Fino al 29 giugno 2025  un viaggio tra i capolavori dell’Art Déco,per raccontare le atmosfere di un’epoca irripetibile che segna l’inizio della modernità.

“Invochiamo il dono di un po’ di bellezza per addolcire […] l’aspra vita quotidiana con il sorriso del divino, del solo indispensabile superfluo.”

Con queste parole di Margherita Sarfatti, il curatore Valerio Terraroli apre la mostra Art Déco,  nel  Palazzo Reale di Milano, per celebrare il centenario dell’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes di Parigi.
Un’esposizione che racconta non solo un movimento artistico, ma una vera e propria rivoluzione estetica e culturale che segna l’inizio della modernità.

La mostra raccoglie circa 250 opere, in gran parte italiane, ma anche francesi e austro-tedesche, per restituire il clima di un’epoca di grandi cambiamenti. L’Art Déco nasce in un momento di fermento sociale, economico e tecnologico: l’automobile diventa un bene sempre più diffuso, l’illuminazione elettrica trasforma le città, i grattacieli ridefiniscono lo skyline urbano e i mezzi di comunicazione come la radio e il telefono accorciano le distanze. Un periodo di entusiasmo e ottimismo, in cui l’arte e il design si fanno interpreti della modernità con forme dinamiche, materiali innovativi e un uso audace del colore.

A caratterizzare lo stile Art Déco è anche il gusto per l’esotismo, che si manifesta nell’uso di motivi e decorazioni ispirati alle culture lontane: dall’arte egizia,  in auge dopo la scoperta della tomba di Tutankhamon nel 1922, all’influenza delle stampe giapponesi e delle estetiche africane. Questi elementi si mescolano con linee geometriche essenziali e materiali preziosi, dando vita a un linguaggio visivo sofisticato e cosmopolita.

Gli anni Venti sono anche il decennio in cui le donne conquistano nuovi spazi di libertà. È l’epoca delle flapper, donne indipendenti che sfidano le convenzioni con abiti più corti, capelli alla garçonne e una nuova consapevolezza di sé.
L’Art Déco riflette e amplifica questa trasformazione: la figura femminile nei dipinti e nelle sculture perde i tratti romantici dell’Ottocento per acquisire linee decise e posture sicure, incarnando il cambiamento sociale in atto.

Gli oggetti esposti in mostra testimoniano questa evoluzione. Le creazioni di moda, i gioielli e gli accessori raccontano una nuova estetica, in cui l’oro, l’argento e le pietre dure si combinano in motivi geometrici raffinati. Anche nell’arredamento, le linee sinuose e i dettagli lussuosi esprimono un nuovo concetto di spazio domestico, pensato per una donna che non è più solo custode della casa, ma protagonista del mondo moderno.

L’esposizione celebra le figure più rappresentative del movimento in Italia. Vittorio Zecchin si distingue per i suoi vetri eleganti, Adolfo Wildt per le sculture dal forte impatto espressivo, mentre Renato Brozzi per gli argenti dalle linee raffinate. Galileo Chini e Gio Ponti, entrambi vincitori del Gran Prix all’Exposition del 1925, sono i maestri indiscussi della ceramica.

In particolare, Palazzo Reale dedica un’ampia sezione a Gio’ Ponti, con una selezione di maioliche realizzate nella Società  di Ceramica Richard-Ginori di Doccia a Sesto Fiorentino, di cui è direttore artistico per dieci anni. Tra le opere più preziose spicca il monumentale centrotavola in porcellana bianca e oro zecchino per le ambasciate d’Italia, progettato da Ponti e Tomaso Buzzi nel 1924 su commissione del Ministero degli Esteri. Questo capolavoro, una delle massime espressioni del Déco italiano, comprende oltre 50 pezzi, tra candelabri, vaschette portafiori, vassoi a specchio e piccole sculture ispirate alla mitologia.

Oltre agli oggetti d’arte, la mostra propone un viaggio multisensoriale attraverso dipinti, sculture, disegni, manifesti pubblicitari, immagini d’epoca e spezzoni cinematografici.

Palazzo Reale di Milano diventa così  testimonianza di un’epoca che ha segnato la storia del design e dell’arte, restituendo ai visitatori il fascino e l’energia di un periodo irripetibile e di un mondo nuovo, più dinamico, tecnologico ed emancipato.

Una mostra Comune di Milano – Cultura | Palazzo Reale | 24Ore Cultura.

A cura di Valerio Terraroli.

https://www.palazzorealemilano.it/mostre/il-trionfo-della-modernita

Un sentito ringraziamento a Claudia Corti per la coinvolgente e appassionata narrazione del percorso espositivo a Palazzo Reale.

@riproduzione riservata

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Milano, 16 settembre 2024 – Nel centenario della nascita, inaugura la mostra “MIKE BONGIORNO 1924 – 2024” dedicata al grande presentatore, protagonista della storia della Tv, ma anche di quella del nostro Paese, che il pubblico potrà scoprire dal 17 settembre al 17 novembre nella sede di Palazzo Reale a Milano, città che l’ha adottato e che amò sin da subito. Un’esposizione inedita che testimonia un passaggio epocale sulla storia della televisione e del costume degli italiani, un’esperienza immersiva che trasformerà lo spazio espositivo in una scatola scenicaricca di ricordi della sua straordinaria carriera e permetterà allo spettatore di entrare in contatto con la sua storia personale e con il personaggio pubblico.

Un luogo della memoria e del presente al tempo stesso, nato dalla ricerca di materiali, molti dei quali esposti per la prima volta, arricchito da tante ‘rarità’ concesse per l’occasione dalla Fondazione Mike Bongiorno: documenti personali, foto inedite, copioni originali, cimeli artistici e premi, oggetti e ricordi che accomunano più generazioni di estimatori. La mostra si apre con un contributo video in cui Aldo Grasso racconta quello che per lui Mike ha rappresentato nel mondo della televisione.

