“Silent Scream” è l’ultimo brano strumentale composto dal chitarrista triestino Maurizio Vercon, ( feat Marco Di Marco) pubblicato dall’etichetta discografica “Videoradio e Videoradio Channel” di Giuseppe Aleo. Il brano, una commistione tra chitarra elettrica e musica sinfonica, fa parte di una sperimentazione tra sonorità musicali diverse – il rock e gli strumenti classici – tra loro portata avanti dall’artista da diversi anni. Vercon è anche produttore e arrangiatore. Ha iniziato a suonare per amore della musica da autodidatta all’età di 10 anni, suonando negli anni diversi tipi di stili con molte formazioni. Il brano è disponibile a rotazione in radio e sulle piattaforme social. Nei prossimi mesi previste diverse tappe di esibizioni itineranti. Paese Italia Press lo ha intervistato per voi.

D. Come nasce questo questo brano e qual è l’esperimento che si è voluto portare avanti con “Silent Scream”, un brano solo strumentale?

R. Sì, io ne faccio tanti di brani strumentali, a dire la verità. Da una vita che ho preso questa strada, oltre che a lavorare con diversi artisti, però la mia carriera è principalmente centrata sulla musica strumentale come chitarrista, altrimenti accompagno solamente i cantanti. Il brano “Silent Scream“ si inserisce in un progetto che sto portando avanti già da circa quattro anni per realizzare uno spettacolo con un’orchestra. Si tratta, praticamente, di una commissione di musica classica con degli strumenti anche moderni. Quindi, anche la chitarra elettrica al posto di un primo violino. Ecco l’idea che c’è sotto: scardinare un po’ il concetto della della musica tradizionale.

In realtà io ho già fatto anche un disco con un’altra etichetta in cui si riproponevano classici di Tchaikovsky, Beethoven e Mozart, ma al posto di un primo violino utilizzavo la chitarra, per esempio. L’idea è di portare strumenti più moderni all’interno di un’orchestra. In realtà, ci sono stati tanti esperimenti nel corso della storia per quanto riguarda il rock in commistione con la musica classica, come i Metallica. Io faccio all’incontrario. Mentre loro con l’orchestra hanno sviluppato la loro musica in chiave classica, io prendo la musica classica e mi inserisco dentro (con uno strumento moderno, ndr).

D. Come è arrivato a questo a questo progetto, all’idea di inserirsi con gli strumenti moderni in una melodia classica?

R. Per me è abbastanza normale. Dopo aver studiato tanto, avvicinarmi alla musica classica è un percorso inverso. Di solito si studia in conservatorio la musica. Io l’ho fatto inversamente. Dopo tanti anni di studio, ho capito che la musica classica è veramente una fonte di ispirazione. Quindi,al di là dei pregiudizi che si possono avere, secondo me, la musica rock è anche musica classica. Stanno benissimo insieme (la musica classica e rock, ndr). Non mi sono mai messo a studiare musica classica, però, studiando da tutta la vita un sacco di strumenti per ore e ore giorni, ho acquisito la tecnica necessaria anche per poter sviluppare tutti i temi che ci sono anche nella musica classica. In realtà mi piace proprio come arrangiamento l’orchestra: è l’ideale per accompagnare gli strumenti moderni.

D. Perché il titolo “Silent Scream”?

R. Il brano è un grido di dolore verso la musica mainstream che viene trasmessa alla radio o che è disponibile sulle piattaforme. Certi generi moderni sono talmente privi di musica che mi fanno star male ogni volta che li sento. So che sono molto distante dall’essere radiofonico, ovviamente, essendo strumentale. C’è un appiattimento culturale incredibile.

D. Come si svilupperà il progetto? 

R. Avere un’orchestra di 40-50 elementi dietro è una cosa molto bella. Entro i prossimi quattro anni, penso di fare un concerto più ampio. Ormai sono 3-4 anni che mi dedico anche a questo e vorrei che tutta la mia musica un giorno sia supportata dall’orchestra. È un discorso un po’ lungo perché i costi di produzione sono elevati.

