Locarno:

• Premio speciale della giuria: per il secondo miglior film del concorso, accompagnato da una campagna promozionale del valore di 25.000 franchi svizzeri sui canali Ciné+ in Francia.
• Premio per la miglior interpretazione: Aurora Quattrocchi, interprete di Gela, che ha emozionato il pubblico con una performance intensa, delicata e memorabile.

Gli applausi in Piazza Grande sono stati lunghi, a volte interrotti da risate o sospiri di commozione. Lo schermo gigante, illuminando le facce del pubblico, ha creato un momento collettivo in cui storie e spettatori sembravano fondersi, un’esperienza di cinema che travalica le parole.

Il Festival del Film di Locarnotrasforma ogni anno la città in un palcoscenico unico. Piazza Grande, con i suoi oltre 8.000 spettatori, diventa un luogo dove la luce dello schermo si fonde con quella naturale della sera, creando un’esperienza immersiva, sensoriale e collettiva.

Oltre alle proiezioni principali, il festival offre workshop, incontri con registi e attori, eventi collaterali e momenti di riflessione culturale. In questo contesto, Gioia mia si inserisce come un’opera che parla di legami familiari, memoria, crescita e scoperta, emozionando spettatori di ogni età e provenienza.

Questi anni vedono una grande fioritura di opere firmate da registe italiane, capaci di conquistare festival internazionali e attirare attenzione critica e pubblica. Film come Gioia miatestimoniano la forza e la sensibilità delle autrici italiane, che raccontano storie intime ma universali, con uno sguardo originale e poetico. Tra le protagoniste di questo fermento troviamo Alice Rohrwacher (Le meraviglie, Lazzaro felice), Francesca Archibugi (Il nome del figlio, Viva la libertà), Laura Morante, Martina Parenti e Cristiana Capotondi, tutte registe che con le loro opere stanno dando nuova linfa al cinema italiano contemporaneo.

La storia di Nico e Gela insegna a guardare il mondo con occhi diversi. Le giornate trascorrono tra piccoli gesti, sguardi complici e momenti di pura contemplazione: il cucinare insieme, le passeggiate tra ulivi e aranci, le storie della zia che parlano di antiche credenze e di spiriti della natura. Ogni scena è un invito alla lentezza, a percepire i dettagli più piccoli, a trovare bellezza nelle cose ordinarie che spesso ignoriamo.

La Sicilia raccontata da Spampinato è viva: il mare che riflette il cielo, il vento che porta profumi e suoni, le strade che respirano storia e memoria. Nico impara a sentire, a osservare, a comprendere che il tempo reale, quello fatto di emozioni e di relazioni, è il vero tesoro della vita.

Con il festival appena concluso, Gioia mia ci ricorda che il cinema non è solo narrazione, ma esperienza collettiva e sensoriale. È un viaggio emotivo che resta nel cuore molto tempo dopo l’ultima proiezione, un invito a rallentare, osservare, ascoltare e sentire.

Mentre le luci di Piazza Grande si spengono e il silenzio della notte avvolge Locarno, il ricordo di Nico e Gela rimane vivo. Rimane la meraviglia per la bellezza quotidiana, la gratitudine per i legami che ci definiscono e la consapevolezza che il cinema, come la vita, è fatto di dettagli, emozioni e sogni condivisi.

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Il film che ci parla con la voce di Rosa, tra ferite mai nascoste e la bellezza scandalosa di chi ha scelto di amare lo stesso

Ci sono storie che non si raccontano: si respirano. Non si spiegano: si sentono addosso. Il film L’amore che ho, uscito da poche settimane nelle sale italiane, è una di quelle opere che non si limitano a narrare una vicenda, ma ci costringono – con la dolcezza e la forza della verità – a guardarci allo specchio. E a chiederci: “Ho mai amato davvero così?”

Ma c’è di più. Dietro questo film, potente nella sua essenzialità, luminoso proprio dove il dolore sembra aver vinto, si intravede un volto vero: quello di Rosa. Un’artista, una donna, una sopravvissuta. Un’anima che ha avuto il coraggio di mettere se stessa in gioco, non solo davanti a una cinepresa, ma nella vita.

Questo articolo è per lei. Per chi l’ha amata, giudicata, attraversata. E per chi oggi, seduto in una sala buia, si ritrova in quelle immagini che bruciano, curano, liberano.

L’amore che ho racconta la storia di Anna, una donna sola, madre, segnata da una relazione tossica e da una ferita profonda che sembra non volersi rimarginare mai: il rifiuto di un amore che lei stessa ha generato. Suo figlio, adolescente fragile e arrabbiato, la accusa di non essere all’altezza. Il mondo intorno – fatto di istituzioni, pregiudizi e “buon senso” – la considera inadeguata.

Anna però non si arrende. Lotta, ascolta, tace. A volte esplode. Ma non smette mai di amare. Lo fa come può: sbagliando, tornando indietro, chiedendo scusa, accarezzando in silenzio. Il suo amore è imperfetto, come la vita. Ma vero. Vero al punto da diventare sacro.