Grande impatto all’interno dell’esposizione avranno le ricostruzioni scenografiche che contestualizzeranno alcuni momenti focali della carriera di Mike ma anche della nostra società: uno studio radiofonico americano anni Quaranta, la sala Tv di un bar anni Cinquanta, luogo che ospitava tantissimi appassionati dei programmi del momento, la cabina rossa e bianca di Rischiatutto, dove sarà possibile diventare il concorrente o il presentatore eLa ruota della fortuna, riprodotta in scala per l’occasione.

Filo conduttore del percorso i filmati biografici, nei quali, attraverso le stesse parole del presentatore, si ripercorrerà la sua storia e quella degli italiani dagli anni Venti ai giorni nostri. Ampio spazio sarà dato ai filmati di repertorio di Rai e Mediaset che hanno collaborato attivamente al progetto. Saranno, inoltre, raccontate le sue grandi passioni, soprattutto lo sport e la montagna.

La mostra è promossa dal Comune di Milano – Cultura con il patrocinio del Ministero della Cultura, prodotta da Palazzo Reale Milano, Fondazione Mike Bongiorno e C.O.R. Creare Organizzare Realizzare con la collaborazione di Allegria, con la partecipazione di Rai e Mediaset, Main Sponsor Banca Patrimoni Sella & C. Curata da Nicolò Bongiorno e Alessandro Nicosia con la consulenza di Daniela Bongiorno. L’esposizione è realizzata anche grazie agli sponsorBarilla, Pastificio Rana, DR Automobiles Groupe, WINDTRE, con il supporto di Archivio Storico Luce, Premium Partner StreeTvox.

Michael Nicholas Salvatore Bongiorno, mamma torinese e padre italo-americano, è stato il primo volto della televisione pubblica italiana, l’uomo che l’ha letteralmente accesa il 3 gennaio 1954 con lo scopo di intrattenere l’Italia intera. Sin da subito si è imposto come modello del sentire comune, attraversando generazioni e accompagnando lo spettatore con le sue espressioni che “hanno fatto famiglia” sin da subito. Il suo sorriso partecipe è stato lo specchio di una vita intensa, che lo ha visto staffetta partigiana, imprigionato a San Vittore e a seguire nei campi di concentramento, poi star della radio americana tra il 1945 e il 1953 fino a diventare icona della Tv italiana. Dell’America ha mantenuto lo sguardo aperto e  innovativo, esportandone il telequiz.

Un feeling mai interrotto quello con la Tv, gli studi televisivi erano la sua casa. L’elenco delle trasmissioni da lui ideate, create e condotte, sarebbe sufficiente a dar vita ai palinsesti del prossimo secolo. Mike, anticipatore dei tempi, ha saputo, in Lascia o raddoppia?, far diventare eroi personaggi presi dalla strada, inaugurando un fenomeno che poi sarebbe diventato usuale e vincente nella televisione del futuro. Milioni di telespettatori seguivano il programma nei bar, in casa di amici e persino nelle sale cinematografiche che ripetevano il segnale televisivo, sospendendo per l’occasione la proiezione dei film. Un successo straordinario fino alle proposte inedite di girare due capolavori del nostro cinema: Totò, Lascia o raddoppia? e C’eravamo tanto amati. È stato il protagonista di Rischiatutto, che ha sempre considerato il suo programma più riuscito nel quale è stato accompagnato da una giovanissima Sabina Ciuffini, la prima valletta nella storia della Tv a cui è stata data voce.

Con la nascita della Tv commerciale, ha contribuito al successo delle emittenti private, inventando e rivoluzionando un nuovo modo di comunicare. Silvio Berlusconi gli propose di diventare il simbolo di TeleMilano 58 perché aveva intuito che Mike, che conosceva bene i meccanismi della Tv americana, era l’unico che sarebbe stato in grado di gestire velocità e interruzioni pubblicitarie. Così è diventato l’alfiere di una Tv più moderna e innovativa.

Vanno inoltre ricordate le undici edizioni che ha condotto del Festival di Sanremo, dagli anni  sessanta fino al 1997. I suoi programmi, dopo la scomparsa, sono stati riproposti con successo da altri conduttori.

Nei suoi ultimi anni ha vissuto una seconda giovinezza professionale, influenzata dal rapporto sulla scena con un travolgente Fiorello. Mike si scopre ironico, divertente e divertito. Le gag con Fiorello vivono di improvvisazione e risate. La Laurea Magistrale Honoris Causa in Televisione, cinema e produzione multimediale presso la IULM di Milano, è stata un meritato riconoscimento che lo ha emozionato nel profondo.

Mike era Mike, iconico presentatore televisivo e radiofonico dallo stile unico, l’inimitabile più imitato della storia che non ha mai separato la vita dalla Tv, da pioniere a imperatore del telequiz, nella spontanea aspirazione a raggiungere vette, “sempre più in alto” in tutti i campi. Le sue memorabili gaffes, con affondi nell’autoironia accompagnati da sorrisetti rivelatori, sono entrate nel linguaggio comune, rendendolo per gli spettatori uno specchio dove rivedere se stessi.

 Il lavoro di ricerca, che ha portato a questa mostra, culmina nelle dodici sezioni di cui è composta: 1. Mike Bongiorno: una storia straordinaria, 2. Il sole dei Bongiorno, 3. Tra New York e Torino, 4. Un italo-americano e la Guerra, 5. La Voce dell’America, 6. Il ritorno in Italia, la nascita della TV, 7. Il Re del quiz, 8. Rischiatutto, 9. La nascita della TV commerciale, 10. Dalla Ruota della Fortuna alla TV del XXI secolo, 11. La fenomenologia di Mike, 12. Sempre più in alto.