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Maurizio Vercon, triestino dalla densa carriera, ha cominciato il suo percorso musicale come autodidatta con diversi stili.  Nei suoi album hanno suonato artisti del calibro di Frank Gambale, Charlie Morgan, Ricky Portera, Luca Colombo, Maurizio Solieri, Andrea Innesto(Cucchia) e tanti altri.

Nel 2006 ha realizzato la sigla per il programma “Speciale mondiali” in onda su RAI 2 (Too much easy but not easy- feat Andrea Innesto Cucchia).

Ha all’attivo due CD strumentali distribuiti in tutto il mondo editi da Rai Trade/Videoradio (Everything is here 2006-For you feat Frank Gambale 2008) e uno nel 2019 (Slice of Heaven) pubblicato da VIDEORADIO. Inoltre, è presente con cinque brani in due compilation Rai Trade/Videoradio “fusion jazzrock &groove” vol.1 e 2.  Maurizio Vercon ha recentemente realizzato varie tournée in collaborazione con Cristiano Turati ( voce dei Nomadi) e con  Don Schiff,  bassista americano con il quale ha attuato un progetto internazionale culminato nella incisione  di un singolo nell’estate 2023 con il lancio di Apache.

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L’AQUILA – Imminente la partenza per gli Stati Uniti del musicista abruzzese Francesco Mammola, virtuoso mandolinista tra i migliori dieci al mondo, che già a 33 anni può vantare circa 500 concerti in Italia e all’estero (in templi della musica, come a Londra, Berlino, Vilnius, ed altri) o in luoghi di significativo prestigio, quali la Santa Sede, Expo 2015, i Musei vaticani, o al Quirinale alla presenza del Presidente Sergio Mattarella. Ricco il palmares dei riconoscimenti, tra i quali il Premio Abbado, che fanno del M° Mammola, docente al Conservatorio Alfredo Casella dell’Aquila, uno dei solisti di mandolino più ricercati e ambiti.

Denso il programma dei concerti che si svilupperà tra New York e Boston, dal 21 al 30 novembre 2022.

Nella Grande Mela, capitale mondiale delle culture, i concerti saranno tenuti presso la Libreria Harrison (21 novembre), presso la Columbus Citizens Foundation, (il 22) la Montfort Academy (il 23), Recording session – Teatro Grattacielo (il 24) e il 25 novembre un Private Event; poi a Boston, raffinata città del Massachusetts, il 27 novembre concerto alla St. Joseph Society e il 30 al celebre I Am Books. Il M° Mammola sarà accompagnato dal chitarrista campano Alfonso Brandi, altro musicista di rango. Sarà un’occasione da non perdere per le cospicue comunità italiane delle due città americane, New York, un vero crogiolo di culture, e Boston città intellettuale per antonomasia, avere in concerto questo eccezionale duo di talenti, autentico orgoglio della tradizione musicale italiana. Ancor più lo sarà per le associazioni abruzzesi e campane che orbitano nell’area della Grande Mela e nell’hinterland di Boston.

Francesco Mammola è nato nel 1989 a Pescocostanzo, splendido borgo tra i più belli d’Italia situato nel Parco della Maiella, lungo l’antico tracciato della transumanza e della via degli Abruzzi, che collegava Firenze a Napoli, patria di raffinati artigiani orafi ed ebanisti, del filosofo e matematico Ottavio Colecchi e dell’insigne linguista Francesco Sabatini, attuale Presidente onorario dell’Accademia della Crusca. Il giovane Mammola, diplomato al Liceo Classico “Ovidio” di Sulmona, avvia gli studi di mandolino presso il Conservatorio “A.Casella” dell’Aquila sotto la guida del Maestro Fabio Giudice. Si laurea nel 2015 con il massimo dei voti, lode e bacio accademico. Si esibisce con artisti di fama internazionale e con Orchestre Sinfoniche. Diverse esibizioni anche nel corso di programmi Rai. Tra le collaborazioni più importanti quelle con l’Istituzione Sinfonica Abruzzese, con il tenore Piero Mazzocchetti, con i Nomadi, con i cantanti Mauro Mengali, Antonella Bucci, Cecilia Gayle e l’attore Rai Enzo Garriamone, ed è stato diretto da Maestri del calibro di Aurelio Canonici, Luciano Bellini, Fabio Maestri.