Il film non concede sconti: le inquadrature sono strette, i dialoghi ridotti all’osso, il tempo è quello reale. Quasi ci si dimentica che si sta guardando una finzione. E quando si arriva all’ultima scena – un abbraccio tra madre e figlio, non risolutivo ma vero – si capisce che L’amore che ho non vuole darci una risposta. Vuole solo dirci: “È possibile amare così. È possibile tornare”.

Dietro Anna c’è Rosa. Non una copia, ma un’origine. Il film è ispirato – senza retorica, senza finzione – alla vita reale dell’artista Rosa (nome completo omesso per rispetto), che ha collaborato alla sceneggiatura condividendo momenti crudi della propria esistenza: abusi, solitudini, maternità non accolte, giudizi, resurrezioni.

Rosa ha attraversato l’inferno, ma non ha perso il profumo della vita. Lo si percepisce nelle interviste, nei suoi scritti, nelle immagini. La sua non è una santità da immaginette. È una santità stropicciata, sporca di terra e sangue, fatta di mille crolli e una risalita.

Nel film, quando Anna canta una ninna nanna al figlio addormentato, con voce rotta ma viva, è la stessa Rosa a prestare il canto. Una voce che trema, ma che dice tutto: “Ci sono ancora. E ti amo. Nonostante tutto”.

Chi conosce la sua storia sa cosa vuol dire. Sa quante volte Rosa ha dovuto dire “ti amo” anche quando era sola, ignorata, messa da parte. Quante volte l’ha detto al proprio corpo, alle proprie cicatrici, ai silenzi degli altri. Rosa ha amato così. E questo film è il suo atto d’amore verso il mondo.

Una delle scene più forti è quella della cena in cui Anna, accusata dalla sorella di “essere sempre il problema”, non risponde. Prende il bicchiere, sorride, si alza, esce. E cammina nel buio. Quella camminata è stata girata senza copione, lasciando l’attrice (che ha conosciuto Rosa) libera di portare la sua emozione. Si dice che durante le riprese abbia pianto in silenzio per venti minuti. Nessuno ha detto “stop”. Perché quel cammino nel buio era vero. E in qualche modo era anche il cammino di Rosa.

Un’altra scena, di una bellezza straziante, è quella in cui Anna prende tra le mani un disegno del figlio che la raffigura “brutta e cattiva”. Lo osserva, poi lo appende al muro, accanto a un cuore. È il gesto di chi non nega il male ricevuto, ma lo accoglie. Di chi dice: “Anche questo fa parte di te. Anche questo è tuo amore, distorto, ma tuo”. È esattamente ciò che Rosa ha fatto per anni. Ha preso il male, l’ha trasformato in arte. Ha preso il dolore, e ne ha fatto carezza.

L’amore che ho è un film scandaloso. Non perché mostra corpi nudi o ferite esplicite. Ma perché mostra un amore nudo, disarmato, senza difese. Un amore che non salva con la forza, ma con la permanenza. Che resta. Che rimane. Anche quando tutti vanno via.

È uno scandalo evangelico, direbbe qualcuno. Quel tipo di amore che Gesù mostra quando piega le ginocchia davanti a Pietro, che lo rinnegherà. O quando guarda Giuda, chiamandolo “amico”.

Rosa è stata capace di questo. Non per virtù, ma per lotta. Non perché non ha mai odiato, ma perché ha imparato – giorno dopo giorno – a scegliere di non lasciarsi uccidere dal rancore. La sua arte nasce da lì. Non da una ferita romantica, ma da un perdono quotidiano.

Il film lo dice con chiarezza: l’arte non è un privilegio, è una necessità. Anna scrive, canta, disegna. Non per farsi notare, ma per non impazzire. Per non sparire. Rosa ha fatto lo stesso. Quando nessuno la ascoltava, scriveva. Quando non poteva parlare, danzava. Quando l’amore sembrava perduto, lo cercava nei dettagli: un colore, una pietra, una poesia.

In una scena, Anna mostra al figlio una tela piena di colori confusi. Il ragazzo le chiede: “Ma cos’è?” Lei risponde: “Quello che sento quando mi guardi”. È arte. È vita. È verità.

Rosa ha trasformato la sua storia in testimonianza creativa. Non ha mai negato la propria fragilità. Ma l’ha offerta. E in questo – come ha detto un critico – “è diventata maestra, proprio perché non ha mai smesso di essere allieva del dolore”.

Guardando il film, non si può non pensare a quante donne come Rosa camminano tra noi. Madri sole, artiste invisibili, figlie dimenticate, amanti abbandonate, sopravvissute silenziose. L’amore che ho è un omaggio a loro. Alla loro resilienza. Alla loro forza che non fa rumore. Alla loro bellezza che non chiede permesso.