Oltre alla televisione non mancherà il suo rapporto speciale con Il Cinema, I Fotoromanzi, Lo Sport, Il Festival di Sanremo, Il Mito, La pubblicità, La famiglia.

L’esposizione sarà corredata dal catalogo edito da Silvana Editoriale che contiene storia, documenti e immagini di una vita intera; un ricordo corale che si avvale delle testimonianze di amici, colleghi, collaboratori e di contributi critici.

Un’esplorazione coinvolgente che offrirà allo spettatore l’opportunità di un incontro unico e speciale con il presentatore, raccoglierà tutto l’amore che si è manifestato intorno a lui e farà scoprire come la sua voce ci parli oggi più forte che mai, impossibile non ricordarlo con il sorriso e con l’indimenticabile “Allegria!”.

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Con la mia arte ho cercato
di spiegare a me stesso la vita e il suo significato,
ma anche di aiutare gli altri a comprendere la propria vita”
Edvard Munch

MUNCH. IL GRIDO INTERIORE
14 SETTEMBRE 2024 – 26 GENNAIO 2025
PALAZZO REALE, MILANO

Dopo 40 anni dall’ultima mostra a Milano, EDVARD MUNCH (Norvegia, 1863-1944) viene celebrato con una grande retrospettiva promossa da COMUNE DI MILANO – CULTURA con il patrocinio del MINISTERO DELLA CULTURA e della REALE AMBASCIATA DI NORVEGIA A ROMA, e prodotta da PALAZZO REALE e ARTHEMISIA in collaborazione con il MUSEO MUNCH DI OSLO.

Protagonista indiscusso nella storia dell’arte moderna, Munch è stato uno dei principali artisti simbolisti del XIX secolo ed è considerato un precursore dell’Espressionismo, oltre a essere un maestro nell’interpretare le ansie e le aspirazioni più profonde dell’animo umano.

La vita di Munch è stata segnata da grandi e precoci dolori. La perdita prematura della madre a soli 5 anni e della sorella, la morte del padre e la tormentata relazione con la fidanzata Tulla Larsen sono stati il materiale emotivo primigenio sul quale l’artista ha cominciato a tessere la sua poetica, la quale si è poi combinata in maniera originalissima, grazie al suo straordinario talento artistico, con la sua passione per le energie sprigionate dalla natura. I suoi volti senza sguardo, i paesaggi stralunati, l’uso potente del colore, la necessità di comunicare dolori indicibili e umanissime angosce sono riusciti a trasformare le sue opere in messaggi universali e Munch uno degli artisti più iconici del Novecento.

La mostra – curata da PATRICIA G. BERMAN, una delle più grandi studiose al mondo di Munch, in collaborazione con COSTANTINO D’ORAZIO per il supporto nella redazione dei testi di approfondimento in mostra – racconta tutto l’universo dell’artista, il suo percorso umano e la sua produzione grazie a un percorso di 100 OPERE, tra cui una delle versioni litografiche de /L’Urlo/ (1895) custodite a Oslo, /La morte di Marat/
(1907), /Notte stellata/ (1922–1924), /Le ragazze sul ponte/ (1927),
/Malinconia/ (1900–1901) e /Danza sulla spiaggia (1904)/.

Ad arricchire la mostra milanese, è previsto un ricco palinsesto di eventi che coinvolgerà diverse realtà culturali della città e che andrà ad esplorare approfondire la figura dell’artista e ad espandere i temi delle sue opere.

L’ARTISTA
Munch è uno degli artisti che ha saputo meglio interpretare sentimenti, passioni e inquietudini della sua anima, comunicandoli in maniera potente e
diretta.
Plasmato inizialmente dal naturalista norvegese Christian Krohg, che ne incoraggiò la carriera pittorica, negli anni Ottanta del Novecento si recò a Parigi dove assorbì le influenze impressioniste e postimpressioniste che gli suggerirono un uso del colore più intimo,
drammatico ma soprattutto un approccio psicologico.
A Berlino contribuì alla formazione della Secessione Berlinese e nel 1892 si tenne la sua prima personale in Germania, che fu reputata scandalosa: da quel momento in poi Munch viene percepito come l’artista eversivo e maledetto, alienato dalla società, un’identità in parte promossa dai suoi amici letterati.
A metà degli anni Novanta del XIX secolo si dedicò alla
produzione di stampe e, grazie alla sua sperimentazione, divenne uno degli artisti più influenti in questo campo.
La sua produttività e il ritmo serrato delle esposizioni lo porteranno a ricoverarsi volontariamente nei sanatori a partire dalla fine degli anni Novanta del XIX secolo.
Relazioni amorose dolorose, un traumatico incidente e l’alcolismo – vivendo la vita “sull’orlo di un precipizio” – lo portarono a un crollo psicologico per il quale cercò di recuperare in una clinica privata tra il 1908 e il 1909.
Dopo aver vissuto gran parte della sua vita all’estero, l’artista quarantacinquenne tornò in Norvegia, stabilendosi al mare, dipingendo paesaggi e dove iniziò a lavorare ai giganteschi dipinti murali che oggi
decorano la Sala dei Festival dell’Università di Oslo. Queste tele, le più grandi dell’Espressionismo in Europa, riflettono il suo sempre vivo interesse per le forze invisibili e la natura dell’universo.
Nel 1914 acquistò una proprietà a Ekely, Oslo, dove, da celebre artista internazionale, continuò il suo lavoro sperimentale fino alla morte, avvenuta nel 1944, appena un mese dopo il suo ottantesimo compleanno.

