L’acqua che scorre ogni giorno nelle abitazioni, negli alberghi, negli ospedali, negli impianti sportivi e nei luoghi di lavoro è una risorsa essenziale, ma richiede una gestione attenta anche dal punto di vista della sicurezza sanitaria. Tra i rischi microbiologici più rilevanti figura la legionellosi, una patologia che continua a rappresentare una sfida per la salute pubblica e che oggi viene affrontata con strumenti normativi e scientifici sempre più mirati.

In questo approfondimento il professor Vincenzo Romano Spica, Ordinario di Igiene e Sanità Pubblica e Direttore del Laboratorio di Epidemiologia e Biotecnologie dell’Università degli Studi di Roma “Foro Italico”, illustra le più recenti evidenze scientifiche sul controllo di Legionella pneumophila, spiegando come il nuovo approccio adottato dall’Italia punti a coniugare prevenzione, sostenibilità ambientale e tutela della salute secondo la visione integrata di One Health 

L’acqua è un bene inestimabile alla base della vita sul pianeta e della salute di ogni essere umano. Anzi, ogni forma di vita, dai microscopici batteri ai grandi cetacei, dai fiori dei campi agli alberi della foresta tropicale, sono –“siamo”- fatti soprattutto di acqua (60-80%). Il nostro stesso satellite in cui viviamo è fatto più di acqua che di terra! Non a caso, Jeremy Rifkin propone di modificare il nome del Pianeta Terra in “Pianeta Acqua”.

La biodiversità di animali e piante che vediamo nei diversi ambienti naturali, dipende dalla biodiversità di invisibili microflore presenti nell’acqua: il loro microbiota.

La nostra salute dipende dalla salute degli ecosistemi, in una prospettiva unica e interconnessa di “One Health”. Tra questi microrganismi innocui e anzi benefici, ve ne sono raramente alcuni patogeni, da cui dobbiamo difenderci. Tuttavia, sarebbe assurdo e anzi dannoso pretendere di disporre di acqua senza microbi, ossia sterile e senza vita.

Con il progresso tecnologico e l’estendersi dell’urbanizzazione, il tema acqua ha iniziato a riguardare anche le nostre case, gli edifici in cui lavoriamo o in cui svolgiamo attività ricreative, ludiche o sportive. Dal rubinetto di un bar alla doccia di un albergo, dalle fontane di stazioni e aeroporti agli impianti idrici di industrie specializzate, l’acqua “gira” tra le mura in cui abitiamo, tra tubature e serbatoi. La sua forza vitale si mantiene anche in ambienti indoor, alimentando una biodiversità che il più delle volte è invisibile, ma sempre presente. Tra le numerosissime specie di microrganismi acquatici, alcune, in condizioni particolari possono anche divenire patogene e pericolose soprattutto per soggetti fragili.

Tra queste Legionella pneumophila, un batterio acquatico spesso alla ribalta sui media, in quanto attraverso aerosol può in rare situazioni essere inalato e determinare una polmonite grave che prende il nome di Malattia dei Legionari dalla prima epidemia che colpì un raduno di veterani in un albergo di Filadelfia, in USA, nel 1976.

L’emergere della Legionella pneumophila come principale responsabile della Malattia del Legionario o Legionellosi, ha portato scienziati e decisori a rivedere le modalità di sorveglianza e gestione degli impianti idrici. Una recente analisi costi-benefici condotta dal Laboratorio di Epidemiologia dellUniversità di Roma “Foro Italico” (Romano Spica et al, Water 2024), in collaborazione con ricercatori europei, mostra perché concentrare l’attenzione proprio su L. pneumophila rappresenti non solo una scelta più efficace per la tutela della salute pubblica, ma anche più efficiente dal punto di vista economico e più sostenibile per l’ambiente.

Il nuovo decreto italiano sulla gestione dell’acqua negli edifici (DL18-23) include misure per la prevenzione della Legionellosi, in linea con la revisione della Direttiva europea 2020/2184 sulla qualità delle acque destinate al consumo umano. Questi documenti segnano un importante passo avanti nella regolazione della sicurezza idrica nei diversi ambienti di vita.

Legionella pneumophila è inserita come parametro di sorveglianza nella routine dei controlli, accanto al gruppo più ampio delle altre decine di specie di Legionelle che appartengono a questa famiglia di batteri acquatici. Il decreto riconosce che il controllo di L. pneumophila è fondamentale per prevenire la Legionellosi, imponendo test sistematici e regolari in una vasta gamma di impianti, tra cui strutture pubbliche, sanitarie, ricreative, turistiche, ambienti di lavoro, impianti sportivi o per la riabilitazione.

Questa scelta risponde direttamente all’evidenza clinica: L. pneumophila è responsabile della grande maggioranza dei casi e dei focolai di Legionellosi, come confermato da dati dell’Istituto Superiore di Sanità (ISS) e del Centro europeo per la prevenzione e il controllo delle malattie (ECDC).

Allo stesso tempo, le altre specie (spp) di Legionella restano parte del quadro normativo italiano, in particolare nell’ambito delle valutazioni del rischio. Il controllo delle varie Legionelle spp. resta fondamentale specie in ambienti complessi o ad alto rischio, come ospedali, anche se il modello sperimentale utilizzato suggerisce chiaramente come L. pneumophila resti il parametro più rilevante e critico per la sorveglianza e tutela della salute.

Questo cambiamento riflette un allineamento razionale tra regolazione, rischio e risorse. La ricerca dimostra che, concentrando il monitoring e le azioni di controllo su L. pneumophila, è possibile:

– Migliorare e mirare la rilevanza preventiva degli effetti del monitoraggio ambientale su ampia scala.

– Ridurre costi superflui legati a bonifiche non necessarie o derivanti da controlli troppo generici.

– Intervenire più tempestivamente e in modo meno dispersivo, grazie a soglie più chiare e protocolli di risposta noti da tempo.

In sintesi, nella complessa biodiversità delle acque destinate al consumo umano, controllare la principale causa specifica della malattia è una scelta efficace ed efficiente, importante sia dal punto di vista di sanità pubblica che economico, come in una prospettiva di sostenibilità ambientale.

Con l’arrivo dell’estate e della stagione balneare, aumenta il rischio di focolai di Legionella, che preferisce crescere in acqua calda-tiepida.

I cambiamenti climatici potrebbero favorire questo pericolo, anche se al momento le evidenze sono ancora limitate e contraddittorie. In infrastrutture turistiche, come docce di hotel, torri di raffreddamento, spogliatoi di piscine e vasche idromassaggio il numero di utilizzatori più elevato aumenta i rischi di infezione, specie in soggetti fragili.

Chiusure prolungate o intermittenti -come avvenne durante la pandemia- sono particolarmente pericolose per favorire un’eccessiva proliferazione microbica, legata al ristagno e riscaldamento dell’acqua.

La prevenzione si basa sulla sorveglianza, su controlli periodici dell’acqua, e sulla disinfezione mirata.

Un altro ambito in cui il controllo del rischio Legionellosi sta acquisendo rilevanza è il riutilizzo di acque reflue in agricoltura, industrie e vari altri ambiti. Nei Paesi Bassi, ad esempio, avanzati programmi di riuso delle acque hanno iniziato a integrare sistemi di monitoraggio di L. pneumophila negli scarichi, anche a seguito di alcuni focolai di malattia, ripetutisi nell’ultimo decennio.

Questi esempi evidenziano come la consapevolezza sull’importanza di L. pneumophila stia crescendo, non solo come parametro per la sicurezza dell’acqua di rubinetto, ma anche come elemento chiave nella più ampia economia circolare dell’acqua.

Il nuovo approccio normativo italiano: un modello a due livelli

Il nuovo decreto italiano introduce protocolli per la prevenzione, e in alcune situazioni considera attuabile un modello di controllo a due livelli:

– Test di routine su L. pneumophila, basati sul suo ruolo dominante nella malattia, per una prevenzione continua e mirata;

– Test contestuali su Legionella spp. in presenza di fattori di rischio specifici, come impianti complessi o contaminazioni pregresse – in particolare negli ospedali- e|o quando presenti situazioni di fragilità e vulnerabilità.

Questo modello bilanciato permette azioni mirate senza rinunciare alla flessibilità, assicurando strategie proporzionate al rischio effettivo.

