Cantautrice pugliese con una lunga esperienza nella musica italiana, Rita Zingariello costruisce il proprio percorso intorno a una scrittura d’autore capace di intrecciare sensibilità acustica, aperture jazz e attenzione alla parola. A mente scalza, disponibile dal 9 ottobre 2026 in vinile e sulle piattaforme digitali, è il suo nuovo album: un lavoro ampio composto da otto tracce, pubblicato da Red&Blue Music Relations e distribuito da ADA Music Italy e anticipato dal singolo Le balene di notte, in radio e online dal 2 ottobre. In questa intervista Rita Zingariello racconta la nascita del progetto, che mette al centro la necessità di spogliarsi dalle sovrastrutture e di ascoltare ciò che resta quando cadono le difese. Attraverso le sue parole emergono il valore della vulnerabilità, il confronto con il tempo, il peso dei pensieri e la possibilità di trasformare dubbi, cadute e memorie in materia musicale. Ne nasce un dialogo che attraversa la dimensione personale e quella artistica, restituendo l’immagine di un percorso fatto di ricerca, consapevolezza e fiducia.

“A mente scalza” evoca fin dal titolo un’idea di spogliazione, di nudità del pensiero. Da dove è nata l’esigenza di questo approccio e cosa significa per te, oggi, fare musica “senza filtri”?

Credo che a un certo punto si senta il bisogno di smettere di addomesticare quello che si è vissuto, di guardarlo per quello che è stato, senza cercare necessariamente di dargli una forma più rassicurante. A mente scalza nasce proprio da questa esigenza: togliere il rumore, le difese e le risposte già pronte, per tornare alle domande che contano davvero. In queste otto canzoni ci sono il tempo che passa, la paura, la fiducia, l’amore, le cadute e la necessità di lasciare andare. Fare musica senza filtri significa concedermi la libertà di attraversare queste dimensioni senza dover arrivare per forza a una conclusione. Non significa avere tutte le risposte, ma accettare anche ciò che resta irrisolto. Oggi sento che la sincerità è una forma di libertà: mi permette di riconoscermi nelle canzoni e di lasciare che chi le ascolta possa ritrovare, a sua volta, qualcosa della propria storia.

Il singolo “Le balene di notte” richiama immagini ed emozioni molto dense, legate al tempo e ai pensieri più profondi. Come si è sviluppato questo brano e in che modo sei riuscita a tradurre queste sensazioni così intime nella sua struttura musicale?

Le balene di notte nasce da una riflessione sul tempo che passa e sul modo in cui impariamo ad abitarlo. A poco più di quarant’anni mi sono ritrovata a guardare indietro, facendo i conti con ciò che non ho potuto cambiare e con il dubbio di quello che avrei potuto fare diversamente. I pensieri hanno assunto per me la forma di balene: presenze enormi e silenziose, che attraversano la nostra interiorità e che non possiamo trattenere, né governare. Anche nella costruzione musicale cercavo un modo per restituire questo senso di ingombro, qualcosa che si muove dentro di noi e che a volte diventa quasi impossibile da ignorare. Per questo, durante la registrazione, ho chiesto al coro di cantare un potente «bo bo bo bo bo» in diversi momenti del brano: volevo che quelle voci esprimessero il rumore dei pensieri che avevano dato origine al testo. Mi interessava creare un contrasto tra la profondità di queste riflessioni e una dimensione sonora capace di renderle quasi fisiche. È una canzone che non cerca di risolvere i dubbi, ma di riconoscerli e imparare a convivere con loro.

Il tema della fiducia ritorna in diversi momenti del disco, declinato in sfumature diverse — come il coraggio di ricominciare, l’accettazione dell’errore o il saper lasciar andare. Che posto occupa la fiducia nella tua vita e nel tuo modo di fare musica?

La fiducia, per me, ha molto a che fare con l’accettazione del fatto che non tutto può essere controllato. Spesso vorremmo conoscere in anticipo le conseguenze delle nostre scelte, evitare gli errori e proteggerci dalle delusioni, ma la vita non funziona così. Fidarsi significa anche accettare di essere vulnerabili, riconoscere che possiamo inciampare e che questo non ci impedisce di ricominciare. Nel disco è un tema che attraversa diverse esperienze e trova una sua espressione precisa anche nel brano Fidarsi, realizzato con Ferruccio Spinetti. Nella musica cerco di praticare questa stessa disposizione: seguire un’intuizione, lasciare che una canzone trovi la propria strada e accogliere ciò che emerge durante il processo creativo. Non sempre so dove mi porterà una composizione quando comincio a scriverla, e credo che ci sia qualcosa di prezioso proprio in questa incertezza. La fiducia è un esercizio quotidiano, forse mai del tutto compiuto. È la possibilità di lasciare andare qualcosa senza sapere esattamente cosa arriverà dopo, ma restando disponibili al cambiamento.