LA MOSTRA
Nel corso della sua lunga vita Edvard Munch realizzò migliaia di stampe e dipinti. Essendo tanto un uomo d’immagini quanto di parole, riempì fogli su fogli di annotazioni, aneddoti, lettere e persino una sceneggiatura per il teatro. L’esigenza di comunicare le proprie percezioni, il proprio grido interiore, lo accompagnò per tutta la vita, e proprio questa
attitudine è stato il motore della sua pratica come artista, che ha toccato tanto temi universali – come la nascita, la morte, l’amore e il mistero della vita – quanto i disagi psichici necessariamente connessi
all’esistenza umana – le instabilità dell’amore erotico, il disagio prodotto dalle malattie fisiche e mentali e il vuoto lasciato dalla morte.

Questa mostra ruota attorno al ‘grido interiore’ di Munch, al suo saper costruire, attraverso blocchi di colore uniformi e prospettive discordanti,
lo scenario per condividere le sue esperienze emotive e sensoriali: un processo creativo che sintetizza ciò che l’artista ha osservato, quello che ricorda e quanto ha caricato di emozioni.

Altre opere, invece, cercano di immortalare le forze invisibili che animano e tengono insieme l’universo. L’inizio della sua carriera coincide infatti con cambiamenti radicali nello studio della percezione: alla fine dell’Ottocento è in corso un dibattito tra scienziati, psicologi, filosofi e artisti sulla relazione tra quello che l’occhio vede direttamente e come i contenuti della mente influiscono sulla nostra vista.
Il suo interesse per le forze invisibili che danno forma all’esperienza, condizionerà le opere che lo rendono uno degli artisti più significativi della sua epoca. Precursore dell’Espressionismo e persino del Futurismo
del XX secolo nella sua esplorazione delle forze impercettibili, oggi continua a “parlare” alle visioni interiori e alle preoccupazioni anche di noi, uomini e donne dell’età moderna. Nelle sue creazioni Munch punta a rendere visibile l’invisibile.

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Artista argentino, nato a Buenos Aires nel 1973, Erlich crea grandi installazioni con cui il pubblico si relaziona e interagisce, diventando esso stesso l’opera d’arte.
Le sue opere sono uniche e rappresentano un’assoluta novità nel mondo dell’arte e uniscono creatività, visione, emozione e divertimento.
Palazzi in cui ci si arrampica virtualmente, case sradicate e sospese in aria, ascensori che non portano da nessuna parte, scale mobili aggrovigliate come fossero fili di un gomitolo, sculture spiazzanti e surreali, video che sovvertono la normalità.
Sono tutti elementi che ci raccontano qualcosa di ordinario in un contesto stra-ordinario, dove tutto è diverso da quello che sembra, dove si perde il senso della realtà e la percezione dello spazio.
I lavori di Erlich sono frutto di una ricerca artistica profonda e concettuale, che gioca con i paradossi della percezione e che ha giàraggiunto milioni di visitatori nel mondo: 600.000 a Tokyo e 300.000 a Buenos Aires, ovunque il pubblico è accorso alle sue mostre, caratterizzate da installazioni site specificmolto complesse da realizzare e quindi molto rare.

Dal 22 aprile 2023 a Palazzo Reale, viene data al pubblico la possibilità di conoscere il lavoro di Erlich attraverso le sue opere piùnote ed iconiche, per la prima volta riunite in una sola sede con l’intento di sistematizzare la produzione dell’artista.

Erlich ci porta in un altrove magico, dove il possibile diventa impossibile, ma che stupisce ed emoziona grazie ad un grande senso estetico e una poesia fortemente intrinseca.
Il risultato è esplosivo, divertente, appassionante, indimenticabile.
Il suo lavoro esplora le basi percettive della realtà e la nostra capacità di interrogare queste stesse basi attraverso un quadro visivo. L’architettura del quotidiano è un tema ricorrente nell’arte di Erlich, che mira a creare un dialogo tra ciò che conosciamo come dato certo e ciò che percepiamo nella visione, cosìcome cerca di colmare la distanza tra lo spazio del museo e l’esperienza quotidiana.
L’artista si descrive così: Mi piace presentarmi come un artista concettuale che lavora nel regno del reale e della percezione. Il mio soggetto è la realtà, i simboli e il potenziale di significato. Mi impegno a creare un corpo di opere – soprattutto nella sfera pubblica – che si apra all’immaginazione, sovverta la normalità, ripensi la rappresentazione e proponga azioni che costruiscano e decostruiscano situazioni per sconvolgere la realtà. Parlando in generale.

Ogni opera di Leandro Erlich apre una finestra sul mondo sensibile, ma invece di ingannare l’occhio svela gli inganni visivi a cui può essere soggetta la mente, aprendo nuovi orizzonti e interrogativi.
Un’opera di Erlich suscita, come prima reazione, un senso di familiarità rispetto al quotidiano, per poi insinuare un certo dubbio. Osservando con attenzione l’opera, lo sguardo dello spettatore inizia a dubitare di ciò che percepisce trovandosi di fronte a un fenomeno inspiegabile.
Suscitare nel pubblico domande, dubbi, emozioni che interagiscono con i suoi lavori èl’obiettivo del fare artistico di Erlich, ed èproprio la partecipazione dello spettatore che rende completa l’opera.
Difficile spiegare Erlich a parole, bisogna provare l’esperienza per capire.

La mostra vede come sponsor Generali Valore Cultura, con il sostegno di VeraLab e Mercato Centrale Milano, come media partner Urban Vision e Outpump e mobility partner Freccia Rossa Treno Ufficiale.
Il catalogo è edito da Toluca Éditions ed èrealizzato con il contributo di Galleria Continua.