Vincitore nel 2015 del Premio Nazionale delle Arti “Claudio Abbado”, Francesco Mammola è stato inoltre insignito della medaglia di bronzo del Senato della Repubblica per meriti artistici, della Palma Accademica dell’Accademia internazionale San Giovanni Crisostomo, del Premio “Augusto Daolio” e di vari altri riconoscimenti. Tra i suoi concerti da solista spiccano quelli tenuti presso l’Ambasciata dell’Iraq presso la Santa Sede (Festival internazionale per il Dialogo e la Pace tra popoli e religioni), all’Expo 2015 di Milano, al Premio Abbado, e quello con i Flamentangoproject a Roma, che ha aperto il concerto dei Gipsy King Heritage. Il musicista svolge un’intensa attività concertistica anche in Trio, con Giulia Mangone al pianoforte e Mariano Antonilli al contrabbasso. Nel maggio scorso si è esibito al Quirinale, insieme al famoso gruppo da camera I Solisti Aquilani, in occasione della visita del Presidente della Repubblica d’Algeria Abdelmajid Tebboune al Presidente della Repubblica Sergio Mattarella. Attualmente è mandolinista al Teatro dell’Opera di Roma.

Alfonso Brandi è nato nel 1995 a Caserta. Ha studiato presso l’Associazione musicale “Leopoldo Mugnone”, sotto la guida dei maestri Paolo Mauriello e Rosalba Vestini. Ha conseguito col massimo dei voti la laurea in Chitarra Jazz presso il conservatorio “Giuseppe Martucci” di Salerno. Ha preso parte a numerose masterclass tenute da insigni chitarristi internazionali. Vincitore di diversi concorsi nazionali ed internazionali, ha collaborato con diversi artisti, come Gino Licata, e con i musicisti Mimi Ciaramella, Pietro Ventrone, Pietro Paolo Veltre. Ha partecipato al Festival Internazionale della chitarra di Rieti, insieme a prestigiosi chitarristi quali Oscar Ghiglia, Osvaldo Lo Iacono, Alessandra Salerno, Pedro Javier Gonzales. Collabora stabilmente con la cantante Antonia Di Maio, con la quale si aggiudica il premio della critica al Festival di Napoli del 2019. Nel 2021 gli è stato tributato Premio “Sicilia Eccellente” in occasione di una rassegna con i più importanti solisti italiani di chitarra, come Francesco Buzzurro, Alessandra Salerno, Osvaldo Lo Iacono, Mario Venuti, Lello Analfino ed altri. Nel 2021 ha partecipato alla 49esima edizione del festival “Settembre al borgo” di Caserta, sotto la direzione artistica di Enzo Avitabile.

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Il solo sax di Axem ancora una volta ci travolge e ci catapulta davanti un tramonto estivo con un cocktail ed insieme ai nostri amici.

Ballare e vivere spensierati ecco cosa evoca l’ascolto di “Maui”, il terzo lavoro discografico di Axem, disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 15 luglio. 

Axem (nome d’arte di Alessio Matrigiani)  «Dopo essermi cimentato in un’esperienza discografica intensa come “Elements”, impegnativa sotto più punti di vista e piuttosto sperimentale, ho deciso di riaffacciarmi ancora una volta a quelle atmosfere più estive che caratterizzavano “Pulse”, la mia prima pubblicazione, arricchendo questo nuovo brano di connotati timbrici ancor più estivi, tropicali, ma strizzando l’occhio, all’interno della struttura del singolo, anche al mio concept EP “Elements”, ricontestualizzato: sarà una divertente sfida riconoscere tutti i riferimenti per chi ascolta “Maui” e avrà già ascoltato i miei precedenti brani.»

