In un tempo come il nostro la letteratura ha perso due caratteristiche fondamentali. Il disincanto e l’evocazione. La morte della letteratura comincia quando lo scrittore non è più lo scrittore, ma il razionale decifratore di immagini, di cronache, di strutture…

di Pierfranco Bruni

In un tempo “volgare” che ha smarrito l’eleganza della scrittura e la parola come segno di stile e estetica della bellezza la letteratura vera può avere ancora un senso?
La letteratura è morta. La scrittura della letteratura è morta. La morte della letteratura comincia quando lo scrittore non è più lo scrittore, ma il razionale decifratore di immagini, di cronache, di strutture. Oggi la letteratura alla Bevilacqua, alla Sgorlon, alla Berto, alla Morselli, alla Salvalaggio, alla Saviane, alla Grisi… (per restare alla generazione ultima degli scrittori veri) è morta. Sono rimasti pochi, ma molto pochi, scrittori che solcano questa via… ma non amano il clamore… Restano a vivere il mistero della parola… La letteratura premiata non è letteratura… La letteratura vive tra le maglie dell’estetica del disincanto.
In un tempo come il nostro la letteratura ha perso due caratteristiche fondamentali. Il disincanto, appunto, e l’evocazione. Non sono categorie espressive ma costituiscono due sentieri dell’anima. Ovvero sono i luoghi dell’essere e della recitazione interiore. La crisi dello scrittore non è soltanto crisi di scrittura. E’ molto più profonda e tocca dimensioni della coscienza che rappresentano i veri intervalli tra la parola e l’immagine.

Se oggi si parla spesso che la letteratura ha perso il suo senso, in termini puramente letterari, è anche vero che lo scrittore è diventato altro rispetto alla sua funzione. Uno scrittore pensante o un poeta pensante. Non è su questi aspetti che si possa confrontare l’essere dello scrittore e la parola. Lo scrittore se non resta un alchimista e se non viaggia tra le ragnatele di una magia onirica assume una sua vestale di “operatore” del realismo.

Lo scrittore è altro da sé. Non l’investigatore. Ma il magico intagliatore di anime. Il grido del silenzio. Il silenzio che si fa meraviglia. E’ Kierkegaard: “…Semplicemente persi nell’intervallo fra il grido della nascita e la ripetizione di questo grido…”. Solo un poeta poteva decifrare i codici dell’esistenza che segnano la nascita e la morte. Ma i poeti sono i navigatori dell’esistenza della memoria. E viaggiano nel tempo. Un tempo come se fosse mare. Come se fosse vento. Come se fosse terra. E non hanno maschere perché recitano sempre se stessi. Si portano dentro un atlante. La geografia dell’anima. Ogni luogo è un sogno e una tristezza. Ogni luogo è una partenza e un ritorno. L’estetica della vocazione è nei luoghi che si ascoltano nelle metafore.

Quanti viaggi immaginari. Quanti silenzi abbandonati nelle parole. quante agonie. Il poeta è il navigatore che non dimentica. E non ha bisogno di bussole. Ci sono le stelle. Basta guardarle. La bellezza delle stelle. Un punto che illumina. Abbiamo bisogno di punti che illuminano il cammino.

Tante volte ho osservato la stella e mi ha sempre raccontato i destini del mistero. Mi ha raccontato i segni della provvidenza. La stella è un punto che guida. Il faro per i marinai. Quel faro che misura distanze. Ma la stella non misura distanze. Ci siamo addormentati con la stella negli occhi mentre il mare tagliava la roccia. E ci siamo svegliati all’alba quando la stella non c’era più e le onde continuavano a sbattere la roccia. Il poeta quante immagini riesce a dipingere ascoltando una stella.

La poesia è fatta di parole ma sono le parole che sono impregnate di altro. Già, la stella nel solo guardarla crea poesia. Ma poi bisogna pronunciarla. Pronunciamo la parola stella. Nazareth. Il deserto. Verso la terra promessa. Siamo antichi come i sogni di Omero e come le leggi di Mosè. Il viaggio mitico il viaggio nel sacro.

Ci perdiamo come Ulisse in un mare colore del vino ma abbiamo l’attesa dei Magi che seguono la stella cometa. Sulla battigia non ci sono più i nostri passi. Siamo andati via con un tempo che non ritorna e con i nostri anni. Ma è impossibile arrenderci fino a quando i ricordi affolleranno i nostri dubbi.