LA MOSTRA
Le creazioni di Erlich – come spiega il curatore della mostra Francesco Stocchi – sono strutture architettoniche che funzionano come macchine ottiche che mettono in discussione il dato sensibile del mondo. Con la mostra a Palazzo Reale di Milano, Erlich ha scelto l’Italia come luogo d’elezione per la presentazione dell’ambizioso progetto che, tramite la messa in scena di spazi di nuova percezione, stimola la riflessione e la contemplazione.
La fascinazione nei confronti della sua opera da parte di un ampio pubblico, che va al di làdei soli addetti ai lavori, risiede nella sua necessità di rivolgersi direttamente allo spettatore, mettendolo di fronte a quesiti, coinvolgendolo attivamente fino a esporlo universalmente.

Le 19 opere in mostra dimostrano che, liberandosi dalle nozioni acquisite con l’esperienza, ognuno di noi può sperimentare una propria dimensione, una nuova visione non offuscata: l’avvento di un nuovo tipo di mondo.
Ogni lavoro è un evento che riguarda l’osservazione di piccoli fenomeni banali che, trasferiti nello spazio museale, acquistano una nuova condizione. L’opera stimola nuovi comportamenti collettivi e trasforma le abitudini automatiche in momenti di rivelazione, disagio e riorganizzazione.
Quando poi si tratta di comportamenti sociali, Erlich diventa un vero e proprio agente di disturbo.
Allo spettatore è richiesto un impegno e un’azione partecipativa per svelare ogni opera, che volutamente suscita, come prima reazione, un senso di familiarità rispetto al quotidiano, successivamente si insinua anche un senso d’incertezza: l’attenzione richiesta al pubblico rappresenta la materia prima per Leandro Erlich e solo il pubblico ne completa l’opera.
Le installazioni di Erlich nei musei di tutto il mondo hanno svelato livelli di lettura stratificati e complessi. Il linguaggio dell’interattività, unito alla portata dei social media, permette alla sua azione artistica di espandersi ben oltre le mura delle istituzioni. Erlich presenta immagini esplicite di una condizione attuale esortando così il visitatore a riconoscere il proprio squilibrio, l’esclusione e l’auto fascinazione.

Il percorso espositivo inizia a sorprendere già nel Cortile di Palazzo Reale, dove è allestita la monumentale installazione site-specificBâtiment, creata nel 2004 per la Nuit Blanche di Parigi. Da allora è stata presentata in tutto il mondo, adattandosi alle caratteristiche dell’architettura locale. Il meccanismo espositivo è tuttavia sempre lo stesso: appoggiata orizzontalmente a terra è posizionata la riproduzione della facciata di un edificio, con balconi, nicchie, fregi, tettoie. I visitatori si “appendono” virtualmente alle decorazioni e un grande specchio inclinato a 45 gradi riflette l’immagine a terra su un piano verticale, dando l’illusione di una facciata reale e la sensazione che la legge di gravità non esista più.

Le installazioni proseguono nelle sale al piano terra di Palazzo Reale.
Elevator Pitch (2011) invoca il tipo di scenari fantastici che un protagonista potrebbe affrontare in un racconto di Jorge Luis Borges. Anonime porte d’ascensore costruite in una parete che sembravano abbastanza irrilevanti fino a quando non si sono aperte accompagnate dal ripetitivo, caratteristico rintocco, vera allegoria della circolarità della vita. L’apertura delle porte svela una cabina piena di passeggeri di ogni tipo, impegnati in situazioni diverse, disinteressati alla nostra presenza rendendo il nostro sguardo invisibile; nessuno scende, nessuno sale, il rapporto con la vita degli altri è solo apparentemente prossimo. Poiché a ciascuna opera è stata riservata una propria stanza nella galleria, queste dialogano direttamente con l’architettura, operando al meglio come distorsioni spaziali di rimando metafisico.

Window Captive Reflection (2013) rappresenta la routine e l’atmosfera statica all’interno di un atelier, sovrapposta a vedute della vegetazione esterna. La giustapposizione di un doppio riflesso, in cui si percepiscono i dettagli dello spazio interno unito all’ondeggiare degli alberi del giardino, richiama la memoria che il vetro contiene. Ciò che si vede, insieme a ciò che si percepisce, pone lo spettatore di fronte a uno spazio “altro” che imprigiona nel riflesso non solo immagini ma anche il tempo. Associare dualismi opposti, come uno stato di riflessione con uno stato di azione, è caratteristico del linguaggio di Erlich. Ma sono condizioni solamente apparenti.

The Cloud (2018): una delle tendenze dell’umanità è quella di cercare di aggiungere ordine e forma a ciò che non c’è, come nel caso delle stelle disposte a caso e organizzate in costellazioni. Disorientamento e smarrimento percettivo sono caratteristiche costanti dell’opera di Erlich, che si “diverte” a creare immagini che scatenano nell’osservatore sensazioni illusorie. Quasi a voler catturare l’impalpabile, Erlich presenta diverse nuvole che fluttuanti in imponenti vetrine come in un gabinetto di curiosità. Allo stesso modo, fin dall’antichità abbiamo immaginato varie forme nelle nuvole, che cambiano continuamente, intraprendendo attraverso le loro continue mutazioni un viaggio onirico. Una volta fuori, viene naturale alzare lo sguardo e osservare il cielo che, secondo l’artista, con le sue luci, forme e colori condiziona la percezione che ognuno di noi ha della propria città.

Rain (1999) fu realizzata per la prima volta in occasione della Biennale Whitney del 2000 a New York e sfida ingegnosamente la convenzione accettata secondo cui solo all’aperto può piovere in modo torrenziale. L’opera consiste in un falso esterno sotto forma di una messinscena realizzata con un muro di mattoni e finestre, contro cui le gocce di pioggia ingegnerizzate si disperdono con forza, mentre i lampi illuminano il cielo. Oltre al disorientamento, caratteristico dell’opera di Erlich, di vedere uno spazio esterno dall’interno, l’opera genera strane e inquietanti sensazioni di malinconia e spavento radicate nella condizione di una pioggia che non conosce soluzioni di continuità.