Questo approccio intelligente alla sorveglianza rappresenta un modello per altri Paesi. Anziché eseguire un monitoring ampio e in modo generico e reagire più lentamente, è infatti possibile:

– Concentrarsi sul patogeno principale e sugli ambienti che causano malattia e che può essere anche letale;

– Rilevare i problemi più precocemente grazie a indicatori clinicamente significativi, agili e diretti;

– Allineare le misure di risposta ai rischi sanitari effettivi, puntando a coprire la maggior parte delle situazioni ottimizzando l’uso delle risorse.

Tali considerazioni aprono a una evoluzione pragmatica delle politiche sanitarie suggerendo risultati importanti per la salute pubblica, senza sovraccaricare operatori coinvolti in analisi di laboratorio o interventi di bonifica su reti idriche di edifici contaminati da specie considerate non particolarmente virulente o patogene.

L’Italia guida con l’evidenza scientifica e il buon senso

Con l’introduzione formale di L. pneumophila come parametro di routine, pur mantenendo Legionella spp. nel quadro di rischio più ampio, il nuovo decreto italiano rappresenta un approccio sfumato e basato su prove. Nel contesto dell’attuazione della Direttiva Acque Potabili in tutta Europa, questo modello – in cui L. pneumophila è centrale ma non esclusiva – può ispirare altri Paesi a sviluppare sistemi di monitoraggio più intelligenti, sicuri e sostenibili.

Legionella insegna come la biodiversità dell’acqua possa comprendere anche microrganismi potenzialmente pericolosi, ma che fanno parte dell’ecosistema e abitano gli ambienti acquatici da molto prima di quando l’uomo abbia iniziato a costruire città e incanalato l’acqua negli impianti idrici degli edifici. Sarebbe irrealistico pensare di poter eliminare Legionella dalle acque, e controproducente per l’ambiente e per l’uomo immettere grandi quantità di biocidi pensando di annullare il rischio, imponendo la bonifica su larga scala di edifici in cui la presenza di una qualsiasi specie di Legionella fosse identificata. Focalizzare prioritariamente sul principale patogeno sembra poter essere una soluzione piu appropriata e sostenibile anche in una prospettiva di One Health, in cui la tutela della salute umana si coniughi con il rispetto dell’ambiente e di altri esseri viventi, intesi come parte di un unico ecosistema, parte costitutiva del “Pianeta Acqua”.

L’INTERVISTA DI VINCENZO ROMANO SPICA PUBBLICATA SU ANTERITALIA.ORG

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La Romania di Vincenti è racconto corale. È dieci vite che dicono una sola cosa: si può perdere il paese e ritrovare la voce. Si può essere senza casa e avere stile. Si può essere esuli e restare maestri di vita e di conoscenza. La nostalgia vive nei particolari: una casa, il profumo di un albero, la strada Mantuleasa di Eliade. Appartenere è un balsamo che genera benessere, è un  riferimento di un nostos che resta aggrovigliato all’anima.Il libro sarà occasione di incontro a Polignano a Mare il prossimo 11 Luglio in una conversazione tra Carolina Vincenti e Pierfranco Bruni

Il titolo traccia e crea immaginari che sono  già destino: “Fantasmi romeni”, La Lepre Edizioni, pagg. 112.  Carolina Vincenti apre il suo libro con una lettera. Non a un lettore. A un figlio che torna alle radici. La Romania non è cartografia. È memoria frammentata. È diaspora che non è dispersione. È viaggio che pone al centro il proprio essere e la propria consapevolezza. I dieci ritratti sono figure sospese tra Oriente e Occidente. Li accomuna l’esilio. Ma l’esilio, in Vincenti, non è pena. È un metodo. Anzi una ermeneutica. È un  modo di rispondere alla domanda: chi si è, da dove si viene, quale lingua si parla nei sogni. Con quale linguaggio arrivano i sogni nelle notti in cui il ricordo della Romania si fa memoria. Metafisica della memoria.

L’esule è l’uomo che non ha casa e per questo costruisce necessari archivi nel tempo. Il conforto dei ricordi è filo. La nostalgia vive nei particolari: una casa, il profumo di un albero, la strada Mantuleasa di Eliade. Appartenere è un balsamo che genera benessere. L’appartenenza è un  riferimento di un nostos che resta aggrovigliato all’anima. Carolina Vincenti struttura il libro come matrioska. Romania dentro l’esule. Esule dentro la lingua. Lingua dentro il sogno. Una impalcatura dunque a mosaico e ogni tassello ha il suo immaginario in cui l’onirico è attesa.  Il caleidoscopio ha nomi. Cioran, genio e flâneur fallito. Sergiu Celibidache, idolatrato e ostile alle registrazioni. Brancusi, avanguardia che tace. Paul Celan, poeta dell’agonia sublime. Panait Istrati, Gor’kij dei Balcani. Con loro Mircea Eliade, storico delle religioni e poeta. Con loro Ioan Petru Culianu, gnostico ucciso all’apice. Uno scenario dentro l’esistere che è tempo e vissuto. Perché ogni nome è scena. Ogni scena è esilio. Ogni esilio è ricerca di identità. Il punto centrale è proprio questo.

Mircea Eliade e Emil Cioran sono i due poli. Eliade viaggia tra Oriente e Occidente. India, Portogallo, America. Il suo tema è il sacro. Smantella il profano e ritrova il religioso sotto false vesti. Per Eliade non esiste società areligiosa. Il mito sopravvive travestito. Restano gli archetipi che incidono segni. Indefinibile e infiniti. Cioran si ritira a Parigi. Quartiere latino. Insonnia. Stile. Il suo tema è il nulla. È estetica del fallimento. È prosa che brucia la metafisica. È flâneur che non crede. Appunto è un tracciato in tragico di utopia. Due romeni. Due esili. Eliade cerca il centro. Cioran abita il bordo. Eliade scrive per ritrovare. Cioran scrive per perdere. Eppure l’amicizia regge più del fuoco. Perché l’esilio è patria più forte della patria. Radice intrecciato a radici.

L’esilio romeno del Novecento è un  fenomeno letterario e filosofico. È  metamorfosi e bilinguismo. L’uomo lascia la lingua madre e trova un’altra lingua. E in quella frattura nasce il pensiero. Non le idee o l’idea. Il pensiero. È ben altra cosa dell’idea. Cioran smette il romeno nel 1947. Scrive solo in francese. Ma dice: il meglio della dottrina è in romeno. Ricordo “Al culmine della disperazione”. È il suo libro chiave. L’esilio è tempo. È tempo della nostalgia che non guarda indietro. Guarda dentro. È viaggio tra ricerca e consapevolezza filosofica. È Romania ascoltata da chi l’ha perduta. Ciò che si perde ritorna sotto altri immaginari.
Carolina Vincenti è nata a Bucarest, cresciuta a Beirut, vive a Roma. È tre città in una. È identità stratificata. Cammina per Bucarest con i fantasmi come lari tutelari. I fantasmi rendono le città vere più dei vivi. E tutto in una elegante nobiltà che rende l’estetica la bellezza dei giorni.

La cultura romena è sommersa e mai perduta. È Cantemir, principe orientalista di confine. È Elena Ghica, archeologa con rivoltella che entra nel Monte Athos proibito alle donne. È Marta Bibescu, musa proustiana. In una profezia che è ricerca profonda del perduto in sentiero ritrovato. Le radici non sono solo terra. Sono la lingua dei sogni. Sono domande che l’esule porta con sé. Il senso del tragico incide in una cultura della teatralità. I romeni a Parigi sono tre volti del destino europeo: il sacro, il nulla, l’assurdo. Eliade, Cioran, Ionesco. Affascinanti viaggi nel misterioso che incantata. Il tragico è sapere che l’esilio è rifugio e pericolo. È solidarietà e ombra. È patto di silenzio tra chi ha vissuto un secolo e lo ha attraversato come epoca. La teatralità è gesto. Brancusi non parla di sé. Celibidache non registra. Celan scrive l’agonia. Ogni vita è messa in scena. Ogni scena è confessione senza pubblico e questa confessione diventa un vero e proprio genero letterario. Comunque Vincenti scava tra radici e identità. Non trova marmo. Trova ombre. E le ombre parlano. Dicono che l’esilio non è fine. È inizio. Che la nostalgia non è lutto. È bussola. Che il tragico non è caduta. È scena.