Maui torna, in qualche modo, alle origini con questo nuovo brano, ma allo stesso tempo si supera trovando un tema che ripreso dalla marimba nella parte iniziale non solo trasmette solo mood positivi ma è chiaro e vivido perché ben delineato. Infatti avere un tema immediato e ripetitivo è la chiave vincente per entrare nei cuori e nelle orecchie degli ascoltatori. 

In questo brano Axem unisce timbri elettronici, estivi e tropicali e la riproposizione dell’ormai consolidata struttura compositiva del saxofonista romano, che include, al termine della consueta alternanza “pop” di “strofe” e ritornelli, una sezione dedicata al solo improvvisato di sax in cui esprime tutto sé stesso.

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Esecutore raffinato, compositore originale,  il Maestro Colasanti vanta una carriera pregevole iniziata a soli sette anni, quando, bambino prodigio , tenne la sua prima esecuzione da solista nel suo paese natale: Pretoro, in provincia di Chieti. Una carriera brillante nei teatri di tutto il mondo,che la pandemia  ha interrotto, ma non completamente. Con l’esplosione delle nuove tecnologie digitali   la sua musica è  approdata  nella nuova dimensione della rete. Il Maestro si racconta così:

“Gli anni di pandemia ci hanno fatto scoprire il valore delle nuova tecnologie e i molti utilizzi che ne possono scaturire. Ho scoperto il Metaverso attraverso la lettura di un libro americano in cui questo luogo, apparentemente asettico può divenire un luogo fisico, una realtà che funziona e potrebbe aiutarci in molti modi. Un canale diverso in cui trovare  e riversare interessi di grande valore culturale, pur nella consapevolezza che l’algoritmo può influenzare scelte e preferenze. Un canale diretto,che raduna un pubblico difficilmente raggiungile solo in presenza”.

Con una media di 500 ascoltatori al giorno, infatti, il maestro ha raggiunto in pochissimo tempo oltre 20.000 followers sulla piattaforma Spotify dove oltre alla produzione classica si sono aggiunti  due brani appena  composti dal titolo: Metaverse first e second  (2022).

Come vive questa esperienza?

“Da qualche tempo scrivo musica per una major americana, ROUTENOTE, che attraverso questi strumenti e questa tecnologia mi permette di avere mediamente 500 persone al giorno in ascolto, in tutto il mondo. Il progresso, se ben usato può portare grandi benefici. E’ importante tuttavia la consapevolezza dell’uso che se ne fa. Faccio sempre l’esempio della zappa che può essere uno strumento letale se data in testa a qualcuno o può produrre preziosi raccolti.”

Come è cambiato il mondo musicale in questi anni?

“È cambiato molto e direi in meglio se pensiamo ai secoli passati e le difficoltà di vivere senza le conoscenze attuali. Oggi, paradossalmente, le persone cercano più semplicità. C’è una grande tensione innovativa ma anche voglia di non perdere tempo. I brani corti, tre minuti al massimo hanno molto successo. Un brano di 12 minuti non lo ascolta più nessuno. E’ una società bulimica che vuole tutto e subito e magari senza pensare troppo dove i linguaggio visivo è diretto, immediato. L’immagine prende il sopravvento, come la copertina più del libro mentre la musica è sempre in movimento, come nei concerti pop o rock dove il cambio del ritmo è repentino.  Spesso c’è una spettacolarizazione visiva che porta ad ascoltare con gli occhi.  D’altro canto invece la musica classica si è ritirata sempre più nella sua nicchia per élites, con un atteggiamento di conservazione che la nasconde ancora di più.”

Cosa sarebbe necessario fare, invece, a suo avviso?

“Lo studio e la passione rimangono i pilastri fondanti perché la musica e l’arte, come la scienza, hanno bisogno di sperimentare. Il  valore di queste ricerche viene colto a posteriori. Anche Mozart a suo tempo è stato un innovatore, ma neanche troppo apprezzato dai suoi contemporanei, è stato  il tempo, successivamente  che ne ha fatto riconoscere il genio. Un altro esempio è Ennio Morricone che  ha rivoluzionato la musica e la composizione, ma lo ha fatto in 90 anni e in punta di piedi e oggi ne riconosciamo il grande valore artistico e culturale.  La scuola e la formazione sono importanti per scoprire nuovi talenti e aiutarli a sbocciare. Purtroppo questo in Italia è sempre stato un punto dolente. Il nostro paese ha dilapidato ingenti patrimoni culturali a causa di queste mancanze nell’istruzione artistica e musicale e non solo.”