In Port of reflections (2014), tre barche sembrano galleggiare sull’acqua. In realtà, quest’installazione utilizza un computer per calcolare il modo in cui una barca dondola sull’acqua, per poi ricrearne con precisione l’aspetto e le movenze. Percepiamo l’opera in questo modo perché crediamo che una barca sia qualcosa che galleggia sull’acqua. In questo modo, l’opera ci aiuta a capire quanto vediamo le cose attraverso la lente dei nostri preconcetti e stereotipi. La “riflessione” del titolo va oltre la sua dimensione sensoriale, stimolando un ragionamento sul rapporto tra immagine e realtà: come in opere quali Subway, Global Express, El Avion, Port of Reflection ci ricorda che ci moviamo senza sosta, siamo sempre in transito su una barca, allegoria del percorso di vita, come Ulisse nel suo ritorno a Itaca.

Chiunque abbia viaggiato su un volo notturno che attraversa più fusi orari ha probabilmente familiarità con la sensazione di stasi e disorientamento associata al risveglio. Night Flight (2015) – così come El Avión (2011) – induce questo senso di sogno riproducendo una veduta notturna della superficie terrestre dal finestrino di un volo passeggeri. La meraviglia e annoiata inquietudine che accompagnano i lunghi voli, vengono evocate attraverso questa simulazione convincente all’interno di un museo per generare un momentaneo dubbio sul fatto che si stia vedendo o meno il vero panorama da chilometri sopra la superficie terrestre.

Uno dei temi ricorrenti di Erlich è la persistenza di mondi nascosti dietro la facciata comune e a volte insipida della normalità. Come spesso avviene, al primo sguardoThe View (1997-2005) non offre nulla di più insolito di un paio di finestre adiacenti alla cucina, con le persiane semiaperte. Avvicinandosi e scrutando attraverso le persiane, appare l’immagine della parete posteriore del condominio vicino. Siamo in un’ora serale imprecisata e più di una dozzina di vicino stanno tutti svolgendo i loro vari rituali: vestirsi, lavarsi, cucinare, mangiare o guardare la TV. Un voyeurismo tanto manifesto da creare l’illusione di una sorveglianza continua. Tuttavia, l’illusione è così irresistibile da accendere l’esperienza di un piacere proibito nell’osservare ciò che fanno i propri vicini senza il timore di essere colti sul fatto.

Ascensor (1995) e Lifted Lift (2019) sono ascensori che non salgono né scendono: spogliati delle loro funzioni, la curiosità ci impone di scrutare all’interno, portandoci a una duplice combinazione di sorprese. La prima è la vista verso il basso, che si estende all’infinito sotto il pavimento che induce la seconda, la consapevolezza che questo spazio in realtà non possa esistere. Il mondo immaginario che Lift crea si basa sull’idea che gli spettatori si aspettino in qualche modo, quando guardano al suo interno, di scorgere un vano ascensore segreto che corre sotto il pavimento del museo: quest’opera è la prova diretta che le leggi della natura sono state momentaneamente sospese, permettendo alla percezione di prevalere sulla logica. Ogni sorpresa è, a suo modo, un caso di spazio liminale che agisce per correggere o minare la prospettiva dominante del momento: dalla realtà alla fantasia, o dall’illusione alla rivelazione.

In Global Express (2011), i paesaggi urbani scorrono oltre quello che sembra essere il finestrino di una metropolitana o di un treno sopraelevato. Mentre osserviamo le immagini, possiamo percepire la cadenza incalzante del viaggio, osservando una città iconica (Tokyo) trasformarsi senza soluzione di continuità in un’altra (New York) e poi in un’altra ancora (Parigi). Global Express rivela i monumenti e i segni architettonici che identifichiamo con ogni città. Intrecciati tra loro come un evento simultaneo, sperimentiamo ciò che la tecnologia ci offre ogni giorno: la capacità di attraversare distanze impossibili in millisecondi. Architetto dell’incerto, Leandro Erlich crea spazi dai confini fluidi e instabili. Il video ci lascia la sensazione di aver fatto un viaggio unico, in cui più metropoli si fondono in un unico reel globale.

Lost Garden (2013), sfruttando l’architettura dello spazio, consiste in una costruzione triangolare con due finestre sulla facciata e un giardino al suo interno. Nelle parole dell’artista, Lost Garden (2009) aspira a creare profondità nell’esperienza banale degli spazi quotidiani, suggerendo uno stato di nostalgia permanente. Come in altre opere di Erlich, lo spettatore è intrappolato in un gioco di percezione scultorea e di trompe l’oeil, perfino quando l’aspetto esterno dell’opera contraddice ciò che percepiamo del suo interno. Il riferimento del titolo a “ciò che è perduto” contrasta con l’immagine idilliaca e paradisiaca del giardino, trasformando l’opera in una metafora del desiderio di recuperare e immortalare il passato.

Changing (2008). Quando il pubblico entra nel camerino elegantemente arredato, trova gli specchi figura intera installati su tre lati. Ma questi specchi si estendono in lontananza creando spazio, piuttosto che mostrare il nostro riflesso. Entrate nello spogliatoio e scoprire che è collegato a un altro spogliatoio in fondo che magari riflette la vostra immagine attraverso altri specchi. Si potrebbe persino incontrare uno sconosciuto che appare improvvisamente nello specchio di uno spogliatoio vicino. Attraverso questo giorno di illusioni e vuoti, i camerini proliferano come un labirinto dai confini indefiniti. La confusione e la paura di perdersi si dissolvono a favore della meraviglia dell’incontro. Proprio come Alice che si perde nello specchio e non è più in grado di distinguere tra questo e quell’altro lato dello specchio, tra sé e l’altro, noi ci perdiamo in un labirinto intrecciato di non uno, ma ben 30 spogliatoi.

