Dal 27 al 29 marzo 2026  lo spettacolo  “Mazza… Amore e Fantasia”:  un viaggio ironico e autentico nella vita di un attore napoletano trapiantato nella grande metropoli, sospeso tra sogni, illusioni e realtà quotidiana

Al Piccolo Teatro di Prova dal 27 al 29 marzo 2026 arriva lo spettacolo  “Mazza… Amore e Fantasia”, un viaggio ironico e autentico nella vita di un attore napoletano trapiantato nella grande metropoli, sospeso tra sogni, illusioni e realtà quotidiana. Salvatore Mazza porta in scena un racconto personale e universale, fatto di provini, attese, piccoli successi e grandi contraddizioni, che ogni artista conosce bene.
Lo spettacolo si ispira alla grande tradizione della comicità italiana, rielaborata in chiave personale e contemporanea. Ne nasce un racconto vivo, dinamico, capace di mescolare linguaggi e registri diversi, passando con naturalezza dal sorriso alla riflessione.
Il percorso artistico e umano di Mazza diventa così un ponte tra Napoli e Roma, tra radici e ambizioni, tra comicità e malinconia. In scena si alternano ritmo, ironia e momenti più intimi, dando vita a un racconto che esplora il mestiere dell’attore e le sue infinite sfumature. Uno spettacolo che parla a tutti: a chi sogna, a chi resiste e a chi, nonostante tutto, continua a credere nella magia del teatro.

Con Salvatore Mazza
Piccolo Teatro di Prova
27, 28, 29 marzo
Venerdì ore 21
Sabato ore 18 e ore 21
Domenica ore 18

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Roma Il tempo non viene misurato, ma attraversato.  È questa la sensazione che ha accompagnato il pubblico  martedì 27 gennaio alle ore 18 al Centro Studi Americani, nella sede di Palazzo Mattei di Giove, dove parole, musica e gesti teatrali hanno dato forma a  “Nella distensione del tempo” davanti a una platea composta soprattutto da giovani, numerosa e partecipe.

Il progetto, ideato dallo scrittore e compositore Achille Fulfaro e curato e promosso da Fulgior srls, nasce come un format che unisce letteratura, musica e teatro in un’unica esperienza narrativa. Al centro ci sono i cinque libri dell’autore, pubblicati tra il 2007 e il 2024, messi in dialogo con le sue canzoni attraverso letture teatrali, performance musicali e immagini. A legarle è il tema del Tempo, esplorato come memoria, ritorno, trasformazione. Un tempo che sembra lineare ma che, di libro in libro e di canzone in canzone, finisce per curvarsi, diventando circolare, interiore, umano. Lo spettatore viene portato per mano in un mondo fatto di frammenti di memoria, di ricordi,  un viaggio epico nei sentimenti e emozioni  dove i simboli- la nave, il mare,   rimandano  a  Ulisse. Un viaggio antropologico alla ricerca della conoscenza, l’andare e ritornare, tra incontri, ombre, speranze, tradimenti, inganni e illusioni.  Viene cucito così pezzo per pezzo, tra musica e parole, il viaggio omerico dell’uomo moderno attraverso l’evoluzione scandita dal tempo, nella  trasformazione, nel cambiamento.  Pezzi di un puzzle che rimandano all’esistenza umana,  in un “nostos” che si fa mito. Al centro del tempo, le emozioni: la paura, le illusioni, il buio, la luce, la rinascita.

Le letture teatrali, affidate agli attori Paola Bongiorno e Paolo Pellegrini Wilfinger, sono tratte dai cinque volumi di Fulfaro: All’alba, lo Stretto, Itaca d’inganno, Un’altra vita, Nella distensione del tempo e Sotto stelle scadenti.

Le canzoni proposte durante la serata appartengono all’album Nella distensione del tempo, primo lavoro cantautoriale di Fulfaro, pubblicato nel dicembre 2025. Otto brani nati da un lavoro collettivo che ha coinvolto Luca Carocci agli arrangiamenti, Josè Ramon Caraballo ai fiati e alle percussioni, Manuel Magrini al pianoforte e la Cirrone Band alle chitarre elettriche.Masterizzatore dell’album  e tecnico del suono della serata Paolo De Stefani.

Attraverso parole, musica e immagini, il pubblico è stato accompagnato in un percorso di riflessione sull’evoluzione dell’individuo nel corso della propria esistenza. Il cambiamento, suggerisce Fulfaro, non è sempre un andare avanti: può essere anche un tornare indietro, una deviazione, una scelta diversa. Un’idea che richiama la dialettica hegeliana di tesi, antitesi e sintesi, dove solo mettendosi in discussione è possibile arrivare a una comprensione più profonda di sé e del mondo.

Lo stile dei testi e la cura musicale richiamano la  grande tradizione della canzone d’autore italiana, da Ivano Fossati a Francesco De Gregori fino a Franco Battiato, collocando Achille Fulfaro nel panorama della musica indipendente contemporanea. Le prime quattro tracce dell’album ruotano attorno al viaggio e alla memoria, con un mare quasi omerico sullo sfondo; le successive affrontano il tempo come trasformazione e come possibilità di una nuova consapevolezza.