La Romania di Vincenti è racconto corale. È dieci vite che dicono una sola cosa: si può perdere il paese e ritrovare la voce. Si può essere senza casa e avere stile. Si può essere esuli e restare maestri di vita e di conoscenza. L’eleganza del sapere è nella accettazione perché l’accettazione non è rassegnazione ma consapevolezza. E questo, nel tempo della modernità che cancella, è atto di resistenza. È poesia. Infatti. Il frammento è un vivere nel pensare il linguaggio delle radici. Le vere radici sono appunto nella “ragione poetica” che Carolina Vincenti pone come vento rumeno che ha conosciuto Ovidio.

#Il libro sarà occasione di incontro a Polignano a Mare il prossimo 11 Luglio in una conversazione tra Carolina Vincenti e Pierfranco Bruni

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Se fino a pochi anni fa lo stalking era associato principalmente a pedinamenti, telefonate insistenti e appostamenti, il rapido sviluppo delle tecnologie digitali sta modificando profondamente le modalità attraverso cui possono manifestarsi comportamenti persecutori e ossessivi. Lo stalking del futuro potrebbe essere meno visibile, ma potenzialmente ancora più invasivo, perché capace di entrare nella vita quotidiana delle persone attraverso strumenti che utilizziamo ogni giorno.

L’evoluzione dell’intelligenza artificiale, dei dispositivi connessi e dei sistemi di raccolta dei dati personali apre infatti scenari inediti. Uno stalker potrebbe monitorare gli spostamenti della vittima attraverso smartphone, smartwatch, automobili connesse o dispositivi domestici intelligenti, raccogliendo informazioni sulle sue abitudini, sui luoghi frequentati e sulle relazioni personali. A differenza dello stalking tradizionale, la persecuzione potrebbe avvenire a distanza, in modo quasi invisibile e continuo.

Tra i rischi emergenti vi è anche l’utilizzo dei cosiddetti deepfake, immagini, video e registrazioni audio create artificialmente grazie all’intelligenza artificiale. Queste tecnologie potrebbero essere impiegate per diffondere contenuti falsi, screditare una persona, simulare conversazioni mai avvenute o esercitare forme di pressione psicologica particolarmente difficili da contrastare.

Anche gli ambienti virtuali e le future piattaforme immersive potrebbero diventare nuovi spazi nei quali si manifestano molestie e comportamenti persecutori. La progressiva integrazione tra vita reale e dimensione digitale rende infatti sempre più sottile il confine tra ciò che accade online e le conseguenze che tali azioni producono nella vita concreta delle persone.

Di fronte a questi scenari, la prevenzione rappresenta la prima e più efficace forma di tutela. È fondamentale promuovere una diffusa educazione digitale, insegnando fin dall’età scolastica a proteggere i propri dati personali, a utilizzare correttamente gli strumenti tecnologici e a riconoscere i segnali di possibili violazioni della privacy. Accessi sospetti agli account, localizzazioni non autorizzate, richieste insistenti attraverso più canali o la diffusione di informazioni private possono rappresentare campanelli d’allarme da non sottovalutare.

In questo contesto assume particolare importanza il lavoro svolto dalla Fondazione Artemisia ETS, da anni impegnata nella promozione della salute, della prevenzione e della tutela delle persone più vulnerabili. Attraverso attività di sensibilizzazione, formazione e informazione, la Fondazione contribuisce a sviluppare una maggiore consapevolezza sui rischi connessi alle nuove tecnologie e sull’importanza di costruire strumenti di protezione adeguati alle sfide del presente e del futuro.

Come sottolinea la dottoressa Mariastella Giorlandino, presidente della Fondazione Artemisia ETS, la vera sfida dei prossimi anni sarà quella di affiancare all’innovazione tecnologica una crescita della cultura della sicurezza e della responsabilità digitale. Se la tecnologia può migliorare la qualità della vita, può anche essere utilizzata in modo distorto per controllare, intimidire o perseguitare. Per questo motivo è necessario investire nella prevenzione, nell’educazione e nel supporto alle vittime.

Lo stalking del futuro potrebbe non presentarsi più sotto forma di una presenza fisica costante, ma attraverso una sorveglianza digitale silenziosa e pervasiva. Prepararsi a riconoscerlo e contrastarlo significa difendere non soltanto la propria privacy, ma anche la propria libertà personale e il proprio benessere psicologico.

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di Mimma Cucinotta

Non è un nuovo film a riportare Keanu Reeves al centro dell’attenzione. Né un red carpet o una campagna pubblicitaria. A renderlo ancora oggi uno degli attori più amati del mondo è qualcosa di molto più raro, la sua capacità di sottrarsi ai meccanismi dello star system senza mai scomparire davvero.

A sessantun anni, Reeves continua a dividersi tra il cinema, la musica con i Dogstar e una vita sorprendentemente lontana dagli eccessi che spesso accompagnano Hollywood.

Nel 2026 è tornato sul grande schermo con Outcome, la commedia nera diretta da Jonah Hill, nella quale interpreta la star del cinema Reef Hawk, costretta a fare i conti con il proprio passato dopo un tentativo di ricatto. Un ruolo che, per certi versi, riflette il tema dell’identità pubblica e privata, da sempre al centro della sua carriera.

Lo si incontra ai concerti della sua band con il basso tra le mani, lo si vede spostarsi in motocicletta, parlare con i fan senza barriere, concedersi una pausa seduto su una panchina come una persona qualunque. Un’immagine che negli anni è diventata certamente un simbolo. Eppure dietro questa apparente semplicità c’è una storia personale segnata da sfide, cambiamenti e prove difficili. Nato a Beirut il 2 settembre 1964, figlio di una costumista inglese e di un geologo americano dalle origini hawaiane, cinesi e portoghesi, Keanu Reeves ha attraversato un’infanzia fatta di continui trasferimenti, assenze e cambiamenti. Forse è anche per questo che non ha mai cercato rifugio nello sfarzo, preferendo costruire un’esistenza riservata. La sua carriera è un susseguirsi di personaggi entrati nell’immaginario collettivo: dal ribelle Scott Favor in Belli e dannati(1991) all’agente dell’FBI Johnny Utah in Point Break – Punto di rottura (1991), dal tormentato Jonathan Harker in Dracula di Bram Stoker (1992) al principe Siddhartha in Piccolo Buddha (1993), fino al poliziotto Jack Traven in Speed (1994) e all’avvocato Kevin Lomax ne L’avvocato del diavolo(1997). Poi sono arrivati Neo con Matrix (1999), destinato a cambiare per sempre il cinema di fantascienza, e John Wick, protagonista dell’omonima saga iniziata nel 2014, che ha rilanciato la sua carriera trasformandolo in un’icona anche per le nuove generazioni.

Ma sarebbe riduttivo raccontare Keanu Reeves soltanto attraverso i suoi film. La sua vita privata è stata segnata da momenti profondamente dolorosi. Jennifer Syme fu la sua compagna tra la fine degli anni Novanta e il 2000. Nel 1999 la coppia attendeva una figlia, che nacque morta all’ottavo mese di gravidanza. Quel dolore segnò profondamente entrambi. La relazione si interruppe poco dopo, pur mantenendo un legame affettivo. Nel 2001 Jennifer Syme morì in un incidente stradale a Los Angeles. River Phoenix fu uno dei più cari amici di Keanu Reeves e anche un collega molto stimato. I due avevano recitato insieme nel film Belli e dannati e avevano instaurato un rapporto di profonda amicizia. La morte di River Phoenix, avvenuta nel 1993 per overdose a soli 23 anni, colpì molto Reeves, che negli anni successivi lo ha ricordato sempre con grande affetto e rispetto.

Da alcuni anni condivide la propria vita con l’artista Alexandra Grant, un rapporto nato da una lunga amicizia costruito in serenità. Eventi che lo hanno reso ancora più riservato. Nel tempo, però, questo modo di essere si è accompagnato a gesti di riconoscenza e solidarietà. Ha devoluto parte del compenso percepito per la trilogia di The Matrix ai reparti degli effetti speciali e dei costumi, ha sostenuto in forma riservata la ricerca sul cancro e gli ospedali pediatrici attraverso una propria fondazione e si è distinto per il rispetto e l’attenzione con cui ha sempre trattato collaboratori e fan, preferendo lasciare che fossero i fatti a raccontarlo. Keanu Reeves è dunque divenuto negli anni un personaggio quasi controcorrente: schivo, riservato, generoso, poco interessato all’ostentazione. Qualità che il pubblico apprezza tanto quanto il suo talento.