I tuoi occhi avevano il silenzio delle streghe. E la mia inquietudine era una pazzia senza consolazione.Chiedere altro. Ma cosa? I poeti viaggiano e sanno portarsi dentro agonie e disperazioni ma sanno anche capire la bellezza. Un amore che finisce non è solo tristezza. Conserva dentro di sé l’armonia di un amore vissuto anche se non c’è più. E questa armonia è una straordinaria bellezza.

Cosa direbbe Sthendal? Il rosso e il nero. Quando non si ha paura d’amare è la bellezza che prende il sopravvento. Le storie che finiscono non devono straziare. Paura della morte? Anonimo veneziano di Giuseppe Berto: “E’ la paura della morte che mi fa paura. Non è un gioco di parole. se accadesse senza che me ne accorgessi, non me ne importerebbe niente… Terrore e attrazione…”.

Il poeta disperato è l’uomo che ha paura di non amare più. E non di non essere amato. La bellezza era nel suo sorriso e la tenerezza era nel perdersi tra le foglie dei suoi capelli. La passione è il dilungarsi di una notte d’amore quando la pazzia invade l’anima e l’attrazione è una penetrazione di corpi. Ma perché i poeti sono i navigatori dell’esistenza? Amore e morte. Le parole sono nella conchiglia e recitano la vita. L’immenso desiderio di vivere. Il tempo tocca gli anni. Gli amori abbandonati lungo le strade sono appuntamenti falliti. Il vento riporta echi.

Se non ci fossero le parole avrebbe più senso guardarci negli occhi? La stella del viandante è un riflesso di sguardi. Ci si perde e ci si ritrova. Proprio come tanto tempo fa. La bellezza di Nausicaa è impareggiabile di fronte a quella di Penelope.

Ma cosa è la bellezza? Ciò che sento? Ciò che vedo? Gesù che parla nell’Orto degli Ulivi è un esplodere della bellezza. Arriva il tempo che il viaggio sembra compiuto ma è soltanto un infinito desiderio di capire. Non riusciremo mai a capire fino in fondo.

La morte che incombe in una tragica Venezia mentre la musica imperterrita tocca le corde del sogno. E la storia non c’è. Non può fermarsi nella tragica Venezia che suona una viola di morte.

Ancora Berto nel finale del veneziano anonimo: “…nell’antico concerto che dice la rassegnata disperazione per la morte di un uomo, e forse d’una città, e forse anche di tutto ciò che è già vissuto abbastanza”. Solo il tempo è un lento bussare mentre le porte si aprono senza insistere. I poeti non restano nella storia. E’ buffo. Può anche essere un mistero buffo. I poeti non sono ciarlatani. Né attori inconsolabili.

Te ne sei andata in una notte di bugia e la tua assenza è un costante ascoltare frammenti di vuoto. Avrei voluto raccontare la nostra storia d’amore ma la parola storia è terribile, mi fa tremare le vene, mi fa incattivire. Ma quale storia raccontare? La storia di un’emozione o di una passione. Storia. Tra noi nulla si è storicizzato. Un amore non si storicizza. Resta nella memoria dell’indefinibile.

Libero Bigiaretti in Disamore: “…il nostro amore fu dunque una vacanza nel bel mezzo della vita?”. I poeti inventano destini. Si scaldano intorno alla cenere spenta dei falò e scrivono poesie con i bagliori della stella. Non sono né testimoni né protagonisti di quel tempo che vivono. Si lasciano vivere dal tempo e cercano la durata nella bellezza.

“La tenni appena contro di me. I corpi si sfioravano. La guardavo dentro gli occhi verdi e vi vidi l’amore: chiedeva aiuto”, Giorgio Saviane in Eutanasia di un amore. La bellezza di quegli occhi, i sogni che lasciavano il mare, il desiderio che diventava immenso. La bellezza di rincontrarsi.

La bellezza. Ma se i poeti non cercano la bellezza perché dovrebbero scrivere? Quale orizzonte attraversare? L’estetica dell’evocazione è anche l’estetica del silenzio. e il poeta – scrittore non può che navigare tra le maree di queste immagini che vivono dentro di noi e ci portano altrove pur restando sempre con noi. Gli scrittori dell’evocazione nell’estetica del disincanto.

Tu che mi stavi accanto e mi parlavi della stella. Poi il silenzio. ci siamo svegliati all’alba, con le voci dei marinai che spingevano le barche sulla riva.