Per il video di “Le balene di notte” hai scelto un’estetica molto particolare, un universo artigianale che passa dal teatrino di carta alla realtà. Come si è sviluppato questo immaginario e quali aspetti del brano volevi far emergere attraverso queste immagini?

Il teatrino di carta è diventato il modo per dare una forma visiva al mio mondo interiore, a quei pensieri enormi e silenziosi che nella canzone ho chiamato balene. È un piccolo universo costruito, un luogo in cui l’immaginazione prova a mettere ordine in ciò che spesso sfugge al nostro controllo. Nel video navigo su una grande barca origami, attraversando le diverse fasi del giorno, dall’alba alla notte. Lungo il percorso compaiono figure antropomorfe stilizzate — un lupo, una scimmia, un fenicottero, un orso e un cervo — mentre le mani che piegano le barchette colorate richiamano il gesto artigianale del costruire e trasformare. Mi piaceva il contrasto tra i colori vivaci della scenografia e la dimensione intima e malinconica del racconto: a volte possiamo abitare mondi apparentemente luminosi continuando a portare dentro domande profonde. Il momento per me più significativo è il finale, quando la barca raggiunge la riva e io scendo per entrare in uno spazio reale. È come se si concludesse un processo interiore: non perché tutti i dubbi siano scomparsi, ma perché posso finalmente uscire da quel mondo e accogliere ciò che viene dopo.

La title track intreccia tanti elementi fondamentali della tua vita e del tuo percorso — dall’arte alla famiglia, dal tempo alla memoria. Guardando al disco nel suo insieme, che cosa speri che questo lavoro racconti di te oggi a chi lo ascolta?

Mi piacerebbe che questo disco raccontasse una persona che continua a cercare, a mettersi in discussione e a imparare da quello che vive. A mente scalza raccoglie molte dimensioni della mia esperienza: il rapporto con il tempo, gli affetti, la memoria, le fragilità e il desiderio di trovare un equilibrio senza rinunciare alle domande. La title track rappresenta un punto importante di questo percorso, perché riunisce elementi che appartengono alla mia vita e al modo in cui guardo al mondo. Musicalmente, il disco alterna una dimensione acustica, la scrittura d’autore e una sensibilità jazz, aprendosi anche all’incontro con musicisti come Ferruccio Spinetti, Ernesto Marciante e Fabrizio Bosso, oltre ai Flowing Chords e agli archi curati da Valter Sivilotti in Scivola. Sono incontri che arricchiscono il progetto, lasciando spazio a sensibilità differenti. Ma, al di là delle scelte musicali, spero che chi ascolta possa percepire soprattutto la necessità che lo ha generato: provare a stare dentro la vita senza volerla sempre correggere o controllare. Non vorrei consegnare un ritratto definitivo di me, ma condividere un momento del mio percorso. Se queste canzoni riusciranno a fare compagnia a qualcuno, a dare voce a un dubbio o a suggerire che anche da una caduta può nascere un nuovo inizio, allora avranno raggiunto qualcosa di importante.

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Il brano racconta della fine di una relazione che ha portato con sé tutto il tempo e l’amore di cui una storia d’amore importante ha bisogno. L’artista volendo tornare indietro chiede il perdono di tutti i sé e i ma che non sono stati detti. 

 Il brano presenta tipiche sonorità della canzone tradizionale italiana . L’autore, inoltre, dichiara che una qualità essenziale per un brano è la sua universale capacità di essere capito da ogni generazione. 

Il video è stato girato presso il lago di Alserio (CO) e in alcune vie di Orsenigo (CO).

Accenni sulla Biografia e origine del nome d’arte

“Giuseppe Vuolo classe 94 in arte Carth Aaron, è un’artista pop della provincia di Como con origini campane e lucane. Il suo rapporto con la musica inizia sin da piccolo, grazie al nonno grande appassionato di musica e fisarmonicista che alla nascita gli regalò un violino che Carth inizierà a suonare all’età di 10 anni per poi passare nel corso della sua vita al basso, alla chitarra al pianoforte e infine alla fisarmonica.