Nell’epoca attuale in cui la celebrità sembra spesso misurarsi in milioni di follower, Reeves dimostra che il carisma può nascere ed essere mantenuto anche dalla affermazione della riservatezza come stile di vita.

Ed è forse questo il segreto della sua longevità artistica. Ovvero non aver mai inseguito il mito della star, ma quello dell’uomo normale. Ed è probabilmente per questo che, dopo oltre quarant’anni di carriera, Keanu Reeves continua a occupare un posto speciale nell’immaginario del pubblico. Proprio per essersi sottratto alla ostentazione della celebrità, ed aver scelto la coerenza con cui ha interpretato sé stesso.

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di Susanna Consolo

Dopo molti anni di attesa, il progetto è entrato in una fase concreta: la casa dove nacque nel 1908 Cesare Pavese, a Santo Stefano Belbo (Cuneo),sarà acquisita dal Comune con l’obiettivo di restaurarla e trasformarla in un vero spazio museale.

La notizia assume un significato che va ben oltre il recupero di un edificio storico. Si tratta infatti della casa natale di uno dei maggiori protagonisti della letteratura italiana del Novecento, poeta, narratore, traduttore e intellettuale capace di lasciare un’impronta profonda nella cultura del nostro Paese. Le sue opere continuano ancora oggi a essere lette, studiate e tradotte in tutto il mondo, offrendo una riflessione sempre attuale sui temi della solitudine, della memoria, dell’identità e del rapporto con le proprie radici.
La vicenda della casa possiede anche un forte valore simbolico. L’edificio era la residenza estiva della famiglia Pavese e fu venduto nel 1916, poco dopo la morte del padre dello scrittore, Eugenio Pavese. Da allora è rimasto di proprietà privata e, pur essendo uno dei luoghi più evocativi dell’universo pavesiano, non ha mai potuto essere allestito come museo. Non conserva infatti gli arredi originali dell’epoca, circostanza che ha reso ancora più complessa una valorizzazione museale tradizionale.
Eppure il valore dell’immobile non risiede negli oggetti che custodisce, bensì nella forza della memoria che rappresenta.

È il luogo in cui ebbe inizio la vicenda umana di Cesare Pavese, il punto di partenza di un percorso esistenziale e letterario destinato a segnare profondamente la cultura italiana del Novecento.
Il 23 febbraio 2026 il Consiglio comunale di Santo Stefano Belbo ha deliberato l’acquisizione dell’immobile. L’intenzione dell’amministrazione è quella di restaurarlo e farne un centro museale dedicato alla vita, alle opere e ai paesaggi che hanno ispirato Pavese, integrandolo nel percorso culturale già promosso dalla Fondazione Cesare Pavese.
L’obiettivo non è soltanto quello di recuperare una casa storica, ma di realizzare uno spazio culturale capace di raccontare lo scrittore attraverso documenti, fotografie, testimonianze, strumenti multimediali e percorsi didattici. Un luogo aperto agli studiosi, alle scuole, ai lettori e ai visitatori, nel quale approfondire il pensiero e l’opera di Pavese, favorendo anche nuove occasioni di ricerca e divulgazione.
L’idea è quella di creare un luogo capace di raccontare non solo la biografia dello scrittore, ma anche il rapporto profondo con le Langhe, protagoniste di opere come La luna e i falò e Paesi tuoi.
Santo Stefano Belbo non rappresenta soltanto il luogo di nascita di Pavese. È il paese dell’infanzia, della memoria e del ritorno, un paesaggio che attraversa gran parte della sua produzione letteraria. Le colline, i vigneti, le cascine e i sentieri delle Langhe diventano nelle sue pagine molto più di uno scenario naturale: sono luoghi dell’anima, simboli del tempo che passa, delle radici, della ricerca di sé e del difficile rapporto tra chi parte e chi ritorna.
Proprio ne La luna e i falò, considerato il suo capolavoro, il ritorno nei luoghi dell’infanzia assume un valore universale, trasformando le Langhe in un paesaggio della memoria capace di parlare a ogni generazione.
La casa entrerà così a far parte del sistema dei “luoghi pavesiani“, insieme al museo, alla tomba dello scrittore e agli itinerari letterari del territorio.
Negli anni la Fondazione Cesare Pavese ha svolto un ruolo determinante nella conservazione e nella diffusione dell’eredità culturale dello scrittore, promuovendo studi, incontri, mostre, premi letterari e iniziative dedicate alla conoscenza della sua opera. L’ingresso della casa natale all’interno di questo sistema rappresenta un tassello importante per completare un percorso culturale che unisce luoghi, paesaggi e memoria.
L’iniziativa assume inoltre un significativo valore per l’intero territorio delle Langhe. Accanto alla fama internazionale conquistata grazie ai paesaggi vitivinicoli e alle eccellenze enogastronomiche, il patrimonio letterario di Cesare Pavese costituisce infatti un ulteriore elemento di attrazione culturale, capace di richiamare studiosi, studenti e appassionati provenienti dall’Italia e dall’estero.
Il futuro museo potrà contribuire a rendere ancora più forte questo legame tra cultura e territorio, offrendo ai visitatori un’esperienza che unisce storia, letteratura, paesaggio e identità locale.
Si tratta di un intervento considerato di particolare rilievo culturale, perché consentirà di recuperare uno dei luoghi più rappresentativi della memoria di Pavese, nel comune che gli diede i natali e che ancora oggi custodisce gran parte della sua eredità letteraria.
Dopo oltre un secolo di proprietà privata, la casa dove ebbe inizio la vita di Cesare Pavese si prepara così ad aprirsi alla collettività. La dimora che rappresenta le radici dello scrittore – che a soli 42 anni, mise fine al suo percorso terreno il 27 agosto del 1950, nella camera singola 346 dell’Hotel Roma Rocca Cavour di piazza Carlo Felice a Torino – non sarà soltanto un museo, ma un luogo destinato a custodire e trasmettere alle nuove generazioni il patrimonio umano e letterario di uno degli autori che più profondamente hanno raccontato il Novecento italiano. Mantenendo vivo quel dialogo tra uomo e paesaggio che continua ancora oggi a rendere attuale la sua opera.

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L’Aquila è la Capitale Italiana della Cultura per il 2026: un riconoscimento che restituisce pienamente alla città il ruolo che le appartiene per storia, patrimonio artistico, vitalità culturale e capacità di rinascita. Non si tratta soltanto di un titolo prestigioso ma della consacrazione di un percorso che affonda le radici in oltre sette secoli di storia.

 Custode di uno dei più importanti centri storici d’Italia, di straordinari monumenti, di una tradizione culturale viva e della Perdonanza Celestiniana, patrimonio immateriale dell’UNESCO, L’Aquila si presenta oggi come un luogo in cui memoria e innovazione convivono armoniosamente. Una città che continua a produrre cultura, ricerca, arte e conoscenza.

 A raccontare il significato profondo di questo anno speciale è Goffredo Palmerini, giornalista, scrittore ed ex vicesindaco dell’Aquila, da sempre tra i più autorevoli interpreti della storia e dell’identità aquilana. Attraverso il suo racconto emerge il volto autentico di una città che ha saputo trasformare le prove più difficili in occasioni di crescita e che oggi, da Capitale Italiana della Cultura, offre all’Italia e al mondo un messaggio di bellezza, resilienza, dialogo e speranza.

L’Aquila è stata nominata Capitale Italiana della Cultura 2026. Da aquilano e protagonista della vita amministrativa cittadina per quasi trent’anni, che significato attribuisce a questo riconoscimento?

 L’Aquila Capitale Italiana della Cultura 2026 non è soltanto un titolo, è uno specchio che finalmente restituisce al Paese l’immagine autentica di una città straordinaria. Da un lato, certifica la ricchezza del suo patrimonio artistico: un centro storico vastissimo, racchiuso da oltre sei chilometri di mura trecentesche, dove quasi duemila emergenze architettoniche e monumentali sono censite e protette dal Ministero. Dall’altro, riconosce la vitalità di una produzione culturale che, per qualità e densità, non ha paragoni in Italia in rapporto al numero degli abitanti.