Ma i poeti sono i navigatori… Appunto. Verso quale letteratura? Le dimensioni dell’essere non sono strutture. Sono luoghi. Ma la letteratura che vive nei luoghi dell’essere si serve dell’immaginario dell’utopia. Un segno che potrebbe farci riscoprire il viaggio grande del mistero della parola e del mistero dei linguaggi. Quando la letteratura muore resta la dialettica che si fa polemica. Ovvero abbiamo a che fare con la bruttezza. E poi i tempi volgari si testimoniano anche dai “vestimenti”. Cosa vuol dire? È vero che l’abito non fa il monaco. Ma è anche vero che il monaco fa l’abito che indossa. È questione appunto di estetica. Ma di quella vera!

Pierfranco Bruni è nato in Calabria. Archeologo, direttore del Ministero dei Beni Culturali e, dal 31 ottobre 2025, membro del CdA dei Musei e Parchi Archeologici di Melfi e Venosa, nominato dal Ministro della Cultura; presidente del Centro Studi “Francesco Grisi” e già componente della Commissione UNESCO per la diffusione della cultura italiana all’estero.

Nel 2024 è stato Ospite d’onore per l’Italia per la poesia alla Fiera Internazionale di Francoforte e Rappresentante della cultura italiana alla Fiera del libro di Tunisi.

Incarichi in capo al Ministero della Cultura:

Presidente Commissione Capitale italiana città del Libro 2024;

Presidente Comitato Nazionale Celebrazioni centenario Manlio Sgalambro;

Segretario unico comunicazione del Comitato Nazionale Celebrazioni Eleonora Duse.

È inoltre presidente nazionale del progetto “Undulna Eleonora Duse” e presidente e coordinatore scientifico del progetto “Giacomo Casanova 300”.

Ha pubblicato libri di poesia, racconti e romanzi. Si è occupato di letteratura del Novecento con studi su Pavese, Pirandello, Alvaro, Grisi, D’Annunzio, Carlo Levi, Quasimodo, Ungaretti, Cardarelli, Gatto, Penna, Vittorini e sulle linee narrative e poetiche del Novecento che richiamano le eredità omeriche e le dimensioni del sacro.

Ha scritto saggi sulle problematiche relative alla cultura poetica della Magna Grecia e, tra l’altro, un libro su Fabrizio De André e il Mediterraneo (“Il cantico del sognatore mediterraneo”, giunto alla terza edizione), nel quale esplora le matrici letterarie dei cantautori italiani e il rapporto tra linguaggio poetico e musica, tema che costituisce un modello di ricerca sul quale Bruni lavora da molti anni.

Studioso di civiltà mediterranee, Bruni unisce nella sua opera il rigore scientifico alla sensibilità umanistica, ponendo al centro della sua ricerca il dialogo tra le culture, la memoria storica e la bellezza come forma di identità.
@Riproduzione riservata

L'articolo La letteratura è finita. Resta la dialettica che si fa polemica. Siamo in un tempo senza estetica proviene da lafrecciaweb.it.

Se Dante resta ancora fondamentale è chiaro che quella tradizione che parte con la Vita nova è da riconsiderare tra Poliziano, Leopardi, Ungaretti e Pavese.