Staircase (2005) sembra una scala a chiocciola a grandezza naturale, compresa la tromba delle scale, e poi ruotata di 90 gradi. Sebbene lo spettatore stia guardando un’opera d’arte in verticale dal pavimento, viene colto dall’illusione ottica di sbirciare in una tromba delle scale rivolta verso il basso. Le altre persone sulle scale possono essere viste guardando di lato, non verso l’alto, il che rafforza ulteriormente un’esperienza dai tratti inquietanti. Con quest’opera, che elimina il ruolo di una scala per far salire e scendere le persone, Erlich libera la struttura architettonica dalla sua funzione originale, trasformandola attraverso la sua sovversione percettiva, in un’opera d’arte autonoma.

Una delle prime sculture video di Erlich è Subway (2009) dove immagini in movimento introducono un’ambientazione virtuale, uno spazio altro trasportato in galleria. Come El Avión e Global Express (entrambi del 2011), questa installazione invoca il ritmo ipnotico del viaggio e del transito ma la funzione delle immagini è meno narrativa a favore di un’illusione spaziale: Le sequenze audiovisive, spesso mute, sono regolate secondo i parametri della verosimiglianza cinematografica, perché è questo che ce le fa percepire come realistiche. Una sorta di temporalità ciclica e ripetitiva in cui l’interesse per la progressione delle immagini inizia a dissolversi come per esempio in Elevator Pitch (2011).

Traffic jam – Order of importance (2018) presenta una veduta di sculture ricoperte di sabbia di auto e camion, disposte in modo tale da assomigliare a un ingorgo nel tentativo di sensibilizzare l’opinione pubblica sulla crisi del cambiamento climatico. Due file di veicoli divise da uno spartitraffico dove la maggior parte dei veicoli è parzialmente sepolta nella sabbia, per dare l’impressione di essere sommersa – un riferimento all’innalzamento del livello del mare causato dal riscaldamento globale. “Il cambiamento climatico e le sue conseguenze non sono più una questione di prospettiva o di opinione”, ha dichiarato Erlich. “La crisi climatica è diventata un problema oggettivo che richiede soluzioni immediate”. Come un’immagine di una Pompei contemporanea o una reliquia del futuro, l’opera allude anche alla nostra fragile posizione nel grande equilibrio universale.

Classroom (2017) è una installazione interattiva che pone il pubblico di fronte a due stanze di proporzioni identiche divise da un vetro. La prima stanza è disadorna e tematicamente neutra, con semplici panche scure che inviato a sedersi, ma la stanza, dall’altra parte della finestra, è una minuziosa simulazione di un’aula scolastica fatiscente, chiusa e congelata nel tempo. Quando gli spettatori entrano, si riflettono nel vetro e appaiono come fantasmi nella stanza dall’altra parte. In questo modo, diventano come le apparizioni del passato, un invito ad attingere ai propri ricordi personali e alla propria immaginazione per tornare, da adulti, a una scena archetipica dell’infanzia. Mentre gli spettatori si godono l’atmosfera che questa illusione evoca, si confrontano anche con una visione del futuro sollevata dai loro ricordi e dalle loro storie d’infanzia, nonché con i problemi di calo della natalità e della popolazione con cui l’Occidente si confronta oggi.

Hair salon (2017), sebbene sembri una ricostruzione di un salone da parrucchiere con specchi e sedie ordinate, presenta delle sorprese. Alcuni specchi non mostrano i riflessi cosi come siamo abituati: non vediamo noi stessi, ma piuttosto persone che non sono nemmeno presenti nella stanza, che ci guardano disorientati quanto noi. In effetti, dall’altra parte di quello che pensiamo sia lo specchio c’è uno spazio completamente diverso. Erlich fa leva sulla nostra aspettativa che lo specchio mostri il nostro volto, mentre in realtà lo “specchio” è solo una cornice che separa un altro spazio vuoto, in un gioco percettivo di pieni e vuoti comune all’artista.

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Partendo dallo studio della musica elettronica, dalle potenzialità della performance art e dai film sperimentali, da oltre 40 anni Viola realizza lavori che, attraverso un nuovo linguaggio artistico, si rivolgono costantemente alla vita, alla morte e al viaggio intermedio, per poter indagare una più profonda conoscenza dell’uomo e il suo rapporto con l’ambiente, le influenze della filosofia orientale e occidentale, l’importanza iconica del mondo naturale e molte altre tematiche.

Fuoco e acqua – elementi simbolici per il passaggio dalla vita alla morte, così come da questa vita all’altra; il mondo digitale; un mondo visivo immateriale; un’esistenza dipendente da impulsi di elettricità: tutto richiama alla mente la fragilità e la fugacità della natura umana.

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Il 28 febbraio 2022, giorno in cui Oliviero Toscani ha compiuto 80 anni, la Città di Milano ha organizzato per festeggiarlo una mostra sui generis: non un’esposizione in una galleria o in un museo, ma una mostra diffusa proprio per Milano, la sua città natale. L’evento, dal titolo “Oliviero Toscani 80”, ha celebrato il grande fotografo per un solo giorno con centinaia di manifesti per la Città, facendo giungere contemporaneamente migliaia di mail allo Studio Toscani che chiedevano di poter vedere l’intera mostra. Essendo un evento temporaneo, la mostra durò giusto le 24 ore del suo compleanno.

A qualche mese di distanza il Comune di Milano offre nel suo spazio più prestigioso, Palazzo Reale, la prima grande rassegna dedicata al suo lavoro, in continuità con l’iniziativa del 28 febbraio che era stata fortemente sostenuta dal Comune di Milano-Cultura.