 C’è però un significato più profondo. Questo riconoscimento premia una comunità che ha saputo resistere e rinascere dopo il terremoto del 6 aprile 2009. L’Aquila non è una città che si reinventa. È una città che si rivela. La sua storia lo dimostra. Fondata nel 1254 da una settantina di Castelli, ciascuno chiamato a edificare un quartiere “al massimo della bellezza”, nacque come progetto urbano armonico, non per aggregazioni casuali. Come ricorda Pierre Lavedan, nella storia dell’urbanesimo europeo non era mai accaduto nulla di simile. Solo San Pietroburgo nel 1703 e Brasilia nella seconda metà del Novecento avrebbero riproposto un’idea così visionaria. Questa è la prima, irripetibile modernità dell’Aquila.

 Lei ha raccontato L’Aquila in molti suoi libri. Quali caratteristiche rendono questa città unica nel panorama culturale italiano?

 Per tre secoli L’Aquila fu una città di rango europeo, seconda città del Regno dopo Napoli, protagonista dei commerci della lana e dello zafferano, dotata di una governance civile e politica originalissima. La Civitas novae i Castelli fondatori erano legati da un sistema di diritti e doveri reciproci che anticipava forme di democrazia partecipata. Le cinque Arti, depositarie del potere cittadino, seppero valorizzare il privilegio di essere città di confine, conquistando un’autonomia che oggi definiremmo “avanzata”. La città aveva una sua “costituzione” negli Statuti, batteva moneta, godeva di un regime fiscale favorevole e, dal 1464, del diritto di istituire un’università. Era un luogo aperto all’innovazione: nel 1482 AdamBurkardt di Rottweil, allievo di Gutenberg, vi fondò una delle prime stamperie d’Italia (la terza, dopo quelle di Venezia nel 1469 e Foligno nel 1470). Una borghesia colta e illuminata completava il quadro di una città dinamica, moderna, sorprendentemente europea.
Poi vennero la rivolta del 1528 contro i dominatori spagnoli, la repressione e la cesura tra città e contado, cui seguì una decadenza lunga oltre un secolo, anche per le conseguenze del devastante terremoto del 2 febbraio 1703. Ma L’Aquila ha una caratteristica che la rende unica, la capacità di risorgere. Dai terremoti, dalle guerre, dalle dittature. Nel secondo dopoguerra, con la libertà riconquistata e con la Repubblica, nascono la Società dei Concerti, l’Istituzione Sinfonica Abruzzese con un’orchestra stabile, il Teatro Stabile dell’Aquila, poi d’Abruzzo, l’Università degli Studi, l’Accademia di Belle Arti, il Conservatorio di Musica, l’Istituto Cinematografico “La Lanterna Magica”, l’Accademia per le Arti e le Scienze dell’Immagine, il Teatro d’innovazione “L’Uovo”, infine il Gran Sasso Science Institute. L’Aquila non distribuisce cultura. La produce. La genera. La rinnova. E custodisce un patrimonio spirituale che non ha eguali: la Perdonanza Celestiniana, primo giubileo della cristianità (1294), oggi Patrimonio UNESCO. Papa Francesco ha definita L’Aquila «Capitale del Perdono, della Riconciliazione e della Pace». Non è un titolo del passato, è un destino.

 Da anni promuove l’immagine dell’Aquila presso le comunità italiane all’estero. Qual è oggi la percezione della città nel mondo?

 Dopo il sisma del 2009, L’Aquila è diventata una città universale. Il mondo l’ha conosciuta attraverso la sua tragedia, ma anche attraverso la dignità con cui ha saputo affrontarla. Le sue ferite, poi ricucite dalla ricostruzione, hanno fatto il giro del pianeta. E con esse la straordinaria solidarietà ricevuta da ogni parte d’Italia e del mondo.Questo patrimonio morale è oggi una delle sue ricchezze più grandi, un esempio di umanità che contrasta con un mondo segnato da guerre, violenze, tragedie civili. La Perdonanza, con il suo messaggio di pace e riconciliazione, è un ponte ideale tra L’Aquila e il mondo. Il titolo di Capitale della Cultura può amplificare questo messaggio, trasformandolo in un invito universale al dialogo e alla pace.

 Quali luoghi, eventi o simboli consiglierebbe a chi visiterà L’Aquila per la prima volta nel 2026?

 L’Aquila è un giacimento di bellezza diffusa. Nel solo centro storico si contano oltre settanta chiese, un centinaio di palazzi gentilizi, piazze, fontane, porte urbiche, scorci che sembrano usciti da un trattato di urbanistica rinascimentale.Luoghi simbolo imprescindibili della città sono la Basilica di Santa

Basilica di Santa Maria di Collemaggio

Maria di Collemaggio, cuore spirituale della città e della Perdonanza, che custodisce le spoglie di Celestino V; la Basilica di San Bernardino, con lo splendido mausoleo rinascimentale, che custodisce il corpo di San Bernardino da Siena, e la Resurrezione, pala d’altare con le ceramiche di Andrea della Robbia; la Fontana delle 99 Cannelle, edificata nel 1274, enigma delle origini e simbolo identitario;

Fontana delle 99 Cannelle

il Castello cinquecentesco con il Museo Nazionale d’Abruzzo, scrigno di collezioni e mostre d’arte; poi le piazze, le fontane, le porte della cinta muraria, e in ogni angolo dettagli intriganti e sorprese, una storia tutta da raccontare.L’Aquila è una città che non si visita, si attraversa. E ogni attraversamento è una scoperta.

Forte Spagnolo

Quando e come è nata la sua vocazione alla scrittura?

 La scrittura è nata come un’estensione naturale del mio impegno civile. Dopo quasi trent’anni nelle istituzioni cittadine, nel 2007 ho scelto di dedicarmi al giornalismo internazionale e alla produzione letteraria. Era un modo diverso di servire la mia città, l’Abruzzo, l’Italia. Raccontare l’Italia meno conosciuta – quella dei borghi, delle province, delle eccellenze nascoste – è diventato un modo per colmare un vuoto comunicativo evidente. All’estero i pacchetti turistici si concentrano sulle solite mete. Ma l’Italia profonda custodisce meraviglie che meritano di essere scoperte. La scrittura odeporica è per me un atto di restituzione: informare, incuriosire, far nascere il desiderio di conoscenza.

Da cosa nasce il suo interesse per l’emigrazione italiana?

 Nasce dall’incontro diretto con le nostre comunità all’estero, durante gli otto anni nel Consiglio Regionale Abruzzesi nel Mondo. Da lì si è aperto un mondo: quello degli 80 milioni di oriundi italiani, una “seconda Italia” che vive fuori dai confini ma custodisce la nostra lingua, la nostra cultura, la nostra memoria. Le visite sono diventate racconti, articoli, libri. Una circolarità di informazioni che ha arricchito la mia comprensione del fenomeno migratorio italiano, una delle più grandi diaspore dell’umanità. Una conoscenza che non tengo gelosa, ma che volentieri metto a disposizione di tutti attraverso la mia attività perché diventi consapevolezza comune.

 Quale immagine dell’Italia ha trovato più viva tra gli emigrati e i loro discendenti?

 Gli italiani all’estero amano l’Italia più di noi che viviamo entro i confini. Ne offrono un’immagine seria, affidabile, laboriosa. Sono i migliori ambasciatori del Paese. Hanno conquistato rispetto e stima con il lavoro, l’ingegno, la creatività. Eppure in Italia persistono stereotipi che impediscono di valorizzare questa risorsa straordinaria. Le generazioni successive alla prima emigrazione hanno raggiunto risultati eccellenti in ogni campo: economia, ricerca, cultura, università, politica. Hanno saputo affermarsi e aggiungere quel quid tutto italiano: la capacità di creare relazioni, di costruire legami, di portare creatività, stile e modo di vivere ovunque.

 Come interpreta i cambiamenti che stanno interessando l’Italia e le nuove forme di mobilità giovanile?

 L’Italia vive un momento difficile, soprattutto per i giovani. La mancanza di riforme strutturali nell’economia e nell’organizzazione statuale, l’innovazione industriale e nei servizi in ritardo, stanno generando da quasi 20 anni a questa parte una nuova emigrazione: fino a 150mila espatri l’anno. È un’emigrazione diversa da quella storica. Èun’emigrazione di competenze, di intelligenze, di capitale umano qualificato. Molti giovani, pur diplomati o laureati, non trovano lavoro adeguato o retribuzioni dignitose. All’estero le opportunità sono migliori e più meritocratiche. Servono politiche strutturali, non episodiche, per invertire la tendenza. Concludendo, abbiamo il dovere morale di conoscere e far conoscere la storia della nostra emigrazione. Un rapporto nuovo e maturo tra le due Italie – dentro e fuori i confini – potrebbe generare opportunità straordinarie. Se l’Italia sapesse valorizzare gli 80 milioni di oriundi, potrebbe contare su una comunità di 140 milioni di persone unite dalla lingua, dalla cultura, dall’identità. Sarebbe una forza culturale, economica e perfino politica di portata globale.