Il dibattito aperto da Manzoni non si è mai chiuso. Così quel grande pensiero che vive nel De Vulgare di Dante. Bisognerà dare un ruolo consistente alla lingua italiana soprattutto partendo dalla letteratura del Novecento. È in essa che si sono moltiplicate le forme e le metodologie di linguaggio che hanno guidato la storia della lingua nella modernità, attraversando epoche ed opere già con San Francesco d’Assisi sino ad Angelo Poliziano, dal Rinascimento alle ‘etichette’ illuministiche, che hanno cercato di formulare un inciso rivoluzionario, ma che hanno consegnato la lingua stessa a Manzoni, e da questo alle avanguardie di Pascoli e D’Annunzio, filtrando notevolmente il Futurismo sino alla lingua post realista, alla quale la letteratura si è agganciata e alla quale soprattutto il cinema si è aggrappata.
Dopo gli anni Sessanta del 900 si è verificata una vere e propria modifica dei canoni e se si vuole di un vocabolario. Dagli anni Sessanta ad oggi la lingua ha assunto precise chiavi di lettura.
Quella codificata da una norma dei vocabolari che hanno assorbito i cambiamenti anche sintattici e le forme dialettali, oltre alla assunzione di comparazioni con la lingua inglese, lingua che in molti termini ha preso il sopravvento, ma che è la lingua italiana ufficiale.
Quella correntemente parlata che, se pur in una forma corretta, ha innesti modulari rispetto a quella scritta perché ha tagli favoriti da un linguaggio piuttosto discorsivo.
Quella cosiddetta “bastarda” che è dovuta all’intreccio tra una scrittura giornalistica, televisiva, telematica con ulteriori innesti che sono distanti dalla tradizione degli anni Settanta. La lingua non è mai ideologia.
C’è una quarta chiave di lettura, non inclusa in un discorso ufficiale ma insiste, che è quella che proviene dai testi delle canzoni.
I giovani usano come forme direzionali della comunicazione l’incrocio delle due ultime chiavi per confrontarsi, per dialogare, per definire un qualcosa e anche per definirsi.
Io addirittura aggiungerei ancora una quinta chiave che è quella portata dalla presenza delle lingue degli immigrati. Non sarebbe da sottovalutare considerato il fatto che sono detentori di un loro linguaggio comunicante ma sono anche depositari di una loro lingua. Non sempre il loro linguaggio comunicante, che potrebbe essere inteso come una caratterizzante formula dialettale, si pensi agli albanesi o agli arabi tunisini ed eritrei, è fedele alla lingua della loro Nazione. Anzi non lo è quasi mai.
Tutti questi aspetti riguardano l’importanza di dare un senso storico alla tutela della lingua italiana. È naturale che non c’è più una lingua ufficiale tradizionale. La tradizione nelle lingue è un fatto soltanto di consapevolezza di eredità, di ricostruzione identitaria, di analisi dei processi sia letterari sia storici stessi sia prettamente linguistici, ma si scende in una dimensione che è antropologica.
Discutere di una lingua corretta, oggi, significa ripristinare delle griglie che però, dobbiamo essere consapevoli, non corrispondono alla realtà dei parlanti e degli scriventi. Il parlante già di per sé, pur mantenendo fede, alla consueta formula della grammatica e della sintassi, usa sempre un vocabolario innovativo: innovativo, oggi, è anche il ripescaggio di termini obsoleti, ovvero una parola usata da Tommaseo è innovativa ma anche “arcaica”.
Lo scrivente, che dovrebbe usare la lingua come estetica e correttezza dell’ufficialità e dell’esempio, potrebbe essere lo scrittore. Dante e Manzoni sono esempi e testimonianze che rispecchiano un tempo linguistico che non c’è più.
Noi parliamo, in questo nostro tempo, il linguaggio di Andrea Camilleri, che ha una interpretazione prettamente etno-antropologica (ne parlo in senso non negativo: attenzione), il linguaggio di Carlo Emilio Gadda con le varie sfaccettature, anche sul piano della punteggiatura, (lo dico senza voler entrare nella rivoluzione linguistica futurista che ha stravolto la lingua italiana: si può accettare o meno ma è così), il linguaggio di Alberto Bevilacqua con delle sfaccettature anche discutibili, ma che io accolgo con piacere, il linguaggio di una scrittura puramente giornalistica trasportata come una nuova impostazione narrante in testi che si fanno passare per narrativa, il linguaggio attento di Pasolini che soltanto ora trova una sua interessante ottimizzazione.
Sono solo pochi esempi. Si pensi a Luigi Meneghello o a Lucio Mastronardi o ad Alberto Moravia o alla poesia di Giorgio Caproni. Noi viviamo in questa età e non tra Dante e l’Illuminismo o tra il Romanticismo e Ada Negri.
Poi c’è la presenza degli scrittori stranieri che, se pur tradotti, vengono ben recepiti sul piano della sintassi ma soprattutto su quello della punteggiatura. Uno scrittore tra i tanti: Garcia Màrquez. Il romanzo che gli ha dato la notorietà vira qualsiasi forma di punteggiatura e quella standardizzazione di concetti ha influito notevolmente nella lingua letteraria contemporanea. Il fatto, invece, è un altro. Il vocabolario ha un suo compito specifico che instrada verso una direzione ben definita. Il linguaggio è ben altra cosa. Non si può imporre allo scrittore, pensate al poeta contemporaneo, di impostarsi secondo i canoni del vocabolario della lingua. Sarebbe un omicidio ma sarebbe anche un suicidio della stessa lingua.
Bisognerebbe una buona volta convincersi che la tradizione del dibattito delle lingue, sviluppatosi intorno al De Vulgari e anche prima, non interessa e non tocca la comunicazione della letteratura dei nostri giorni e tanto meno i “lucchetti” parlanti dei nostri figli e delle piccole macchine parlanti che usiamo tutti per comunicare. E se Dante non interessa, è storia e deve restare tale, non interessa neppure il rapporto linguistico tra Manzoni
sino a Carducci e a un certo Pascoli.
Dobbiamo convincerci che la lingua italiana è completamente mutata rispetto agli anni Cinquanta del ‘900. E’ mutata rispetto agli anni ’70 – ’90. Chi si ricorderà la lingua usata nei volantini delle Brigate Rosse negli anni Settanta si renderà conto la tipologia sintattica (non parlo delle minacce o dei codici terroristici ma della grammatica o di altre scorrettezze morfologiche) che si innervava nella nostra società. In che termini linguistici, mi sono spesso chiesto, comunicavano le Brigate Rosse con l’attento e forbito Aldo Moro?
I cambiamenti delle società trasformano anche la lingua. I cantautori degli anni Sessanta capirono questa trasformazione e a loro si deve molto nell’aver mantenuto fede ad un codice sostanzialmente in linea con la tradizione. La cinematografia è andata su un altro versante. Bisogna affrontare tale questione e credo che una scuola dentro i mutamenti delle società dovrebbe avere un ruolo predominante. Ma molte volte dipende dai docenti e soprattutto dai testi adottati. Un altro problema dolente.
Gli scrittori oggi, comunque, hanno un compito fondamentale che non è quello di strapazzare la lingua. Se Dante resta ancora fondamentale è chiaro che quella tradizione che parte con la Vita nova è da riconsiderare tra Poliziano, Leopardi, Ungaretti e Pavese.