Il nome Carth Aaron deriva dalla parola spagnola cartero che significa postino, difatti il lavoro attuale di Giuseppe è proprio il portalettere. Stare a contatto con le persone e ascoltare le loro storie, ha permesso all’ artista di ricevere importanti ispirazioni da trasformare in musica.“

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Rossella
Photo: Pietro Rizzato © 2022
www.pietrorizzato.com

debuttato sulla scena musicale del panorama italiano con un brano fresco ed originale”Shalla”, “stai sereno”. Un brano, questo, con influenze pop, dance, e rap. L’abbiamo intervistata per conoscerla meglio e per provare a vedere il mondo musicale dal suo punto di vista.

“Ro-Hara” questo è il tuo nome d’arte, cosa significa per te?

Ro-Ohara viene da Rossella Ohara, protagonista del film “Via col vento”

I miei genitori hanno deciso di darmi questo nome perché speravano nascessi con un carattere

come il suo: forte e spumeggiante, proprio come l’attrice. Devo dire che non si sono sbagliati!

Hai debuttato sul panorama musicale il 3 giugno con il tuo primo singolo “Shalla”, e’ stato difficile

decidere di pubblicare la tua musica?

Quando si pubblica la propria musica, è sempre difficile farlo, perché si rende pubblica una

parte di sé stessi. Ma in questo lavoro o si è generosi emotivamente o è davvero complesso

farsi conoscere dalle persone.

Come mai hai intitolato il tuo brano “Shalla” e da dove è nata l’ispirazione?

È un neologismo che mi è uscito spontaneo. Con questa parola è nata automaticamente anche

la melodia e di conseguenza tutto il resto. Volevo utilizzare un termine veloce ed efficace che

arrivasse diretto al pubblico… e così ho pensato a “Shalla” ovvero “stai sereno”, rilassati e respira

Dal brano si evincono diverse influenze, dal pop al rap, alla dance… ascoltandoti mi è parso di ritrovare sfumature di Levante e Gaia, notevoli artiste della scena odierna, chi sono gli artisti italiani ed internazionali che ti influenzano maggiormente?

Ti ringrazio, un gran bel complimento! Infatti sono due artiste che a me piacciono molto e che

ascolto! Diciamo che la musica che scrivo nasce dal tanto ascolto che faccio da quando sono

piccola, quindi le mie influenze musicali sono davvero molte, soprattutto internazionali! Posso

dire che chi mi ispirato a fare musica è stato Jeff Buckley, per me un’artista incredibile. C’entra poco con ciò che scrivo, ma grazie a lui ho imparato a capire cos è la sensibilità musicale. Altri

artisti che sicuramente mi hanno influenzata nel mio percorso artistico sono Elisa, Mengoni,

Paolo Nutini, Tracy Chapman, James Bay e molti altri.

Quando nasce il tuo amore per la musica e quando hai deciso che sarebbe diventata la

tua professione?

Devo essere sincera, non ho memoria del momento in cui ho deciso di fare musica. A questa

domanda rispondo sempre: “lo sapevo ancora prima di nascere!”.

Qual’è il genere al quale ti senti di appartenere?

Dire Pop è molto generico! Se dovessi collocarmi in qualcosa di più specifico direi pop soul.

Racconti del bisogno di far capire alle persone che non sono sole e che per quanto possa fare male vivere rapporti tra certezze, incertezze, paure ed entusiasmi non bisogna lasciarsi abbattere ma vivere le cose serenamente. Hai vissuto vicende personali alle quali ti sei ispirata?

Penso che al 99 %, quando viene scritta una canzone, parliamo di noi. Del resto, un brano contiene emozioni, che possono essere tristi o felici. Per scrivere, bisogna viverle determinante cose. Quindi, alla tua domanda, rispondo si, ho scritto tutto questo perché l’ho provato.

Con chi vorresti duettare in futuro?

Come artisti italiani, Elisa e Marco Mengoni, come artisti internazionali, Harry Styles, Bruno Mars, Stevie

Wonder ecc.

C’è qualcosa che vorresti dire ai giovani che vorrebbero intraprendere la tua stessa strada, come musicisti?

Che è dura, ma se il fuoco dentro di te è grande, non bisogna mai fermarsi. Le soddisfazioni non arrivano solo con il talento, ma con il duro lavoro e la perseveranza.

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Un brano fresco, travolgente, pieno di rabbia, delusione e una grinta da vendere. Un indiepop che infiamma a suono di drum e bass. Direzione artistica a cura del producer Seck e Produzione di Bavia.