L’idea di coniugare libri e canzoni in un unico progetto affonda le sue radici in un’esperienza precedente e decisiva: When Mediterranean meets the Gulf, evento organizzato nel 2018 dallo stesso Fulfaro con il patrocinio delle Ambasciate di Abu Dhabi e del Kuwait al quale hanno partecipato alcuni artisti della scena musicale italiana come Antonio Di Martino, Angelo Trabace, Nicolò Carnesi, Margherita Vicario, Fabrizio Cammarata, Lucio Corsi, Cirrone Band, Manuel Magrini e Luca Carocci.

Nella distensione del tempo è anche il risultato di un lavoro profondamente condiviso. L’organizzazione dell’evento ha coinvolto l’intera famiglia di Fulfaro: Laura Giordano e i figli Matilde, Martina, Francesco e Leonardo. Laura ha curato l’intera comunicazione del progetto e la realizzazione delle  copertine dei libri,  Oliver Hearn all’oboe e nell’organizzazione, Francesco Fulfaro al basso e Laodice Perri alle percussioni. Paola Bongiorno, attrice e regista, ha curato il videoclip ufficiale della canzone Itaca,  girato a Catona di Reggio Calabria sullo Stretto,  protagonisti  Paolo Pellegrini Wilfinger e  il piccolo Leonardo.

Una famiglia che lavora insieme come una squadra, unita dalla fiducia reciproca e dal desiderio di costruire qualcosa in cui crede. Un messaggio positivo che parla a tutte le famiglie e al  valore del fare insieme. @riproduzione riservata 

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Questa commedia apre una finestra sul mondo caotico e spassoso di una compagnia teatrale sull’orlo del collasso creativo. Attori imprevedibili e a tratti improbabili, tecnici stravaganti e un regista disperato si muovono tra prove disastrose, tentativi di ordine e un debutto che incombe come una minaccia imminente.

A rendere questo spettacolo un autentico caso teatrale è anche la sua straordinaria continuità nel tempo: un vero e proprio cavallo di battaglia della Compagnia Attori & Tecnici che nel 2026 raggiungerà il traguardo, rarissimo per il teatro italiano, dei 43 anni dal debutto. In oltre quattro decenni nulla è stato snaturato: la regia e l’adattamento di Attilio Corsini sono rimasti intatti, così come la scenografia e i costumi originali. Una fedeltà assoluta alla forma iniziale che non ha mai spento la vitalità dello spettacolo, capace anzi di rinnovarsi sera dopo sera grazie all’energia degli interpreti e a un meccanismo comico che continua a funzionare con sorprendente freschezza, conquistando generazioni di spettatori.

Suddivisa in tre atti magistralmente orchestrati, la piecè trascina lo spettatore in un crescendo di situazioni paradossali. Nel primo atto assistiamo alle ultime, convulse prove sul palcoscenico; nel secondo varchiamo la soglia del dietro le quinte, dove la rappresentazione procede nel caos più totale; nel terzo, infine, il sipario si apre su una messinscena che mescola improvvisazione e una comicità fuori controllo. Porte che sbattono al millimetro, scale e finestre che diventano ingranaggi fondamentali dell’azione danno vita a un meccanismo comico tanto complesso quanto irresistibile.

Tutti gli attori offrono una prova straordinaria: memoria impeccabile, concentrazione granitica e una resistenza fisica sorprendente rendono il ritmo serrato e coinvolgente dall’inizio alla fine. Rumori fuori scena si rivela così una matrioska di equivoci, incidenti e gag che trasforma ogni scena in un vortice di risate contagiose.

Chiara David incanta con la sua interpretazione deliziosamente svampita: in scena è una presenza brillante e un po’ fuori dal mondo, capace di dare al suo personaggio una spontaneità irresistibile.

Un’esperienza teatrale unica, brillante e travolgente.
Non lasciarti sfuggire questo viaggio nel cuore pulsante della comicità: lo spettacolo ti aspetta alTeatro Vittoria fino all’11 febbraio 2026.

di Michael Frayn

traduzione di Filippo Ottoni

con

(in ordine di apparizione)

Sabrina Pellegrino, Carlo Lizzani, Stefano Messina,

Chiara David, Virginia Bonacini, Stefano Dilauro,

Chiara Bonome, Simone Balletti e un attore da definire

regia originale di Attilio Corsini

ripresa teatrale di Viviana Toniolo

scene Bruno Garofalo – musiche Arturo Annecchino

Produzione Attori & Tecnici

Fino  al 1° febbraio 2026 (h 21.00, domenica 18, 25 e 1° h 17.30

Biglietti (prevendita inclusa):

TEATRO VITTORIA – ATTORI & TECNICI Piazza S. Maria Liberatrice 10, Roma (Testaccio)

Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598

Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it

Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.

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La prima nazionale della tournée verrà rappresentata dall’8 al 18 gennaio 2026 all’Abc di Catania

Dopo il film di successo e la serie tivù, arrivano sul palcoscenico le vicende familiari di A CASA TUTTI BENE con un cast di attori straordinario capitanato da Giuseppe Zeno e Anna Galiena

Lo spettacolo, prodotto da Best Live in coproduzione con il Teatro Stabile d’Abruzzo e distribuito da Terry Chegia, segna il debutto alla regia teatrale di GABRIELE MUCCINO,che ne firma anche la sceneggiatura con la collaborazione di Marcello Cotugno e Irene Alison, con le musiche di Nicola Piovani.

La prima nazionale della tournée, che si preannuncia entusiasmante,verrà rappresentata dall’8 al 18 gennaio 2026 all’Abc di Catania nell’ambito della nella nuova stagione Turi Ferro.