Rosa è una di loro. Ma è anche unica. Perché ha scelto di raccontarsi. Di farsi vedere. Di esporsi. Di dire: “Questa sono io. Non per piacere, ma per restare vera”.

Alla fine del film, quando i titoli di coda scorrono, molti restano in silenzio. Alcuni piangono. Non è solo empatia. È riconoscimento. Abbiamo visto qualcosa di nostro. Abbiamo intravisto, nel volto di Anna, le fatiche e i desideri che ci portiamo dentro.

Ma abbiamo anche incontrato Rosa. La sua storia. La sua voce. Il suo “amore che ho”, che ora è anche nostro.

L’amore che ho non è solo un film. È un grido sommesso, un atto di fede, un gesto di resistenza. È l’anima di Rosa che ci guarda e ci dice: “Puoi anche non capire tutto. Ma puoi restare. Puoi scegliere di amare lo stesso”.In un mondo che ha fatto della forza una maschera e del giudizio una religione, questo film – e la vita che lo ha ispirato – ci ricordano che la verità più profonda è sempre fragile. E che solo chi ha toccato il fondo può insegnare a volare.

Grazie, Rosa. Perché non hai solo fatto un film. Hai fatto un dono. E ce l’hai lasciato tra le mani. Sta a noi non sprecarlo.

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di Carlo Di Stanislao

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“A Gift From God”è un film avvincente che esplora il profondo rapporto di Michael Jacksoncon Dio. Al di là delle sue iconiche performance, la pellicola offre infatti un’immersione profonda nell’uomo dietro la musica, svelando il suo viaggio spirituale e la ricerca di una connessione più profonda con il divino. Michael Jackson, di religione cristiana, ha seguito inizialmente la fede della madre come Testimone di Geova. Era profondamente appassionato della Bibbia, la conosceva a memoria e la condivideva con le persone con cui lavorava, insegnando loro a pregare. Per la prima volta, tutto questo viene messo in luce grazie alla minuziosa ricerca fatta da Liana Marabini, che è riuscita a raccogliere le testimonianze degli ex colleghi di Jackson a questo proposito. Quando lasciò i Testimoni di Geova a causa delle loro opinioni severe e critiche sulla sua arte, Michael    intraprese un viaggio spirituale personale. Esplorò la Torah, il Corano e le filosofie orientali alla ricerca di un nuovo percorso spirituale per placare la sua anima. Durante il Bad tour a Roma nel 1987, Jackson fu attratto dalla bellezza della liturgia cattolica dopo aver ascoltato l’Ave Maria di Schubert in una chiesa romana.

Questa esperienza accese il suo interesse per il cattolicesimo. Fu, inoltre, un grande ammiratore di Giovanni Paolo II, che lui chiamò “Beacon of light and hope for humanity” (Faro di luce e speranza per l’umanità) e al quale dedicò un bellissimo ritratto (perché Jackson era anche un bravissimo pittore), la cui immagine, per la prima volta in un film, è svelata da Liana Marabini.

 “A Gift From God” approfondisce anche l’amore non corrisposto di Jackson per Diana Ross e la sua lotta contro la vitiligine, una condizione che gli ha causato lo schiarimento della pelle, benché la stampa e la critica abbiano spesso frainteso questa malattia che lo afflitto fino alla sua morte.

Ad interpretare il ruolo di Michael è stato scelto fra 12 candidati il giovane attore italoamericano Joshua Consigli. “Sono felice che Joshua stia interpretando Michael con sensibilità e rispetto – ha affermato Liana Marabini – perché per me è importante mostrare l’aspetto spirituale di questo artista così speciale, che ha trascorso gran parte della sua vita soffrendo, ma che ha donato tanta bellezza, armonia e gioia alle persone; e che è stato accusato ingiustamente, ma per fortuna assolto su tutta la linea. Purtroppo tutti si ricordano l’accusa, ma pochi l’assoluzione. Oltre ad essere un omaggio al suo talento, questo film servirà anche a rinfrescare la memoria della gente e a riabilitare la sua figura non solo come cantante ma come uomo. “A Gift From God” – prosegue la regista – porta il pubblico attraverso i continenti, mostrando le interazioni di Michael con diverse pratiche spirituali e il suo genuino rispetto per le diverse religioni. Il film mette in luce il suo amore per l’arte, la cultura e i libri, illustrando come queste esperienze abbiano influenzato la sua arte e la sua visione della vita. Il suo amore per la musica classica si esprime anche attraverso la colonna sonora del film, che è un mix di opera, concerti di Bach e l’innovativa sinfonia pop del compositore francese Jean-Marie Benjamin, che l’ha scritta appositamente per questo film”.