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Pierfranco Bruni è nato in Calabria. Archeologo, direttore del Ministero dei Beni Culturali e, dal 31 ottobre 2025, membro del CdA dei Musei e Parchi Archeologici di Melfi e Venosa, nominato dal Ministro della Cultura; presidente del Centro Studi “Francesco Grisi” e già componente della Commissione UNESCO per la diffusione della cultura italiana all’estero.

Nel 2024 è stato Ospite d’onore per l’Italia per la poesia alla Fiera Internazionale di Francoforte e Rappresentante della cultura italiana alla Fiera del libro di Tunisi.

Incarichi in capo al Ministero della Cultura:

Presidente Commissione Capitale italiana città del Libro 2024;

Presidente Comitato Nazionale Celebrazioni centenario Manlio Sgalambro;

Segretario unico comunicazione del Comitato Nazionale Celebrazioni Eleonora Duse.

È inoltre presidente nazionale del progetto “Undulna Eleonora Duse” e presidente e coordinatore scientifico del progetto “Giacomo Casanova 300”.

Ha pubblicato libri di poesia, racconti e romanzi. Si è occupato di letteratura del Novecento con studi su Pavese, Pirandello, Alvaro, Grisi, D’Annunzio, Carlo Levi, Quasimodo, Ungaretti, Cardarelli, Gatto, Penna, Vittorini e sulle linee narrative e poetiche del Novecento che richiamano le eredità omeriche e le dimensioni del sacro.

Ha scritto saggi sulle problematiche relative alla cultura poetica della Magna Grecia e, tra l’altro, un libro su Fabrizio De André e il Mediterraneo (“Il cantico del sognatore mediterraneo”, giunto alla terza edizione), nel quale esplora le matrici letterarie dei cantautori italiani e il rapporto tra linguaggio poetico e musica, tema che costituisce un modello di ricerca sul quale Bruni lavora da molti anni.

Studioso di civiltà mediterranee, Bruni unisce nella sua opera il rigore scientifico alla sensibilità umanistica, ponendo al centro della sua ricerca il dialogo tra le culture, la memoria storica e la bellezza come forma di identità.
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di Krishan Chand Sethi

Ci sono scrittori che scrivono per ricordare, e ce ne sono altri che scrivono per elaborare. Io scrivo per sentire. Non sempre ricordo ciò che ho scritto in passato. Continuo semplicemente a scrivere. Proprio come respirare o sognare, non è qualcosa che faccio volontariamente per ricordare, ma qualcosa che faccio per lasciar andare. Scrivere diventa vivere. Il passato si trasforma in inchiostro, e la penna è l’anima. E anche quando perdo le mie stesse parole, sono le mie parole a ricordarsi di me. In un’epoca così ossessionata dal conservare fotografie archiviate nel cloud, ricordi trasformati in megabyte, traguardi esibiti per ottenere “mi piace”, c’è qualcosa di profondamente liberatorio nel disancorarsi. Non ricordare ogni parola che ho scritto non è una perdita; è un ritorno. Un ritorno al fatto che scrivere non è sempre trattenere, ma espirare. Quando scriviamo dall’esperienza, dal cuore, dal ritmo del momento, non scriviamo necessariamente per ricordare. Scriviamo per diventare.