Biglietti disponibili al link https://www.liveticket.it/opera.aspx?Id=617127.

Diretti da GABRIELE MUCCINO,

GIUSEPPE ZENO e ANNA GALIENA, affiancati da Alice Arcuri, Ilaria Carabelli, Maria Chiara Centorami, Lorenzo Cervasio,Simone Colombari, Vera Dragone, Sandra Franzo, Alessio Moneta e Celeste Savino, interpretano – per la prima volta sul palcoscenico – la pièce teatrale di A CASA TUTTI BENE. La trama ruota attorno alle vicende della famiglia Ristuccia, riunita nella casa d’origine per celebrare gli ottant’anni della madre Alba. Questo incontro farà deflagrare antichi conflitti e nuove tensioni.

Conosceremo gli undici personaggi e le loro articolate relazioni attraverso le dinamiche che si svilupperanno in scena, e ci rispecchieremo nelle loro speranze, nei loro innamoramenti, nei loro tradimenti, nel loro affannarsi e credere in un futuro migliore. «Portare “A casa tutti bene” a teatro è per me un’avventura importante oltre che una naturale evoluzione della storia.» spiega Gabriele Muccino

«L’unità di luogo e di tempo, concentrata nella casa di famiglia, si adatta perfettamente al linguaggio teatrale, trasformando il palco in un microcosmo dove esplodono le dinamiche familiari.

Il teatro amplifica l’intensità emotiva dei personaggi, rendendo il pubblico partecipe delle loro fragilità e tensioni.
È un racconto universale in cui ognuno può riconoscersi, trovando nei complessi legami familiari un riflesso delle proprie esperienze.
Con questo adattamento voglio offrire un’esperienza intima e profonda, che catturi l’essenza della famiglia, con le sue imperfezioni e i suoi conflitti».
Lo spettacolo, inserito nella stagione teatrale Turi Ferro, debutterà dall’8 al 18 gennaio 2026 al Teatro Abc di Catania.
Si segnala, inoltre, che Giuseppe Zeno e Anna Galiena, insieme a tutto il cast, avranno il piacere di incontrare il pubblico presso l’Abc di Catania.
I posti sono limitati e, per saper la giornata e prenotarsi,ci sarà un forum sui social della pagina del Teatro.

Teatro Abc

Homepage

Via Pietro Mascagni, 94 – 95129 Catania (CT)

Info: 095 538188 / 333 7781632

Orari biglietteria: da lunedì a sabato dalle 16 alle 20 – giovedì dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 20

Link per acquisto spettacoli: https://www.liveticket.it/opera.aspx?Id=617127

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È la storia di un uomo e di una donna, Tommaso e Gerardina che si conoscono fin da bambini per ritrovarsi fino alla vecchiaia, alternando momenti di vicinanza e lontananza.

Tom odia la matematica e cerca nella vita un approccio più flessibile o a volte più intuitivo e da qui nasce l’attrazione per la spumeggiante Gerri che incarna la libertà, la creatività e la ribellione.

Tom e Gerri, si riconoscono come anime gemelle, si trovano, si perdono e si ritrovano:  è la metafora del ciclo dell’amore, una connessione che si sviluppa nello spazio e nel tempo e che si trasforma con le varie fasi della vita. Le loro strade si dividono, simboleggiando le difficoltà, i momenti di separazione e la perdita reciproca. Il percorso si conclude con il ritrovamento, il ritorno l’uno all’altra per rinascere più innamorati e più uniti che mai. I nostri protagonisti sono due spiriti affini che si attraggono, attirandosi e respingendosi fino a che non decidono di fermarsi.

Una commedia dal sapore agrodolce e nostalgico che  fa riflettere, sorridere, divertire e commuovere allo stesso tempo.

Michele La Ginestra, che mai recita ma sempre interpreta, è capace di dominare la scena con disinvoltura e grandi doti interpretative. Edy Angelillo è una partner perfetta, solare, autentica e intensa.

Per celebrare la matematica dell’amore qualche numero in evidenza: dal 2008, anno del debutto di questo meraviglioso atto unico, ad oggi, dopo ben 17 anni, i 2 interpreti sono sempre più affiatati mostrando una forte sintonia.

Il loro successo deriva dal lavoro di squadra, più che dalla somma delle capacità individuali.

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Villa Carpegna, Polo Culturale Ex Campari

 e Parco Commendone (Roma)

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura è vincitore dell’Avviso Pubblico Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno in collaborazione con Zètema Progetto Cultura

Dopo il successo della quinta edizione, che ha registrato migliaia di presenze e un’attenzione sempre crescente, torna a Roma Il Giardino delle Fiabe – Tra tradizione e innovazione. La rassegna – ideata e diretta da Annabella Calabrese con Daniele Esposito e organizzata da Le Chat Noir APS – giunge quest’anno alla sua sesta edizione ed è in programma dal 4 al 21 settembre 2025 tra Villa Carpegna, il Polo Culturale Ex Campari e il Parco Commendone, nel XIII Municipio.

Diciotto giorni di attività, oltre venti appuntamenti, una residenza artistica, tre spettacoli itineranti in Silent Theatre, un concerto, uno spettacolo di danza, laboratori, talk e installazioni multimediali: un mosaico di arti e linguaggi che riconferma il Festival come uno dei punti di riferimento nazionali per il teatro ragazzi e per la valorizzazione della fiaba popolare italiana.