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Stefania Del Monte

Giornalista e scrittrice, è esperta di comunicazione e autrice di pubblicazioni in italiano, inglese e spagnolo. Da molti anni promuove attivamente l’Italia nel mondo attraverso una fitta rete di relazioni internazionali. È stata consigliere dell’Associazione Donne Italiane di Hong Kong, co-fondatrice e responsabile della comunicazione per l’Italian BritishAssociation, co-fondatrice e direttore di Ciao Praga e responsabile globale delle Pubbliche Relazioni per l’A.I.M. – Associazione per l’Italia nel Mondo. Ha, inoltre, ricoperto incarichi per l’Università di Cambridge, il Programma delle Nazioni Unite per lo Sviluppo, la Banca Europea per la Ricostruzione e lo Sviluppo, la Banca Mondiale, l’Iniziativa Centro Europea, BP, ENI, AGIP e Alitalia. Attualmente è Direttore di Ciao Magazine e della casa editrice Ciao Publishing (CP Cambridge).

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A cura di Gina Ingrassia e Deirdre MacKenna

Dal 10 al 26 luglio 2026, presso il Castello Angioino di Gaeta, prestigiosa sede dell’Università degli Studi di Cassino e del Lazio Meridionale, si terrà la mostra collettiva Crossing shift, organizzata e sostenuta dall’Associazione Cultura è Libertà, con sede a Filignano, con il patrocinio dell’Ateneo di Cassino e la collaborazione del Comune di Viticuso e del Museo Pop Art Paolozzi.

L’esposizione, curata da Gina Ingrassia e Deirdre MacKenna, mette in dialogo le opere di Eduardo Paolozzi, tra i protagonisti della Pop Art britannica, con Gian Mario Conti, Roberto Franchitti ed Elaine Shemilt. Quasi cinquanta opere, quattro artisti e un luogo simbolo della storia italiana per un progetto espositivo site specific che pone al centro della riflessione i temi della trasformazione, della memoria e della libertà.

L’iniziativa rientra nel più ampio quadro di azioni di public engagement e valorizzazione del patrimonio culturale e dei linguaggi dell’arte contemporanea promosse dalla Delega alla Diffusione della Cultura e della Conoscenza-SCIRE, rappresentata dalla Prof.ssa Ivana Bruno. Essa conferma il Castello Angioino quale luogo privilegiato di produzione culturale, di dialogo interdisciplinare e di relazione tra arte, ricerca e comunità.

La mostra è ospitata nella Cappella San Teodoro, antica struttura del X secolo situata all’interno del complesso monumentale. Qui il dialogo tra architettura, memoria e arte contemporanea genera un percorso che invita il visitatore ad attraversare simbolicamente il passaggio dalla costrizione alla rinascita, dalla chiusura all’apertura, dalla memoria alla possibilità di un nuovo sguardo sul presente.

Per decenni il Castello ha rappresentato uno spazio di reclusione e controllo; oggi, restituito alla collettività, si trasforma in luogo di incontro, conoscenza e libertà di espressione, “un luogo dalla straordinaria stratificazione storica che, grazie a un percorso di valorizzazione e di apertura alla collettività, è progressivamente divenuto uno spazio accademico di incontro, ricerca, produzione culturale e partecipazione”, scrive nel suo saluto in catalogo Marco dell’Isola, Magnifico Rettore dell’Università degli Studi di Cassino e del Lazio Meridionale.

Ed è proprio questa metamorfosi a costituire il cuore del progetto curatoriale.

Figura centrale della mostra è Eduardo Paolozzi,

Eduardo Paolozzi- Wittgeinstein the soldier, 1964

artista la cui vicenda personale risuona profondamente con il luogo e i temi affrontati dal progetto. Figlio di emigrati italiani in Scozia, durante la Seconda guerra mondiale subì l’esperienza dell’internamento. Nella sua opera il trauma della guerra, della perdita e dello sradicamento si traduce in una continua tensione tra frammentazione e ricostruzione, tra memoria e futuro. “Nelle sue immagini e sculture, Paolozzi ci diceva che il fascino della superficialità può mascherare e celare la follia di un mondo plasmato da lavoro intenso, consumismo, mass media e conflitti”, scrive Deirdre MacKenna, co-curatrice della mostra.

Ed è proprio a questo che rivolge lo sguardo Gian Mario Conti sviluppando una riflessione sulla

Gian Mario Conti- Attraversando il Bardo, 2019

condizione dell’uomo contemporaneo, spesso intrappolato in dinamiche sociali, lavorative e psicologiche che limitano la libertà individuale e la autentica espressione di sé. Nelle sue opere emerge però potente la possibilità della trasformazione: il seme, la crescita e la rinascita diventano metafore di una riconquista dell’identità e del pensiero libero.

Elaine Shemilt affronta il tema della memoria

Elaine Shemilt, Cervaro 2015

attraverso opere che custodiscono le tracce invisibili lasciate dalla storia sui corpi e sui luoghi. La sua ricerca restituisce voce a esperienze individuali e collettive spesso dimenticate, trasformando il ricordo in materia viva.

Le sculture di Roberto Franchitti introducono infine il

Roberto Franchitti – Sannita, 2022

tema della rigenerazione attraverso l’espediente della materia. Attraverso materiali di recupero e forme simboliche, l’artista costruisce opere che raccontano la possibilità di una nuova vita, suggerendo una continuità ideale con la trasformazione stessa del Castello.

Anche l’allestimento, con strutture espositive in tubi zincati, contribuisce alla narrazione della mostra: “concepite come parte integrante del progetto, scrive, Gina Ingrassia co-curatrice dell’esposizione, evocando l’immaginario della fabbrica e del cantiere, richiamano i temi del lavoro, dell’emigrazione, della modernizzazione e delle trasformazioni sociali del Novecento.

Inserite negli spazi del Castello Angioino-Aragonese, queste strutture instaurano un significativo dialogo tra la solidità della pietra medievale e l’essenzialità industriale del metallo, tra memoria, trasformazione e cambiamento.

In quest’ottica, Crossing Shift non è soltanto una mostra d’arte contemporanea, ma un progetto che utilizza il linguaggio artistico per rileggere la storia di un luogo e interrogarne il significato nel presente. In un’epoca segnata da nuove forme di conflitto, isolamento e pressione sociale, il Castello Angioino diventa il simbolo di una possibile trasformazione: da luogo della reclusione a spazio aperto al dialogo, alla cultura e alla libertà.

La mostra invita il pubblico a riflettere sul valore della memoria e sulla capacità dell’arte di generare nuove possibilità di comprensione, relazione e cambiamento. Una prospettiva che, nelle parole di Igor Todisco, Vice Sindaco di Viticuso e responsabile del Museo Pop Art Paolozzi, dimostra “che anche le storie nate ai margini possono contribuire, con forza e autonomia, alla costruzione di una visione condivisa del mondo”.

È proprio in questa capacità di creare connessioni che risiede, secondo Antonio Buono, Presidente di Cultura è Libertà, il valore più attuale dell’esperienza artistica: “in un tempo caratterizzato da cambiamenti rapidi e da relazioni spesso frammentate, l’arte continua a offrirci spazi di incontro autentico, capaci di favorire il confronto, la partecipazione e la condivisione”.

Photocover:Eduardo Paolozzi, “I was a rich man’ plaything- 1947

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Dal 26 giugno al 15 novembre 2026 presso i Musei Capitolini,  Centrale Montemartini un Viaggio dentro un mito: quando Roma divenne capitale mondiale della moda. Tra cinema, stile, immaginario, la mostra fotografica e multimediale presentata da Archivio Luce Cinecittà: i grandi stilisti, i marchi immortali, i divi dello schermo e dell’haute couture. In 150 fotografie, filmati e abiti originali, un’esplosione di creatività che ancora oggi influenza il pianeta

Roma, 25 giugno 2026 – L’età contemporanea ha reso possibile un’esperienza inedita per il pubblico: assistere alla nascita di nuovi miti. Una grande mostra a Roma offre ora l’occasione di rivivere uno di questi momenti in cui storia, documento e leggenda si uniscono: l’epoca in cui la Capitale d’Italia divenne la Capitale della moda e centro di riferimento per il cinema, la televisione e il gusto. È il racconto di come si è affermato in tutto il mondo un marchio originale e inimitabile che, da allora, porta il nome di “Made in Italy”.