L’anima che scrive senza aspettative
Scrivere senza ricordare non significa dimenticare. Significa lasciar andare. Significa avere fede che le parole destinate a restare, resteranno – non nei libri o nei diari, ma nella sostanza. Quando mi siedo a scrivere, non consulto i miei archivi. Non cerco di ripetere ciò che è già stato detto. Attingo al pozzo dentro di me, e ciò che emerge è sempre nuovo, come la prima pioggia su terra arida. In quei momenti, non sono uno scrittore. Sono un tramite. Le parole non provengono dalla mente calcolatrice ma dall’onestà emotiva. Non sono costruzioni artificiali; sono frasi viventi. Respirano, invecchiano, crescono proprio come me. Questo è un atto sacro. Un musicista improvvisa a occhi chiusi, sentendo ogni nota più che scrivendola. Io scrivo intuitivamente. Nessuna paura, solo flusso. Non si tratta di produzione. Si tratta di versare fuori. L’autenticità risiede lì.

Quando la memoria non è l’obiettivo
La memoria, per quanto forte, non è necessariamente l’alleata più affidabile delle arti creative. La memoria condiziona, struttura, ripete il passato. Ma se invece scrivere non avesse nulla a che fare con il ripetere, ma con l’inventare? Non con il conservare, ma con il dire? E se la voce più autentica che possediamo fosse quella che emerge quando la memoria viene messa a tacere? I grandi poeti lo sapevano. Mi è capitato di leggere potenti citazioni di Rainer Maria Rilke (mistico poeta del XX secolo), una delle quali recita: “Quando le parole si ricordano di me”, proprio sul tema della scrittura, della dimenticanza e del ricordo. “Lascia che tutto ti accada: la bellezza e il terrore. Continua ad andare avanti. Nessuna sensazione è definitiva.” In quei versi c’è il permesso di andare oltre il ricordo e di entrare nel sentimento grezzo e non filtrato. Lì vive la verità.

Il paradosso del dimenticare e dell’essere ricordati
Spesso inciampo in versi miei che non ricordo. Una poesia scritta anni fa, una frase sepolta in un vecchio quaderno. A volte, mi sorprende che quelle parole siano mie. Ma in quello stupore, rivedo una parte di me che avevo superato o abbandonato. Mi incontro nella mia scrittura, anche se non ricordo di averla creata. C’è un paradosso al centro di tutto ciò. Io dimentico ciò che dico, ma le parole non dimenticano me. Portano le mie impronte, il mio respiro, i miei pianti silenziosi e i miei canti non cantati. Sono lo specchio che ho creato inconsapevolmente, dove i miei sé passati mi vengono incontro senza giudizio.

Una libertà che pochi comprendono
La maggior parte delle persone teme il dimenticare. Temono di perdere ciò che hanno scritto, detto, creato. Invece, io ho scoperto una libertà silenziosa nel non trattenere la memoria delle mie parole. Quando le rileggo, sono libere dal sentimento di nostalgia o dal bisogno di avere ragione. Si presentano come pezzi autonomi, liberi dai turbamenti dell’ego attuale; piuttosto, sono manufatti d’emozione, frammenti di me stesso. Posso apprezzarli o criticarli, ma non tento di possederli. Perché non sono mai stati possedimenti. Erano doni da offrire.

Scrivere senza dover ricordare è vivere nel presente. È permettere al sé di crescere senza portare con sé il peso del passato. Questo non significa che il passato sia inutile. Significa soltanto che il significato non è intrappolato nella memoria. Il significato è ciò che le parole ancora sussurrano quando le incontriamo di nuovo. E c’è qui anche una lezione buddhista: l’arte del non attaccamento. Così come i monaci costruiscono mandala di sabbia elaborati per poi spazzarli via, anche noi dobbiamo lasciare andare le nostre parole una volta che hanno compiuto il loro effetto. La bellezza sta nel fare, non nel trattenere.