«Siamo emozionati di accogliere il pubblico per la sesta edizione del Festival, che rappresenta per noi un momento di incontro e di crescita continua» – sottolinea la direttrice artistica Annabella Calabrese. – «Con il Giardino delle Fiabe cerchiamo ogni anno di offrire ai bambini e alle famiglie un’esperienza immersiva e giocosa, che sappia al tempo stesso trasmettere valori profondi. Le fiabe, da sempre, custodiscono insegnamenti universali: ci ricordano quanto sia fondamentale vivere in pace tra i popoli, rispettare la natura e gli animali e coltivare la solidarietà come strumento di convivenza civile. Attraverso spettacoli, laboratori e incontri vogliamo che queste storie antiche continuino a parlare ai piccoli spettatori di oggi, stimolando immaginazione e senso critico. È questo il cuore del nostro lavoro: educare al futuro attraverso la bellezza della tradizione».

Il programma 2025

Il cartellone si apre il 6 settembre con il Laboratorio di improvvisazione teatrale per bambini e genitori a cura di Annabella Calabrese e Daniele Esposito, seguito da Fiabe a Comando!, lo spettacolo partecipativo in cui il copione lo scrive il pubblico stesso insieme agli attori in scena.

Il 7 settembre sarà la volta del Laboratorio di percussioni con Ivana Labellarte e del debutto di Once Upon a Time…, lo spettacolo bilingue in inglese e italiano con Craig Peritz e Anita Tenerelli di The Turnabout.

Il 13 settembre al Polo Ex Campari si terrà il Workshop di danza ed educazione al movimento con Marco Vesica e Ilaria Fioravanti, un laboratorio esperienziale che unisce danza, gioco e consapevolezza corporea, aperto a bambini e genitori. A seguire il talk Visioni a colori con le illustratrici Angela Piacentini, Maria Giròn e Valeria Abatzoglu, la presentazione La magia della lettura con autori emergenti dell’editoria infantile e lo spettacolo coreutico Fiabe a passo di danza, scritto e diretto da Annabella Calabrese con Ilaria Fioravanti e le coreografie di Marco Vesica.

Il 14 settembre, sempre al Polo Ex Campari, si terrà l’incontro L’incanto del cinema con i registi Denis Rabaglia e Luna Gualano. A seguire il concerto interattivo Musica in libertà del Quartetto Sharareh, accompagnato dalle letture di Vincenzo Iantorno.

Dal 19 al 21 settembre il Festival culminerà a Villa Carpegna con i tre grandi spettacoli itineranti e immersivi nati nel corso di una residenza artistica dedicata ad attori under 35 e scritti e diretti da Annabella Calabrese e Daniele Esposito: Fiabe di bestie magiche e metamorfosi (19 settembre), Fiabe di astuzie e tranelli (20 settembre) e Fiabe di fanciulle che sfidano il loro destino (21 settembre). Accanto a questi percorsi in Silent Theatre, pensati per tutte le età, saranno proposti anche due appuntamenti dedicati specificamente ai più piccoli: Ninnillo e Nennella (20 settembre, ore 11.00) e La bambina venduta con le pere (21 settembre, ore 11.00), spettacoli di narrazione e burattini con Annabella Calabrese e Giovanna Cappuccio, che portano in scena fiabe antiche con semplicità e poesia, a misura dei bambini da 0 a 6 anni.

Completano il cartellone le azioni urbane di Fiabe in viaggio, che porteranno brevi spettacoli nei centri anziani, nelle scuole e nelle case-famiglia del Municipio XIII, e le installazioni multimediali Il Giardino racconta (dal 4 al 21 settembre a Villa Carpegna e al Parco Commendone), percorsi interattivi con sagome illustrate, QR code, video-animazioni e podcast dedicati ai personaggi e alle fiabe originali che hanno ispirato gli spettacoli del Festival.

Innovazione digitale

Grande elemento di innovazione dell’evento è l’App ufficiale “Il Giardino delle Fiabe”, accessibile inquadrando i QR code esposti nelle location del Festival. All’interno dell’App i bambini potranno scoprire origini e curiosità dei personaggi delle fiabe, seguire animazioni dedicate e accedere a contenuti video extra. Durante gli spettacoli itineranti, le cuffie Silent Theatre distribuite all’ingresso permetteranno di ascoltare in diretta l’audio delle rappresentazioni, rendendo l’esperienza ancora più immersiva. L’App sarà anche un utile strumento per i genitori, che potranno consultare programmi, orari e luoghi degli eventi.

Accanto all’App, le installazioni multimediali Il Giardino racconta arricchiscono ulteriormente il Festival: due percorsi audio-video (a Villa Carpegna e al Parco Commendone) con sagome illustrate e QR code attraverso i quali sarà possibile accedere a video-animazioni e a un podcast dedicato alle fiabe originali, offrendo così al pubblico una narrazione parallela e complementare rispetto agli spettacoli dal vivo.

Accessibilità

Particolare attenzione è dedicata all’inclusione e alla fruibilità degli spettacoli da parte di tutto il pubblico. Tutti gli spettacoli del Festival sono accessibili a persone con mobilità ridotta, grazie a percorsi dedicati e personale di supporto presente in loco.