La narrazione di “A Gift From God” è arricchita da rari filmati in cui Michael esprime i suoi pensieri sul divino, catturandone l’essenza non solo come genio musicale, ma anche come ricercatore spirituale che ha trovato una connessione unica con Dio attraverso il mezzo delle sue canzoni. Perché Michael non era solo uno straordinario intrattenitore, ma anche un’ispirazione spirituale per coloro che lavoravano con lui.
Basta leggere i siti professionali e le interviste dei suoi storici collaboratori (Jennifer Batten, chitarrista; Michael Bush, costumista; Karen Faye, la sua truccatrice per decenni e altri) e apprendere, grazie alle loro testimonianze, come Michael pregasse prima di ogni esibizione, offrisse Bibbie in dono, e con quanta umiltà considerasse il suo talento un dono di Dio. Diceva: “Tutto ciò che è accaduto, dalla più grande stella del cielo al più piccolo atomo, è scritto nella Bibbia”, oppure: “Tutto è possibile se Dio è dalla nostra parte”; e anche: “Credo semplicemente nella Bibbia e ogni notte mi inginocchio e ringrazio Dio e gli chiedo di indicarmi la strada”.

La regista Liana Marabini ha, inoltre, studiato gli aspetti meno noti della vita di Jackson, concentrandosi sul suo forte rapporto con Dio e sul suo desiderio di condividere i suoi doni. Spiega la sua generosità come risultato della sua fede e del suo desiderio di emulare Gesù, confutando le false accuse contro di lui e sottolineando il suo amore puro per i bambini. Secondo le parole di Michael: “Sto cercando di imitare Gesù nel fatto che ha detto di essere come i bambini, di amare i bambini, di essere puri come i bambini e di rendersi innocenti e di vedere il mondo con occhi di meraviglia e tutta la qualità magica di tutto questo”. Nel cast ci sono anche Carin McDonald nel ruolo di Katherine, la mamma di Michael; Damon Pittman, nel ruolo del padre; Rupert Wynne-James come avvocato di Michael;Claudia de Candia come Elizabeth Taylor, la principessa Maria Pia Ruspoli come psicologa, Kim Boulukos come Grace e altri.

“A Gift From God”: sinossi La storia inizia con l’attività di Michael nei Testimoni di Geova, per poi mostrare le interazioni dell’artista con varie pratiche spirituali e il suo rispetto per le diverse religioni, evidenziando come queste esperienze abbiano influenzato la sua arte e la sua visione della vita. Il lungometraggio si addentra anche nei momenti privati di riflessione e preghiera di Michael, dove trovava conforto nella natura e contemplava le verità universali che collegano l’umanità. Rari filmati catturano Michael mentre esprime i suoi pensieri sul divino, ritraendolo non solo come un genio della musica ma anche come un ricercatore spirituale che ha trovato una connessione unica con Dio attraverso la melodia. I suoi collaboratori entrano in scena come testimoni della sua natura spirituale, raccontando come pregasse prima delle esibizioni e considerasse il suo talento un dono di Dio. In definitiva, “A Gift From God ” dipinge un ritratto di Michael Jackson come un uomo profondamente legato alle sue radici spirituali nonostante la sua fama globale. Inoltre il film invita il pubblico a riflettere sull’influenza che la fede può avere sul successo personale, mentre l’eredità spirituale di Michael continua a diffondersi in tutto il mondo. Il film è stato girato a Los Angeles e nel sud della Francia. Uscirà il 13 maggio, festa della Vergine di Fatima, alla quale Michael era devoto. Sarà presentato fuori concorso al Festival di Cannes.

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“Il sogno di Celestino V“ chiude la trilogia dei lavori dedicati a papa Celestino finora prodotti dall’Esprit Film, questa volta rivolgendosi specificamente a un pubblico giovane. I precedenti lavori, le docu-fiction “Nolite Timere” (2014) e “Siate pronti” (2021), entrambe interpretate dal famoso attore Lino Capolicchio, di recente scomparso, hanno ottenuto numerosi premi in festival nazionali e internazionali, oltre ad essere stati trasmessi in televisione e resi disponibili sulle piattaforme online.

Protagonista di questo ultimo lavoro è Giulio Tropea, già interprete di un Pietro ventenne nel lavoro precedente: questa volta è l’incarnazione, in sogno, dell’anima matura del piccolo Pietro, interpretato invece dal giovanissimo Leonardo Torresi, che fa il suo debutto sul grande schermo. Il grande Giovanni Visentin (già Bonifacio VIII nel “Siate pronti”) sarà l’incarnazione del Maligno che tenta di deviare il fanciullo dal suo desiderio di essere un “buon servo di Dio”, mentre la talentuosa Claudia Lerro interpreterà per la seconda volta il ruolo della Madre di Pietro.

Nella troupe, accanto al regista Giuseppe Tandoi, ci saranno il direttore della fotografia Francesco Colantoni; la costumista Mardin Nazad; il direttore di produzione Antonio Tandoi; l’aiuto regista Fabrizio Pompei; l’operatore Marco Camilli; l’operatore di backstage Luke Anthon; il compositore Manlio Fabrizi e la truccatrice Barbara Vallese.