Un dialogo vivente con sé stessi
Dico spesso alle persone che scrivo per la mia anima, non per lo scaffale. Quando scrivo, non mi preparo per un pubblico. Sto avendo una conversazione con il me stesso che ancora non conosco. Ecco perché il processo significa più del prodotto. Che le parole siano ricordate o perse, pubblicate o tenute segrete, esse soddisfano lo scopo più profondo dell’espressione di sé. Questa conversazione mi ha salvato innumerevoli volte. Nei momenti di disperazione, la mia penna è stata la mia amica fidata. Nei momenti di gioia, è stata la mia celebrazione. E nei periodi di confusione, è stata la mia mappa. Anche quando dimentico ciò che ho scritto, ricordo la chiarezza o la purificazione che ne è seguita. A volte, i lettori citano versi che ho scritto, e io sorrido, perplesso. Non perché dubiti della bellezza di quelle frasi, ma perché semplicemente non le ricordo. Eppure, quando le sento pronunciare, ne riconosco il ritmo, l’essenza. È come sentire il proprio battito nel cuore di una canzone che non si sapeva di aver composto.

Echi che restano, anche quando non li ascolti più
C’è un aspetto sacro in tutto ciò. Forse le parole che dimentichiamo non sono perse, ma assimilate. Sono integrate nel nostro DNA emotivo. Come il profumo di un luogo visitato spesso, come il gusto di un cibo amato da bambini, le nostre parole restano. Potremmo non esserne consapevoli, ma influenzano il nostro tono, le nostre decisioni, le nostre verità. Il filosofo greco Eraclito, noto per la sua dottrina del cambiamento come essenza dell’universo, scrisse: “Nessun uomo entra mai due volte nello stesso fiume, perché non è lo stesso fiume e non è lo stesso uomo.” Ma lo stesso non si può dire della scrittura. Anche quando dimentico, lo scrittore che ero si riversa nello scrittore che sto diventando. Ogni poesia dimenticata, ogni paragrafo abbandonato, è come un seme sotterrato. Forse non crescerà mai nella stessa forma, ma la sua presenza sotto la superficie plasmerà la prossima fioritura.

Fidarsi del processo
Quando scriviamo con l’obiettivo di ricordare, rischiamo di perdere la gioia della spontaneità. Ma quando scriviamo fidandoci del momento, del messaggio, del misterioso funzionamento della creatività, otteniamo qualcosa di più ricco. Impariamo a lasciar andare. Lasciare andare non è arrendersi. È fare spazio. Spazio per nuove intuizioni, per emozioni non toccate, per lo sviluppo. Più dimentico ciò che ho scritto, più sono fresco per scrivere di nuovo. Ogni pagina bianca è come un nuovo foglio, libero da confronti o pesi. Ogni frase è una scoperta. Il celebre autore Jack Kerouac, famoso romanziere e poeta americano, credeva nel “primo pensiero, miglior pensiero.” Sconsigliava agli scrittori di modificare troppo, di dubitare. C’è qualcosa di onesto, persino sacro, nel credere alla prima bozza del cuore. Non ricordare ciò che abbiamo scritto può essere il modo dell’universo di assicurarci che cominciamo sempre da capo. È legato al mio ricordo di una camminata mattutina vicino al mare, che ha riempito i miei pensieri di “ossigeno inchiostrato” e si è trasformata in una poesia e un articolo impressionante.

La vera eredità non è nella frase, ma nella luce
Per coloro che temono che dimenticare possa cancellare la loro eredità, voglio proporre una prospettiva diversa. L’eredità non è una lista di frasi ricordate. È la fiamma che quelle frasi accendono negli altri. Puoi dimenticare le parole che hai scritto, ma se hanno aiutato qualcuno a guarire, a interrogarsi, a sentire o a sognare, allora hanno avuto successo. Anche se lo scrittore dimentica, il lettore può ricordare. E questo è sufficiente. A volte, più che sufficiente. Mi è capitato di leggere della straordinaria Maya Angelou, autrice, poetessa e attivista per i diritti civili americana, che scrisse: “La gente dimenticherà ciò che hai detto, ma non dimenticherà mai come l’hai fatta sentire.” Credo che lo stesso valga per la scrittura. La vitalità delle parole va oltre le parole stesse.

A 73 anni, sento che la memoria si affievolisce, ma quando rileggo i miei scritti, tutto riaffiora. Mi ricorda una mia frase: “Posso dimenticare le mie parole, ma so che le mie parole non dimenticheranno mai me.”