Inoltre, per gli spettacoli itineranti in Silent Theatre (Fiabe di bestie magiche e metamorfosi, Fiabe di astuzie e tranelli, Fiabe di fanciulle che sfidano il loro destino) saranno disponibili, su richiesta, interpretariato LIS, audiodescrizione per non vedenti e traduzione in lingua inglese.

I servizi di accessibilità (Lis, audiodescrizione e traduzione in lingua inglese) sono gratuiti, ma vanno richiesti con prenotazione obbligatoria almeno una settimana prima dell’evento tramite il sito ufficiale www.ilgiardinodellefiabe.info.

Organizzazione e direzione artistica

Il Giardino delle Fiabe è organizzato da Le Chat Noir APS, associazione giovanile attiva sul territorio romano da anni, con esperienze in spettacoli, cortometraggi e format innovativi (tra cui il cortometraggio vincitore del Globo d’oro Venti Minuti e format come Shakespeare in Wine e Fiabe a Palazzo).

La direzione artistica è di Annabella Calabrese, attrice, regista e autrice nota al grande pubblico per il film Un nemico che ti vuole bene di Denis Rabaglia, presentato al Festival di Locarno. Vincitrice di contributi selettivi del MiBACT alla sceneggiatura e alla produzione, ha ideato il Festival e ne firma la scrittura e regia di tutti gli spettacoli. Al suo fianco Daniele Esposito, regista e autore, vincitore del Globo d’Oro con il cortometraggio Venti minuti e di numerosi premi internazionali. Partner tecnico dell’edizione 2025 è il TH Roma – Carpegna Palace Hotel.

Ingresso gratuito e prenotazioni

Il giardino delle fiabe è un festival aperto a tutti, che vuole essere esperienza condivisa e accessibile, senza barriere né costi. Tutti gli eventi, infatti, sono gratuiti con prenotazione obbligatoria.

È possibile riservare il proprio posto tramite la piattaforma Eventbrite o attraverso l’App ufficiale “Il Giardino delle Fiabe”, dove è disponibile il calendario aggiornato di spettacoli, laboratori e incontri. Per gli spettacoli itineranti si consiglia al pubblico di portare teli o stuoie per accomodarsi sul prato.

Per info e prenotazioni: www.ilgiardinodellefiabe.info – Tel. 349 6159462

«Condividere una fiaba significa riscoprire la bellezza di stare insieme e la forza di credere in un futuro migliore» – sottolinea Annabella Calabrese.

www.ilgiardinodellefiabe.info

TELEFONO 3496159462

Come raggiungerci

VILLA CARPEGNA (Piazza di Villa Carpegna, Roma)

linea metropolitana A (FERMATA CORNELIA) linee autobus 881, 46/, 98, 916, 791

POLO CULTURALE EX CAMPARI (Via Gaetano Mazzoni, 85, Roma)

linea metropolitana A (Baldo degli Ubaldi) e linee autobus 980, 981, 983, 985 (fermate Cornelia/Bistagno e Cornelia/Vallelunga).

PARCO COMMENDONE (via Decio Azzolino, Roma)

 linea metropolitana A (Cornelia) e linee autobus 46B, 546, 916, 981, 983 (fermata “Commendone/Azzolino 1”).

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Danilo De Santis

Gli attori in scena sono perfettamente in sintonia, esprimendo al meglio il loro talento. Danilo De Santis nel ruolo di Attilio è credibile, divertente e soprattutto autentico.

Chiara Canitano

Chiara Canitano interpreta una Sofia indimenticabile, bella e simpatica, che rimane impressa nella mente dello spettatore.
Risate assicurate!

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La storia dell’Italia del tardo ottocento si intreccia a quella di un teatro, quello di Bologna, intitolato a lei,ancora vivente: la Divina. Eleonora Duse  e le sue interpretazioni, « piccole rivoluzioni » che  la resero leggenda.  Il  suo linguaggio era universale, era il linguaggio dell’arte. Portava sulla scena tutte le possibili sfaccettature di una vita piena di precarietà e di inarrivabili equilibri. (In “Undulna” Solfanelli editore, Coordinamento scientifico Pierfranco Bruni, curatela Franca De Santis)

L’Italia del 1898 era attraversata da moti e rivoluzioni. Da Milano, a Barletta, a Palermo, in una giovane Italia da pochi anni unita sotto un’unica bandiera sabauda, la classe operaia di una nascente realtà industriale e imprenditoriale si rivoltò contro le politiche coloniali, la sanguinosa capitolazione di Adua, la fame che purtroppo correva inarrestabile non solo nelle periferie delle grandi città.
A gennaio innumerevoli manifestazioni, sempre represse dal governo, si svolsero lungo tutta la penisola per il pane, il lavoro e contro le imposte: nelle province di Modena e Bologna intervennero interi reparti di fanteria, e la polizia arrestò decine di persone.

Quando venne aumentato il prezzo del pane, la reazione popolare non si fece attendere: a Forlì i manifestanti subirono le cariche della polizia, e la manifestazione degenerò in tumulto; ad Ancona e a Senigallia intervenne un battaglione di fanteria inviato da Pesaro.
Ancona fu affidata al generale Baldissera il quale, assumendo i pieni poteri militari, ordinò arresti di massa. Il 3 gennaio il governo decise di attuare una diminuzione minima della tassa doganale sul grano, misura del tutto insufficiente, e, dando avvio alle contromosse approvate durante il mese di dicembre del 1897, richiamò alle armi 40.000 riservisti da impiegare nella repressione delle manifestazioni.