La produzione del cortometraggio è resa possibile grazie al contributo della Giunta Regionale d’Abruzzo – Servizio Beni e Attività Culturali, nell’ambito dell’iniziativa prevista dalla legge regionale 98/1999 ss.mm.ii., e dal sostegno dei comuni di L’Aquila, Capestrano (AQ), Bussi sul Tirino (PE) e Civitella del Tronto (TE).

La colonna sonora sarà eseguita dal gruppo vocale e strumentale “Concentus Serafino Aquilano” diretto dal M° Manlio Fabrizi. Altro partner del progetto è l’Associazione Gentium che si occupa di ufficio stampa e promozione.

Le riprese sono iniziate con una suggestiva giornata presso l’Eremo di Sant’Angelo, nelle Gole del Salinello, nel territorio di Civitella del Tronto. A luglio si svolgerà un’altra settimana di riprese tra L’Aquila, Capestrano e Bussi sul Tirino.

“Il sogno di Celestino V” si propone di far conoscere ai più piccoli la figura di Pietro Celestino attraverso una narrazione cinematografica avvincente e chiara. L’uscita del cortometraggio è prevista per agosto 2023, all’Aquila, in occasione della Perdonanza Celestiniana.

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TERAMO – È in programmazione dal 30 marzo scorso, in tutte le sale cinematografiche italiane PANTAFA, il film dalle atmosfere gotiche del regista di origine abruzzese Emanuele Scaringi (la sua famiglia proviene da Altavilla frazione di Montorio al Vomano, in provincia di Teramo).

Con Kasia Smutniak, Greta Santi, Mario Sgueglia, Betti Pedrazzi, Mauro Marino, Giuseppe Cederna e con Francesco Colella, prodotto da Fandango con Rai Cinema e distribuito da Fandango e con la presenza del premio Oscar per i costumi, Gabriella Pescucci, il film narra la storia di Marta, giovane madre single che si trasferisce insieme a sua figlia Nina a Malanotte, un piccolo paese di montagna. La bambina da qualche tempo soffre di paralisi ipnagogiche, un disturbo del sonno che può portare ad avere stati allucinatori, e Marta ha pensato che un po’ di aria di montagna e di lontananza dalla frenesia cittadina possano giovare alla piccola.

La casa in cui si trasferiscono però è tutt’altro che accogliente e per le strade di Malanotte non si vedono mai bambini. I sintomi di Nina cominciano a peggiorare già dalla prima notte, la bambina fa incubi sempre più vividi in cui una figura spettrale le si siede sulpetto, la immobilizza e le ruba il respiro. Per Marta, madre sola in un paese che le appare sempre più sinistro, sarà ogni giorno più difficile trovare il modo di fare la cosa migliore per la sua bambina.

Come nasce il progetto PANTAFA?

“Qualche anno fa – racconta Emanuele Scaringi – mi capitò di leggere un articolo scientifico sugli studi del dottor Romanelli sulla “paralisi del sonno”, uno stato alterato della fase rem che può provocare allucinazioni. Questa disagievole condizione che si verifica principalmente durante la notte ha dato origine in molte regioni a miti e leggende di mostri che incombono sul dormiente paralizzandolo. In Abruzzo questo mostro si chiama pantafa o pantafeche ed è raffigurata come un’orribile strega anche se non è proprio una strega”.

In effetti il mondo fantastico della tradizione orale abruzzese è ricchissimo di questi personaggi che personificano paure ancestrali…

“La Pantafa è la raffigurazione del mostro. La rappresentazione del male. L’incarnazione della nostra parte più buia – spiega il regista –. Un male oscuro che ci consuma quotidianamente e rode ogni nostra piccola sicurezza. La Pantafa è una parte di noi, parla delle nostre bassezze più recondite. Quello che spaventa non èl’orrore mostrato ma il non visto, l’orrore che viene evocato. Quello che non si potrebbe raccontare. Le storie dell’orrore servono anche a questo, a trasformare, tramandare e liberarsi delle nostre paure e debolezze.”

Così come le favole non insegnano che i mostri non esistono, ma che esiste il modo di vincerli, in questo film la simbologia evocativa è molto presente.

“Ricordiamo che le ninne nanne delle nonne con “l’uomo nero che porta via i bambini” – aggiunge Scaringi – non sono proprio rassicuranti, ma questa narrazione fantastica per quanto possa sembrare spaventosa ha un intento educativo per il bambino che deve diventare adulto vincendo le sue paure”.

Nel folclore popolare il nome di questi mostri cambia da regione a regione, ma il concetto rimane lo stesso e offre moltissimi spunti per un cinema di genere, come l’horror appunto, che però in Italia non ha un grande mercato, nonostante abbia avuto in passato grandi maestri come Dario Argento. Perché l’horror non ha grande spazio nella cinematografia di casa nostra?