Conclusioni: lo scrittore come fiume
Alla fine, non sono il custode delle parole, ma il fiume attraverso cui scorrono. Non sono il loro proprietario, ma il loro canale. Entrano, escono. Alcune restano. Alcune ritornano. Alcune si perdono nel mare della memoria collettiva. Eppure, sono grato. Grato di poter scrivere. Grato che, anche quando dimentico, le mie parole si ricordano di me. Quindi, se sei uno scrittore che dimentica ciò che ha scritto, non temere. Non stai perdendo nulla. Stai semplicemente vivendo la realtà della scrittura: che non riguarda il ricordare il passato, ma il servire il presente. Perché, alla fine, le parole più belle non sono quelle che ricordiamo. Sono quelle che ci ricordano.

Dr. Sethi K.C. – Autore, Daman, India / Auckland, Nuova Zelanda

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Chi ci riesce? Probabilmente chi è elevato come Platone, che ha preferito parlare del maestro più che di se stesso. Il mondo non fa che ingannarci. Ogni volta mostra all’uomo un guadagno e alla fine questo non ha nulla. Possiamo vedere coi nostri occhi che la maggior parte della gente lavora e si affanna per giorni e anni e quando infine va a fare i conti non gli resta in mano nulla. E perfino chi raggiunge la ricchezza viene strappato ad essa. Questa è la regola: non possono convivere. O la ricchezza viene tolta all’uomo o l’uomo è tolto alla sua ricchezza.

Da tutto ciò può salvarci la poesia. Ma esiste oggi ancora la poesia?

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Dalla letteratura al giornalismo. Occorre ritrovare la bella parola.

L’uso della parola entra direttamente in un linguaggio che diventa veicolo di immagini, di significanti e significati. Come bisognerebbe entrare in contatto con la parola? In un tempo lontano era immediatamente diretta e quindi comunicante. In un tempo meno lontano si faceva ricorso, prima che la parola in sé comunicasse direttamente, ad un linguaggio intriso di metafore ma anche di retorica. Civiltà che restano come tradizione.
Oggi la parola è superata dal comportamento, dalla gestione del corpo, dai segni, dalla figura fisica che si mostra con il suo modello di vestimento. Penso alla comunicazione social-mediatica. Una volta, in uno dei tempi detti, c’era l’estetica non solo come forma filosofica- letteraria. Oggi invece insiste la “desestetica”, ovvero sconfiggere l’uso della parola ricerca nella sua forma prima di essere scritta o pronunciata.
Viviamo in un linguaggio “coatto”. Fatto ormai non di ricerca o di pensiero ma di rottura con uno stile tradizionale. Di ciò chiaramente ne risente il giornalismo e tutta la pratica comunicativa parlata e scritta. Ci sono alcuni aspetti (non so dire problemi) di fondo. Il primo è lo studio parziale della grammatica vera e propria che consiste anche nello studio della storia della parola che è molto precaria. Il secondo riguarda uno “specifico” della comunicazione diretta di una parola in una collocazione vocabolarizzante. Ovvero, una parola più volte ripetuta (dai rapper ai conferenzieri) viene inserita subito nei nuovi vocabolari.

Ciò è un male. Perché un fatto del genere lacera la storia della parola e del linguaggio. Si lasciano passare terminologie giornalistiche come forme di nuovi linguaggi. Per esempio la tanto abusata “far quadrare il cerchio” presenta una incapacità di parole significanti cedendo il passo ad un immaginario metaforico, allusivo, che esprime l’impossibile. Siamo dentro questa scia dolorante. Credo che il giornalismo potrebbe far ritornare alla estetica quella parola che crea il linguaggio di una comunicazione che resta come educatrice.
Il giornalismo, in questo senso,  ha una pedagogia che tramanda fatti, eventi, storie attraverso l’uso di un vocabolario di parole. Quindi ha un compito precipuo in un quadro di interazione tra generazioni. In una società in transizione è naturale che si muta. Ma è naturale anche sostenere che noi siamo il linguaggio che parliamo e il giornalismo è nella misura e definizione di un suo vocabolario tra esercizio linguistico e “scenografia” di un impatto tra la cronaca e la tradizione.

Il bel parlare e lo scrivere connotano. Il coraggio di un giornalismo che non traduca la società e il reale, ma che abbia la forza di dare delle indicazioni precise proprio nell’uso della parola nel descrivere, nel rappresentare, nel raccontare. Dalla letteratura al giornalismo. Occorre ritrovare la bella parola.

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