Ospitata ai Musei Capitolini, Centrale Montemartini dal 26 giugno al 15 novembre 2026, la mostra fotografica, multimediale e di capolavori sartoriali Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale fa rivivere una stagione di esplosione di idee, nomi, marchi, creatività, industria, un portato di beni materiali e immateriali, un “big bang” dell’immaginario della moda che riverbera ancora oggi il suo successo, il fascino, la magia delle sue forme. L’iniziativa, organizzata da Archivio Luce Cinecittà con il Ministero della Cultura, e curata da Fabiana Giacomotti, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Servizi museali: Zètema Progetto Cultura.

La mostra rappresenta il “secondo capitolo” dell’esposizione Moda in Luce 1925–1955. Alle origini del Made in Italy, ospitata presso il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti a Firenze. La mostra romana, interamente nuova per opere, allestimento e temi, prosegue il racconto di un mito, nel passaggio alla sua consacrazione ed esplosione.

IL CONTESTO

All’inizio degli anni Cinquanta l’Italia sta cambiando alla velocità della luce e sta entrando nel boom e nella modernità. Corre su nuove infrastrutture, autostrade, mezzi. Su professioni nuove, e nuovi abiti sociali. Due campi in particolare segnano visibilmente questo sisma storico: la moda e il cinema. Roma ne è il grande vivace contenitore e contenuto.

A Roma si trova Cinecittà, la città del cinema che, dopo l’epocale rivoluzione del Neorealismo italiano, si sta trasformando nella “Hollywood sul Tevere”: la città dove le major statunitensi e lo star system trovano la sede distaccata del sogno americano. Il risultato è prorompente: quella italiana diventerà la cinematografia con il maggior numero di premi Oscar vinti, dopo gli Stati Uniti.

Nella moda avviene qualcosa di analogo. Un mondo di sartorie, di piccole botteghe, di atelier, che ha studiato alla scuola di Parigi e sui tavoli di ricamo e libri d’arte italiana, si trova proiettato sulla vetta di passerelle, riviste e clienti del mondo, in America, Europa, Russia, Giappone. L’haute couture dagli anni Cinquanta, e fino a noi, deve conoscere tra le sue lingue quella del Made in Italy.

Da Roma, l’Italia riesce in due miracoli inattesi: dimostra che a Cinecittà si possono fare film come in America e che l’haute couture può sfilare per via Veneto. È un viaggio lungo, che l’esposizione alla Centrale Montemartini mostra al vivo.

LA MOSTRA

 Protagonista di Moda in Luce 1955-1975 – Roma fra glamour e innovazione industriale è il patrimonio di memoria, fotografie, filmati dell’Archivio storico Luce. Fondamento della conoscenza del XX secolo italiano ed europeo, bene tutelato dell’Unesco, l’Archivio Luce rappresenta una ricchissima fonte di testimonianze sulla moda e lo spettacolo. Il Luce immortala la moda nel momento in cui Roma ne diventa riferimento, tra gli anni Cinquanta e la metà dei Settanta. Una stagione straordinaria in cui la sinergia tra moda, cinema, industria e creatività ha permesso all’Italia di esercitare un profondo influsso culturale a livello internazionale, ridefinendo i canoni del gusto e dello stile.

Il percorso espositivo immerge i visitatori dentro 150 fotografie d’epoca, per la gran parte del Luce, cinque postazioni video con filmati spesso rari e fino a oggi non disponibili al pubblico, oggetti, documenti, tessuti e 27 abiti originali, e nella maggior parte inediti, creati da nomi leggendari come Valentino Garavani, Karl Lagerfeld per Fendi, Federico Forquet, Sorelle Fontana, Giovanna Caracciolo-Carosa, Valentina Visconti, Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni e ancora Roberto Capucci, Maria Antonelli, Patrick de Barentzen, Renato Balestra, André Laug, Emilio Federico Schuberth, Gabriellasport, Antonio De Luca, Angelo Litrico, Domenico e Agostino Caraceni, Pino Lancetti, Laura Biagiotti.

Opere d’arte di grande valore storico ed estetico, provenienti dagli archivi delle maison, incluse Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, sartorie cinematografiche storiche come Farani, musei quali il Boncompagni Ludovisi, da cui proviene anche un sontuoso completo da sera appartenuto a Franca Bettoja, che dialoga con capi coevi indossati da nomi quali Silvana Mangano, e ancora il CIAC-Centro internazionale Arti e Costume di Venezia. Rilevante il prestito della più importante collezione privata italiana, di proprietà di un protagonista del cinema italiano, Massimo Cantini Parrini, costumista di fama internazionale, più volte candidato al premio Oscar e vincitore di innumerevoli premi, che mostra l’estensione di un talento costruito sulla conoscenza profonda della storia dell’arte e del costume.

Organizzato nello stile e nei colori come un’elegante sartoria romana degli anni Cinquanta e Sessanta, il progetto dell’architetto Dario Dalla Lana si conclude in una sala-biblioteca che presenta una selezione di preziosi campionari tessili di proprietà degli archivi di Mantero Seta, Taroni e il gruppo Ermenegildo Zegna, oltre a volumi e riviste rare, di proprietà della curatrice, studiosa del costume e dell’editoria di moda dai suoi albori. Impreziosiscono il percorso inviti, memorabilia e un album amicorum, appartenuto ad Angelo Litrico, che include disegni e dediche dei più importanti sarti e artisti dell’epoca, da Emilio Pucci a Valentino e Novella Parigini.

Un viaggio multimediale e fisico nell’immaginario, tra storia, stile, costume, società e sogno, una macchina del tempo che ci trasporta nel mito: quando Roma e l’Italia hanno spiegato al mondo come vestire, e come vivere.

Le immagini raccontano sfilate, atelier, reportages, interviste, jet-set, lavoro e glamour, artigianato e arte. A fianco, il cinema che fa di Roma un tempio, e fornisce alla moda sogno e corpi. Quelli di: Sophia Loren, Audrey Hepburn, Liz Taylor, Lucia Bosè, Kirk Douglas, Charlton Heston, Sean Connery, Elsa Martinelli, Anita Ekberg, Anna

Anita Ekberg alla prima del film ‘La Dolce vita’, Roma, 1960

Magnani, Ingrid Bergman, Gabriele Ferzetti, Rod Steiger.

 Ci sono i momenti fondativi. La prima sfilata di Valentino, anno di grazia 1959. Il matrimonio di Tyrone Power e Linda Christian, del 1949, atto ufficiale di nascita della “dolce vita”, lei in abito Sorelle Fontana, lo sposo in Caraceni. Gattinoni reinventa lo stile impero per il film Guerra e pace con la musa perfetta Audrey Hepburn, e accoglie nel suo atelier perfino le due più grandi attrici del tempo (se non di sempre) in competizione drammatica per Roberto Rossellini: Anna Magnani e Ingrid Bergman. E fissa il corpo “a cuore” di Anita Ekberg, nella scena di seduzione più iconica della storia del cinema, il bagno nella Fontana di Trevi de La dolce vita. Angelo Litrico veste la Guerra Fredda, creando gli abiti sia per Nikita Krusciov sia per Dwight Eisenhower. Federico Forquet dà al mondo l’abito toga e il pijama palazzo di Galitzine. Lucia Bosè, la Miss Italia che ha battuto sul podio “la Lollo” e Silvana Mangano, è la musa di Sarli, e incarna le inquietudini del capolavoro di Antonioni, Cronaca di un amore (per la critica, il primo film della modernità cinematografica), e le speranze de Le ragazze di Piazza di Spagna. Ci sono le grandi première cinematografiche, tra tutte al Fiamma la prima de La dolce vita di Fellini, 1960, da cui il paese si vide trasformato. Compaiono i “teddy boys”, prima crepa dell’insoddisfazione giovane che deflagrerà nel Sessantotto. Ma la moda italiana aveva già fatto la sua rivoluzione. Ha preso la sacralità dell’Alta Moda di Parigi, e l’ha portata a donne, e uomini, che stavano cambiando. Ha reso l’abito più mobile, dinamico, liberando il movimento dei corpi. Ha vestito persone che si aprivano al mondo, al lavoro, ad altre aspirazioni. Linee meno rigide, più fresche – ma perfette – significavano un nuovo accesso alla modernità. La donna, che fosse una regina Savoia o Windsor, diva dello schermo o futura aspirante professionista, non era più un quadro glorioso a due dimensioni, ma un corpo di fascino e pensiero. Così per l’uomo. L’Alta Moda restava alta, ma non più irraggiungibile, era un cielo cui a tutti, anche solo vedendolo in un film, era permesso aspirare.

