16 settembre – 11 ottobre 2026

CERIMONIA DI PRESENTAZIONE

Mercoledì 16 settembre 2026

Ore 18.00: Conferenza Stampa – Sala delle Colonne

Ore 19.00: Inaugurazione della mostra – Sala 9

 Origine è il titolo dell’opera di Madalena Negrone, olio su tela, 160 x 180 cm, che entra a far parte delle collezioni permanenti della GNAMC. In occasione della cerimonia di presentazione della donazione, il Museo esporrà sette opere che sintetizzano il percorso di ricerca dell’artista negli ultimi dieci anni tra Genova e New York.

Mercoledì 16 settembre 2026, alle 18.00 la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea presenta Origine (2025) di Madalena Negrone, olio su tela, 160 x 180 cm, che entra a far parte della collezione permanente del Museo tramite donazione alla GNAMC. Origine sarà affiancata da altre quattro opere, che restituiscono alcuni dei nuclei centrali della ricerca degli ultimi dieci anni dell’artista.

 Interverranno alla cerimonia Renata Cristina Mazzantini, Direttrice generale della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, e Guicciardo Sassoli de’ Bianchi, che presenterà il lavoro dell’artista.

 Madalena Negrone (1982) è un’artista italiana. La sua ricerca nasce dall’incontro tra arte, scienza, movimento e metafisica. Originaria di Genova, città mediterranea caratterizzata dall’incontro di culture, architetture e percorsi differenti, l’artista porta nella propria pittura una sensibilità profondamente legata all’idea di relazione. Il gesto pittorico conserva una funzione centrale: le linee curve, i movimenti circolari e gli addensamenti di materia registrano l’azione fisica del dipingere e, insieme, evocano forze non direttamente visibili. La tela trattiene la memoria del movimento che l’ha generata, in una tensione tra materia e immateriale, ordine e trasformazione. Anche la formazione musicale contribuisce alla costruzione ritmica delle composizioni: ripetizione, pausa, variazione e contrappunto si traducono in rapporti tra forme, intensità e intervalli.

 In Origine, una fitta trama di segni turchesi e blu attraversa la tela come un organismo in continua trasformazione. Fili, nodi e vortici si intrecciano, mentre al centro sembra manifestarsi una forza generativa: qualcosa prende forma, si espande e contemporaneamente si dissolve. L’origine non è così rappresentata come un momento definito, ma come un processo continuo di nascita, relazione e trasformazione.

 Accanto a Origine saranno presentate Blue 5172, grande tela di cinque metri di larghezza, e le tre opere Egg — Green, Red, Yellow. Con la sua dimensione immersiva, Blue 5172 introduce il visitatore nello spazio mentale ed estetico di Negrone e nel sistema di forme, movimenti e relazioni che attraversa la sua pittura.
Una parte centrale della ricerca si sviluppa attorno alla serie Entangled, nata dall’interesse, reinterpretato in chiave artistica, per l’entanglement, fenomeno della meccanica quantistica nel quale due o più particelle presentano correlazioni profonde anche quando sono separate nello spazio. Tale concetto è assunto dall’artista non come soggetto da illustrare, ma come principio poetico di interconnessione.

 Human Made

Da diversi anni, ben prima che le immagini generate dall’intelligenza artificiale entrassero nel dibattito quotidiano sull’arte, Madalena Negrone appone sul retro delle proprie opere la dichiarazione “Human Made — No Robots or AI involved”.

La formula, coniata dall’artista, e richiamata in un intervento tenutosi alle Nazioni Unite in occasione dell’high-level dialogue “Connecting Cultures in the Digital Era” il 21 maggio 2025, assume oggi un significato preciso. La complessità delle immagini, la proliferazione dei segni e le forme che sembrano svilupparsi autonomamente nello spazio possono evocare, a un primo sguardo, immagini prodotte attraverso processi digitali o generativi. Al contrario, ogni elemento nasce da un processo interamente manuale: gesto, tempo, sovrapposizione della materia, scelta e imprevedibilità dell’atto pittorico.

Human Made non è quindi una semplice dichiarazione contro la tecnologia, ma un’affermazione dell’origine umana dell’opera. In un momento in cui la produzione delle immagini può diventare istantanea e immateriale, Negrone rivendica la fisicità e il tempo della pittura. Il titolo Origine sembra così riguardare non soltanto la forza generativa della composizione, ma anche l’origine stessa dell’immagine, ricondotta alla presenza fisica dell’artista.

 Tra le esposizioni di Madalena Negrone, si ricordano la personale presso il Museo Arte e Scienza di Milano (2023); Forma 1 Più UNO alla Galleria Guidi di Genova (2024); Destiny vs. Will presso il Sotheby’s Institute of Art di New York (2024); Madalena Negrone meets Bruno Munari (2025); Luce, a Villa Arconati (2026) e Quantum Coherence a Parigi, organizzata dalla Tourné Gallery di New York.

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C’è un paradosso tutto italiano, e squisitamente abruzzese, che avvolge da sempre la figura di Teofilo Patini (1840-1906). Tutti conoscono i suoi capolavori, le tele monumentali che hanno dato un volto e una dignità epica al mondo subalterno; eppure, la sua autentica grandezza è rimasta a lungo imprigionata in una memoria frammentata, fatta di celebrazioni scolastiche o, peggio, di una conoscenza superficiale e per sentito dire.

A rompere questo incantesimo dell’oblio e della retorica arriva l’ultimo saggio di Angelo De Nicola, intitolato Teofilo Patini cronista col pennello, pubblicato da One Group Edizioni. Si tratta di un piccolo libro che non si limita a ricordare il maestro di Castel di Sangro, ma ne ribalta completamente la prospettiva di lettura attraverso un’operazione critica tanto inedita quanto coraggiosa.

Giornalista di lungo corso e attento osservatore delle dinamiche storiche e sociali del territorio, De Nicola ha ormai abituato il suo pubblico a veder fissate queste complesse realtà in saggi di grande successo editoriale, capaci di unire rigore e intrattenimento, da quel grande comunicatore che ha dimostrato di essere. Anche in questo caso, egli compie un salto logico affascinante, riconoscendo nel pittore ottocentesco un vero e proprio “collega” d’altri tempi.

Il fulcro e vero motore del libro risiede in un’intuizione metodologica di straordinaria freschezza: leggere Patini non con la lente ingessata e spesso autoreferenziale della critica d’arte tradizionale, ma attraverso gli occhi del giornalismo d’inchiesta.

Patini non dipingeva per decorare i salotti della nascente borghesia post-unitaria, né per compiacere i committenti; dipingeva per denunciare. La sua tela era il suo articolo di fondo; il suo pennello, un taccuino di cronaca affilato, etico e spietato, capace di sbattere in faccia all’Italia sabauda il dramma della fame, della miseria delle campagne, della fatica delle donne e del destino degli ultimi.

È proprio in questa chiave di lettura che emerge il valore più profondo di quest’ultima fatica editoriale di De Nicola: la capacità di dimostrare la sorprendente modernità di Patini. Strappato a una dimensione puramente locale o folkloristica, il pittore viene finalmente ricollocato dove merita di stare, ossia nel grande alveo del realismo sociale italiano. Si tratta di una declinazione pittorica speculare al verismo del suo coetaneo Giovanni Verga (1840-1922). Ma se con lo scrittore condivide la cruda rappresentazione della miseria dei vinti, il pittore abruzzese se ne distanzia sul piano ideologico. Laddove il pessimismo di Verga si limita a fotografare una realtà giudicata immodificabile, il pennello di Patini si fa strumento di battaglia civile, animato da una precisa volontà di riscatto politico e sociale.

Un bel libro, questo di De Nicola, lodevole già per la scelta del tema. In un’epoca in cui le mostre d’arte e i libri di successo inseguono i grandi nomi del mercato globale (gli Impressionisti, Van Gogh, la Pop Art), l’autore compie una scelta controtendenza. Scommette su un pittore che non fa “arredamento”, ma disturba la coscienza moderna. Patini, in fondo, è l’antitesi del disimpegno contemporaneo: la sua pittura obbliga a guardare la miseria, la terra e il dolore, quella realtà dalla quale noi abruzzesi veniamo e che era ancora viva nella memoria dei nostri padri. Tuttavia, per sfuggire al rischio del panegirico acritico e restituire giustizia all’onestà intellettuale del testo, è necessario sollevare qualche elemento di riflessione su alcune scelte strutturali che potrebbero apparire discutibili, ma che si rivelano, a ben vedere, pienamente giustificate dall’economia dell’opera.

La prima nota riguarda il taglio strettamente tematico: chi cerca in queste pagine una disamina accademica sulla tecnica del colore, sulle influenze stilistiche dei soggiorni napoletani o romani, o sulla filologia pura del tratto pittorico di Patini, rimarrà parzialmente deluso. L’analisi formale cede quasi totalmente il passo a quella del contenuto politico e sociale. Ma questa assenza di tecnicismo scientifico, oltre a rispecchiare un percorso estraneo allo specialismo della storia dell’arte, è una scelta divulgativa deliberata e legittima. De Nicola non scrive per una cerchia ristretta di accademici arroccati nel proprio sapere, ma si rivolge a un pubblico più vasto, a una platea non specialistica, eppure intellettualmente curiosa.

Allo stesso modo, la forte concentrazione del testo sulla celeberrima “trilogia sociale” (L’erede,1880; Vanga e latte, 1884; Bestie da soma, 1886) rischia di mettere in ombra la pur vasta produzione sacra o la ritrattistica minore dell’artista. Anche in questo caso, l’apparente parzialità dello sguardo è funzionale alla tesi di fondo: per confermare la visione del Patini “cronista”, cui si accennava, l’autore seleziona inevitabilmente i suoi reportage pittorici più dirompenti e rivoluzionari, quelli in cui il legame tra l’inchiesta e la tela si fa carne e sangue.