Le proteste si fecero sentire in tutta Italia, scioperi e tumulti si contarono a decine in Sicilia, in Campania, nelle Marche. Il sentimento antimonarchico cresceva.

Accadeva a Bologna

Bologna era una ricca città dal 1861 non più controllata dalla Chiesa e dal Regno pontificio. Imprenditori e artigiani davano libero sfogo a nuovi filoni di commercio avvantaggiandosi anche della fortunata posizione, crocevia di flussi marittimi, fluviali e da poco anche ferroviari.
La nuova stazione centrale di Bologna fu inaugurata nel 1871. Confermò l’importanza della strada ferrata decisa nel 1851, da un accordo internazionale fra lo Stato Pontificio, i Ducati Emiliani (Modena e Parma), il Granducato di Toscana e l’Impero austriaco, direttamente interessato ad allargare al Tirreno le sue possibilità di traffico civile e militare, all’epoca limitate all’Adriatico con Trieste e Venezia.
Il progetto prevedeva la costruzione di una strada ferrata da Piacenza a Firenze passando per Bologna, allora seconda città dello Stato Pontificio, dopo Roma.
Bologna quindi era un crocevia di merci, viaggiatori, idee e contaminazioni che investirono tutti i settori del commercio, dell’arte e della cultura e di cui i curiosi cittadini, da sempre disponibili ad accogliere mode e suggestioni d’oltre Alpe, si nutrivano volentieri.
La Bologna di fine ‘800 stava attraversando un cambiamento eccezionale: tutto l’assetto urbanistico era stato rivisitato e ridisegnato dall’architetto Alfonso Rubbiani, innovatore di stampo europeo, anche se figlio di un funzionario pontificio, che aveva introdotto nuovi stili di restauro e recupero di antiche parti medioevali della città, ricomposto le antiche tombe monumentali dei glossatori, progettato nuove aperture, viali e canalizzazioni.
Forse interpretava le aspirazioni di rinnovamento e di slancio verso il nuovo secolo che prometteva grandi cambiamenti.
Rubbiani fu anche segretario della sezione Bolognese del Club Alpino Italiano e sostenitore della linea ferroviaria fra Bologna Budrio e l’area di Comacchio, per un riscatto da secoli di malaria e povertà.
Attorno alla sua figura eclettica e carismatica, si costituì una vera e propria compagnia di moderni artieri, la Gilda di San Francesco, cui vennero affidati i lavori artistici sia nella basilica bolognese, sia in quella di Sant’Antonio a Padova.
Forse fece leva sulla sua origine integrata in un asset pontificio per introdurre le vere innovazioni a cui era interessato.

Coincidenze coincisive

Dal 1898 il Comune di Bologna in pieno slancio sociale, istituì la sezione scolastica dell’Ufficio d’Igiene, per il controllo della salubrità delle scuole, la salute e la corretta crescita degli alunni, la individuazione tempestiva delle malattie infettive, tutti compiti prima affidati ai medici condotti a volte un po’ corrotti.

E sempre nel 1898 Rubbiani diede vita a un’altra coraggiosa impresa sociale, l’Aemilia Ars, assieme al conte Francesco Cavazza, per dare un lavoro onesto a ragazze povere che avrebbero rischiato l’emarginazione della prostituzione se non dotate di mezzi autonomi di sussistenza.
Aemilia Ars fu un’impresa manifatturiera che produsse molteplici oggetti d’uso quotidiano (pizzi, mobilia, gioielli, tipografia) di raffinata esecuzione, sull’esempio dell’Arts and Crafts Movement di William Morris e di analoghe esperienze europee con le quali Alfonso Rubbiani era in continuo scambio.
Alfonso Rubbiani nacque il 3 ottobre 1848, Eleonora Duse il 3 ottobre 1858.

Eleonora e le sue interpretazioni che erano piccole rivoluzioni

Negli anni ottanta del XIX secolo Eleonora Duse compì le scelte di repertorio che segnarono il suo percorso artistico e la sua carriera.

Un repertorio che le permise di esprimere il suo sentimento di crisi rispetto all’epoca di cui faceva parte.
Vista la sostanziale assenza di una drammaturgia in Italia i testi che sceglieva e prediligeva erano perlopiù le pièces bien faites francesi: moderne, mondane, di forte richiamo per i rinnovati gusti del mutato pubblico del secondo Ottocento. Nelle interpretazioni di Eleonora Duse i drammi di Victorien Sardou e di Alexandre Dumas figlio diventavano partiture da smontare per poter essere poi riempite del messaggio tutto personale di Duse che voleva mettere in crisi quei valori borghesi, rappresentarli quindi così come essi si presentavano nella realtà.
I temi che Eleonora Duse volle affrontare erano quelli più spinosi e più rappresentativi della società borghese dell’epoca: denaro, sesso, famiglia, matrimonio, ruolo della donna.
Nella sua scomoda vita di teatrante itinerante li aveva conosciuti tutti e poteva raccontarne sulla scena tutte le possibili sfaccettature di una vita piena di precarietà e di inarrivabili equilibri.
Negli anni 1890, Eleonora Duse portò sulle scene italiane i drammi di Henrik Ibsen (Casa di bambola, La donna del mare).
Evidentemente anche il pubblico italiano era maturo per questa nuova drammaturgia e per un nuovo stile interpretativo.