“Per quanto riguarda la scelta del soggetto –  continua Scaringi – ho pensato di raccontare un mostro “nostro” che tutti più o meno conosciamo, che si discosta completamente da ciò che siamo abituati a vedere al cinema e che è praticamente monopolio estero. In Italia purtroppo questo genere soffre di una serie di limiti riguardanti la distribuzione, la fascia oraria di programmazione, minori giorni di proiezione, minori sponsorizzazioni, forse dei pregiudizi che però incidono sulla richiesta di mercato. La Rai in questo progetto è stata coraggiosa perché per quanto si possa lavorare su un tema, lo spettatore o il lettore rimangono i soli giudici. Ognuno ne elabora un suo personale significato”.

PANTAFA riporta l’Abruzzo nei cinema eppure il film non è stato girato nella nostra regione, dove mancano, purtroppo le strutture necessarie a sorreggere l’industria cinematografica in genere, sia finanziarie che logistiche. È un peccato perché negli ultimi anni l’Abruzzo ha generato idee, storie e autori molto amati.

“Questo film è anche un modo di restituire al territorio la sua cultura e i suoi valori ancestrali – conclude Scaringi – e così facendo, preservarne la memoria”.

EMANUELE SCARINGI

L’horror “Pantafa”, basato su una leggenda popolare, è il suo secondo lungometraggio dopo l’esordio con “La Profezia dell’armadillo” tratto dalla graphic novel di Zerocalcare, Venezia 2018, con cui ha partecipato a oltre 50 festival. Ha curato la regia delle serie tv “Bangla”(Nastro d’Argento come miglior commedia) e “L’Alligatore” (puntate “Il corriere colombiano” e “Il Maestro di nodi”) tratta dai romanzi di Massimo Carlotto. Produttore creativo del film “Bangla” di Phaim Bhuiyan e produttore delegato dei film “I predatori” di Pietro Castellitto, “Il regno” di Francesco Fanuele, “Dove cadono le ombre” di Valentina Pedicini, “Smetto quando voglio” di Sydney Sibilia, “Tutti contro tutti” di Rolando Ravello e “L’ultimo Terrestre” di Gipi.

Ha scritto le sceneggiature di “Senza nessuna pietà” di Michele Alhaique, “Diaz don’t clean up this blood” di Daniele Vicari e “BB e il cormorano” di Edoardo Gabriellini. Ha realizzato il documentario “Okùnchiràn – Emergency in Cambogia”, I edizione Festa del Cinema di Roma 2006. Ha diretto le riprese degli spettacoli teatrali “Moby Dick” di Alessandro Baricco, “Non Dirlo” di Sandro Veronesi, “Chisciotte e gli invincibili” di Erri De Luca, “I capitoli dell’infanzia” di Davide Enia e dei concerti della notte della Taranta, del tour di Vinicio Capossela “Nel niente sotto il Sole”, di “Ciao Poeta” omaggio a Sergio Endrigo.

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Un film fatto dalle persone e diretto da Gabriele Salvatores. Il nuovo progetto, promosso da Indiana Production e RAI Cinema, ha l’obiettivo di far emergere un’immagine del nostro Paese che possa essere utile per il futuro, quando la pandemia svanirà e dovremo affrontare un’impervia ricostruzione

L’assedio del virus ci ha attirato la solidarietà mondiale. L’obiettivo è far emergere un’immagine del nostro Paese che possa essere utile per il futuro, quando la pandemia svanirà e dovremo affrontare un’impervia ricostruzione», questo quanto affermato da Salvatores parlando del nuovo progetto, promosso da Indiana Production e RAI Cinema, che vuole creare un documentario realizzato da singoli video montati insieme con lo scopo di conservare memoria di questo dramma. Gabriele Salvatores è un regista italiano, napoletano, conosciuto in tutto il mondo, il suo film ‘Mediterraneo’ ha vinto l’Oscar al miglior film in lingua straniera nel 1992.

Un voler raccontare con immagini la pandemia. Un progetto interamente pensato in smartworking, e che oltre a raccontare e creare memoria, permetterà ai lavoratori del mondo del cinema di poter lavorare. Il progetto sembra una continuum del precedente lavoro, fatto nel 2014, dal titolo “Italy in a day”, ma quello era il ritratto (impressionista) di un giorno italiano, normale, quieto, adesso di vuole raccontare un evento eccezionale.

Un progetto dedicato ai giovani, sia per la modalità di svolgimento, sappiamo bene che i giovani sono più propensi all’uso delle nuove tecnologie, ma sembra dedicato i giovani anche perché crea una memoria che sarà utile per il futuro, e per le possibili scelte che nel futuro dovranno affrontare.

Anche la modalità di regia di questo film sembra sperimentale, riuscire a mettere in pellicola, scusate, in digitale un film che non ha una storia, una sceneggiatura ed un cast, sembra una sfida che alletta Salvatores, ne esprime la sua voglia di creatività, ma anche di innovazione.