L’erede

Vanga e latte

Bestie da soma

Nella seconda parte del volume, la scena viene quasi interamente occupata dall’uomo: il Patini privato, il “pittore della verità” che, dopo il lungo peregrinare, compie il suo fatidico ritorno alla terra d’origine. È un legame viscerale e tormentato. La città dell’Aquila, che pure diventerà il teatro di una sua straordinaria operosità e il vivaio in cui educherà un’intera e feconda generazione di giovani artisti, si dimostra una madre ambigua: lo onora, lo accoglie, eppure mostra di non comprendere fino in fondo la coerenza di un programma che era rigorosamente morale prima ancora che estetico.

Sentendosi forse straniero in quella pur generosa città, il maestro avverte il richiamo ancestrale delle origini e sceglie di riabbracciare la sua Castel di Sangro. È in quel paese natio, specchiandosi negli occhi di una miseria atavica e fiera, che Patini aveva attinto la materia prima per le sue tele; ed è lì che ritrova la linfa del suo indomito impegno civile.

Il sipario della vita si chiuderà tuttavia a Napoli, il 16 novembre 1906, in un congedo dal mondo che ha il sapore di una parabola laica e dolente. Sul suo tavolo da lavoro rimarrà un piccolo disegno incompiuto, un’ultima traccia di grafite che sembra quasi riassumere e sigillare il senso profondo della sua intera esistenza di cristiano senza chiesa, di credente degli ultimi: il profilo appena accennato di una Madonna con Bambino. Una Madonna del popolo, estremo e commovente omaggio a quella sacralità della sofferenza umana che aveva inseguito per tutta la vita.

In questo denso saggio, Angelo De Nicola dimostra ancora una volta di non voler essere un semplice contemplatore del passato. Come già accaduto nelle sue precedenti fatiche letterarie – si pensi all’impegno, fin troppo generoso, profuso in favore di un’anima complessa come quella di Celestino V – la sua scrittura punta a scuotere la storia, convertendo la memoria in un vivo motore di riscatto e di identità per la sua gente. Restituendo così a Teofilo Patini la veste più autentica di primo, vero narratore civile dell’Italia post-unitaria – un uomo capace di usare i colori al posto dell’inchiostro – questo prezioso volume spazza via la polvere della retorica che avvolgeva un gigante del pennello, generato da questa nostra magica terra d’Abruzzo, e ci invita a fare definitivamente i conti con la forza etica delle nostre radici.

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A cura di Elisabetta Licordari

Il Maestro Tony Esposito si presenta in veste di pittore esponendo le sue opere nella mostra che si terra’ presso il Teatro – Casa del Municipio Roma IV – “Ipazia Di Alessandria” V.le Rousseau, 90 Roma (zona Kant – Nomentano) dal 1° all’8 Dicembre 2024 ore17.00-20.00

Il noto artista connotato per le sue attività di percussionista, di compositore e di musicista

che ha collaborato con gli artisti più importanti del panorama musicale italiano e internazionale si presenta a noi  come pittore, aprendo la porta di un suo altro intimo talento: la Pittura.

Ha frequentato gli studi dell’Accademia delle Belle Arti di Napoli  studiando l’arte antica, moderna e contemporanea e acquisendo le diverse tecniche pittoriche che gli trasmettono la capacità di sviluppare uno  stile tutto personale, EVOCATIVO E SIMBOLICO.

I suoi innumerevoli viaggi in Africa si leggono nei suoi quadri attraverso una rappresentazione della realtà fenomenica in chiave di sperimentazione dei colori e delle forme. La superficie pittorica appare intrisa di significati antichi trasformati in visioni METAFISCHE.

L’artista ci presenta il mondo africano con tutte le sue tradizioni tribali e allo stesso tempo ci catapulta in una dimensione tutta a colori dove sfilano tamburi, totem , amuleti, in un groviglio di segni e di forme con un denominatore comune: un vorticoso senso di gioia per la vita.

Questa è l’emozione sensoriale che si prova davanti ad una composizione del Maestro Esposito: l’esaltazione dell’esistenza umana, il rispetto per le diversità di culture,  di genere e di etnia.

Le sue opere affermano che tutti gli uomini sono uguali, conviventi di un mondo impreciso e irregolare ; le sue tele ci raccontano il mistero  dell  ’Universo al ritmo dei colori, delle forme e dei suoni dei tamburi che tanto permeano la vita dell’Artista.

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di Anna Manna *

SPOLETO – Nell’ambito del progetto I GRANDI DIALOGHI NEL WEB – POESIA E PITTURA, si sta svolgendo ormai da un anno, con vari eventi, l’Omaggio a Spoleto. I pittori hanno dipinto sui versi di quattro poeti: Anna Manna, Sandro Costanzi, Liliana Biondi, Mario Narducci. I vincitori per i dipinti ispirati dai versi di Anna Manna e Sandro Costanzi sono già stati annunciati in estate. Al terzo incontro “Poeti e Pittori per l’Omaggio a Spoleto” scocca la scintilla della questione femminile in un clima fino ad ora riservato solo alle emozioni ed ai ricordi musicali. L’occasione è la poesia della poetessa aquilana LILIANA BIONDI, docente universitaria, saggista, vivacissima nell’attività letteraria di diffusione della cultura e presente in molte giurie dei più importanti premi letterari italiani ed abruzzesi.

All’invito a dipingere sui versi della poetessa aquilana hanno risposto con slancio le pittrici ed i pittori di Spoleto. La vittoria è andata all’artista GINO MEDDI, titolo dell’opera: La Femme Fatale, olio e acrilico su tela 50×70 – anno 2024. Il dipinto,ispirato dalla poesia “Spoleto ritrovata” vergata da Liliana Biondi, rappresenta Lucrezia Borgia nel periodo in cui ha soggiornato presso la Rocca Albornoz, nel 1499, come Governatrice del Ducato di Spoleto. Il secondo posto, ex aequo, è delle artiste NATALIA GERMANI e ROMINA HYKA. Il Premio Speciale fuori concorso è attribuito a MARIA GIOVANNA NARDUCCI, laureata presso l’Accademia di Belle Arti dell’Aquila e docente di Storia dell’arte presso il Liceo Scientifico “Andrea Bafile” dell’Aquila.

Con la sua poesia LILIANA BIONDI ha introdotto con i versi il ricordo di un personaggio, Lucrezia Borgia, legata a Spoleto. Così aveva scritto la poetessa Liliana Biondi, nota saggista, all’invito di Anna Manna a scrivere versi per Spoleto: “Grazie, Anna carissima, per avermi dato più possibilità di tornare nella bella Spoleto, di cui avevo romantici ricordi giovanili. E grazie per il tuo invito: nella mia poesia ho voluto, tra l’altro, esaltare la bella Lucrezia Borgia, figlia di papa, sposa a 12 anni e duchessa di Spoleto e Foligno, che proprio a Spoleto dette alla luce il figlio Rodrigo, passata nei secoli come una peccatrice, e alla quale la storia recente sta rendendo onore e gloria per la sua saggezza, intelligenza e fede. L’arte parla con voce personale e universale: la voce del singolo artista, raccolta e condivisa, diventa voce universale. Poesia e pittura, sorelle sin dai tempi di Simonide, sono interpreti con-cordi, ma non meno personali e non meno universali, tante sono le interpretazioni che a catena cultori e artisti avvicendano nel tempo, rimodellandole e riplasmandole eternamente secondo canoni di bellezza anch’essi in continuo mutamento.”

In pochi versi con la poesia di LILIANA BIONDI la questione femminile entra nel dibattito! Non era facile , bisogna riconoscere, rendere in pittura il concetto che esprime la poetessa e che apre il discorso sulla rivalutazione storica della figura di Lucrezia Borgia. Il dipinto vincitore ci è riuscito perfettamente. Da seduttrice peccaminosa Lucrezia diventa Magistra di arte e cultura. Il suo viso, al centro del quadro, sembra accarezzare e abbracciare il paesaggio. Domina quasi Spoleto, ma con grande compostezza ed armonia, sembra illuminare la città.

Annota la Presidente di giuria EUGENIA SERAFINI: “Lucrezia Borgia era biondissima e aveva i capelli ricci, tanto che un pasticcere, in suo onore, fece una torta con decorazioni che ne ricordano lo splendore dei capelli e a Ferrara questa torta è rimasta come tradizione.” Una giovane donna bella, affascinante ma libertina, peccaminosa, negativa insomma. Il pittore attraverso il viso di Lucrezia, rivisitato e rinnovato, ci racconta dunque un giudizio diverso sulla donna più famosa dei Borgia. Un giudizio che corregge la malvagità dell’epoca estremamente maschilista, che bollava come strega peccaminosa “la donna” intelligente e colta.

Gino Meddi ha colto perfettamente il messaggio della poesia. L’incontro artistico tra il poeta ed il pittore è riuscito perfettamente. Al centro di questa votazione, nel singolare concorso pittorico, c’è stata dunque la figura di una donna che può divenire una rappresentazione dei tempi ostili verso la figura della donna che, oggi, vira invece verso una figura di Domina di arti e cultura. I capelli raccolti con compostezza incorniciano un volto benevolo, quasi materno.