La mancata ricerca e la fuga dei talenti sono “malattie” tutte italiane. Cosa suggerisce?

“ il mondo artistico musicale oggi è concentrato nel  catturare l’attenzione visiva innanzitutto, ma senza studio è solo apparire.In Germania e in Austria le Mozarthaus sono vere e proprie fucine di talenti, con programmi e corsi di alta formazione. In italia non esistono analoghe “Case di Verdi”, neanche a Parma. In Turchia anche le piccole città da 100.000 abitanti hanno magnifici teatri per concerti e il pensiero corre a Pescara che non ha niente del genere. Inoltre alcuni standard – definiti dal mercato – riconoscono solo il valore di virtuosismi e virtuosi dell’esecuzione, ma  la musica è artigianale, è ricerca, è scoperta.Per questo i migliori soprattutto tra i giovani vanno via. È triste constatare che ci sono intere generazioni di giovani abbandonati alla fruizione passiva di programmi televisivi senza contenuti, dove la competizione è fine a se stessa,  oppure ancora basati su algoritmi studiati per raccogliere pubblico, mentre potrebbero, attraverso lo studio, scoprire e forgiare i propri talenti. Questa è una responsabilità di chi decide e amministra la cultura e la formazione e dovrebbe costituire un luogo al di sopra delle logiche politiche, economiche.”

A proposito di logiche politiche, cosa pensa delle esclusioni di artisti russi dai contesti internazionali?

“ Non condivido l’esclusione, il bando che alcuni artisti, atleti, scrittori russi subiscono a causa delle tensioni politiche attuali. La cultura è universale, altrimenti rischia di diventare “serva del potere” di turno.”

Si spieghi meglio:

“ è innegabile, soprattutto in Italia, che il mondo della musica e dell’espressione artistica in generale,  dipenda quasi totalmente dallo Stato e dalle sue elargizioni. E’ triste ma è così”

Quali sono i suoi prossimi progetti?

“ Sto realizzando diverse uscite sulle piattaforme in rete e grazie alla riapertura dei teatri ho in programma anche una tappa in Abruzzo, a Pescara a luglio, con un “Rigoletto” al teatro D’annunzio.”

Dal Metaverso all’Abruzzo in questo caso.

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Maurizio Colasanti ha studiato direzione d’orchestra presso le scuole di Vienna, Ginevra e Budapest. Docente in importanti conservatori di musica internazionali come  l’Illinois State University di Chicago, la Royal College of Music di Melbourne e il Conservatorio di Musica di Quito, ha collaborato con musicisti come A. Rosand, A. Pay, C.M. Giulini, A. Braxtone, G. Shuller, M. Larrieu, P. Badura Skoda . Nel 2012 è stato eletto direttore principale e direttore artistico dell’Osuel. Nella sua intensa carriera esibizioni  concertistiche italiane ed internazionali con:   Orchestra del Teatro Petruzzelli di Bari, Seoul PhilarmonicOrchestra, Teatro dell’Opera di Roma, St.Martin in The Fields, Royal Accademy of Music, Orchestra Sinfonica Siciliana,Teatro Lirico di Cagliari, Orchestra Sinfonica Abruzzese, FinnishSymphony Orchestra, Orchestra Sinfonica di San Remo, Miami Symphony Orchestra, Karnten Simphonieorkester, Solisti del Teatro alla Scala di Milano, Illinois Symphony, Minas GeraisSymphony Orchestra, Villa Lobos Symphony Orchestra, Orchestra Sinfonica di San Remo, Carnegie Hall, Melba Hall, Seoul Opera House, New England Symphony Orchestra, Lithuanian Chamber Orchestra, Orchestra Sinfonica Porto Alegre, Nancy Philarmonic, Camerata Istropolitana Bratislava.

Ha diretto:

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