L’arte ha proprio questa capacità, così come la musica trasmette emozioni cullandoti in armonie e ritornelli, il cinema ti trasporta in mondi nuovi, ti fa vedere e sentire il momento a volte crudo ma sempre con una “patina” sognante che da risposta alla parte di ognuno di noi di speranza.

Questo momento sembra evidenziare, racconta Salvatores, che tre cose più di tutte ci mancano tremendamente in questo momento: Sanità, ricerca, cultura. Tutti i governi, di destra e di sinistra, quando c’è da tagliare affondano lì il loro coltello, forse sembra emergere che non è la scelta migliore….

L’iniziativa è già presente sulle pagine web:Instagram @viaggioinitaliailfilm, @rai cinema e @theindianaway in cui vi sono due video con le modalità per partecipare, ed allora non ci resta che inviare qualche video ed aspettare la proiezione del film, anzi direi il link su cui poterlo vedere. Anche questa idea mi sembra un’altra goccia di speranza per il bene comune.

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Alla presenza del regista Luca Verdone e di Carlo Montanaro

Nell’ambito della mostra “PLAY WITH US” di Naby Byron

Martedì 19 Novembre 2019 alle ore 16.30 nel cuore di Venezia, all’interno della suggestiva e prestigiosa cornice dell’Hotel Hilton Molino Stucky affacciato sul Canale della Giudecca, avrà luogo la proiezione del film “La meravigliosa avventura di Antonio Franconi” (2011) diretto da Luca Verdone, con Massimo Ranieri nel ruolo di Antonio Franconi, alla presenza del regista e di Carlo Montanaro, noto scrittore, giornalista e critico cinematografico.

La proiezione del film “La meravigliosa avventura di Antonio Franconi”, selezionato ufficialmente come Evento Speciale al Festival Internazionale del Film di Roma del 2011, accompagnerà l’installazione “Play With Us – Dall’arte popolare all’arte moderna” con le opere dell’artista Naby Byron e la texture musicale di Max Casacci dei Subsonica, a cura del Prof. Gian Paolo Borghi, etno-antropologo ed esperto di tradizioni popolari.

L’evento sarà presentato da Carlo Montanaro, importante e prestigioso personaggio nel mondo del cinema italiano. Carlo Montanaro ha scritto numerosi saggi critici e partecipato all’organizzazione di importanti eventi culturali, festival e rassegne, con istituzioni ed enti tra cui l’Istituto per lo studio e la diffusione del cinema d’animazione (ISCA), la Biennale di Venezia, il Festival del Film sull’Arte e di Biografie d’Artisti di Asolo e il MyFest di Cattolica. Come curatore, tre le numerose esposizioni, ha gestito la sezione cinematografica della mostra dedicata a Man Ray nella Villa Manin di Passariano (2014 – 2015) e ha curato la mostra dedicata al Mondo Novo conservata nella Fondazione Musei di Venezia e organizzata nell’Espace Luis Vuitton di Venezia (2014 – 2015). Ha, inoltre, fondato l’Archivio Carlo Monanaro, nata come raccolta privata negli anni ’60, ora custodisce notevoli testimoniante di pre-cinema, fotografia, cinema e video.

Questo film, selezionato come accompagnamento alla mostra “Play With Us – dall’arte popolare all’arte moderna”, trasmette perfettamente l’adattamento della cultura tradizionale alle aspettative del contemporaneo, tema fortemente legato alla concezione artistica di Naby. Il cavaliere e circense Antonio Franconi, al pari di Naby, si presenta come amante della libertà e generoso istrione. In entrambi troviamo quella voglia di fondere il pubblico con la propria creazione, in una sorta di spettacolo “sensibile”, dove l’esperienza visiva possa essere accompagnata ad un coinvolgimento totale dello spettatore, il quale interagisce facendo suo lo spettacolo che gli viene concesso.

Nel film di Verdone riecheggia la stessa visione onirica dei cavalli da giostra di Naby. I cavalli sono resi liberi dai rigidi meccanismi delle giostre, proiettati lontani dalle tradizionali, in un contesto moderno e contemporaneo, i Luoghi dell’Altrove. Naby, come Verdone, propone attraverso le sue opere, una nuova e rinnovata cultura del “gioco”, trasfigurando alcuni antichi significati nel mondo odierno e offrendoli all’ammirazione degli appassionati d’arte del terzo millennio. Il suo gioco equestre incontra la storia dei “giochi moderni” di Luca Verdone. Lo spettacolo e l’uso del cavallo, cresciuto nei circhi romani fino alle giostre medievali, sboccia nuovamente tra la fine del ‘700 e l’inizio dell’800. Spettacolo, impresa ardita, fasto, non sono più solo appannaggio delle Corti reali, ma vengono proposti alla nascente borghesia e perfino al popolo.