Da una docente universitaria, saggista penetrante e colta, come LILIANA BIONDI, non poteva venire stimolo artistico più valido e stimolante. L’Omaggio a Spoleto 2024 ha fatto sbocciare un dialogo artistico di capacità analitiche non percorse prima. Così il dialogo artistico diventa quasi un approfondimento della Memoria profonda del luogo, un’indagine conoscitiva del territorio e della sua Storia. La cerimonia di premiazione per tutti i pittori vincitori si svolgerà a Spoleto il 1° novembre 2024 in orario pomeridiano, presso la galleria LA BOTTEGA DELL’ARTE di Katy Laudicina, in Corso Mazzini 55.

*ideatrice ed organizzatrice dell’Omaggio a Spoleto

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LILIANA BIONDI è nata a L’Aquila nel 1950. Laureatasi con lode a 22 anni, presso l’Università degli Studi dell’Aquila, vi ha poi svolto attività di ricerca e di docenza per 42 anni, dapprima assegnista di letteratura italiana, quindi come ricercatrice e docente di Critica letteraria e Letterature comparate. È stata inoltre docente incaricata di Italiano all’Isef di Cassino fino al 1998; e di Sociologia dei fatti religiosi presso l’Istituto Superiore di Scienze Religiose “Spes et Ratio” dell’Aquila fino al 2024. Le sue ricerche spaziano dal Trecento alla letteratura contemporanea. Oltre alle monografie su Ludovico Antonio Antinori, Ignazio Silone e Laudomia Bonanni, e a molteplici curatele, le sue numerose pubblicazioni sono presenti in volumi miscellanei, atti di convegno e riviste nazionali ed internazionali. Le due più recenti sono edite sulla rivista «Tempo Presente», Roma, agosto 2024. È inoltre prefatrice e presentatrice di numerosi testi di poesia, di prosa, di teatro.

Studiosa da lunghi anni di Ignazio Silone e di Laudomia Bonanni, è dal 1990 membro del Direttivo del Centro Studi Ignazio Silone di Pescina, e dal 1994 è membro della Giuria del Premio Internazionale Ignazio Silone istituito dalla Regione Abruzzo, giunto quest’anno alla XXVII edizione. Dal 2007 è membro della Giuria del Premio Letterario Internazionale di poesia L’Aquila-Bper intitolato a Laudonia Bonanni. Presiede inoltre, sin dalla prima edizione nel 2003, la Giuria del Premio Letterario Nazionale “Cavallari di Pizzoli” giunta alla XIX edizione. È stata ed è inoltre membro di giuria di numerosi premi letterari italiani, tra cui il Flaiano di Pescara, La Lunaria di Civitella del Tronto, Poesia versante di Falconara Marittima. Socia da anni della Deputazione Abruzzese di Storia Patria, è stata Presidente del Comitato Aquilano della Società Dante Alighieri e Presidente del Soroptimist International Club dell’Aquila; è socia della storica Società Aquilana dei Concerti Barattelli e per anni è stata componentedel suo Consiglio d’Amministrazione.

Approdata alla poesia nel 2000, per caso e quasi per gioco, ma sempre stimata, le sue poesie sono pubblicate su Calendart (dal 2018 al 2014), e su diversi periodici culturali e di poesia dal 2002 a tutt’oggi. Attrice dilettante di teatro dialettale, da sei anni è autrice di testi in dialetto aquilano, in poesia e in prosa, che recita con altri, nel fortunato Festival tutto aquilano di “Sant’Agnese” o delle “Malelingue”. Nel 2008 è stata insignita dell’Onorificenza di Commendatore dell’ordine “Al Merito della Repubblica Italiana” e nel 2022 le è stata conferita la Cittadinanza onoraria dal Comune di Pescina. Gli sono stati conferiti: nel 2003, il Premio “Vern’aprile” di Teramo per la Critica Letteraria Abruzzese; nel 2018, il Premio “Europa Cultura 2018” per la Critica, presieduto da Corrado Calabrò, e la Menzione d’onore per merito di studio dal Comune di Pescina; nel 2019 il Premio per la saggistica “Vendemmia letteraria Spoleto”, presieduto da Anna Manna; nel 2022, a Roma, il Premio d’Eccellenza “Città del Galateo-Antonio De Ferraris” per la critica letteraria. Figura tra le 3000 Beatrici d’Italia: le donne che contano davvero, in «Luna», Milano-Ginevra, ClassEditori, ottobre 2002.

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SPOLETO – Vivace risposta dei pittori a Spoleto all’invito della Galleria LA BOTTEGA DELL’ARTE di Katy Laudicina in Corso Mazzini. Nell’estate rovente, che si è appena congedata dall’ incantevole paesaggio umbro, i pennelli si sono sciolti tra colori e versi alla ricerca di un linguaggio simbiotico tra la POESIA e la PITTURA. In vetrina, in Galleria, per tutta l’estate si sono mostrate le grandi pergamene con le poesie di quattro poeti molto amati nella città di Spoleto.

I poeti aquilani LILIANA BIONDI e MARIO NARDUCCI, il poeta spoletino SANDRO COSTANZI e la poetessa romana ANNA MANNA, ideatrice del progetto IL POETA EBBRO DI COLORI, che ogni anno premia un poeta particolarmente ricco di immagini nei propri versi. Appunto il poeta dei grandi dialoghi.

Presidente di Giuria per l’assegnazione del riconoscimemto IL POETA DEI GRANDI DIALOGHI è la fondatrice del premio ANNA MANNA.

Eugenia Serafini

Presidente di Giuria per i dipinti la pittrice e poetessa EUGENIA SERAFINI, reduce dalla bella affermazione poetica al Premio Camaiore.

Presidente del Comitato d’onore del premio “Il poeta ebbro di colori” è il prof. LUCA FILIPPONI, Presidente di Spoletofestivalart.

Nel 2020, con premiazione svolta in via telematica, l’indimenticabile poetessa JOLE CHESSA OLIVARES vinse la prima edizione come POETA EBBRO DEI GRANDI DIALOGHI e lo scorso dicembre al Centro di documentazione europea all’Università La Sapienza di Roma, FAUSTA GENZIANA LE PIANE ha presentato il dipinto vincitore, ispirato da una poesia della Olivares su Roma.

Per la Poesia nel 2021 vincitore MARIO NARDUCCI ispirò la pittrice umbra GIOVANNA GUBBIOTTI con la sua poesia TORNANO I TULIPANI. Nel 2022 IL POETA DEL GRANDE DIALOGO è stato CORRADO CALABRÒ che ha ispirato con i suoi versi la famosa pittrice MARTINE GOYENS.

Mario Narducci e Anna Mannail 

 

Nel 2023 il progetto si è allargato a 4 poeti, che a luglio hanno donato le loro poesie all’ispirazione dei pittori. Molto seguito il poeta MARIO NARDUCCI, che ha richiamato l’attenzione di più pittori con i suoi versi dedicati a MONTELUCO. Così il poeta ci spiega il fascino di MONTELUCO, luogo incantevole collinare che domina Spoleto.

 Chiediamo al poeta Mario Narducci: cosa accende l’estro poetico a Monteluco?

“La sacralità di Monteluco, che si perpetua da secoli, il mistero del suo bosco, dove ancora sembrano correre, leggiadre, le ninfe della tradizione pagana cui si lega, in modo meraviglioso, con il conventino francescano, il messaggio cristiano (cieli nuovi e terre nuove) nessuna distruzione del passato ma ri-creazione. E’ nel bosco che, proprio in ragione della sua sacralità, fioriscono gli amori, torna la visione di incantamenti primi, sorgono albe e tramonti che segnano lo stupore quotidiano, si succedono le stagioni segnalando palingenesi quotidiane che solo può avvertire chi solo, della natura, è parte viva.”

Risposta vivace dei pittori anche per gli altri poeti, soprattutto per la citazione di luoghi e ricordi del Festival dei due mondi negli anni, nei versi ad esempio di SANDRO COSTANZI, come ci racconta il poeta stesso.

“O beauty ever old and ever old” è la memoria emotiva di una esperienza unica. Domenica 15 luglio 2007, il Festival dei Due Mondi, l’ultimo festival menottiano, il primo postumo alla morte di Gian Carlo Menotti, di cui si eseguì la sua “Missa O pulchritudo”, in sua memoria. Il sole rivelava il Cristo pantocratore che l’oro esaltato nel tramonto innalzava sulla piazza del Duomo, gremita di gente: ero in un giardino pensile a tu per tu con il Cristo e con il suo oro. La gente dall’alto mi sembrava un nutrito esercito di formiche. Il tramonto, la campana del Duomo, le ultime rondini. Due ore eterne di bellezza e poi Gian Carlo Menotti e Thomas Schippers sarebbero diventati da storia reale e vissuta puro mito. “

Spoleto, il Duomo

L’ideatrice ANNA MANNA ha messo in vetrina due poesie dedicate a due luoghi spoletini: la splendida Piazza del Duomo e la bellissima stradina del centro Via Fontesecca. Piazza del Duomo vibra e si presenta nella sua bellezza nella poesia All’improvviso una passante. Così ci racconta la poetessa Anna Manna come è nata la poesia:

“Una passeggiata notturna, con la lente della poesia a trafiggere il buio per le viuzze ed i vicoli della famosa città, mi ha dato l’estro per ripercorrere alcuni temi che in POESIA spesso ricompaiono, anche a distanza di molti anni, unendo poeti diversi tra loro. Per esempio la metafora delle occasioni perdute così cara a Baudelaire. La tematica, dopo la famosissima poesia di Baudelaire, è stata poi ripresa dal poeta Antoine Pol, un poeta francese. La sua poesia, “Les passantes” che fu messa in musica da George Brassens, un cantautore, poeta e attore francese, che la incise nel 1972, e divenne una delle canzoni più celebri nell’intera lingua francese. L’aggancio ai nostri giorni per questa tematica è sorprendente: nel 1974 Fabrizio De André la tradusse in italiano e la incise. La metafora della passante per tutti loro fu però un momento di nostalgia, di rimpianto. Ma la mia passante, come figurazione poetica, non rappresenta la nostalgia, il rimpianto… anzi è un rilancio continuo, un inno alla vita che anche al buio ti ripropone un incipit, un’occasione, un filo d’oro a cui aggrapparsi.”