Il videoclip del brano é carico di elementi simbolici che scandiscono il tempo di elaborazione della separazione amorosa dell’artista, il suo cosiddetto “periodo buio”
L’Alcool che rappresenta l’infiammabilità dei sentimenti, i fiori che denotano il suo carattere fragile e genuino e la chitarra che incorona la sua passione per la musica.

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Una nuova genesi artistica con “Luce e cannella” il suo nuovo singolo disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 6 maggio. Il brano anticipa il suo prossimo EP “fantasmi”, in uscita il 3 giugno. 

Il brano prodotto da Belviso mostra una nuova veste musicale, nuovi stimoli, nuovi obiettivi sulla wave indiepop, genere che già da tempo è protagonista della scena musicale odierna.  

Il Videoclip di “Luce e cannella” è stato girato e diretto da Margherita Cammelli la quale riesce a far emergere l’identità del brano che voleva trasmettere le emozioni della luce del tramonto citate nella canzone, le famose Golden hour che l’artista paragona a “ Luce e cannella” 

“ E vorrei dirti parole che non trovo mai, fare un tuffo dentro gli occhi tuoi, ti prego prova a calmare le mie farfalle nello stomaco […] Se mi chiedessi sempre di più, per te io arriverei al sole, che fa banale ma in fondo sai, c’è poco altro che io posso offrire” una canzone di un giovane amore fatto di parole e anima  e che per Straid non è che l’inizio del suo cammino. 

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L’artista Iskra Menarini interpreta magistralmente i brani di Lucio Dalla con un’impronta ed un timbro estremamente personali, il brano “Stella di mare” arriva in radio, dal 6 maggio,  ed è contenuto nel suo album “Lucio dove vai? Io sono qui” (PlayAudio/Azzurra Music) disponibile in digitale e fisico. 

Per ben 25 anni Iskra ha cantato con Lucio Dalla, lei ha imparato tutto da lui che le voleva molto bene. Chi avrebbe potuto interpretare meglio questi brani se non chi queste canzoni le ha vissute insieme all’artista? 

Il brano interpretato dalla Menarini presenta un arrangiamento che inizia tenendo fede alla versione originale, con un lento crescendo strumentale e timbrico per poi sorprenderti al minuto 2:30, dove l’attacco della batteria mantiene attiva l’attenzione dell’ascoltare, con una sorta di hook ritmico.

«Tutte le volte che canto “Caruso” la gente si alza in piedi e batte le mani con partecipazione perché capisce che interpreto Lucio con il cuore – afferma Iskra Menarini – Lui mi ha portato al suo fianco in tutto il mondo: in ogni occasione Lucio ricavava uno spazio tutto mio facendomi cantare un brano da solista. Quando Lucio mi ha fatto cantare a New York al Madison Square Garden, durante il Tour Dalla-Morandi, mi ha detto “vai e fai uno slego” (improvvisa)… Alla fine il pubblico si è alzato in piedi applaudendo forte. E Lucio: “Hai visto la gente come ti vuole bene ? Devi solo lasciarti andare e devi credere in te”. Mi presentava dicendo sempre: “Lei è la più brava!” Io lo guardavo stupita e un giorno gli dissi: “Non puoi sempre dire che sono la più brava”. Lui mi rispose: “Ma se lo dico io, ci credono tutti”. Queste parole non le dimenticherò mai. Con Lucio non ho solo lavorato, ho proprio vissuto con lui, giorno e notte. Si, di notte, perché mi chiamava anche alle due del mattino quando voleva che andassi da lui perché magari c’erano tutti i musicisti e voleva immediatamente trasformare le sue idee in realtà. Quando studiavamo il balletto di “Attenti al lupo”, eravamo in due e lui mi tirava una scarpa quando facevo un errore… Piano piano ho imparato a schivare le scarpe e lui si divertiva proprio come fosse ad una partita al bowling. Quanti ricordi…»

La tracklist dell’album “Lucio dove vai? Io sono qui” è composta dai brani Stella Di Mare (L. Dalla), 4/3/1943 (L. Dalla – P. Pallottino), Tu Non Mi Basti Mai (L. Dalla – T. Ferro), Anna E Marco (L. Dalla), Caruso (L. Dalla), Felicità (L. Dalla), La Sera Dei Miracoli (L. Dalla), Amore Disperato (L. Dalla), Le Rondini (L. Dalla – M. Malavasi), Attenti Al Lupo (Ron), L’uomo Infinito (I. Menarini – M. Auteri – R. Droghetti – M. Balestra), Vita (M. Lavezzi – Mogol) e Futura (L. Dalla).

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