1898 il principale teatro di Bologna venne intitolato alla Duse ancor vivente

Nell’eccitato clima di fervore intellettuale fin du siecle di Bologna, Adolfo Re Riccardi il nuovo benestante proprietario del noto Teatro Brunetti di Via Cartoleria, nella parte aristocratica del centro storico di Bologna, che già aveva ospitato pochi anni prima due rappresentazioni di Sarah Bernhardt alla presenza del Re Umberto I e della Regina Margherita, sfogò il proprio entusiasmo artistico per la moderna interpretazione recitativa di Eleonora Duse che era ormai celebrata sia in Italia che anche all’estero.

Decise di intitolare a lei, donna, libera cantora di un’arte rigenerata e ancor vivente, nel fiore dei suoi 40 anni, questo prestigioso podio teatrale. O forse fu solo un’abile strategia di marketing.
Il teatro è rimasto da allora intitolato a Eleonora Duse e tutt’oggi è la perla della prosa a Bologna.
Ha cambiato colori, padroni e amministrazioni, ma non ha mai cambiato nome.
Eleonora Duse recitò in questo teatro

Aveva sette anni quando per la prima volta nel teatro Duse, allora chiamato Brunetti, interpretò Cozeta nei ‘Miserabili’ di Victor Hugo, ma la vera consacrazione avvenne il 4 marzo 2014 quando Eleonora recitò nel teatro a lei dedicato in due edizioni della ‘Donna del Mare’ di Ibsen e della ‘Porta chiusa’ di Mario Praga.
Al suo ingresso in scena l’attrice fu accolta da una vera e propria ovazione, la più lunga mai tributata nei teatri bolognesi.
Proviamo a immaginare un’attrice quasi sessantenne che aveva sempre e solo recitato in italiano, interpretare la tormentata interiorità di Ibsen.
Le cronache ci narrano il suo modo molto femminile, intenso, scivolato verso la nevrosi e l’alienazione. Una presenza scenica dove gesti, postura e movimento erano già tecniche non verbali consapevolmente utilizzate. Fu, ai suoi tempi, una delle dive più fotografate nella scena e nella vita.

Il suo repertorio era moderno e di forte richiamo: dal verismo della Cavalleria rusticana di Giovanni Verga, dove interpretò Santuzza, ai già citati drammi di Victorien Sardou e Alexandre Dumas figlio, che facevano parte del repertorio della grande attrice francese Sarah Bernhardt.
Fra le due attrici naturalmente c’era una forte rivalità che divideva i critici teatrali, ma alimentava l’alone di fascino.
La Duse ebbe amicizie con alcune delle personalità più note dell’epoca, come la scrittrice Sibilla Aleramo e la danzatrice Isadora Duncan.

Il famoso Arrigo Boito adattò per lei ‘Antonio e Cleopatra’ ma la loro relazione restò sempre segreta e durò, fra alti e bassi, per diversi anni.
In questo periodo, l’attrice frequentò gli ambienti della Scapigliatura e il suo repertorio si arricchì anche dei drammi di Giuseppe Giacosa, amico di Boito.
Ben diversa e tempestosa fu la relazione con D’Annunzio, i cui rumori furono seguiti dalle cronache dell’epoca, ma in fondo ogni relazione diede un contributo, una sfumatura diversa allo stile con cui la Duse abitava i personaggi e lasciava emozioni indelebili.
A San Pietroburgo interpretò ’Antonio e Cleopatra’ in italiano e Cecov esclamò “Non conosco l’italiano, ma la Duse ha recitato così bene che mi è sembrato di comprendere ogni parola”.
A noi posteri l’ardua sentenza.

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Eleonora Duse è il mito di un secolo di teatro che recupera la tradizione e la innova nei modelli che saranno poi quelli cinematografici dei primi decenni del Novecento.

Infatti con lei il cinema si approprierà del retroscena che diventa scena per mostrarsi come ribalta.

Con il film che la Divina porta sulla scena, ovvero “Cenere” di Grazia Deledda, entra nel cinema muto e in bianco e nero la gestualità che la corporeità fisicità definisce nei movimenti.

Gli occhi e lo sguardo. Il passo e le mani. La posa e le mani. Elementi che creano gli effetti. Pirandello e il suo d’Annunzio studiavano il “Si gira…” e lei gira il suo dramma di madre tragica con un figlio morto tra le braccia.

È la rivoluzione delle arti nella complessità. La sua formazione autodidatta è esperienza oltre le righe. Aveva portato in scena prima dell’incontro con D’Annunzio Hugo, Ibsen e, successivamente, il mondo russo.

Con il Vate cambia registro e il personaggio diventa la metafora di un io drammaticamente narrante. Si pensi a “Francesca da Rimini” del 1901.

Un tempo il teatro era la vita. Così fu per la Divina. Bisogna tenere in giusta considerazione la donna Eleonora per comprendere fino in fondo il resto, perché fu divina e non attrice soltanto.

In “Undulna”, libro edito da Solfanelli, e composto da contributi notevoli, tutto questo è ben marcato.

Il racconto degli amori è essenziale, ma è la incarnazione dei personaggi che diventa mescolanza di vita e teatro.