 Così anche attraverso la bellezza di Spoleto, che rinnova ogni anno l’incanto di una scommessa culturale di successo, è possibile esprimere il rilancio della speranza, dopo il periodo buio della Pandemia.  La passante forse è la stessa poesia, la penna poetica per annunciare l’ipotesi di un nuovo amore, un nuovo progetto, una nuova conoscenza… la rivisitazione di un personaggio del passato.

Così ad esempio con la poesia di LILIANA BIONDI, che ha introdotto con i versi il ricordo di un personaggio Lucrezia Borgia, legata a Spoleto. Così ha scritto la poetessa Liliana Biondi, nota saggista, all’invito di Anna Manna a scrivere versi per Spoleto:

Corrado Calabrò con Liliana Biondi

“Grazie, Anna carissima, “novella Lucrezia”, per avermi dato più possibilità di tornare nella bella Spoleto, di cui avevo romantici ricordi giovanili. E grazie per il tuo invito: nella mia poesia ho voluto, tra l’altro, esaltare la bella Lucrezia Borgia, figlia di papa, sposa a 12 anni e duchessa di Spoleto e Foligno, che proprio a Spoleto dette alla luce il figlio Rodrigo, passata nei secoli come una peccatrice, e alla quale la storia recente sta rendendo onore e gloria per la sua saggezza, intelligenza e fede. L’arte parla con voce personale e universale: la voce del singolo artista, raccolta e condivisa, diventa voce universale. Poesia e pittura, sorelle sin dai tempi di Simonide, sono interpreti con-cordi, ma non meno personali e non meno universali, tante sono le interpretazioni che a catena cultori e artisti avvicendano nel tempo, rimodellandole e riplasmandole eternamente secondo canoni di bellezza anch’essi in continuo mutamento.” In pochi versi con la poesia di LILIANA BIONDI la questione femminile entra nel dibattito!

I risultati sorprendenti dell’incontro spoletino tra poeti e pittori saranno esposti ai primi di novembre nella Galleria LA BOTTEGA DELL’ARTE. I pittori che hanno già consegnato il proprio dipinto in Galleria sono: MIRIAM BELLON, LAURA BORDI, STEFANIA CAPPELLETTI, NATALIA GERMANI, ANDREINA GOBBETTI, GIOVANNA GUBBIOTTI, ROMINA HYKA, LINDA LUCIDI, KELITA PANNACCI, MARCO ANTONIO SORCETTI, DONATELLA TOMASSONI.

Ma ancora ci sono artisti all’opera, fino ai primi di dicembre, quando i poeti ed i pittori si incontreranno nella Mostra, allestita con slancio e competenza da Katy Laudicina. La proclamazione dei vincitori si svolgerà a Roma nel secondo evento del Progetto, che probabilmente verrà organizzato per San Valentino.

Chiediamo alla Presidente di Giuria del concorso per pittori, la poetessa e pittrice EUGENIA SERAFINI, come vede questo interessante progetto:

“Oggi mi interrogo: ma vale veramente la pena continuare a dipingere, a scrivere, incontrarsi come fantasmi garruli in giorni di caos violento in tante parti del mondo, giorni che non seguono più il ritmo delle stagioni, alba zenit tramonto, schiusa dei semi e fiorire degli alberi. Giorni dove le stelle non sono stelle ma razzi mortali, le case macerie, le scuole deserte, i mercati, i caffè e le piazze luoghi di strazio dove l’unica eco è il grido, il pianto? Vale la pena? Eppure qualcuno, qualcosa mi sussurra: è in questi giorni che il SOGNO PUÒ SALVARCI dal nostro Inverno interiore! E dunque apriamoci a questa SPERANZA, portando ancora nella società, tra la gente, con forza prorompente l’energia vitale e pacificatrice dei colori, della poesia, della bellezza.”

 

Photocover: la bottega dell’arte con katy Laudicina, Mario Narducci, Anna Manna, Giovanna Gubbiotti, Goffredo Palmerini

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LA STRADA LUCANA DEI COLORI – Eva Fischer: Mostra Diffusa

Sarà la Basilicata ad ospitare quest’anno una particolare mostra personale, anzi quattro, di alcune opere di Eva Fischer.

Si tratta di una mostra diffusa intitolata “La strada lucana dei colori”, che ospiterà – nelle sale del Comune di Potenza ed in quelle di Ruoti, Avigliano e Muro Lucano – più di 70 opere litografiche e di incisioni della famosa pittrice italiana ma anche mitteleuropea, venuta a mancare a Roma nel 2015, a quasi 95 anni di età.

L’assessore alla cultura del Comune di Ruoti, Felice Faraone, ed il responsabile di ABEF, Alan Davìd Baumann, hanno introdotto l’evento durante la conferenza stampa on-line che si è tenuta nella mattinata del 13 luglio. Si è voluto creare un particolare percorso culturale immerso nella provincia di Potenza e per questo si parla di mostra diffusa, dove le opere di Eva Fischer, per la prima volta esposte in Basilicata dopo i successi in oltre il centinaio di personali in giro per il mondo, avranno il loro delinearsi in quattro diversi luoghi significati della Lucania.

Il primo vernissage si terrà alle ore 18.00 del 5 agosto 2023, presso gli spazi della Chiesa del Rosario di Ruoti. Assieme alla Fischer, per scelta dell’Archivio Baumann e Fischer “ABEF”, verranno esposte anche le opere di un artista ruotese, Gennarino Sileo, grande amico e medico della famiglia di Eva, ma nello stesso tempo e ad insaputa perfino di molti ruotesi, validissimo e particolarissimo pittore. Le opere di Sileo sono di proprietà della nascente “Eva Fischer Foundation”.

Seguirà alle ore 11.00 del 6 agosto, l’inaugurazione presso il Chiostro Palazzo di Città di Avigliano.

Il vernissage del 7 agosto (ore 18.00), presso il Palazzo della Cultura e Turismo di Potenza, sarà un prorogo della mostra di olii della Fischer sulla Shoah, che si terrà nel Giorno della Memoria del 2024.

Il quarto vernissage avrà inizio alle ore 11.30 dell’8 agosto, nella nuova sede UNITRE di Muro Lucano.

Litografie ed Incisioni, spesso erroneamente confuse come semplici “fotocopie”, sono invece il frutto di duri lavori. Quasi tutta l’opera della Fischer verrà esposta in quest’occasione.

La mostra diffusa di Eva Fischer “La strada lucana dei colori”, si terrà dal 5 al 20 agosto 2023 ed è stata patrocinata dai Comuni di Potenza, Ruoti, Avigliano e Muro Lucano nonché da “ABEF – archivio baumann e fischer”. Hanno inoltre dato il loro patrocinio morale la Regione Basilicata e la APT Basilicata.

RUOTI

Vernissage

5 AGOSTO 2023

Chiesa del Rosario – ore 18,00

Orari: matt. 9.30 – 13.00 – pom. 18.00 – 20.30

AVIGLIANO

Vernissage

6 AGOSTO 2023

Chiosco Palazzo di Città – ore 11,00

Orari: matt. 9.30 – 13.00 – pom. 16.00 – 19.00 (martedì e giovedì)

POTENZA

Vernissage

7 AGOSTO

Palazzo della Cultura e Turismo – ore 18,00

Orari: matt. 9.30 – 13.00 – pom. 16.00 – 19.00

MURO LUCANO

Vernissage

8 AGOSTO 2023

Nuova sede UNITRE – ore 11,30

Orari: matt. 10.30 – 13.00 – pom. 18.00 – 20.30

Maggiori informazioni su www.evaifscher.com – www.evafischere.foundation

Il volume sulle litografie e le incisioni di Eva Fischer, può essere acquistato a questo link:https://www.amazon.it/dp/8898408889/ref=cm_sw_r_apan_dp_2BSYK21N2R0140TQXS3W

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nella magica atmosfera del Festival dei due Mondi, il Premio I GRANDI DIALOGHI ha organizzato, presso la Galleria La Bottega dell’Arte di Katy Laudicina, un pomeriggio letterario che ha raccolto un pubblico scelto, soprattutto artisti del pennello e poeti. L’occasione è stata la presentazione del libro di ANNA MANNA “Questa mattina-24.02.2022”, nell’ambito della tematica “L’ARTISTA E IL PROPRIO TEMPO”.

L’attualità del libro, pubblicato da Tabula Fati a febbraio scorso, ha riunito a Spoleto relatori di alto profilo: la scrittrice LILIANA BIONDI, docente di critica letteraria all’Università dell’Aquila, la poetessa ANNA MARIA GIANCARLI, presenza di spicco in Italia per la poesia e per le iniziative di poesia multimediale ed elettronica. Le relazioni di entrambe, che hanno saputo tracciare un’indagine storico-letteraria di grande spessore, saranno riproposte a Roma in autunno per la seconda presentazione del libro.