La mostra Oliviero Toscani. Professione fotografo raccoglie i lavori da lui realizzati dai primi anni ’60 fino a oggi: immagini e campagne pubblicitarie che lo hanno reso noto e riconoscibile in tutto il mondo, nonostante la mancanza di alcun logo commerciale, perché da sempre la sua caratteristica è quella di usare il mezzo pubblicitario senza mostrare il prodotto, rendendo quindi la sua fotografia applicabile alla comunicazione di qualunque brand.

Definito “pubblicitario” da larga parte del pubblico o della critica, la sua storia e il suo lessico dicono una cosa molto diversa: Oliviero Toscani è un fotografo, un artista convinto che è nella massima diffusione che si manifesta l’efficacia di un messaggio. Quindi non un pubblicitario che usa la fotografia, ma un artista che sfrutta i canali della pubblicità come mezzo e mai come fine.
Giornali, magazine e manifesti per strada hanno segnato la sua storia, entrando a far parte del suo linguaggio in modo significativo.

Tra gli 800 scatti in mostra, il famoso manifesto Jesus Jeans ‘Chi mi ama mi segua’, Bacio tra prete e suora del 1992, i Tre Cuori White/Black/Yellow del 1996, No-Anorexia del 2007 e moltissime altre, ma anche le immagini realizzate per la moda (da Donna Jordan a Claudia Schiffer, fino a quelle di Monica Bellucci) e addirittura quelle del periodo della sua formazione alla Kunstgewerbeschule di Zurigo.

Anche decine di ritratti di personalità che hanno “cambiato il mondo”, come Mick Jagger, Lou Reed, Carmelo Bene, Federico Fellini e i più grandi protagonisti della cultura dagli anni ‘70 in poi. E ancora, il progetto Razza Umana, con il quale Oliviero Toscani ha solcato centinaia di piazze in tutto il mondo per fotografare chiunque lo desiderasse, dando vita al più grande archivio fotografico esistente sulle differenze morfologiche e sociali dell’umanità, con oltre 10.000 ritratti.
Il tutto inserito in un allestimento particolare e unico, che vedrà le sale di Palazzo Reale vestirsi per la prima volta di manifesti alle pareti, incollati come fossero per strada. Centinaia di fotografie che offriranno una sintesi completa del lavoro di uno dei più conosciuti artisti italiani a livello internazionale.

Priva di sezioni o di un ordine cronologico, l’esposizione sarà un flusso di immagini che mostreranno l’impegno di Toscani nel mondo della moda, del reportage, dell’advertising, della cultura, della ritrattistica, della sperimentazione insieme a copie originali del giornale Colors Magazine fondato e diretto da Toscani, oltre a tanti video che lo hanno visto regista.
Una particolare sezione è invece dedicata ai lavori realizzati da Fedele e Marirosa Toscani (padre e sorella di Oliviero), rispettivamente primo fotoreporter del Corriere della Sera e fotografa tra le più importanti di sempre nel mondo del design.

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Dopo 95 giorni di chiusura forzata, riapre ai visitatori il Complesso Monumentale di Palazzo Reale e Cappella Palatina. Venerdì 12 giugno alle 14 infatti il Portone Monumentale di Piazza del Parlamento a Palermo tornerà a spalancarsi.

La Fondazione Federico II ha voluto caratterizzare questo nuovo inizio con un motto: “ART IS LIFE!”. E’ chiaro il messaggio lanciato da un luogo culturale che tra il 2019 e inizio 2020 ha moltiplicato i visitatori sfiorando quota un milione.

“Affrontiamo una nuova normalità, di cui l’arte è parte integrante da recuperare come fonte di benessere – afferma Patrizia Monterosso, direttore della Fondazione Federico II -. Abbiamo messo a punto un’organizzazione che garantisce una fruizione del sito ad alti livelli di sicurezza, istallando dispositivi evoluti dal punto di vista igienico-ambientale. Ciò consentirà agli ospiti di riabbracciare serenamente l’arte, che è in grado di avvicinare ad emozioni da qualche tempo dimenticate”.

“Riapriamo – dichiara il presidente della Fondazione Federico II Gianfranco Miccichè – lanciando un messaggio gioioso ma responsabile. Un tunnel per la sanificazione è stato già collocato all’ingresso del percorso. Il tunnel si aggiunge agli altri, ormai noti, strumenti di prevenzione per la salute dei turisti e del nostro personale. Siamo, altresì, impegnati ad offrire ai visitatori, al più presto, la nuova mostra”.

Per un breve periodo, infatti, Palazzo Reale riaprirà nel fine settimana: venerdì dalle 14 alle 19 (ultimo ingresso), sabato dalle 8.30 alle 18.30 (ultimo ingresso), domenica dalle 8.30 alle 9.30 e dalle 11.30 alle 16.30 (ultimo ingresso) con prenotazione on line obbligatoria. La prenotazione può avvenire attraverso il sito della Fondazione Federico II

www.federicosecondo.org, cliccando su “biglietteria on line”, “prenotazione on line” oppure collegandosi al sito “www.vivaticket.it”. Sarà possibile acquistare il biglietto online fino a 20 minuti prima dell’ultimo ingresso consentito in giornata.

I gruppi (tour operator, agenzie di viaggio, guide turistiche, associazioni, istituti scolastici e università) potranno prenotare le visite attraverso il sito della Fondazione Federico II www.federicosecondo.org cliccando su “biglietteria on line”, “prenotazione on line” o inviando una mail a th.gruppi@vivaticket.com.

Sul sito della fondazione si trovano anche le indicazioni specifiche per prenotare visite riservate in orari non ordinari.

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