Recitare è uscire da sé stessi. Lei non esce mai da quel se stesso. Si pensi a uno dei primi testi “La Gioconda” rappresentata per la prima volta a Palermo.

Un entrare nel mondo dei personaggi rivoluzionandoli con l’essere lei personaggio e donna sulla scena. Non una metafora questa volta.

Una vera e propria metamorfosi tra l’onirico, il tragico e la seduzione. Sedursi per Eleonora ha significato essere ciò che porta sulla scena, ovvero ciò che interpreta.

Quante vite è stata e quante vite ha vissuto? Il teatro post melodrammatico è in lei. Il teatro che crea e non rappresenta. Lei creatrice o ricreatrice. L’arte di essere sempre se stessa intrecciando vite e racconti. Mai confondendo.

Gabriele conosceva la forza mimetica di quest’arte e la utilizza per comporre le sue opere per lei. Una contemplazione del pensiero che si traduce in rivelazione di un’arte tutta nuova e fuori dai canoni pre raffigurati. Siamo al centro di quel teatro post illuminista e, chiaramente, post goldoniano. Più che un fare si tratta di un essere tra l’estetica, la simbologia e la metafisica.

Eleonora aveva qualcosa di filosofico perché la meditazione era scena, la contemplazione gestualità, il tempo sguardo, sguardo profondo e proiettante e profetico. In questi dettagli il teatro è vissuto. Una stanza abitazione sul davanzale della rappresentazione come atto esistenziale.

Carpire il significato significa anche dare un senso al significante del silenzio più che della parola. Non aveva la parola come voce, ma il linguaggio si dettava come linguaggi.

Marta Abba

Certo, la comparazione con Marta Abba e con Sarah Bernhardt potrebbe essere importante in quel

Sarah Bernhardt

contesto. Eleonora però è altro. È la letteratura del senso nel senso del tragico. Un gioco a incastro che ha caratterizzato la donna del pineto amata da Gabriele. È come se la leggenda fosse più importante della storia stessa.

Il teatro di Eleonora non è, dunque, un’epoca soltanto. Si lascia alle spalle Arrigo Boito,  che non fu neppure il primo amore, con il suo melodramma che non accettava la poesia in teatro, e si definisce, anche grazie a Matilde Serao, l’intraprendente musa dannunziana che entra nel mito. In fondo con Gabriele la grecità diventa non ambiente, bensì personaggio.

È su e con questo che con Eleonora inizia il divino simbolico che porta sulla scena quella griglia di archetipi che la renderanno immortale.

Insomma.

Si racconta di Eleonora, ovvero la Divina. Ci sono letture comparate e si “interpreta” non solo un modello di fare teatro ma una vita in teatro. Quando l’esistenza diventa recita si scorge il fallimento. Quando la recita è esistenza si entra in quel teatro che penetra il senso di una vita.

Un gioco? No. Eleonora Duse è stata Undulna, Ermione, Ghisola, il fuoco e il notturno, la pioggia nella Versilia… Bisogna abitare la sua malinconia, il suo essere stata Francesca nell’Inferno, il suo sottosuolo e madre nel reale e in Deledda…

Non è affatto vero che il suo Cenere sia un testo drammatico cinematografico minore. C’è la donna che ha perso un figlio …

C’è la tragedia della solitudine… Tutto possiamo dire e ascoltare ma il suo vero e grande amore dei suoi amori è stato Gabri. Il Vate. Gabriele d’Annunzio è rimasto nella sua vita come la Divina è sempre stata, nonostante tutto, il vero grande amore per il quale la poesia ha toccato la cima del pineto…

Senza Gabri Eleonora sarebbe ancora a Pittsburgh. Resta comunque importante legare le donne in teatro. Le voci che creano l’immaginario. Duse. Deledda. Serao. E poi Marta Abba e Sarah Bernhardt. Nella rappresentazione del tempo le vite sono intreccio  lungo il destino dei linguaggi. Oltre i conflitti e le tragedie.

Pierfranco Bruni – Comitato Nazionale Celebrazioni Duse.

Pierfranco Bruni è nato in Calabria e vive tra Roma e la Puglia. Scrittore, poeta, italianista e critico letterario, già direttore archeologo presso il Ministero della Cultura. Esperto di Letteratura dei Mediterranei, vive la letteratura come modello di antropologia religiosa. Ha pubblicato diversi testi sulla cristianità in letteratura. Il suo stile analitico gli permette di fornire visioni sempre inedite su tematiche letterarie, filosofiche e metafisiche. Si è dedicato al legame tra letteratura e favola, letteratura e mondo sciamanico, linguaggi e alchimia. Ha pubblicato oltre 120 libri, tra poesia saggistica e narrativa. È presidente del Centro Studi e Ricerche “Francesco Grisi”. Ricopre incarichi istituzionali inerenti la promozione della cultura e della letteratura. Quest’anno con decreto del Ministero della Cultura Mic , è stato nominato Presidente della Commissione per il conferimento del titolo di “Capitale italiana del Libro 2024“. Recente è inoltre l’incarico assegnato sempre dal Mic di Componente dellaGiunta del Comitato nazionale per il centenario della morte di Eleonora Duse (21 aprile 1914 – 21 aprile 2024)  direttore scientifico nazionale del Progetto Undulna Duse 100 e del Progetto nazionale Manlio Sgalambro a 100 anni dalla nascita. Entrambi indetti dal Ministero della Cultura  (MiC)
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