 Ha condotto l’incontro, con garbo e discrezione, il poeta SANDRO COSTANZI, notissimo nella sua Spoleto dove guida i “Poeti di raggio di maggio”. La scelta delle poesie, da lui citate e lette, ha molto colpito i presenti, individuando una chiave di lettura sorprendente. Bellissimo l’intervento dell’Ospite d’onore GOFFREDO PALMERINI, che si è concluso con una lettura recitata della poesia “Ave Maria dei naufraghi”, pubblicata nel libro “Questa mattina”. Palmerini, noto giornalista internazionale e scrittore, messaggero d’impegno e volontà per un mondo migliore, è stato applaudito anche per la splendida lettura-recitazione dei versi.

Sulle poesie presenti nel libro “Questa mattina” e su liriche e scritti pubblicati sui libri di poesia e narrativa di LILIANA BIONDI, ANNA MARIA GIANCARLI e MARIO NARDUCCIsi svilupperà il Concorso nazionale “IL POETA EBBRO DI COLORI 2023”. Attraverso gli interessanti libri dei citati Autori il concorso intende sviluppare e sollecitare il Grande Dialogo tra la poesia e la pittura. Il bando di questo concorso sarà reso noto ai primi di settembre a Roma nello studiolo della pittrice e poetessaEUGENIA SERAFINI.

I libri in vetrina per i pittori saranno illustrati nell’incontro romano di ottobre. Peraltro il 2 luglio sono già stati proposti i seguenti volumi: Liliana Biondi (a cura) Ignazio Silone, tre racconti di emigrazione, One Group Edizioni; Anna Maria Giancarli, In-Canto per Eloisa, Tracce editore; Anna Manna, Questa mattina –24.02.2022; Mario Narducci, Via delle Bone Novelle. Racconti in quarantena, IAED Edizioni.  

Intanto i pittori a Spoleto sono già all’opera. Infatti, a conclusione della serata, i poeti LILIANA BIONDI, SANDRO COSTANZI, ANNA MANNA, MARIO NARDUCCI hanno donato le poesie che hanno scritto, dedicate alla bellissima cittadina umbra. Ora le poesie sono alla Galleria la BOTTEGA DELL’ARTE di Katy Laudicina per essere lette ed apprezzate nel loro slancio poetico verso Spoleto. I dipinti, ispirati a queste poesie, saranno mostrati a fine agosto alla presidente di giuria EUGENIA SERAFINI che deciderà i vincitori da premiare a settembre nell’evento “Omaggio a Spoleto”, quando con ANNA MANNA, ideatrice e fondatrice del concorso, organizzerà a Roma la manifestazione settembrina.

Tutto questo humus culturale fervido e dialogante si è sviluppato il 2 luglio in una serata indimenticabile in cui i versi, le relazioni critiche, le immagini evocate dalle parole, si sono incontrate in un ideale abbraccio culturale. Così Anna Manna ha commentato la splendida serata:

“Mi resterà nel cuore questo incontro. Spoleto svela e rivela lati di grande charme e raffinatezza. Del resto tanti anni di contatto e scambio con realtà culturali internazionali hanno plasmato il gusto e la sensibilità dei suoi abitanti che dedicano alla cultura ed all’arte la vita e l’impegno quotidiano. La sera del 2 luglio ho sentito aleggiare un’atmosfera di grande raffinata partecipazione. Il pubblico era composto da artisti, cultural promoter tra i quali il prestigioso e amatissimo LUCA FILIPPONI, presidente diSpoleto Festival Art. I relatori di altissimo livello si sono trovati come in una bomboniera profumata ed i loro interventi hanno toccato momenti intellettualmente commoventi. Le parole volavano alte e incontravano i miei umili versi in una dimensione che non dimenticherò. Ancora grazie a tutti.”

Qui di seguito la poesia Ave Maria dei Naufraghi declamata da Goffredo Palmerini, tratta dalla silloge “Questa mattina – 24.02.2022”.

Ave Maria dei Naufraghi

L’arsura cocente della speranza

trascina fino a Te la mia preghiera

Ave Maria, Madre del mare

prendi tu la mia catena

cambiala in vela

fammi navigare

fino a sfiorare i cieli

Stammi vicina col Tuo cuore

azzera le distanze degli oceani

e spacca i muri che ci allontanano

Tu che fosti casa e culla di Dio

Sacro passaggio dal divino alla carne

fammi nascere adesso all’amore del mondo

Ave Maria, Madre degli oceani

racchiudi in ogni piccola carezza

la potenza delle maree

resta a vegliare questa nuova vita

che ogni giorno cerco

arrancando nel buio

Tu che sei intarsio divino

su roccia intiepidita dal dolore

diventa casa di tutti in mezzo al mare

Accogli i disperati sul tuo scoglio

Ululano le tempeste

scardinano gli equilibri dell’anima

l’angoscia avanza tra i flutti

che offuscano il domani

Ave Maria

Madre e Regina del mare

primo sguardo avvinghiato

ai sussurri dell’acqua

salvaci

siamo dispersi tra le onde

Legaci con l’amore gli uni agli altri

Placa le bufere infernali

placa le differenze

dentro i cuori

mostraci il Tuo sorriso santo

fino alla tenerezza

…fino al perdono

Rendici il dono

della comprensione!

​Anna Manna

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L’AQUILA – Le notizie di quanto sta accadendo in Iran accompagnano la lettura della silloge “Un colpo alla testa, era uno zaqboor” di Elham Hamedi, un volume di 40 liriche, pubblicato in questo mese di novembre da Terra d’ulivi Edizioni. Le poesie, in lingua inglese, sono state tradotte in italiano da Fernanda Ferraresso e nel testo pubblicate in entrambe le lingue. Queste modeste annotazioni non hanno la pretesa d’essere una riflessione critica sulla poetica di Elham Hamedi, che sfuggirebbe dalle mie competenze. L’autrice ha una rara sensibilità e una feconda espressione lirica, che ti prende l’anima. Profonda è l’emozione mentre mi immergo in queste liriche.

Questa è una guerra/ tra il sangue nero della mia penna/ e il bianco sospetto di questa carta/ Questa è una guerra/ attraverso le mie lacrime rosse/ che erutta/ dai muri feriti/ attraverso il mio rossetto/ che è rotolato/ nel suolo la voce silenziosa di una donna/ nel rossetto rosso./ Questa è una guerra/ attraverso la pelle spaccata di una donna/ chi si alza impotente./ La sua faccia schiaffeggiata abbandonata a terra/ è un’ombra frammentata che se ne va. (Ombra in frammenti)

Non esiste mezzo più portentoso dei versi, per aprirci le porte dell’anima, perché la Poesia è distillato della voce dell’anima per antonomasia. Rompe barriere, la Poesia, frantuma confini, si libra eterea conquistando orizzonti inusitati, confida le aspirazioni più autentiche, le gioie più profonde, le ansie, i dolori, le passioni e i desideri più reconditi, ma che hanno valore universale. Ci affranca dai rumori del mondo, ci restituisce la dimensione umana, nella sua nudità e nella sua purezza. Se non esistesse la Poesia, ci mancherebbe quella voce dell’anima che muove le corde della sensibilità umana, rivelandoci l’essenza stessa del tratto di strada che ad ognuno spetta nella storia dell’umanità. La poetica di Elham Hamedi arriva diritta al cuore, è un urlo lancinante di dolore, di inquietudine, di sofferenza interiore. E’ un grido di libertà alto e potente. In questo volumetto ancora fresco di stampa Elham Hamedi ci sono versi intensi e sanguinanti, c’è tutto il dolore dell’anima, c’è l’intima rivolta contro la violenza, contro la brutalità e la sopraffazione.

Mi ribellerò/ romperò/ tutte le leggi della convivenza con la natura inanimata/ mi ribellerò/ con le stesse imperfette braccia e gambe/ con le stesse implicazioni invertite dell’essere non essere/ nausea di essere/e masticando costantemente la non esistenza/ mi ribellerò/ catturerò l’anima umana/ da questa palude permanente. (Nausea di essere)

E’ una rivolta morale di una donna che sfocia in una poetica senza eufemismi, netta, trasparente, icastica. Vi traspare un dolore che accomuna tutta quella parte di umanità che ripudia l’oppressione e la cecità umana, oscurata dai pregiudizi e dalla mostruosità del pensiero.

È vietato il sole sulla nostra pelle/ e le ombre delle galassie passano facilmente dalla mia bocca scura./ Senza sorpresa o shock può congelare il nostro corpo./ Senza che la cella segreta turbi la mia mente/ la lama del vento mi ha trasformato in due metà del purgatorio. Dante, ma dove stai a testa in giù nella Via Lattea?/ Come l’inferno succhia l’ombra e il suo silenzio?/ I melograni insanguinati scoppiano nel Giardino dell’Eden/ e le scintille di fuoco/ tra le ceneri delle parole/ giustificano la follia delle mie mani impotenti/ per crocifiggere l’intera mia anima./ Dove sei Dante? Hidden Paradise ha molto dolore./ Il paradiso è gravido di mille feti ignoranti./ L’inferno dietro il punto interrogativo/ ha inghiottito tutte le fiamme./Dove sei Dante?/ Beatrice per un rossetto nero/ è stata lapidata. (Paradiso nascosto)

Raffinata e colta, la sua espressione poetica s’interroga sulle questioni fondamentali, sul senso dell’esistenza umana e sulla sofferenza. Entra nelle profondità del suo essere, ma non s’estrania dall’ambiente in cui vive. Queste le emozioni immediate ad una lettura ancora non ben distillata dei versi di Elham Hamedi. E però il suo grido è già entrato nel profondo.

Angeli di terre lontane!