“La meravigliosa avventura di Antonio Franconi”, prodotto da Cinemart, con sceneggiatura di Luca Verdone e di Massimo Biliorsi e musica di Alessio Vlad, propone l’immaginaria rievocazione delle imprese di Antonio Franconi, leggendario pioniere del Circo Moderno, nato a Udine, che si esibiva in Francia tra il 1783 e il 1800. Franconi affronta la sfida impossibile di un cavallerizzo, per realizzare uno spettacolo che contenga tutte le forme rappresentative sino ad allora conosciute. Uno spettacolo di tutti gli spettacoli. Nell’inseguire il suo sogno, Franconi trascura la morale, i doveri familiari, e gli impegni assunti con i governanti parigini della Rivoluzione Francese. Ma come gli ricorda il suo amico Astley, ogni desiderio deve superare grandi ostacoli. Il suo è un invito a non abbandonare il progetto che inseguiva sin dalla giovinezza: la realizzazione del Circo Olimpico. La fortuna gli concederà di concretizzare il suo sogno e Franconi, felice, potrà abbandonarsi ai ricordi e al trionfo che il pubblico parigino gli tributa.

Luca Verdone crea dunque un lungometraggio straordinario, curato nei particolari, nei colori e con un finalismo sempre certo e definito. Si tratta di una storia che si presta perfettamente come premessa e prosecuzione dell’opera di Naby Byron, nel suo più intimo e vero obiettivo sociale.

L’esposizione della mostra e la proiezione del film in collaborazione con l’Associazione UFO-Ultimi Futuristi, sono inserite nella programmazione di “Le Città in Festa” promossa dalla Città di Venezia ed è realizzata con il patrocinio della Regione del Veneto, della Città di Venezia, del Comune di Bergantino, del Museo della Giostra di Bergantino, del MAF (Museo Mondo Agricolo Ferrarese), di Hilton Stucky Venezia e si colloca all’interno delle celebrazioni del Centenario dalla Fondazione del Gruppo Hilton.

LUCA VERDONE

Fratello del noto attore e regista Carlo Verdone, è un regista italiano nato a Roma. Laureatosi in lettere con una tesi in Storia dell’Arte Moderna, si occupa dal 1973 della regia di documentari e programmi televisivi. Il suo esordio come regista cinematografico risale al 1986 con il film ”7 chili in 7 giorni”, in cui affianca il fratello Carlo a Renato Pozzetto. Per la sua attività di documentarista ha ricevuto numerosi premi nazionali e internazionali, tra cui il Nastro d’Argento nel 1981, il primo premio al Festival Internazionale del Film sull’Arte di Castelfranco Veneto del 1989, il Nastro d’Argento speciale nel 2012 per il complesso della sua carriera, il Premio Internazionale Flaiano nel 2013 per il documentario “Alberto il Grande”. Nel 2015 ottiene il premio Lù Mière Calicidicinema a Lecce, per la sensibilità dimostrata verso il territorio salentino con il cortometraggio “Il miracolo di Sant’Oronzo”. Dal 2012 è Presidente della Associazione tra Senesi e Grossetani residenti in Roma.

I suoi lungometraggi sono:

SETTE CHILI IN SETTE GIORNI (1986)

LA BOCCA (1991)

IL PIACERE DI PIACERE (2002)

LA MERAVIGLIOSA AVVENTURA DI ANTONIO FRANCONI (2011)

I principali documentari cinematografici sono:

PAOLO UCCELLO: GENESI E SVILUPPO DI UN LINGUAGGIO PITTORICO

LA SCUOLA FERRARESE DEL ‘400

FILOSOFIA DEI GIARDINI

GLI UFFIZI:STORIA DI UNA GALLERIA

LA PITTURA SENESE DEL TRECENTO LE RAGIONI DEL SUCCESSO

I suoi principali cortometraggi fiction sono:

WILD BOY (1985)

MATRIMONIO A S. MARIA IN TRASTEVERE (1995)

IL MIRACOLO DI S. ORONZO (1996).

LA NINFETTA E IL MAGGIORDOMO (2006)

INFORMAZIONI UTILI

Proiezione del film “La meravigliosa avventura di Antonio Franconi” di Luca Verdone, nell’ambito della mostra “PLAY WITH US” dell’artista Naby Byron

QUANDO: Martedì 19 novembre 2019, ore 16.30

DOVE: Hotel Hilton Molino Stucky, Giudecca n. 819, Venezia

DURANTE L’EVENTO SARÀ PRESENTE IL REGISTA LUCA VERDONE E CARLO MONTANARO

INGRESSO GRATUITO

WEB: www.nabybyron.com

FACEBOOK: www.facebook.com/PlayWithHus/

INSTAGRAM: www.instagram.com/nabybyron

PATROCINI: Regione del Veneto, Città di Venezia, Comune di Bergantino, Museo della Giostra di Bergantino, MAF (Museo Mondo Agricolo Ferrarese), Hilton Stucky Venezia

IN COLLABORAZIONE CON: Associazione UFO-Ultimi Futuristi

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