E con intelligenza i grandi sarti, oramai divenuti per nome stilisti, accolsero anche la sfida del prêt-à-porter, di una moda che vada incontro al giorno, al quotidiano, che contempla il pratico senza perdere lo stile.

Sullo sfondo, ma protagonista sempre, Roma e i suoi luoghi. La città eterna che sa adattarsi al tempo. Ogni luogo diventa passerella, scena per geometrie nuove su spazi antichi come il marmo.

In questo scenario già molto ricco, due aree tematiche presentano approfondimenti particolari. La storia della Snia-Viscosa, epopea romana del tessuto artificiale. Storia industriale, di fabbriche, chimica, lavoratrici, che nella mostra vive di documenti d’archivio rari, uno spaccato di rilevanza sociale e politica.

La seconda approfondisce la figura di Palma Bucarelli, storica critica e direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna, che tesse un nesso strettissimo tra moda e arte, incarnando un modello insuperabile di eleganza, stile e rigore intellettuale.

Valentino Garavani con una modella nel backstage della sua prima sfilata

E arte sono questi abiti. Da un capo imperdibile come l’abito Fiesta di Valentino, dalla sua prima sfilata del 1959, il modello 77 che per la prima volta sfoggiò il rosso divenuto bandiera dell’imperatore della moda. O il pijama palazzo di Galitzine, del 1963, segno indelebile di cinema indosso a Claudia Cardinale ne La pantera rosa di Blake Edwards. Ancora di Galitzine la avveniristica tuta di tessuto spalmato effetto pelle presentata a Capri nel 1967, o l’abito da cocktail del 1953 delle Sorelle Fontana. L’iconico abito corto di Andrè Laug del 1968 e, sempre del 1968, quello da sera di Capucci, arte da portare come tante sue creazioni. Il genio di Karl Lagerfeld nel completo soprabito e gonna per Fendi del 1973. L’abito da sera dipinto di Schuberth del 1952 di floreale compostezza, e quello scenografico di Lancetti del 1975, mentre Litrico e Caraceni fissano per l’uomo un segno che a settant’anni di distanza fa ancora scuola e nessuna piega.

Un movimento di idee e di puro artigianato che si racconta sia a chi ha vissuto quell’epoca, sia agli appassionati di moda, design e storia del gusto. Ma la mostra si rivolge anche, e soprattutto, alle nuove generazioni che guardano con interesse alle tendenze contemporanee e alle nuove professioni del fashion, dal design alla consulenza d’immagine. È a loro che parla questa storia della moda a Roma. Una straordinaria eredità creativa che continua a influenzare il gusto e le passerelle contemporanee, dimostrando l’assoluta attualità di una stagione che non ha mai smesso di ispirare.

Accompagna Moda in Luce 1955-1975. Roma fra glamour e innovazione industriale il catalogo, edito da Silvana Editoriale, a cura di Fabiana Giacomotti.

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La riflessione del Prof . Krishan Chand Sethi sulla demisessualità letta attraverso la Filosofia Sethiana, che pone al centro il legame emotivo. Un’analisi che esplora il rapporto tra attrazione, intimità e dimensione interiore, oltre le tradizionali concezioni del desiderio

di Krishan Chand SETHI

Gli esseri umani sono spesso descritti come animali sociali, emotivi e razionali. Tuttavia, in queste descrizioni esiste una realtà più profonda rispetto alla semplice nozione di “connessione”; siamo creature della connessione. Numerosi filosofi, psicologi, poeti e pensatori spirituali hanno cercato di comprendere le forze enigmatiche che attraggono un essere umano verso un altro. La bellezza fisica, gli impulsi biologici e i fattori sociali sono stati indicati come basi dell’attrazione, ma l’esperienza umana suggerisce qualcosa di diverso: l’attrazione è molto più complessa. Nel mondo contemporaneo, diverse identità e orientamenti sessuali sono emersi all’attenzione pubblica e possono stimolare profonde riflessioni, tra cui la demisessualità. Essa sfida le concezioni convenzionali dell’attrazione e offre una nuova prospettiva su emozioni, intimità e desiderio. Dal punto di vista della Filosofia Sethiana, la demisessualità non è soltanto un orientamento sessuale; è anche un segno di una più profonda umanità, una comprensione secondo cui la vera attrazione non risiede semplicemente negli occhi, ma nella mente e nell’anima.

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Il militare è morto a 61 anni per tumore polmonare dopo oltre quarant’anni di servizio. Alla famiglia 500mila euro

25 giugno 2026 – Per oltre quarant’anni ha servito lo Statoindossando la divisa della Marina Militare, trascorrendo gran parte della propria vita a bordo delle navi militari. Oggi, a sei anni dalla sua scomparsa, il Tribunale di Siracusa ha riconosciuto il Luogotenente di Augusta (Sr), Salvatore Legnosecco, vittima del dovere, accogliendo la domanda presentata dalla moglieAssunta Restivo e dai figli Vanessa e Antonino.

La sentenza, pronunciata nonostante l’opposizione dell’Avvocatura dello Stato, riconosce che il tumore polmonare che ha causato il decesso del militare è collegato all’esposizione professionale all’amianto subita durante il servizio e dispone il riconoscimento dei benefici previsti dalla normativa sulle vittime del dovere, per un valore complessivo di circa 500mila euro tra speciale elargizione e vitalizi arretrati.

Entrato in Marina nel 1975, Legnosecco ha prestato servizio fino al 2017. Per ben 29 anni è stato imbarcato sulle unità navali della Marina Militare come elettricista e capo elettricista, operando quotidianamente in ambienti caratterizzati dalla presenza diffusa di amianto.

Si è spento il 7 febbraio 2020 all’età di 61 anni, lasciando la moglie Assunta, oggi sessantottenne, e i due figli, che al momento della perdita del padre avevano rispettivamente 34 e 30 anni. Per la famiglia di Augusta sono stati anni di dolore e di battaglia giudiziaria per ottenere il riconoscimento di una verità che oggi trova conferma nelle aule di giustizia.

Particolarmente significativo quanto accertato dal consulente tecnico nominato dal Tribunale, secondo cui il militare lavorava a stretto contatto con impianti e quadri elettrici contenenti amianto e trascorreva lunghi periodi a bordo di navi nelle quali sale macchine, tubazioni e sistemi di coibentazione erano ampiamente realizzati con materiali contenenti fibre di asbesto. Un’esposizione prolungata e continua che il consulente ha definito idonea a causare il carcinoma polmonare che ne ha provocato la morte.

La sentenza richiama inoltre un episodio emblematico della sua carriera. Durante un incendio sviluppatosi a bordo della Nave Virgilio Fasan, Legnosecco riuscì a raggiungere la sala quadri e a disattivare gli impianti elettrici contribuendo in maniera determinante al controllo delle fiamme, ricevendo per questo un encomio.

«Questa sentenza restituisce dignità alla memoria di Salvatore e riconosce il dolore di una famiglia che ha perso un marito e un padre dopo oltre quarant’anni di servizio allo Stato» dichiara l’Avvocato Ezio Bonanni, presidente dell’Osservatorio Nazionale Amianto. «Per troppo tempo il rischio amianto nelle Forze Armate è stato sottovalutato. Oggi il Tribunale ha accertato che quell’esposizione ha avuto un ruolo determinante nella malattia che lo ha ucciso. Nessun risarcimento potrà restituirlo ai suoi affetti, ma questo riconoscimento afferma un principio fondamentale: chi si ammala servendo il Paese non può essere dimenticato».

L’ONA ribadisce la necessità di rafforzare le attività di censimento, bonifica e messa in sicurezza dei luoghi di lavoro ancora contaminati, per evitare nuove esposizioni e nuove vittime, e offre servizio di consulenza legale e medica gratuita tramite il numero verde 800 034 294 e il sito www.osservatorioamianto.it.

photocover: Salvatore Legnosecco con la moglie e i figli Vanessa e Antonino

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