Dio ha fatto i tuoi capelli d’oro?
I miei capelli sono stati giustiziati oggi
Si riversava sulle spalle nude di un albero
Angeli di terre lontane!
I miei capelli non possono essere la corona del mio corpo?
I capelli sulla mia testa non appartenevano a questo corpo ferito fin dall’inizio della creazione?
Angeli con i capelli biondi!
I miei capelli avrebbero potuto essere di un colore diverso
Angeli dai capelli d’oro delle terre libere!
I miei capelli sono diventati scuri durante una dittatura!
Angeli di terre lontane!
Lascia i tuoi capelli al vento oggi in memoria dei miei capelli morti
Nella mia terra i venti sono stanchi
I miei capelli sono stati giustiziati oggi
E gli uccelli non possono cantare sulle spalle degli alberi accanto al cadavere dei miei capelli
Una ciocca di capelli nella mia terra è un anello della morte sul collo di una donna.

(Questi non sono capelli. 19 settembre 2022)

Le sue liriche trovano una perfetta sinestesia con la sua pittura intensa, con le istallazioni. Elham Hamedi è una grande artista, con una cifra del tutto originale. Le sue tele raccontano frammenti umani in un insieme di cose e oggetti inanimati. Denso e pastoso il tratto, decisi i colori ma senza vivezze eccessive, quasi sconfinanti nel campo informale. Elham Hamedi è nata nel 1967 a Shiraz, in Iran. È un’artista multimediale, pittrice e poetessa, curatrice internazionale E’membro permanente dell’Iranian Visual Arts Scientific Association. Laureata in Ricerca in Arti alla Yazd University, si è poi laureata in Radiologia presso l’Università di Shiraz. È designer della rivista letteraria e artistica “Aghrabeh”. Alcuni dei suoi dipinti e installazioni sono stati ispirati da frammenti di organi umani e dalle loro interazioni con oggetti inanimati. Nei suoi dipinti cerca di stabilire una connessione tra pittura e argomenti medici legati al corpo. Questa relazione intertestuale è associata a temi psicoanalitici. Infatti la psicoanalisi è considerata come il collegamento tra le due aree della formazione di Hamedi, cioè Arte e Medicina. L’artista ha tenuto diverse mostre personali e collettive, in Iran e all’estero. La sua collezione di dipinti è stata recensita nel 2018 da quattro critici iraniani su “Sokhan”, rivista di Cultura e Arte. I suoi lavori sono stati recensiti anche da Rocco Zani, critico italiano, su “WordNews” 2021. Attualmente Hamedi sta collaborando al progetto di Maurizio Esposito sulla rivista Dialogo. Alcune sue poesie sono state pubblicate in italiano su “Transiti Poetici” di Giuseppe Vetromile. Le sue poesie sono state presentate da Fernanda Ferraresso e Paolo Polvani e pubblicate in prestigiose riviste e siti web italiani. Tra queste la rivista letteraria internazionale Forma Fluens, la rivista letteraria Frequenze Poetiche, le riviste Art Magazine e Dialogue Magazine, l’Agenda Poetica 2022, Il no. 52 della collana “I Quaderni del Circolo Letterario Anastasiano” è interamente dedicato a Elham Hamedi.

Fernanda Ferraresso così scrive, tra l’altro, in una nota critica sull’arte poetica e pittorica di Elham Hamedi: “[…]Visualizzare e dare forma a ciò che sfugge, che è aereo, volatile e volubile, ma pervade e intride la materia, è ciò che le opere di Elham Hamedi, sia quelle pittoriche, che quelle letterarie in poesia, cercano di fare, come inchiodando un attimo preciso, che lo sguardo profondo ha colto, senza confondersi con il tempo  in cui si vorrebbe trovare il senso per sintetizzarlo in un solo significato. Tutto resta sospeso. Nel movimento del frammento, afferrato nell’istantanea si coglie l’attimo, l’attimo prima che evolva. […] Hamedi spiega le sue opere, che vanno sotto il titolo di Fragment – Frammenti e afferma che ciò che si vede non è una frattura esposta soltanto, quanto piuttosto ciò che ne consegue, in un recupero dei pezzi, di un corpo scomposto, collocando le parti di cui si forma quasi in un mosaico, in un diverso assemblaggio da cui ciò che si palesa è un dire fermo, inciso in ogni sua parte: 

“Sono memoria e resto ferma anche se tagliata, sbranata e trascendo il corpo per farmi memoria di tutti”. In una composizione solo sua, si fa strumento in cui il singolo si mostra come un coeso abito abitato, anche se corpo in quel caos di parti, testa orecchio piede, sembra voler ingrandire e gridare una affermazione forte. E’ un grande orecchio, un ascolto profondo e labirintico, la vita è l’attimo in cui la percezione interpreta la frantumazione ricomponendola attraverso repertori sonori, tendinee tessiture, intime correnti oscure, scrivendo le sue perle in quell’oceano di caos e caso da cui tutti e tutto discendiamo e in cui camminiamo, attraverso  immagini che non è dato vedere agli altri e sono intime, segrete, sono le perle dentro la conchiglia di chi le ospita in sentieri marini, abissi, dove camminiamo con piedi azzurri quasi con passi danzanti, in punta di piedi. […]

Stare alla frontiera dell’immagine quanto del sentire – annota infine Fernanda Ferraresso – sembra essere per Hamedi il luogo in cui più profondamente guardare, nel territorio di un sé consapevole di ogni mancanza, di ogni distanza, di quelle voci che non smetteranno mai di farsi sentire e abitare la carne, configurando sillabari di incredulità e attenzione acuta, forte proprio di quel sapersi riscrivere, ritessendo in continuo quell’uomo-donna-tutto e niente, contemporaneamente. Incombente vita e morte sono la residenza, in una distanza in cui spazio è quel nuotare affogare e riaffiorare, rifiorire, ferire, lacerati da una forza che è sempre la passione con cui la vita ci prende e noi le rispondiamo, ciascuno dalla propria terra, in cui il sisma dell’esistere non è mai rassegnazione.”

“La poesia riesce sempre a trovare spiragli e vie inaspettate – scrive il poeta e critico letterario Giuseppe Vetromile -, per cantare al mondo intero il senso dell’esistenza così come viene percepito dall’autore, in termini di materialità e corporeità ma anche e forse soprattutto in termini spirituali e psichici. Il panorama e il tempo che fluisce ineluttabile, sono elementi che suggeriscono riflessioni, che incitano domande alle quali il poeta tenta di dare le proprie risposte o motivazioni d’essere. La visione del mondo, fisica o anche psicologica, sociale, religiosa, spirituale, viene elaborata dal poeta, il quale poi costruisce, o meglio ricostruisce, questa visione dotandola di luci, suoni, prospettive, speranze, dolori e anche speranze, in un quadro complesso, articolato e delicato, unico nel suo genere perché è unica e originale la visione filtrata dall’autore. In questa prospettiva si colloca il mondo poetico dell’iraniana Elham Hamedi, artista a tutto tondo, la quale ci offre una visione particolarmente elaborata della sua realtà, che oltre ad aderire pienamente alla situazione storica contingente, assume sicuramente una validità considerevole anche in ambito antropologico e psicologico generale.

La sua poesia, infatti, si frammenta e si ricostruisce continuamente, e come i tasselli di un puzzle gigantesco, raggiunge la compattazione del quadro solo al termine, quando l’azione propositiva dei suoi versi afferma e conferma l’idea generatrice, il suo progetto poetante. E così, Elham Hamedi costruisce il suo mondo poetico riempendolo di figure simboliche apparentemente inanimate, come strade, grattacieli, manichini, vetrine, terre e pietre, ma anche utilizza parti del corpo che, staccate, indipendenti, acquistano vita propria, soffrono, si dolgono, cercano orizzonti di libertà e di affrancamento dalle costrizioni di una quotidianità derelitta e opprimente. […] Una poesia dunque dai contenuti fortemente simbolici e metaforici – conclude Vetromile –, che si snoda attraverso visioni e storie frammentate, colme però di una umanità dolorante e desiderosa di aperture, di sbocchi liberatori, come di un ruscello che impetuosamente cerca di raggiungere il mare. La poesia è un modo di dire le cose del mondo e della storia, un modo onesto e sincero, che offra spunti di riflessione e che raggiunga direttamente il cuore e l’anima dell’altro, coinvolgendolo e suggerendogli realtà altre, diverse dalle proprie, e per questo la poesia è “ponte” tra culture diverse, tra visioni del mondo diverse. E la poesia di Elham Hamedi è anche tutto questo!”

Prendo qualche lacerto da una bella recensione di Paolo Polvanis ulla poetica di Elham Hamedi. “Il corpo è il paradigma attorno al quale s’incardina il discorso poetico di Elham Hamedi – scrive tra l’altro Polvani –. Un corpo a volte evocato nella sua interezza, più spesso sezionato, frammentato, ridotto a dettaglio. Una volontà indagatrice riscontrabile anche nell’ opera pittorica, di sapore espressionista, dove il colore è assimilabile a un grido e i frammenti del corpo si offrono illuminati da una luce viva.Radicarsi nella realtà, spostarsi nello spazio, liberare le energie creative, rapportarsi al presente e confrontarsi con quello che c’è, tutto questo è in strettissima relazione con il corpo, avviene in funzione e grazie al corpo. […] So che la lingua iraniana possiede raffinatezze dolcissime e infinite sfumature di suoni, e che sicuramente nei passaggi dalla lingua originale all’inglese e infine all’italiano va persa purtroppo la musica dentro la quale la poesia è stata generata.  Contiamo però che Elham nella sua gentilezza ci faccia dono di una lettura e che questa lettura possa circolare tra chi avrà il piacere di passeggiare dentro i suoi versi. Resta comunque una poesia intensa, ricca di improvvisi bagliori e coloratissima – tutta la mia presenza blu -, con rimandi all’opera pittorica, altrettanta interessante e avvincente. Una poesia che parla dell’incompiutezza e della difficoltà di accettare il presente, e tuttavia felicemente, pervicacemente aggrappata alla necessità della creazione: – ma la parola è qui,/ ubriaca e spericolata/ nella sicurezza delle mie labbra -.

Elham Hamedi è stata selezionata per la partecipazione alla Biennale d’Arte Contemporanea della Murgia, svoltosi a Palazzo Lanfranchi, una delle sedi dei Musei Nazionali di Matera E’ stata tra i 167 artisti provenienti da Italia, Svizzera, Turchia, Germania, Giappone, Russia, Estonia, Ucraina, Francia, Grecia, Cina, Bulgaria, Spagna, India, Iran, Lituania, Canada, Stati Uniti, Argentina, Australia. Più artisti insieme,in una fusione virtuosa di antico e moderno e un comune denominatore: onorare le vittime di tutte le stragi e farsi costruttori di pace. Un connubio di linguaggi diversi e complessi, specchio della globalizzazione attuale sempre più presente anche nelle nuove tendenze artistiche. Hamedi ha partecipato inoltre alla Mostra “Green Image Joseph Beuys 100” presso la Pinacoteca Civica di Palazzo Moncada a Caltanissetta. Nel 2022 Elham Hamedi ha partecipato alla IXX Esposizione Internazionale d’Arte – AamA, co-ospitata da otto musei: Musée de Portimao (Portogallo), L’Entrepôt Galerie d’art (Principato di Monaco), Contemporary Art Museum and Art Center Bitola (Macedonia del Nord), ‏Kyungpook National University Art Museum, Bukgu – Daegu (Corea del Sud), El Castillo Museo de Monteagudo de las Vicarias (Spagna), Cang Art Museum, Hangzhou (Cina), Villa Biancardi, Zorlesco (Italia).

In campo letterario Elham Hamedi è stata una delle poetesse selezionate per partecipare a Procida al First International Iside IX Edition – Literary Arts 2021, ed è una delle vincitrici del Premio International 2022 “Women For Culture and For Peace“. E’ inoltre membro esecutivo della Writers Capital International Foundation. È Ambasciatrice dell’IFCH, Ambasciatrice di Pace e membro del Consiglio di Amministrazione del Poetry and Literature World Vision. Hamedi è tra gli autori della casa editrice Les Flâneurs Edizioni, collana “Icons“, nella serie Poetry diretta dal poeta Alessandro Cannavale e presente in diverse antologie di poeti (in Italia, Albania, Belgio). Nel 2022 le sono stati conferiti il Premio internazionale “Le Nove Muse”, a Venezia, e a Montecatini Terme il Premio internazionale “Il Canto di Dafne”, prestigiosi concorsi letterari di cui è presidente Marina Pratici, poetessa insigne e saggista, e presidente internazionale è Hafez Haidar, candidato al Premio Nobel per la Pace e per la Letteratura.

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ROMA – E’ partito il Premio “IL POETA EBBRO… DI COLORI”, ideato dalla poetessa Anna Manna nell’ambito del progetto culturale #IGRANDIDIALOGHINELWEB. Il grande abbraccio tra la Poesia e la Pittura si svilupperà attraverso lo scambio artistico tra poeti di fama internazionale e pittori che vorranno ispirarsi ai loro versi meravigliosi che, in molte poesie,riconducono al paesaggio italiano. Giudicherà le opere dipinte appositamente per questo originale concorso la pittrice Eugenia Serafini, Presidente di giuria per la Pittura. Gli altri membri di giuria saranno resi noti al momento della premiazione.

Per questa edizione si renderà omaggio a sei regioni italiane, per prima l’Abruzzo, che ha una presenza significativa nel premio con la presidenza di Giuria del poeta aquilano Mario Narducci, per la Sezione Letteratura, in onore del padre della poetessa, lo scrittore Gennaro Manna, nato a Tocco Casauria (Pescara), dal quale la figlia ha ereditato l’impegno e l’amore per la letteratura. La Giuria della Sezione letteraria è tutta aquilana! Oltre al presidente Mario Narducci, poeta scrittore e giornalista, la Giuria è composta da Liliana Biondi, scrittrice e docente universitaria, donna di cultura di grande spessore e operatrice in significative iniziative culturali che trattano la figura femminile nel mondo dell’espressione letteraria; Goffredo Palmerini, scrittore e giornalista noto a livello internazionale (reduce dai successi del suo ultimo libro “Mosaico di Voci”); e Clara Di Stefano, poetessa pluripremiata.

Il tema protagonista del Premio “Il poeta ebbro… di colori”, edizione 2022, sarà il Mare, con uno sguardo particolare al mare italiano. Ed in particolare il mare della Calabria! Vuole essere un omaggio al poeta calabrese Corrado Calabrò, il poeta del mare, vincitore assoluto del Premio “Il poeta ebbro… di colori” 2022 con la sua poesia “Lo stesso rischio”, una lirica ebbra del profumo e dell’abbraccio con il suo mare. E del mare come tematica universale.

Seguono poi la Sardegna, in omaggio alla poetessa sarda Iole Chessa Olivares, vincitrice dell’edizione 2020, la Campania,regione d’origine del poeta Francesco Agresti, che ha ricevuto l’omaggio alla carriera nel 2018, e l’Emilia Romagna in onore dell’Ospite d’Onore che allieterà la cerimonia conclusiva 2022, l’insigne poeta modenese Sergio Camellini. Qui di seguito il regolamento dell’edizione 2022 del Premio.

PREMIO IL POETA EBBRO…DI COLORI 2022 – RISERVATO AI PITTORI – REGOLAMENTO

Modalità e termini per la partecipazione

Si può partecipare con un massimo di due opere figurative a tema, ispirate alle poesie dei poeti e delle regioni qui di seguito indicati:

Le misure delle opere non dovranno superare cm. 70 x 100. Se tuttavia sono opere già completate in passato, abbinabili ai versi del poeta scelto, potranno avere dimensioni libere.

I pittori invieranno due fotografie in formato jpg, non inferiori a 1MB, per ciascuna opera, unitamente alla descrizione del dipinto in formato Word (titolo, dimensioni, tecniche impiegate e descrizione dell’opera), specificando la poesia che ha ispirato l’artista.

Si possono richiedere i testi delle poesie alla seguente email: anna.manna20@virgilio.it.

I testi si trovano peraltro pubblicati sulla pagina facebook di Anna Manna.

Le foto vanno inviate esclusivamente a mezzo email all’indirizzo  anna.manna20@virgilio.it, specificando nell’oggetto a lettere chiare OMAGGIO A ……………. (Nome del poeta che ha ispirato il dipinto).

I vincitori e i finalisti nel giorno della premiazione dovranno portare con sé la relativa opera presentata al concorso e selezionata dalla Giuria, che verrà esposta al pubblico. Le opere restano di proprietà degli artisti che le hanno create.

Termine per la partecipazione

Il materiale dovrà essere inviato entro e non oltre il 30 Aprile 2022, unicamente a mezzo e-mail.

La finalissima si svolgerà a Roma in sede prestigiosa, in data compatibile con l’evoluzione della pandemia.

Tutti i pittori partecipanti saranno citati nei comunicati stampa e riceveranno attestato di partecipazione.

Qui di seguito i Poeti e le relative poesie da cui gli Artisti potranno trarre ispirazione per la creazione dei dipinti.

​​​​​​​​​​​​​OMAGGIO AL MARE

Poesia di CORRADO CALABRÒ

Vincitore assoluto per la poesia del Premio 2022

Lo stesso rischio

 Razionalmente, certo, il mare è un rischio;

ma io non l’ho mai sentito come tale.

 Il mare va preso come viene

così, con la sua stessa inconcludenza :

portando verso il petto, a ogni bracciata,

un’onda lieve che non si trattiene.

 Non c’è altro senso nel tendere al largo,

dove l’acqua è mielata dal tramonto,

se non di tenere la cadenza

fino a quando stramazzano le braccia

e spegnere nel mare il desiderio

di raggiungere a nuoto la soglia

che segna il limitare a un nuovo giorno.

 Se allora ci si gira sopra il dorso,

come pescispada dissanguati,

agli occhi gonfi d’acqua e indeboliti

spalanca il cielo la sua occhiaia vuota :

ma il corpo sta sospeso in un’amaca

che lo sorregge come si è riamati

nell’età antecedente la ragione.

Passata quell’età, l’amore è un rischio,

infido quanto più ne ragioniamo.

 Al mare si va incontro come viene,

in un’illimitata inconcludenza,

sentendosi lambire a ogni bracciata

da una carezza che non si trattiene.

 E’ una scommessa tutta da giocare

fino alla sua estrema inconseguenza.

La cosa più penosa è far le mosse

sulla battigia, invece di nuotare.

OMAGGIO ALL’ABRUZZO

Poesia di MARIO NARDUCCI

Presidente di giuria per la Sezione letteraria

Collemaggio

Sopra il colle maggiore

la trina dei merletti

bianchi e rosa

sta Collemaggio

il tempio che conserva

il Povero Cristiano

Celestino Angelerio

nell’urna che papale

accoglie le sue spoglie.

Frutto di un sogno

come sogno splende

al tramonto la pietra

che l’infuoca

l’ultimo sole scende

dietro il colle di Roio

dirimpetto e il volo

folle delle rondini

prima che si spenga il giorno.

Pace gridava l’eremita

e spargeva perdono

cingendo la tiara

la città

ricomponeva i dissidi

ma il vegliardo

più lontano guardava

al mondo ed alle genti

che piegavano il capo

al gesto della Croce.

Cuori di pietra tornano

cuori di carne, il tempo

della quiete si installa

nell’anima

fioriscono i giacinti

di blu e di rosso

e il cielo che si china

sulle umane miserie

che il cuore inaridiscono

e la vita.

OMAGGIO ALLA SARDEGNA

Poesia di IOLE CHESSA OLIVARES

Vincitrice Premio “Il poeta ebbro” 2020

Nell’aria di questa terra

Nell’aria di questa terra

improvviso un fragore di radici

un nascere e morire ancora

nell’imprevisto come nell’altrove.

Perseguita il battito

ingombra i sensi, prova a sillabare

l’intima meraviglia

ma…non può far nido con le parole,

è segreta solitudine,

pura inafferrabile reliquia.

Nel presente

anche i tempi del remoto,

mio esilio ritornante,

il cuore diroccato non si arrende,

nomade, si arrampica ovunque,

anche tra le rondini

non più calde al rintocco delle sei.

OMAGGIO ALLA CAMPANIA

Poesia di FRANCESCO AGRESTI

Omaggio alla Carriera 2018

A Vietri

E’ solo per noi, oggi,

il sussurro del mare.

Le lusinghe, le malie

giungono, cullate dall’onda,

con le prime luci dell’alba

mentre la marina cova

il tuo bel viso,

legato ai sogni e al paesaggio.

Capri ci bacia

dal cuore del mare.

E noi viviamo

come fuscelli indifesi,

sballottati dai sentimenti

che in questa terra

sprigionano soltanto bisogno d’amore.

OMAGGIO ALL’EMILIA ROMAGNA

Poesia di SERGIO CAMELLINI

Ospite d’Onore edizione 2022

Gli apparve una Rossa

Le callose mani

dei contadini

venivano accarezzate

dalle nebbie padane.

Tra quelle brume

nacque un burbero

duro ed esigente

dall’animo nobile.

Fece un sogno

gli apparve una Rossa

dai fianchi snelli

suadente ed aggressiva.

Sirena dal canto inebriante

faceva battere i cuori

desiderata da molti

posseduta da pochi.

Fra tragedie e glorie

il sogno si realizzò

sublimando il genio

che divenne mito: Enzo Ferrari.

Photocover: i poeti e scrittori  protagonisti dell’iniziativa: da sx: Anna Manna, organizzatrice del Premio “Il Poeta Ebbro”, Corrado Calabro’,Iole Chessa Olivares, Sergio Camellini, Francesco Agresti, Mario Narducci.

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Visitare il sito https://www.amaliacesareo.com dedicato ad alcuni  dipinti di Amalia Cesareo che da tempo, con passione e professionalità, percorre la strada della composizione pittorica accompagnata dal maestro Enzo Celi è piacevole. Le opere – in parte conservate in famiglia, in parte donate, anche lontano, in e fuori Europa – illustrano il mare dello Stretto di Messina visitato da Amalia Cesareo nell’infanzia a Torre Faro, poi a Capo Milazzo, in età matura a Scala Torregrotta. Erano conosciute finora in misura parziale e frammentaria, rese note attraverso mostre: tra queste, Malìa 3, la personale di pittura di Amalia inaugurata a Palermo nello scorso dicembre, che ha proposto una versione aggiornata della sua vicenda artistica e umana. Amalia, amante del bello e dell’arte nella sua poliedricità, si definisce “artista ribelle”, che “non ama ricevere direttive”, per un ramo di follia, la vena artistica che è in famiglia e di cui partecipano i suoi due figli Giovanni e Francesco; ed è una creativa che pratica con innata predilezione, unitamente all’arte, anche l’ecologia e la solidarietà con il più debole.

Ci racconta la sua “storia con i pezzi di barca”, la sua follia di “cercare in spiaggia, in inverno dopo una lunga mareggiata, legni – più o meno grandi – così vissuti che sanno di mare, di salsedine, di sole, di vento e di lavoro” e “di ricordi e di emozioni”; si adopera per ridare vita a loro e trasformarli in opere d’arte: pensa “ad un divenire, a qualcosa che c’è già, che è lì”, e vola “libera”, per realizzare senza pennelli ma “con le mani, con le dita” ciò che “il cuore percepisce, suggerisce”. Amalia Cesareo compie un’ascesa interiorizzata, in se ipsa, forse con richiamo alla metafora biblica del cuore umano come luogo dove si compie la riflessione, quando – come spiegava San Paolo – “venendo come a mancare il linguaggio umano, non si può né descrivere né forse pensare …, ed è il cuore dell’uomo che deve ascendere lassù”. La contemplazione dell’immenso mare – un essere vivente insondabile e misterioso, una presenza ora ostile ora ammaliatrice – genera emozione umana e religiosa: a questo ci portano le fatiche vissute da Amalia che raggiunge per strade impervie luoghi sperduti, anche freddi, con venti impetuosi che vi possono soffiare, ma sempre con l’entusiasmo che, da parte sua, ha di gran lunga superato un impegno puramente professionale. Siamo invitati dolcemente a guardare cosa c’è dietro l’opera d’arte, a riconoscere il materiale obsoleto che l’oggetto dipinto era divenuto, a scoprire ciò che esso ora è per le sue potenzialità e per l’altrui cura: la genesi di questi quadri ci suggerisce anche di non credere nei muri, di essere empatici, di correggere il nostro sguardo su penose vicende umane volgendolo sempre con amorevole rispetto. La formula introspettiva e il movimento di ascesa, su cui Amalia modula la propria “storia”, caratterizzano l’avventura dell’anima umana che si solleva in preghiera, contribuiscono ad azzerare la distanza tra noi e Dio.

Nell’atmosfera dello stretto Amalia è interlocutrice del mare, con cui instaura un dialogo intimo, cogliendone il linguaggio specifico. Nei dipinti il mare talvolta è una distesa piatta e calma, è in bonaccia, placido ascoltatore, come in attesa, e l’azzurro dell’acqua è scintillante, l’atmosfera è limpida; altre volte, per improvvisi vortici delle correnti dello stretto, è rumoroso, burrascoso; anche risponde, con la cadenza continua e ritmata delle onde che si infrangono sugli armoniosi drappeggi degli scogli; ed è elemento quasi amico, poiché sia il magnifico paesaggio, il cui “colore” è l’essenzialità, sia una barca  fanno da contorno alle acque, quasi ad arginare effetti devastanti e avversi; non mancano voli di gabbiani striduli a fior d’acqua. L’atmosfera cromatica ha toni incantati, grazie all’uso di una luce diffusa e di “pennellate” morbide e vaporose. Ma anche quando i colori cupi dominano la rappresentazione e la luce non è particolarmente intensa, c’è una barca che segna la possibilità di conclusione a lieto fine, di speranza ben riposta; e la suggestiva magia pittorica del colore ceruleo, uno dei tanti colori poetici di cui si riveste il mare di Amalia, ce ne trasmette la musica, che è quasi espressione dell’uomo interiore integrale esercitando su noi un’azione liberante, formativa in momenti della nostra esistenza, e una funzione unificante, esprimendo il carattere comunitario della vita umana. Il mare dello stretto con il ritmico fragore di onde e il loro riflusso, la sua abbagliante bellezza, nell’estatica contemplazione di Amalia Cesareo appare simbolo della non facile navigazione nel vivere umano. L’approdo, dove Amalia ha gettato “l’ancora”, è una casa che, sulla spiaggia a Capo Milazzo, offre a quelli che vi si rechino il vantaggio del conforto del suo porto; suggerisce – se qualche evento sollevi un giorno contro di noi i tempestosi flutti di questo mondo – l’idea di refrigerio e di ristoro spirituale; persuade a godere – oltre i pericoli della navigazione e placandosi la burrasca – una pace profonda. Dello Stretto, dove il divino Ulisse udì latrare Scilla e vide il gorgo leggendario di Cariddi – descritto con orrore da Omero, Aristotele, Virgilio, Lucrezio Caro, Seneca ed altri – oggi i dipinti di Amalia veicolano il potenziale espressivo della seduzione del mare: per nostalgia, come nella Bimba dagli occhi pieni di Malia. Tutti noi, sull’estremo confin del mare,un bel dì “vedremo”la barca che ormeggia in un porto sicuro: sarà la nave della solidarietà; comprenderemo che la felicità sognata non svanisce. Per il movimento di trascendenza verso l’altro e per la rete altrui in cui siamo, è l’Altro, la Trascendenza ultima, che si profila all’orizzonte. Chi afferma solo se stesso, al punto da negare ogni altro su cui misurarsi, risolve ogni differenza nell’oceano asfissiante della propria identità: nessun uomo è un’isola. Dal pericolo di naufragio ci salviamo con l’etica dell’amore e della speranza, per generosa solidarietà, per un atto di trascendenza di ciascuno verso l’altro, di tutti verso ciascuno, imparando la nostalgia del mare ampio e infinito. La barca, di Amalia Cesareo e nostra, se ricostruita con impegno generoso e convergente da rottami sul mare della storia, se naviga verso una rotta condivisa – cioè il bene comune, come misura e norma dell’agire individuale e dell’intera famiglia umana, scevro di pregiudizi e presunzioni, “verso un radicale cambio di paradigma, anzi … verso una coraggiosa rivoluzione culturale” (Francesco, Veritatis gaudium 3, 29 gennaio 2018) -, è anche un’offerta di luce di fronte alla crisi di senso in atto nel villaggio globale.

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